La estrella de Sevilla de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla en Teatro Alhambra de Granada
Revisando sus producciones, resulta fácil reconocer que a Alfonso Zurro parecen atraerle de manera especial las obras en las que se encuentra presente una tensión entre la política y el ciudadano. Cuando escribe o dirige, es hábil a la hora de representar las diferencias sociales y cómo éstas influyen en la vida de los menos favorecidos. Por eso La estrella de Sevilla, atribuida habitualmente –aunque con no pocas reservas según qué filólogos- a Lope de Vega, viene al veterano director como anillo al dedo. La obra tiene una concepción de tragedia clásica, tan bien plasmada que puede perfectamente utilizarse para enseñar los patrones y recursos habituales del género. Ambientada en el siglo XIII, recoge las intrigas maquinadas por Sancho IV de Castilla al llegar a la capital andaluza para conseguir el favor de Estrella, una bella habitante de la ciudad. Ciego ante la belleza de la joven, hará todo lo que esté en su mano para acercarse a ella. Sus actos de abuso de poder constituirán el motor de la tragedia, que en el texto original están contados de una manera directa, cruda, sin filtros. En el desarrollo de esas intrigas ejerce el director el subrayado social al que yo aludía al principio. A quien, como a mí, le gusten estas obras que basan su tensión en las diferencias de poder, recomiendo un artículo que se puede encontrar fácilmente en la red: “La responsabilidad política en La Estrella de Sevilla”, de Miguel Ángel Auladell Pérez.
El montaje que se pudo ver esta semana en el Teatro Alhambra ha sido nominado en los premios Max como mejor escenografía y vestuario, y como espectador lo considero más que merecido. Curt Allen Wilmer consigue una escenografía bella en su simplicidad, efectiva en su sencillez. Esta Estrella de Sevilla de la compañía de Teatro Clásico de Sevilla es una recomendación, sin duda.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
XVII Festival Internacional de Teatro con Títeres, Objetos y Visual en el Teatro Alhambra
Teatro Alhambra. XVII Festival Internacional de Teatro con Títeres, Objetos y Visual. Del 26 al 31 de mayo.
Más info en: http://www.juntadeandalucia.es
http://www.aaiicc.es
EL ENCUENTRO: la Transición a examen en el Teatro Alhambra.
Resulta lógico que las circunstancias actuales por las que atraviesa España nos lleven a revisar con ojo crítico ese tan apasionante como debatible período de la historia reciente llamado Transición. Como el teatro siempre ha sido un medio privilegiado para dar respuesta y alimento a la realidad inmediata, no ha tardado en ofrecer obras de calidad que hagan al espectador testigo de esa revisión histórica. Eso es precisamente El Encuentro: la dramatización de un hecho histórico que nos invite a debatir el momento actual.
El texto de Luis Felipe Blasco, que le hizo ganador del premio andaluz de teatro en 2014, recrea un imaginario encuentro entre Santiago Carrillo y Adolfo Suárez —aunque el autor se cuida de que las identidades no queden nunca explícitas, solamente sugeridas— en el difícil momento de acercar posturas y sembrar el camino hacia la democracia. A lo largo de una noche de diálogo franco y tensión, aparecerán ante el espectador los grandes temas del momento histórico, ya sea a modo de arma arrojadiza o de defensa: ETA, Paracuellos, el asesinato de Carrero Blanco, la posibilidad de la legalización del partido comunista… El diálogo entre el presidente del gobierno con una trayectoria dentro del franquismo más que reprochable y un Carrillo exiliado y con ánimo de venganza es ágil e interesante, meritorio. El autor ha sabido huir muy bien del tono panfletario en el que podía haber fácilmente caído, de manera que el choque de trenes que supone tal encuentro es por encima de todo, y como decía al principio, una excelente invitación a la reflexión. José Manuel Seda y Joxean Bengoetxea están bien en sus respectivos papeles, el primero labrando un Suárez encantador de serpientes, seductor, y el segundo un Carrillo contenido pero firme, una especie de bloque frío abrumado por la desconfianza.
Dirigida por Julio Fraga, se asiste a una puesta en escena sencilla, efectiva, pensada para explotar los momentos de humor, que actúan como hábil desengrasante de la artillería verbal que se despliega en los setenta minutos de espectáculo. Una propuesta más que recomendable, que hemos podido disfrutar en Granada como parte de la programación del Teatro Alhambra y que seguirá girando.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
Eduardo Guerrero: Los artistas estamos hechos para contar cosas.
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Suma Flamenca?…Háblanos de él…
Es un espectáculo que siempre estaba en mi mente, la idea de volver a mis raíces a mi identidad a la esencia del flamenco. Es un recorrido por los primeros palos del flamenco con los que tuve contacto pero llevados a los tiempos en los que estamos con momentos de fusión pero siempre de vuelta a mis raíces y siempre sin dejar de recordar a mis maestros de los cuales sigo aprendiendo y admirando.
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
El balance ha sido muy positivo desde que comencé mi carrera he tenido la suerte de poder trabajar con grandes figuras del flamenco y de la danza española mi primer contacto fue con uno de los grandes Javier Latorre del cual he aprendido mucho, luego llegue a la compañía de Aída Gómez una de mis grandes maestras a la cual admiró y sigo compartiendo escenario con ella, después la compañía de Eva Yerbabuena con ella acabo de cumplir 10 años subiéndome a los mejores escenarios del mundo, luego fue con Rocío Molina y eso es fabuloso me encanta trabajar con ella es aprendizaje día a día, luego con Antonio Canales maestro entre los maestros eso fue beber de la fuente del flamenco. Mientras trabajaba con todas estas compañías no he dejado de hacer mis proyectos en solitario algo que ha sido gracias al apoyo de todos ellos. Colaboraciones con la cantante Pasión Vega y aunque se que todavía me quedan muchísimas más cosas que hacer creo que hasta el momento es una trayectoria muy positiva.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
En el año 2013 termine con dos grandes proyectos y sueños cumplidos uno el del premio Desplanté en el Festival de la Unión las Minas en Murcia y la invitación del director del Teatro Bolshoi de Moscú el gran bailarín Vladimir Vasile. 2014 comenzó con una gira por New York, Miami, Japón y China. He estado presentando coreografías en el Teatro Alberts Holl de Bruselas, acabo de estrenar un espectáculo llamado «Unión» donde nos hemos reunido los ganadores del festival de la unión estrenado en Granada en el Teatro Alhambra dentro de la programación Flamenco viene del sur. Este año también he pasado por las tablas del Tablao Corral de la Moreria en Madrid.
¿Qué te parece la programación de SUMA FLAMENCA?…
Es una programación muy interesante como su título dice es el festival de la suma de todos los artistas tanto los ya consagrados como los jóvenes que queremos y necesitamos un espacio donde contar nuestras historias y es una escaparate fabuloso. Para mí es una gran oportunidad de poder mostrar a los madrileños mi arte. Suma y su programación también me ha dado la oportunidad de compartir cartel con grandes nombres del panorama del flamenco como José Merce, Carmen Linares, Jorge Pardo etc… Para mí es un orgullo poder estar dentro de la programación y poder pisar el día 27 las tablas del Teatro de la Abadía con muchas ganas de que los madrileños disfruten de mi trabajo en solitario y el día 28 en el Teatro Coliseo Carlos III de El Escorial.
¿Cómo ves el panorama del flamenco en nuestro país hoy?…
El flamenco es hoy patrimonio universal de la humanidad, nos pertenece a todos y cada uno de los que amamos y mimamos este arte y además el flamenco es embajadoro de la Marca España. Cada vez tenemos algo más de apoyo para poder hacer nuestros proyectos y el flamenco, hoy, está llegando a grandes teatros y a todos los lugares del mundo y eso es algo muy importante.
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…
No es que estén mejor ni peor preparados, la danza como todo en la vida pasa por fases y diferentes estados habrá momentos en los que veamos una forma de baile que nos guste pero luego volvamos a buscar algo más sencillo y no tan preparado, es lo que yo pienso; al final siempre volveremos a nuestros principios, lo importante es que cada uno lo haga con su propia visión.
¿Qué es el duende para ti?…
El duende es algo muy difícil de explicar, para mí, sucede cuando estas en el escenario y te sientes como sí no existieras tu persona es algo que se apodera de ti, en ese momento la mente está fuera de sí, es un momento mágico que aparece en el baile, cante o el toque y cuando estoy como espectador lo veo en ese momento en el que descubres la transformación radical del artista, algo que nunca has visto.
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Preparando ahora mismo el espectáculo que presentare en suma flamenca «Re_Torno». El 3 de octubre estaré presentado «El callejón de los pecados» en la Bienal de Sevilla. Cerrando una gira por suiza con mi espectáculo D’Dolores. Trabajando con la bailaora Ursula López con su espectáculo «La otra piel» y también en la nueva producción de Rocío Molina para Francia y la bienal de Sevilla.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?…
Ha sido un golpe muy duro para todos los artistas, esperemos que cuando pase esta situación volvamos a un IVA que facilite a los artistas poder seguir trabajando con mayor comodidad y para que los espectadores puedan volver a ir al teatro con un precio en la entrada asequible al bolsillo de todos. Al final esto nos afecta a todos al que presenta, al programador, a quien contrata, etc…
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
Ay!! Un espectáculo de Eva Yerbabuena por qué en el descubres a la gran artista que es Eva lo recomiendo a todo el mundo.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No pensar que estamos en crisis, los artistas estamos hechos para contar cosas ya sea en estos tiempos o en otros, la cuestión es que sigamos apostando por nuestro arte que es lo más importante .
Emilio Goyanes reflexiona sobre la trayectoria de Laví e bel en vísperas del estreno de La barraca del zurdo en Cuarta Pared
¿Cómo surgió Laví e bel?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Hace 20 años estaba trabajando en la Expo Sevilla 1992 en la Cabalgata de Comediants, después de diez intensos años en Cambaleo de Madrid. Al acabar la Expo tenía claro que quería montar mi propia compañía y decidí hacerlo en Granada. Madrid y Sevilla me venían grandes. Nunca me he arrepentido de esta decisión.
A lo largo de estos últimos 20 años hemos hecho 22 espectáculos más o menos la mitad para niños y jóvenes y el resto para adultos, muchos de ellos de cabaret. Los criterios para hacer un espectáculo han partido la mayor parte de las veces del deseo de comunicar, es decir del capricho. Eso ha tenido dos consecuencias: la primera: a veces hemos acertado y otras hemos pinchado. La segunda: hemos creado un lenguaje propio, sin concesiones, a nuestro modo y eso nos permite hoy tener un equipo que cree realmente en lo que hace.
¿Qué balance haces de estos diez años de existencia de la Compañía?…
La vida de una compañía no es fácil. Hace… escribiendo la historia de esos 20 años, me di cuenta de la enorme cantidad de historias, personas, lenguajes, espectáculos, viajes… que habíamos hecho: Cuba, Colombia, Méjico, Francia, Portugal y todo el país de cabo a rabo. Es realmente una historia épica llena de encuentros y desencuentros, de dolor y alegría, de fracasos que te hunden y de alegrías que hacen venirte arriba. Vivimos en un país donde no es nada fácil, para una compañía como la nuestra, que basa su trabajo en su propia creatividad, sobrevivir. El balance es un enorme cansancio y unas ganas inexplicables de seguir adelante, cada vez con más fuerza.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?
Tengo la sensación de que hemos ido aprendiendo unos de otros como trabajar cada vez con más fluidez y alegría. El lenguaje se ha ido consolidando en un lento proceso. Los actores que hoy están en la compañía, llevan en algunos casos 10 años y cada vez nos ponemos en cuestión menos cosas sobre lo que buscamos y hacia dónde vamos. El camino de la compañía se está decantando en los últimos tiempos hacia el cabaret, con la música en directo en primera línea. Con el tiempo nos hemos hecho más radicales, nos importa menos salirnos del molde, no pensamos ya en ello. Hacemos lo que nos canta, pensando principalmente en el placer del público. Quizás ese sea uno de los elementos más importantes en la evolución de la compañía: la presencia del público.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…
Para nosotros es vital tener unos colaboradores habituales: escenógrafo, vestuarista, iluminador, forman parte de la familia de Laviebel. Me conocen perfectamente, saben lo que busco solo con mirarme. Cada espectáculo tiene un sabor muy especial, muy distinto a los anteriores y ellos saben adaptarse y revolucionarse igual que actores, músicos, técnicos. La verdad es que ahora es un placer abordar un proyecto y meterse en la sala de ensayo. Una pena que la situación nos esté llevando a todos a este estado de agotamiento.
Todo el equipo participa en la creación. ¿Se puede hacer de otra manera?. Yo dejo espacios vacíos suficientes como para que cada uno pueda ocuparlos desde su propia manera de ver. Mi trabajo es que todos caminemos por la misma vía. Ya sabemos todos que esto no es fácil, que implica mucha tolerancia y escucha y renuncia. Ese es el juego.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en una ciudad como Granada?…
Tenemos una sala de ensayo bastante agradable en un complejo industrial de principios del XX, en una antigua azucarera donde hay muchos otros artistas. Granada es una ciudad de un tamaño medio con un número de artistas por metro cuadrado bastante grande, la vida es más barata, el ritmo es distinto a una ciudad como Madrid. Por tanto la presión atmosférica, digamos, es menor. En cuanto al apoyo, tenemos tan poco apoyo aquí como en el resto del país. Ya sabíamos que a las instituciones les importamos poco, pero en los últimos años, con la crisis hemos visto que no les importamos lo más mínimo. Todo lo que hemos conseguido y lo que estamos elaborando ahora mismo, es a pesar de las instituciones.
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante el proceso?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Somos eclécticos y gamberros. Como decía nos llevamos muy bien, nos respetamos y queremos como artistas y seres humanos. A partir de ahí todo es posible. Yo marco las líneas, invento los proyectos, escribo las ideas de partida. Luego todo fluye en un ambiente muy suelto. Todos pueden opinar porque saben que yo tomo las últimas decisiones. Escucho, valoro y decido y eso alivia mucho la presión. No se puede hablar de creación colectiva, sino de una creación en colectivo sobre la que el director tiene un control absoluto. Soy un líder firme y blando a la vez.
Eso marca la línea ética, se podría decir. La estética la marcan las necesidades que traen las ideas, pero la gente dice que está muy claro cuando ven uno de nuestros espectáculos, que es reconocible. Yo aún no sé dónde está el misterio.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Nuestro trabajo, las ideas para los espectáculos siempre han partido de una lectura de la realidad, hemos hecho lo que hemos hecho por que nos sentíamos inmersos en la sociedad. Ahora mismo la agresión que estamos sufriendo como ciudadanos y gente de la cultura es tan fuerte que dan ganas de tirarse a la calle. Esta situación se cuela en nuestros espectáculos de diferentes maneras. LA BARRACA DEL ZURDO es un canto a la resistencia en el oficio, en la alegría, una manera de ponernos en valor, de levantar la cabeza y decir: nuestro oficio es más viejo que el sistema bancario, que la propia política. Será por algo, será porque somos necesarios.
Por otro lado CABARET POPESCU es un canto a la alegría, busca el placer del espectador, busca recomponerlo, levantar su ánimo, en este momento en que el desánimo parece ser una de las principales armas del sistema.
Claro que se puede y se debe hacer un nuevo teatro político, un teatro político poliédrico y sano, artístico y abierto a los tiempos.
Como la mayor parte de los ciudadanos estamos indignados, muy indignados. Dan ganas de… de todo.
¿Ayudan los premios para poder trabajar con mayor libertad?
Los premios animan, uno se siente reconocido en muchos casos por la propia profesión, que valora quizás este largo trabajo, la constancia en un estilo y una forma de hacer y eso está muy bien, pero la libertad es una sensación, un ejercicio constante de reafirmación. Cada día tenemos que decirnos: ¿Y ahora por donde tiro?, ¿cuál es el camino para seguir vivos?, para sobrevivir y seguir vivos. ¿Dónde está el límite de la corrección?… A veces lo conseguimos y otras nos dejamos llevar por el desánimo, luego nos miramos y decimos: Adelante.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
En este momento estamos muy centrados en Granada. Del 6 de junio al 18 de octubre estaremos haciendo varios espectáculos con cena. Cabaret años 30, Cabaret Popescu 2013 y la Barraca del Zurdo, más un concierto para bailar con copas. Todos con el público sentado en mesas y sillas y con una cena espectacular delante. Por otro lado estamos planeando con un esquema parecido varios ciclos cortos en febrero, marzo y abril. En definitiva, estamos generando nuestro propio trabajo y encuentro con el público al margen de la gira.
Por otro lado estamos abriendo una línea de Eventos. Tenemos recursos de sobra para entrar en este ámbito con fuerza y en ello estamos.
Más a largo plazo vamos a montar un cabaret estable, un local elegante y bien armado. Este es el gran sueño. Me temo que quien quiera vernos va a tener que venir a Granada.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…
Ya están afectando de una manera brutal. Al teatro, la danza, la música, el circo, el cine. Es un atraco a mano armada a la cultura. No es ya que no les importemos, es que no les gustamos, eso es evidente. El 21 % en las entradas afecta de una manera impresionante a cualquier proyecto que se base en la taquilla y los recortes en los ayuntamientos, comunidades, etc, los impagos descarnados, no están dejando otra opción. Para hacerse una idea, el Estado se queda una quinta parte de nuestro trabajo, obliga a subir los precios y deja los márgenes por los suelos. Déjame que lo diga con claridad: los políticos son unos cerdos incultos y torpes, insensibles y egoístas. ¿Para cuándo la famosa ley de mecenazgo que nos permita colaborar con las empresas privadas?. Una de dos o no se enteran o lo tienen muy claro. Portugal tiene un IVA si no me equivoco del 13% para la cultura. Me paso el día enfrentando este problema y es indignante como nos chupan la sangre.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Tengo 2 hijas pequeñas y muchos proyectos como habrás visto que atender y que ahora más que nunca me llevan demasiado tiempo, pero de vez en cuando saco un rato para ir al Teatro Alhambra que sigue teniendo una programación magnífica. Con todo sigo acordándome de un espectáculo que vi hace 20 años: Black Rayder de Wilson, con música de Tom Waits. De mayor quiero hacer algo así.
Que Revienten los Artistas 
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