Memoria y pensamiento en el CDN
A veces me doy el gusto de hacer doblete teatral, como se hacía en los cines de sesión continua el siglo pasado. Hoy he hecho un viaje al pasado para recuperar la frágil memoria de nuestra historia y para volver sobre el pensamiento de filósofos que no debería olvidarse nunca.
En la sala de la Princesa del María Guerrero está en programación: Beatriz Galindo en Estocolmo de Blanca Baltés. Una pieza necesaria teatralmente pero sobre todo, imprescindible por la recuperación de unas mujeres que no tuvieron la ocasión para cambiar el mundo cuando en su espíritu y deseo estaba. Sartre deja a unos personajes encerrados en ningún lugar en A puerta cerrada, aquí, en Beatríz Galindo hay otra puerta que no se abre más que en los sueños, en la realidad, se convirtió en ese muro infranqueable que no permitió la libertad de ideas para un nuevo futuro. Blanca Baltés realiza un juego dramaturgico muy sugerente al plantear el teatro dentro de un rodaje cinematográfico, fórmula que le da mucho juego para mostrarnos lo que fue o tal vez pudo ser; lo que en el cine son sueños que se hacen realidad, en la vida se convierten en pesadillas. La puesta en escena de Carlos Fernández de Castro apoya cada situación con sencillez, para que el discurso social no se desdibuje en ningún momento.
En la sala grande del María Guerrero está Voltaire/Rousseau-La disputa de Jean-Françoise Prévand. Una pieza de teatro de ideas pero en el buen sentido de la palabra. El artífice de este proyecto es Josep María Flotats que huye de espectacularidad en la propuesta para centrar toda la atención en ese combate dialéctico que se establece entre los dos personajes históricos. Flotats es muy generoso en este espectáculo porque deja el personaje más teatral en manos de Pere Ponce que está en un momento exquisito como actor. La velada se vuelve deliciosa conforme se instala, en la escena, la íntimidad y el coraje por defender sus ideas; Voltaire la razón y Rousseau el impulso irracional. De golpe, dos personajes de otro tiempo, nos hablan de la dificultad para escucharse, de la intolerancia, el individualismo y la vehemencia. Oyendo su mirada sobre el mundo, su posición frente a los temas importantes parecían las declaraciones de algunos personajes influyentes que, a diario, nos asaltan en los medios de comunicación.
Adolfo Simón
“Diotima” de María Zambrano en La Puerta Estrecha
“Diotima” de María Zambrano, es la última propuesta que podemos ver en la Puerta Estrecha. Esta pieza cobra vida en este particular espacio para hacernos de trampolín a un universo que poco tiene que ver a lo que estamos acostumbrados. Hablar de la propuesta sería un intento en vano para con el uso de la palabra de hoy día. Es la profundidad del trabajo lo que hace que la belleza renazca de los rincones, las líneas del tiempo que dibujan una atmósfera dónde los elementos fortalecen su potencia. Dejarse llevar por el tempo es incontrolable, igual que lo es la construcción imaginativa y sensorial que nos ofrece. Capas, capas y más capas, de lenguajes que encuentran la conexión en una flecha que nos entra por todos lados. Sin duda se trata de la compactación de lo mágico en un discurso que nos recuerdan aspectos tan potentes como la vida, la muerte, el amor, el tiempo y la feminidad, de unas de las grandes filósofoas del siglo XX.
Patricia Jorge
«Solitudes» en el Fernán Gómez
La compañía vasca Kulunka Teatro nos vuelve a presentar Solitudes en el Teatro Fernán Gómez, su segundo montaje tras el aclamado André y Dorine. El drama y la comedia se combinan de manera sutil, dando a las máscaras vida propia, recrean sentimientos y emocionan a través de la gestualidad del cuerpo. Una experiencia teatral que nos hace dudar de nuestras percepciones viendo expresiones en un rostro inerte.
En este espectáculo se habla de la soledad, de la amargura de no ser comprendido y de la amargura de comprender cuando ya es tarde. La escenografía, sencilla pero sugerente,nos sumerge en un viaje sin palabras que sorprende, conmueve e invita a la reflexión sobre la vida y las relaciones humanas.
Luis Mª García Grande
Los amos del mundo de Almudena Ramírez-Pantanelia en la Sala Mirador
Veo varios montajes durante la semana, en teatros comerciales, oficiales y salas alternativas…Y muchas veces me pregunto por la labor del programador…En más de una ocasión me pregunto…¿Por qué esta obra está en este espacio y no en otro?, para bien o para mal, no siempre está lo mejor en los teatros con medios y capacidad de convocatoria. Me pregunto por qué una obra que ha sido galardonada con el Premio Calderón de la Barca en 2016 se presenta en la Sala Mirador y no es porque este espacio no pueda tener una programación cuidada pero…Una obra con ese reconocimiento, con un reparto de profesionales de trayectoria reconocida y con una puesta en escena sencilla pero efectiva…¿Por qué no está dentro de la programación de un teatro oficial?…Es un misterio. Espero que se subsane este error y que tras el paso por esta sala, tenga la oportunidad de ser mostrado en otros teatros de Madrid. Sobre todo porque, además, nos habla de algo que importa hoy…¿Quién es el amo del mundo en nuestro tiempo?…¿Quién sería el amo del mundo si le preguntásemos a un alienígena al aterrizar en nuestro mundo?…Tal vez pensaría que todo está en manos de un mendigo borracho o de una suicida que no soporta el dolor a la vida…o caería en el tópico y pensaría que las riendas las tienen los que manejan el poder y el dinero…Pero…¿Estos están siempre en grandes casas y salones o a veces terminan en antros miserables?…O peor, en manos de aquellos que aman bajo el efecto lumínico de unos fuegos artificiales que no son la luz de la vida.
Adolfo Simón
El sueño de una noche de verano de Marta Pazos en el CDN
Escribo que este sueño es de Marta Pazos porque es más suyo que de Shakespeare, pero no es lo más importante, aunque creo que es interesante ubicar al espectador si va a «ver» la obra del bardo o la versión de una creadora contemporánea, sobre todo porque se evitaría que haya público que se salga de la función, seguramente porque ha ido con una idea equivocada. Me parece necesario sacudir a los clásicos, darles una mirada propia, actual…usando partes o personajes y poner en su boca o su recorrido, reflexiones sobre la identidad y las relaciones humanas de hoy. Otra cosa es donde queda Shakespeare, creo que seguirá tan ricamente en su limbo cultural. En esta ocasión, la propuesta plantea un mundo desvergonzado en el que las relaciones no tienen matices políticamente correctos, como seguramente son hoy y desde ahí, divirtió al público joven asistente que, seguramente, sentía que le hablaban de nuestro mundo al límite, ese en el que una caricia va de la mano de una bofetada.
Adolfo Simón
El árbol del Odin Teatret en La Abadía de Madrid
El Odín Teatro es probablemente uno de los pocos centros de creación que siguen en activo fuera de modas o tendencias contemporáneas. Eugenio Barba lleva décadas investigando sobre los temas que importan a nuestra sociedad y como son mirados con diferentes ópticas dependiendo del orígen de los componentes de cada equipo. Este último trabajo se ha gestado durante meses y el germen del montaje fue reflexionar sobre la violencia en nuestro tiempo…¿Por qué nos afecta tan poco la barbarie diaria?…Todo esto mirado con la espontaneidad de un niño que sueña un futuro o de un viejo que mira el pasado imposible de cambiar. El resultado es una pieza poético-musical que nos anima a mirar el horror como si un cuento sobre la naturaleza humana fuese. Un viaje entre la mística y el miedo a nuestros propios monstruos interiores. El público vive un viaje sensorial en el que, en muchos momentos, es, sutilmente, el protagonista. El Odin Teatret sigue reinventándose proyecto a proyecto.
Adolfo Simón
Karim en los Teatros Luchana
¿Karim es un mago…un humorista…un provocador?…Pues es todo esto y algo más…Karim juega con los límites entre lo correcto y lo incorrecto…no le interesan las medias tintas ni lo políticamente correcto. Juega con el público pero el primero que se expone es él y a todo le da sencillez y facilidad…Uno puede sentir, desde el patio de butacas, que lo que hay delante es un niño grande travieso que se encuentra con amigos para mostrarles sus destrezas y sus torpezas. Un inusual trabajo de magia y humor, donde el límite, lo pone el espectador.
Adolfo Simón
Globoflexia y música clásica para el público familiar
Si, así de opuestas pueden ser las propuestas escénicas para público familiar en Madrid. En el Teatro de la Zarzuela se ha abierto un espacio para los pequeños de la casa y en él, se ha podido disfrutar este fin de semana de una pieza exquisita: Perdida en el Bosco de la Compañía Claroscuro. Un retablo con estética clásica alberga un par de músicos que acompañan en directo con instrumentos de antaño…en el centro, unas marionetas deliciosas van narrando un cuento de superación a través de la belleza.
Y dentro del ciclo Titerescena del CDN, El retreto de Dorian Grey ha presentado Retrete Cabarete, una pieza llena de ingenio y humor donde la globoflexia y la música hicieron las delicias de los asistentes ya que es sorprendente que dos globos puedan realizar una coreografía digna de musical americano.
Adolfo Simón
“Pradillo no se puede pintar de blanco” de Cuqui Jerez
“Pradillo no se puede pintar de blanco” es la propuesta de Cuqui Jerez para el “Espacio para Compartir” del Teatro Pradillo. Una jornada que consiste en un trabajo de investigación que se presenta al final de un periodo de tiempo establecido. En este caso se trata de un trabajo encaminado al uso de la imaginación, ante la imposibilidad de transformar el espacio de negro a blanco. Para ello se nos invita a jugar con los ojos cerrados y adentrarnos a un espacio completamente cubierto por folios en blanco y con unas nuevas posibilidades cómo: la composición atmosférica que crea la luz bajo esta base, el uso cromático de los colores y su propia distribución. Un trabajo que nos acerca a las posibilidades que nos ofrecen el blanco y el negro, y de cómo esta se ven reflejados en los cuerpos que la habitan.
Patricia Jorge
“Mystery Magnet” en Naves Matadero
“Mystery Magnet” es un trabajo colectivo basado en las obras del artista belga Miet Warlop. Se trata de una pieza auténticamente plástica y con un atractivo visual de gran expectación. Invitándonos a entrar a un imaginario mágico, se nos plantea situaciones absurdas y cagardas de humor, dónde la plasticidad de los elementos que se juegan y la composición visual, genera una atmósfera tan artística que toda idea del “arte” llega a ser tangible. Figuras peludas, maniquíes que cantan, dardos y colores por todas partes… son algunas de las piezas que nos presenta este universo que transforman el espacio inerte en un ser vivo, llevándonos al límite de lo posible. La destrucción nunca estuvo tan cerca de la creación, y es eso precisamente lo que nos plantea esta propuesta, un arte que evoluciona creando un lenguaje propio y hechizante.
Patricia Jorge
El Pintor de Albert Boadella y Juan J. Colomer en los Teatros del Canal
Albert Boadella se ha rodeado de un equipo artístico contemporáneo, tanto el espacio escénico e iluminación, como el movimiento escénico y el tratamiento actoral en los cantantes, huye de la fórmula clásica para estar en sintonía con la mirada que se realiza sobre Picasso y su obra. Aquí, como nos tiene acostumbrados Boadella, no pretende mostrar un perfil del genio de la pintura que haga elogio a su trayectoria, más bien busca y argumenta todo aquello que podría suponer descrédito para el autor del Gernika. Un recorrido sobre su vida, saltando de mujer a mujer como elemento perturbador e inspirador de su obra nos muestran a un hombre que pinta con testosterona más que con colores. La ocasión de vender su alma a la comercialidad empuja al genio a desvirtuar su mirada sobre el arte y su evolución. Una propuesta sin grandes alardes, conceptual, centrada en el personaje, su biografía y su conflicto con otros pintores de su tiempo. La música acompaña cada pasaje para ser fiel a esta lectura de uno de los mayores genios del siglo XX.
Adolfo Simón
Bang Bang! Y somos historia en el Teatro Alfil
Tres sujetos irrumpen en un teatro tomando al público como rehén. Usted puede ser uno de ellos…Lo que podría ser una tragedia, aquí se convierte en un disparate para público y actores, perdiendo el límite entre la ficción y la realidad, todo a punta de pistola cargada de delirio y locura.
Adolfo Simón
Escenas de caza de María Velasco en el Teatro Pavón Kamikaze
Alguien regresa a su pueblo. Un rumor incierto lo convierte en el centro de todas las habladurías y, luego, en el “saco de los golpes”. Un actor encarna a la víctima de un rito de persecución donde también tienen cabida la verbena, la matanza y los corazones rotos. Escenas de caza es una pieza de teatro, danza y supervivencia con dramaturgia de María Velasco y dirección de Alberto Velasco. Tras «Danzad malditos» llega la nueva propuesta de este equipo que se ha planteado trabajar en formato laboratorio para investigar sobre nuestra sociedad actual desde lenguajes contemporáneos. En esta ocasión se ha convocado a la autora María Velasco para que construya latigazos verbales con los que situarnos frente a ese espejo oscuro donde nos vemos sin máscaras, sin la mentira como norma constante. Con esa textualidad, con los cuerpos e imaginarios de los actores, Alberto Velasco construye un rito salvaje donde la casquería expulsada de las entrañas del inocente cordero, nos permitirá ir descubriendo las capas de podredumbre que constituye nuestra memoria colectiva. Un viaje al precipicio donde los verdugos se muestras sin pudor y la víctima se esconde tras el terror. Estampas de nuestro mundo civilizado!.
Adolfo Simón
foto: Antonio Castro
Las Tres Hermanas de Sanchís Sinisterra en el Centro de Arte Fernán Gómez
Una de las obras capitales de la dramaturgia universal sobre la decadencia de la clase social privilegiada de Rusia y la búsqueda de su significado en el mundo moderno. La compañía Sala Atrium presenta una reescritura sorprendente y poliédrica realizada por José Sanchís Sinisterra, un ejercicio de funambulista que conecta la época del autor ruso con nuestro mundo de hoy a partir de juegos de teatralidad que permite a las actrices jugar diferentes roles escénicos. Cuando no queda posibilidad de ir a Moscú, solo queda la posibilidad de imaginar, como en un sueño, presencias y ausencias que dan sentido al sin sentido del día a día. Una propuesta intimista y sugerente.
Encuentro con el público: 15 de febrero (al término de la función).
Adolfo Simón
“Astrocaldo y la gran tormenta” de Vaca Teatro en la Cuarta Pared
“Astrocaldo y la gran tormenta” es una propuesta de teatro infantil que presenta la compañía Vaca Teatro. En este caso se trata de un universo único y particular, dónde sus personajes transitan y juegan con la idea del miedo. Sencilla y compleja a la vez, son los dos extremos que comparten la pieza. Se trata de un mundo particular, dónde los personajes desarrollan un imaginario para grandes y pequeños, haciendo de un tema tan adulto, algo lúdico y reflexivo. ¿Qué es el miedo?¿Y cómo me enfrento a él?. Algo difícil de saber y sobretodo de explicar. Pero en este caso, la música, la diversión y el juego; son los grandes aliados para entender que desde la butaca da igual la edad que tengas, cuando del miedo se habla.
Patricia Jorge
Los caminos de Federico de Flor Saraví en La Puerta Estrecha
“Los caminos de Federico” recoge en forma de monólogo textos del autor Federico García Lorca. Se trata de una propuesta que evoca una espiral de amor y poesía, trasladando intensamente, la conciencia a la raíz humana. Con la carga visceral propia de estos textos, la actriz transita por un imaginario que nos traslada a numerosos ambientes que cargan, en la palabra, el poder de abrir la puerta a la comunicación. Cuando resuenan las palabras de este autor algo en la tierra vibra, los aires acarician los campos, y es que hay algo de mágico o misterioso, hace que todo aquel que escuche se embauque en un viaje sin retorno. Un viaje que en este caso nos viene dada la mano por el respeto y la sutileza, que nos presenta Saraví.
Patricia Jorge
Maruxa en el Teatro de la Zarzuela
Estrenada en el Teatro de la Zarzuela, el 28 de mayo de 1914. En la nueva producción del Teatro de la Zarzuela se realiza un canto a Galicia, Maruxa es Galicia. Transcurre en el final del mundo conocido para los romanos, como Finisterre, frontera entre la realidad y la leyenda celta. Los libretos de las zarzuelas pecan de melodramáticos y se centran en historias de amor, en general. La música suele sobrevivir mucho más que las historias; es más placentero oír a la orquesta que seguir muchas veces la trama. No obstante, en esta nueva etapa del Teatro de la Zarzuela, hay gran interés por darle un giro dramatúrgico a las narraciones, para conectarlas con el público de hoy. La Maruxa que se puede disfrutar en estos días en Madrid hay una línea paralela en la puesta en escena que, al fondo de la historia de amor, el poder está tramando también; como metáfora de un tiempo sin medida, el abuso sobre la sociedad. La primera parte de la obra nos muestra apuntes de lo que, en la segunda parte, será el estallido de la línea contemporánea de la historia. Seguramente, al público habitual de este teatro no le resultará cómodo el planteamiento, pero hay que empezar a pensar en los espectadores del mañana que quieren seguir disfrutando de nuestras obras líricas sin que se conviertan en material de museo.
Adolfo Simón
Malas hierbas de Carlos Be en el Teatro Lara
Aunque ‘Malas Hierbas’ es una obra original escrita por el dramaturgo Carlos Be, está inspirada en ‘La Muralla’ de Joaquín Calvo Sotelo y con ella quieren rendir homenaje a la que fuera una obra fundamental para la supervivencia del Teatro Lara hace ya más de medio siglo. Cuando se estrenó ‘La Muralla’, el 6 de octubre de 1954, el Teatro Lara no pasaba por su mejor momento y una situación económica insostenible estuvo a punto de obligar a su gestor a cerrar la sala. Fue el éxito de esta producción lo que permitió abonar toda la deuda pendiente y volver a posicionar el Teatro Lara como uno de los centros neurálgicos de la vida cultural madrileña. A veces, un encargo y más si es para hacer un homenaje puede ser un caramelo envenenado ya que es complicado ser fiel a un material referencial y darle una tratamiento personal y actual. A Carlos Be ya no le queda tecla que tocar en su máquina de escribir, si recorremos su obra hay todo tipo de dramaturgias, desde las propuestas más arriesgadas a las más enloquecidas…llegando a adaptar o versionar, como el caso de Malas hierbas, creando una pieza original con su sello. Además, hay algo que ocurre habitualmente y es que al humor no se le da la misma importancia que al drama cuando es mucho más difícil encontrar el tono y el gag en el humor que la intensidad y la lágrima en el drama. Carlos Be sale airoso de esta astracanada porque nos hace reír con un texto que juega con la teatralidad y además, porque le imprime a la puesta en escena un carácter de alta comedia enloquecida que provocó los aplausos del público tras cada escena. Y, además, el elenco es sencillamente delicioso, donde Carmen Mayordomo vuelve a reinventarse y estar a la altura de un personaje que espero, amplié mucho más su presencia en la escena, por derecho.
Adolfo Simón
Billy de Félix Marchand en La Casa Encendida
Dentro de la programación familiar de La Casa Encendida, este fin de semana se ha presentado Billy, una propuesta en clave de clown contemporáneo que dinamizó al publico asistente. Un grupo de estanterías billy es el punto de partida para una aventura de imaginación y disparate.
Adolfo Simón
“Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío” del Antic Teatre en Pradillo
“Este verano hice parapente y me reconcilié con el vacío” es una pieza escénica de nuevas dramaturgias. Un espacio de investigación concentrado en la composición visual, de carácter video-fotográfico, y sonora. Se trata de una brecha a las nuevas posibilidades que nos proporciona la tecnología del siglo XXI, dando recorrido por un imaginario que unen aquellos tiempos anticuados que hoy día nos atreveríamos a llamar vintage. El uso del lenguaje sonoro como nueva línea de composición se ve alterado con el carácter nostálgico de aquellos casetes que recogían los grandes éxitos del momento. Aquellas canciones que hacían bailar a los loros. Todo ello envuelto en la luminosidad geométrica que nos recuerda a los bits de ordenador, delineando geométricamente con una gran variedad de colores. Un encuadre poco convencional pero con un gran atractivo visual y sensorial
Patricia Jorge
CND a la Carta 2 en el Teatro Kamikaze
Por segundo año, la Compañía Nacional de Danza, en colaboración con nos ha preparado un menú de baile interactivo en el que, se supone, que el público elige lo que quiere ver y que representa la oportunidad de entrar a conocer parte del repertorio de la compañía de una manera sencilla. La propuesta ha tenido éxito y ya están las entradas agotadas.
Presentado por Lluvia Rojo, este año se nos ofrecen cuatro estrenos, dos homenajes y otras obras clásicas que ya hemos visto en el repertorio de la CND. La presentadora de esta carta no es imparcial, como buena chef, ella quiere ver los estrenos, claro, como todo el mundo que es asiduo a la Compañía. Así que, una vez asumido esta especie de «pucherazo», nunca mejor dicho en este contexto «a la Carta», disfrutaremos de los homenajes a Juan Carlos Santamaría con su obra Polvo Eres y de Tony Fabre con Holberg suite.
Entre los estrenos encontramos Odila, de Mario Bermúdez Gil, Jián de Iratxe Ansa e Igor Bacovich, Absolutio de Altea Nuñez y Triple Bach de Seh Yun Kim. Casi todos ellos de corte contemporáneo, aspiran a alcanzar un reconocimiento entre el repertorio.
Además hay más sorpresas a lo largo de esta presentación de manera que la danza reúne a otras disciplinas y genera corrientes creadoras por todos los espacios de El Pavón Teatro Kamikaze, que representan con su habitual profesionalidad los bailarines pertenecientes a la compañía.
Luis Mª García Grande
Una vida americana de Lucía Carballal en Galileo Teatro
Una madre y sus dos hijas viajan a Minnesota para encontrar al padre norteamericano que las abandonó: Un drama sobre la inutilidad del dolor, entrelazado con una comedia sobre la melancolía. Lucía Carballal plantea una mirada sobre los orígenes y la identidad con la distancia que, a veces, permite ver más a fondo las razones que nos mueven a huir o enfrentarnos a nuestros miedos y deseos. Viajar siempre nos pone frente a paisajes desconocidos, no solo físicos, también emocionales. Esta obra es una metáfora sobre la dificultad para «ser» en un mundo donde lo que más importa es lo que tienes no lo que eres. La puesta en escena transita entre lo real y lo mágico, con esa casa colgada en los árboles que nos sitúa mejor todavía en esa vida sin raíces. El reparto es compacto, Cristina Marcos vuelve a la escena con un papel que le permite mostrar su madurez y la acompañan los jóvenes Esther Isla, Vicky Luengo y César Camino que dan la réplica perfecta para que el drama y la comedia se den la mano continuamente. Uno de los montajes más sugerentes en la cartelera actual.
Adolfo Simón
Dead Man Walking en el Teatro Real de Madrid
El 26 de enero se estrenó en el Teatro Real de Madrid, Dead Man Walking, primera ópera del compositor Jake Heggie, basada en el libro homónimo de la hermana Helen Prejean, llevada al cine como «Pena de muerte» por Tim Robbins con Sean Penn y Susan Sarandon, ganadora del Óscar a Mejor Actriz. Dead Man Walking (Ahí va el hombre muerto) – argot de las prisiones estadounidenses para referirse al condenado a muerte cuando es trasladado desde la celda hasta la silla eléctrica- es una reflexión sobre la pena de muerte y, al mismo tiempo, sobre el poder redentor del amor. La mezzosoprano Joyce DiDonato da vida en el Real a la hermana Helen Prejean, protagonista del drama, bajo la dirección musical de Mark Wigglesworth y escénica de Leonardo Foglia. Una producción contemporánea que permite imaginar el debate sobre el bien y el mal en cualquier época. La intensidad teatral de la puesta en escena a la que se suma el gran trabajo interpretativo del elenco principal hace de esta ópera un espectáculo poco habitual en la cartelera operística. Un viaje personal e intransferible para reconocer los espacios sin luz que hay en nuestro mundo de hoy que no deja de ser un reflejo de nuestros orígenes.
Adolfo Simón
Bollywood, colours of India en el Teatro Luz Philips
Bollywood, colours of India, espectáculo de música y danza con un elenco de bailarines de buen nivel, liderados por el prestigioso coreógrafo, actor y bailarín Sunny Singh transporta al espectador a la India más mística sin moverse de su butaca. Un espectáculo lleno de luces deslumbrantes con video proyecciones hipnóticas que acompañan a coreografías a medio camino entre lo popular y la modernidad.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.