Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Alberto Conejero

“La geometría del trigo” en el Teatro Galileo

Gracias es esta reposición de la obra de Alberto Conejero podemos volver a disfrutar de un texto muy cuidado, muy pensado y poético al cien por cien. La geometría que forman los campos de trigo cuando se ven al pasar por una carretera, casi perfecta, quedará después espica a espiga desgranada y casi molida por la piedra agrietada de un viejo molino que nos remite a la España rural y que viaja a través de ella, por parcelas. Esta es la pequeña metáfora que se me ocurre al ver cómo se van desgranando las vidas de los personajes ideados por Conejero, de manera sutil, poco a poco moliendo una historia que podría suceder en cualquier pequeña localidad y que viaja de sur a norte de la geografía española y en la que sumerge a los personajes pasando del presente al pasado con sutiles cambios de vestuario, ya que lo importante aquí es lo que no se ve: el pensamiento, la idea, la sociedad y las sensaciones que tratan sobre la soledad y la muerte a través de las vidas vividas en nuestros pequeñas parcelas que forman esos poliedros.

Luis Mª García Grande.


“Todas las noches de un día” en el Teatro Bellas Artes

Todas las noches de un día,basada en el texto de Alberto Conejero, reune a Carmelo Gómez y Ana Torrent sobre los escenarios bajo la dirección de Luis Luque. Una historia de amor sobre la incapacidad de amar y sobre la inútil belleza de las flores. La producción de Pentación Espectáculos vuelve al Teatro Bellas Artes de Madrid y nos brinda la oportunidad de disfrutar de la interpretación de estos dos grandes actores a través de una puesta en escena que ensalza el discurso del texto y nos sumerge en un universo ideal para el desarrollo de la pieza.

Alberto Conejero (Premio Max Mejor Autor Teatral 2016 por ‘La piedra oscura‘) ganó el III Certamen de textos teatrales de la AAT por Todas las noches de un día. Donde el jurado destacó: “La altura poética de la obra que, con un dominio ejemplar del lenguaje y de la estructura teatral, crea una atmósfera irreal y mágica, un universo cerrado que enmarca una historia conmovedora de amores imposibles e incomunicación”.

Tal y como afirma Luis Luque «Todas las noches de un día es un texto que desde su génesis nos propone un ejercicio dramático de alta densidad poética. Poética como vehículo para trazar el carácter y el destino de los dos personajes de esta historia llena de policías, enigmas por resolver y, por supuesto, mucho amor

todas las noches de un día

 


“Troyanas” en el Teatro Español

La versión de Alberto Conejero, dirigida por Carmen Portaceli llega por fin a Madrid después de haber pasado por Mérida y el Grec. En ella podemos ver un montaje que trata de acercar al público, de manera cercana, la visión de Eurípides sobre la tragedia de la guerra y sobre unas protagonistas secundarias en los conflictos bélicos: las mujeres, que siempre han estado veladas a los ojos de la sociedad.

Las versiones de los clásicos suelen centrar sus puntos de vista en el fin último que quieren el autor y, en este caso, la directora. Conejero ha limpiado el texto original, quitando el coro, algunos personajes y poniendo el acento en el discurso sobre la mujer y la guerra, haciendo asequible al público un texto en el que cuesta introducirse al que no es iniciado en el hecho teatral y actualizando la tragedia con imágenes de la guerra de Siria. Además ha introducido el fantasma de Políxena, hija muerta de Hécuba  e interpretada por Alba Flores, en contrapunto dramatúrgico a la falta de coro. La dirección de Portaceli le secunda, actualizando el discurso de Hécuba con una interpretación de Aitana Sánchez-Gijón contundente pero algo desafectada del dolor que le quiso imprimir Eurípides. Ernesto Alterio interpreta a Taltibio, el funesto mensajero griego que trata de expiar la culpa que pesa sobre su espalda al haber sido y cómplice en la muerte del nieto de Hécuba, estableciendo el orden en el discurso de la obra, uniendo los fragmentos de texto entre las mujeres y contrarestando protagonismo al lado troyano.

En la escenografía de Paco Azorín, minimalista, inspirada en la masacre que tuvo lugar en Hula, Siria, nos encontramos una escena llena de cadáveres envueltos en tela blanca y con una contundente torre caída en forma de “T” sobre la que se proyectan imágenes de guerra actuales, documentando al público y dando así efectividad al discurso directivo, en sus dos vertientes, como directora de la obra y como directora del Teatro Español, que Portaceli quiere afirmar sobre el tema tan de actualidad ahora como en tiempos de Eurípides.

Si quieren ver arder Troya, tienen que acercarse al Teatro Español del 10 de noviembre al 17 de diciembre.

Luis Mª García Grande.

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“Proyecto Homero” de #LAJOVENCOMPAÑÍA en el Conde Duque

Es importante poder transmitir a los jóvenes la cultura clásica y sus discursos de alguna manera, ya que son plenamente actuales y nos ayudarán a comprender muchos de los hechos que suceden hoy en día. Hay profesionales que se están encargando de esto a través del teatro, rompiendo moldes y acercando la cultura a los más jóvenes de una manera actual y comprensible.

#PROYECTOHOMERO se compone de dos obras Ilíada y Odisea, adaptadas por Guillem Clua y Alberto Conejero respectivamente, dos dramaturgos contemporáneos que comprenden perfectamente la complejidad que conlleva enfrentarse a los textos de Homero y que han sabido adaptar y transmitir de diferente forma: Clua destripa cada personaje de Ilíada y nos expone de manera esquemática, pero concienzuda, toda la obra a través de las voces de los personajes que van pincelando lo que ha supuesto la guerra para ellos. Con este esfuerzo es fácil atraer a un público acostumbrado a ver Juego de Tronos pero que no conoce el “germen” de su cultura.

Conejero asume el viaje de Ulises y su hijo Telémaco en Odisea de una manera más narrativa, describiendo episodios fundamentales en la mitología y desgranando un recorrido que reflexiona acerca de nuestro propio recorrido vital. Ambas dramaturgias están dirigidas por José Luis Arellano, situándolas en un escenario sencillo, con unas gradas y una plataforma giratoria en medio que provoca la concentración en la actuación y en el entendimiento del mito y ofrece una versatilidad a la hora de enfrentarse a dos obras diferentes sin tener que realizar cambios rotundos.

Es necesario, pues, dar las gracias a #LAJOVENCOMPAÑÍA al tomar este tipo de iniciativas que suple el gran vacío que el sistema educativo no llena con una simple asignatura de cultura clásica y también es necesario recomendar a todos los profesores y educadores que se interesen por el teatro como método de enseñanza y chispa que prenderá la curiosidad por el conocimiento en nuestras futuras generaciones.

Luis Mª García Grande.

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Quique y Yeray Bazo…”Nada que perder” en Cuarta Pared

bazo-1¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?

Fue nuestro tío, el director de escena Eduardo Bazo, quién nos inoculó el virus

del teatro. Fue él quien nos puso en contacto con el teatro desde niños, cuando

íbamos a ver los montajes que hacía para compañías canarias como para la

emblemática Delirium Teatro. Sin embargo, no se nos había pasado por la

cabeza la idea de dedicarnos profesionalmente a la escritura dramática hasta

que, nuestro propio tío, nos animó a escribir la dramaturgia para una nueva

puesta en escena de la ópera infantil Brundibar. Se trataba de un proyecto que

estaba llevando para el Teatro Real, el Coro de la Escolanía del Orfeón

Pamplonés, ABAO y Ópera de Cámara de Madrid. Nos lanzamos de cabeza

con esa imprudencia que sólo puede dar la ignorancia. Escribimos, nos

equivocamos, volvimos a escribir… y quedamos enganchados. Decidimos que

queríamos formarnos y volver a visitar las tablas. Así comenzó este camino de

aprendizaje en el que seguimos.

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¿Cómo surgió vuestra participación en Nada que perder?

Todo empezó en los Laboratorios de escritura dramática que convoca Espacio

de Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared. Allí formamos parte de un

proceso de investigación y escritura en el que conocimos a Juanma Romero y

a Javier G. Yagüe (co-autores de Nada que perder). Fue una experiencia de

aprendizaje compartida y de trabajo en equipo que sentó las bases para que,

posteriormente, Javier nos reuniese de nuevo para escribir la nueva producción

de la Compañía Cuarta Pared.

Habladnos del proceso de escritura…

Desde el principio Javier tenía claro que quería apostar por un proceso largo y

reflexivo, donde tuviésemos libertad para investigar todas las posibilidades de

la trama, los personajes, el estilo… ¡De hecho la escritura llevó más de año y

medio! Cada semana nos reuníamos para comentar los materiales escritos,

aportar nuevos elementos, replantear puntos de vista. El tramo final de la

escritura se hizo con los actores, haciendo crecer las escenas e incorporando

los hallazgos que Marina Herranz, Pedro Ángel Roca y Javier Pérez-Acebrón

encontraban en sus improvisaciones.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este proyecto?

Nada que perder es una obra muy heterogénea en cuanto a sus referentes.

Formalmente parte del requisito de que todas las escenas debían de

construirse a partir de la fórmula del interrogatorio. Esto nos llevó a tomar como

punto de partida el género del thriller y la serie negra; en este sentido los

referentes iban desde la narrativa (Connolly, Pelecanos, Price, Markaris,

Simenon, etc.), series de televisión (The Wire, Better Call Saul, The Closer…

pero también otros referentes como The Good Wife, Breaking Bad o, aunque

parezca extraño, The Walking Dead) y, por supuesto, teatro (Paradivino,

Corman y Rebeldías posibles, producción anterior de la Cia. Cuarta Pared, que

nos ayudó a entender el paso siguiente que teníamos que dar). A nivel

temático, el referente fundamental era el periódico. Partimos de una

recolección de artículos periodísticos que Javier había rescatado desde 2006

hasta la actualidad. De estos artículos seleccionamos las noticias que más nos

impactaban y las usamos como trampolín para decidir la trama. Más allá de los

artículos, resultaron cruciales las cartas al director. Ese otro material nos ayudó

a dar voz a el tercero, personaje que participa en las escenas como una suerte

de conciencia que se hace y hace preguntas continuamente.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis? ¿Qué os

anima a participar en ellos?

Nosotros tenemos la suerte de ser dos que escriben juntos. Eso hace que se

pongan más temas sobre la mesa. Las ideas surgen de cosas que leemos, que

vemos, que suceden y nos remueven de alguna manera. A veces es por

curiosidad: encontramos un tema que nos “pica”, nos ponemos a leer y

documentarnos hasta que nos decidimos a escribir sobre él. Otras veces es

como una forma de reacción a algo que nos afecta; una manera que tenemos

de “negociar” con la realidad en que vivimos.

¿Cuál ha sido vuestra evolución como autores?

Nosotros empezamos en esto de escribir teatro de una forma muy intuitiva, un

poco “callejera”. Luego tuvimos la enorme suerte de conocer a quien se ha

convertido en nuestro maestro, José Sanchis Sinisterra, que nos invitó a

participar en ese maravilloso proyecto que es el Nuevo Teatro Fronterizo.

Gracias a José, y acompañados por un nutrido grupo de escritores, iniciamos

un proceso de aprendizaje en el NTF: haciendo talleres, escribiendo y leyendo

mucho teatro. La otra pata clave en nuestra formación y evolución ha sido la

Sala Cuarta Pared, que nos seleccionó para participar en dos ediciones de sus

laboratorios de escritura en ETC. De hecho, nos gusta decir que la Cuarta

Pared ha sido nuestra “mili”. Sus procesos de investigación tienen un alto nivel

de exigencia y su apuesta por la innovación y el riesgo, nos han hecho dar un

paso más en nuestra escritura.

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¿Creéis que se puede aprender a escribir teatro?

Cuando uno se sienta a escribir teatro sin tener formación, te das cuenta de

que es un género complejo con unas reglas propias. Eso quiere decir que hay

una técnica que puedes aprender. Hay algo que privilegia al escritor de teatro y

es que tiene la oportunidad de aprender de los mejores autores de su país.

Dramaturgos como Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, Alberto Conejero, José

Sanchis Sinisterra, María Velasco, y muchos otros, dan talleres que se

convierten en verdaderos revulsivos para los autores que asistimos.

¿Tenéis un método para escribir?

Antes de escribir una sola letra dedicamos mucho tiempo a hablar sobre lo que

queremos escribir; primero en nuestra oficina hasta que nos bloqueamos; y

después dando un paseo por lo que llamamos “la otra oficina”: la calle. Este

proceso nos suele llevar mucho tiempo. Luego nos enfrentamos a la página en

blanco con una sola regla: si algo de lo escrito no convence a uno de los dos,

va fuera (previa deliberación, claro; a veces hay que vender cara la derrota).

¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?

¡Por supuesto que no! Como defiende el dramaturgo César López Llera “el

teatro también se lee”. Es cierto que el teatro es un género literario pensado

para terminar de completarse sobre las tablas. Pero también puede, y se debe,

disfrutar como lectura, sin importar que haya sido estrenada o no. De lo

contrario, numerosas obras valiosísimas quedarían en el olvido sólo porque no

tuvieron la difícil suerte de ser estrenadas.

¿Por qué escribís teatro?

La respuesta a esa pregunta tiene bastante que ver con el motor de Nada que

perder. Al igual que le ocurre al personaje de el tercero en la obra, nosotros

escribimos porque no sabemos… y queremos saber, o al menos intentarlo.

Para nosotros la escritura teatral es la forma que tenemos de hacernos

preguntas que nos inquietan.

¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?

En nuestro caso no. Pero podemos decir que tenemos la suerte de que nos

ganamos la vida escribiendo. Eso es gracias a que trabajamos como creativos

y guionistas en el mundo de la publicidad y los eventos. También es una

escritura muy exigente, con sus propias reglas, unos plazos frenéticos y un

condicionante fundamental: supeditarse a la tiranía del cliente. Pero, a cambio,

es un oficio del que nunca te aburres, muy cambiante, en el que siempre estás

buscando formas de reinventarte y hacer cosas nuevas. No en vano, tiene una

regla de oro: “eres tan bueno como tu último trabajo”.

¿Habéis realizado otras tareas en teatro además de la escritura?

Respetamos demasiado el oficio de dirección o interpretación como para

intentar inmiscuirnos en él.

¿Cómo veis la situación teatral en estos momentos?

Vivimos un momento muy interesante. Contamos con una de las generaciones

más preparadas y activas del teatro español. Autores, directores y actores se

unen en proyectos creativos de lo más variopinto e innovador. Las salas del off

se han convertido en espacios donde han podido mostrar sus obras, donde las

han testado y reevaluado. Esto ha generado mucho conocimiento en los

equipos y ha permitido que no pocos de ellos se asomen a los grandes teatros

de nuestro país. Es cierto, que esto se ha hecho gracias a un gran voluntarismo

que no siempre ha ayudado al resultado artístico. Sin embargo, ahora

empezamos a ver un esfuerzo por profesionalizar la actividad, apostando por

establecer unas condiciones dignas de trabajo. Avanzar por este camino

enriquecerá enormemente nuestro panorama teatral.

¿Es diferente en Canarias?

En Canarias vivimos un gran momento, algo que queda claro si pensamos en

las trayectorias que tienen en marcha dramaturgos como Antonio Tabares o

José Padilla. Pero, además, es una Comunidad que está haciendo un trabajo

muy importante para formar a sus autores gracias al impulso de compañías

como 2RC Teatro, que han creado Canarias escribe teatro, una iniciativa con

actividades de formación (han hecho talleres con autores de la talla como

Antonio Tabares, Borja Ortiz de Gondra, José Ramón Fernández o Sergi

Belbel), y les da la oportunidad de testar los trabajos surgidos en esos talleres

ante un público y nada menos que en una sala del prestigioso Teatro Cuyás.

De este trabajo está resultando la creación de un grupo de autores que ya

están cosechando éxitos.

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado? ¿Por qué?

(Q) Rinconete y Cortadillo de Alberto Conejero, dirigido por Salva Bolta. Un

hermoso homenaje a la palabra de Cervantes y a la habilidad que tuvo para

retratar a este país. Conejero convoca a los dos pícaros lendrosos, ya

maduros, para congelarnos la sonrisa en la cara al hacer que nos demos

cuenta de que las miserias de las que nos reímos siguen siendo las mismas

desde hace siglos.

(Y) Muñeca de porcelana de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio. He

de reconocer que el texto me decepcionó un poco. Aunque da igual, porque

sale de José Sacristán.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de

crisis?

Pensar lo que pensara Negrín, aunque a él no le sirviera de mucho: “resistir es

vencer”.

¿Proyectos?

Ahora estamos embarcados en dos proyectos que nos tienen muy ilusionados.

El primero lo estamos llevando a cabo con nuestros compañeros de

Nuevenovenos (www.nuevenovenos.com), un colectivo de creadores del

mundo de las artes escénicas y el audiovisual del que formamos parte. Se

llama Contexto Teatral y es un portal sobre nuevas dramaturgias que vamos a

lanzar esta primavera. Se trata de una herramienta on line con la que

queremos dar a conocer la obra y los autores que conforman el rico panorama

actual de la dramaturgia española (y que poco a poco también abriremos al

panorama internacional). El otro proyecto es el montaje de nuestra obra Tres

días sin Charlie, un texto que fue reconocido con la Mención de Honor en la

última edición del Premio Lope de Vega. Es una obra que recorre los tres días

que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy

particular: el de los comentarios y las reacciones que esos ataques provocaron

en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y las

Redes Sociales.


La Joven Compañía viaja al origen del teatro

La Joven Compañía está creando un precedente del que surgirán, con el tiempo, muy interesantes efectos resultantes de todo lo que se está sembrando ahora. Resulta curioso que, de manera muy humilde, se ha ido construyendo un proyecto tan serio y necesario como este. No solo porque es una plataforma que permite el acceso a la profesionalidad a todo el sector joven de las artes escénicas si no, también, porque lo está haciendo con un rigor y generosidad envidiable. Cuando llevamos décadas intentando crear espacios oficiales que, con el dinero de todos se construyan puentes y tejidos culturales, sin conseguir, a día de hoy, mucho más que el relevo de gestores creativos que han desembarcado en los espacios para realizar su obra magna, olvidando que su tarea es, sobre todo, construir una realidad que aglutine los profesionales y les proteja en la complicada y frágil tarea de la creación. Pero bueno, ese es otro debate sobre el que habría que pedir responsabilidad algún día y que, los gestores en activo hoy, todavía están a tiempo de mirar con lupa el trabajo que se está desarrollando en La joven compañía. Sus primeros trabajos fueron una búsqueda de lenguaje común, de elenco creador y gestor del que han surgido trabajos muy interesantes. Ahora, han dado un giro o una pausa a ese posible repertorio poético y han viajado a los orígenes del teatro: Proyecto Homero. Y ahí, con la misma pasión de equipo, han sumado a dos autores: Alberto Conejero y Guillem Clua a los que han encomendado la tarea de adaptar a hoy La Odisea y La Ilíada. Las comparaciones son odiosas y en este caso más y valorando la idea de buscar un espacio común para las dos propuestas y un equipo artístico que transita también por las dos piezas. Ambos trabajos son muy valiosos y el patio de butacas lo valora como pude comprobar en una sesión doble para Institutos. No obstante, hay algo en La Ilíada que le da contundencia escénica, tal vez tiene que ver con ese lenguaje corporal paralelo que va construyendo un sub-texto escénico de gran poder. La Odisea nos sumerge en un viaje que sobrevuela más por encima de las olas del mar.…en la otra, nos sumergen en las entrañas de una tormenta marina.
Adolfo SimónProyecto-Homero-Marzo_002la-epica-de-los-ulises-del-siglo-xxi


Cervantes en chandall y auriculares

Que gusto da descubrir, en medio de los grandes fastos de la celebración sobre Cervantes, piezas escénicas que se enfrentan al monstruo de la literatura con bisturí y cincel. Desde la dramaturgia de Alberto Conejero con Rinconete y cortadillo que los Sexpeare defienden de manera personal y moderna bajo la dirección de Salva Bolta que se ha presentado en la sala Negra de los Teatros del Canal a la adaptación ingeniosa de María Velasco con la que quita polvo y paja a La gitanilla y que, Sonia Sebastián ha sabido dirigir jugando con los rincones y espacios singulares de la Sociedad Cervantina. No digo que no se tenga que conmemorar de manera respetuosa una figura como Cervantes, pero, el público inquieto de hoy, seguro que agradece el aire fresco que estos equipos atrevidos hacen con la literatura clásica. No podemos quedarnos atascados en el lenguaje de otra época, hay que evolucionar y mezclar estéticas para que surjan nuevos referentes en el arte.
Adolfo SimónRinconete--620x349

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Laboratorio de Escritura Escénica Contemporánea: “El tiempo de soltar palomas”

Convocatoria para la selección de 10 participantes en el Laboratorio de
Escritura Escénica Contemporánea: “El tiempo de soltar palomas”
(autoficción, coralidad e impersonaje), de Alberto Conejero, en la Sala El
Montacargas, dentro de la III Muestra de creación escénica Surge Madrid
2016, organizada por la Comunidad de Madrid en colaboración con las Salas
Madrileñas.

Dirigido a intérpretes y dramaturgos profesionales.

El Laboratorio –absolutamente gratuito para los seleccionados- se celebrará
en la sala El Montacargas desde finales de febrero a finales de mayo. Las
sesiones están previstas para los sábados y/o lunes en el período indicado.
El proceso de investigación -que contará además con especialistas en teatro
de objetos y dramaturgias del Yo- culminará con una muestra abierta al
público (en la Sala Montacargas) en el marco III Muestra de creación
escénica Surge Madrid 2016 en mayo (fechas a determinar). Aquellos
participantes seleccionados para esta fase final de trabajo recibirán una
remuneración acorde a los convenios vigentes.

Los interesados deben enviar un breve CV, carta de motivación y preferencia
horaria (sábados o lunes) a la dirección de correo electrónico
surgemadrid@madrid.org antes del 15 de febrero (es obligatorio poner en el
asunto LABORATORIO ALBERTO CONEJERO en todos los correos del material que se
envíe para evitar extravío de material).raro


Encuentro con el equipo artístico de “Cliff” en Cuarta Pared

El pasado viernes 29 de enero tuvo lugar un encuentro con parte del equipo de Cliff (acantilado), obra de Alberto Conejero presentada en Nave 73. En dicho encuentro, coordinado por Adolfo Simón, un grupo de alumnos de la escuela Cuarta Pared pudieron charlar con el escritor de la pieza Alberto Conejero, sobre el proceso de creación del texto, el porque de este, pudieron también charlar sobre los procesos de ensayos, y como es crear un texto como el de esta obra, un monologo, en el que tuvieron que adaptarse primero a un espacio reducido como es La pensión de las pulgas, donde tuvieron todo un verano para ensayar y crear en sus distintos espacio la función, para luego montar la obra en Nave 73, un espacio diáfano y mucho mas grande.
El autor también habló de su conexión personal con la vida de Montgomery Clift (salvando las distancias) y de como empezar a escribir le ayudo a ver de otra manera sus propios fantasmas.
El director Alberto Velasco por desgracia no pudo acudir al encuentro, pero si su ayudante Pablo Martinez, que junto con el actor que da vida a Monty, Carlos Lorenzo, comentaron como fueron los procesos de ensayo, todos juntos y proponiendo diferentes planteamientos escénicos, ideas y demás para la creación del proyecto.
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Fermín Cabal: Ahora que vivo de otras cosas y escribo sólo cuando me apetece, soy mucho más feliz.

cabal¿Cómo han surgió la obra que estrenas en Madrid?…
La culpa fue del juez Garzón, que pidió la extradición del general Pinochet por crímenes contra la humanidad, me llamó la atención que un juez español pudiera reclamar este acto de justicia y buscando en internet, encontré las páginas de la Vicaría de la Solidaridad del arzobispado de Santiago de Chile y allí encontré miles de testimonios, sobrecogedores de víctimas y de verdugos que me conmovieron y con ese material, escribí esta obra.

Háblanos del proceso de escritura…De la puesta en escena…
La obra original era un encargo para Eugenio Amaya, un director chileno y constaba de 7 monólogos que desarrollaban poco a poco la historia. La verdad es que la mayoría de los montajes que he visto, algunos excelentes, buscaban sobre todo el discurso político y la indignación del público. A mí me parece que esos son objetivos muy alicortos y he intentado que la obra vaya más allá y hable del ser humano y de su capacidad para hacer el mal y de las dificultades de la reconciliación.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para este proyecto?…
He huido del memento fúnebre y he buscado lo que yo creo que ha alimentado el gran teatro desde Esquilo hasta Brecht: la belleza y la emoción.

¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Casi siempre son encargos de amigos…

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Qué balance haces?…
Pues cuando era joven, me nutría más de la realidad inmediata, de mi entorno y a medida que me he hecho mayor, mi visión es más limita, más libresca, y más clasista. Es decir, que cada día escribo peor.

¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…¿Tienes un método para escribir?…
Creo que no se puede, creo que se puede aprender en general, pero la pretensión de que una persona que no le sale de una manera natural la expresión oral, pueda mejorar en ese terreno, es muy ingenua.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
No. Publicarlo es bueno porque genera oportunidades de que se haga. Pero también es verdad y a mí me ha pasado, por ejemplo con esta obra, que he reescrito profundamente para este montaje, que el texto publicado se me ha quedado corto y ahora lo tendré que volver a publicar.

¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…Háblanos de ello…
He hecho de todo: Chófer, carpintero, actor, productor, gerente, director, crítico, profesor y sobretodo alumno.

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¿Por qué escribes teatro?…¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
He sido un escritor profesional durante muchos años y no voy a negar que he ganado mucho dinero. Pero ahora que vivo de otras cosas y escribo sólo cuando me apetece, soy mucho más feliz.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Hay mucha gente joven y hay gente con mucho talento. Pero la sociedad española es refractaría a la cultura, no entiende el papel que juegan los artistas y los desprecia humanamente. Y eso se refleja en el desinterés de los políticos de izquierda y peor aún en el odio para mí inexplicable que la gente de derechas manifiesta hacia los creadores. Cesar Vidal dice que esto es la herencia del Concilio de Trento. Creo que no le falta razón. Un ejemplo es el enorme esfuerzo que ha hecho el partido popular en toda España, para arrancar nuestro escaso tejido teatral. ¿Cómo se explica que una revista pornográfica tenga un IVA del 4% y una obra de teatro sufra un 21% que duplica y triplica los impuestos de los países de nuestro entorno civilizado?.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Con El señor Ye ama los dragones recuerdo haber sentido el placer del teatro. Es una obra de un autor joven, Paco Bezerra, y él y gente como Alberto Conejero, son esos autores que constituyen una gran esperanza para el futuro del teatro español

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Si te gusta el teatro y tienes algo que decir, no necesitas sugerencias. Adelante.

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“Cliff (Acantilado)” de Alberto Conejero en Nave 73

La vida nos coloca al borde del precipicio en numerosas ocasiones y,… ya puedes tener una de las caras más bonitas de Hollywood que nadie te va a librar de pasar la prueba. Montgomery Clift bebió los placeres de la fama y acabó bebiendo demasiado alcohol y eso le pasó factura. La obra refleja la decadencia del actor, debida al alcoholismo y a una homosexualidad que debía esconder, de una manera biográfica y también poética.

Alejandro Tantanian dio la oportunidad a Alberto Conejero de llevar este texto a escena y ahora es Alberto Velasco el que se atreve con una historia tan dura y real como la vida y que se repone en Nave73. Y, claro, no es casualidad que este año le hayan llovido los premios al autor como el Ceres 2015 o el de la Asociación de Autores de Teatro por “Todas las noches de un día” y que podamos disfrutar también de “La Piedra Oscura” en el CDN, porque Conejero ya estaba despuntando con este texto inmenso y conmovedor hace unos años.

Carlos Lorenzo se ha metido en la piel y el alma de Clift para desgranar con buena fortuna un recorrido hacia la muerte tensando cada hilo del hecho interpretativo. La dramaturgia sitúa al actor en los entresijos del alma de otro actor que tuvo que luchar contra su propia máscara y defender que una cara desfigurada puede tener la misma dignidad a la hora de crear una buena interpretación. Ésta es la lucha diaria de cada actor: dar relevancia, calidad y dignidad su
interpretación a pesar de su físico. Una lucha reflejada a través de un intenso monólogo que nos hace empatizar con el alma de cada intérprete y emocionarnos con una vida marcada por las apariencias y por esas máscaras que debemos construir y manejar de la manera más adecuada.

Luis Mª García.cliff-cartelweb-595x675


Rulo Pardo: El teatro ha de mover conciencias y entretener

rulo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
LA PRIMERA VEZ QUE ME SUBI A UN ESCENARIO FUE CON 7 AÑOS, EN LA E.G.B. HACIENDO UNA OBRA PARA PADRES, TENÍA 4 FRASES Y RECUERDO PERFECTAMENTE EL SENTIR EL PUBLICO MIRANDOME AL HABLAR Y REIR CUANDO LAS SOLTABA (REPRESENTABA A LA MUJER DEL PROTAGONISTA NO ERA DIFICIL) Y AHÍ YA PUDE SENTIR ESE PODER DE DIRIGIR LAS FRASES AL PUBLICO, ESA INTUICIÓN DE LA ATENCIÓN DEL PUBLICO.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
PORQUE TENGO QUE HACERLO. PORQUE ES UNA MANERA DE ENTENDER A RULO PARDO, DE ENCONTRARLO EN EL PASO DEL TIEMPO. PARA MI EL TEATRO ES UN TODO, NO ES METERTE EN LA PIEL DE UN PERSONAJE SOLAMENTE, SON MUCHAS COSAS QUE NO SE PUEDEN SEPARAR, LA PARTE ARTISTA, LA CREADORA TAMBIÉN, SE CONVIERTE EN UN ACTO DE NECESIDAD VITAL EL CONTAR COSAS.

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¿Qué balance harías sobre trayectoria?…
MUY POSITIVA, ME CONSIDERO UN VERDADERO AFORTUNADO (NO SOLO POR TRABAJAR EN ESTOS TIEMPOS) SINO PORQUE SIENTO QUE LOS PROYECTOS EN LOS QUE HE PARTICIPADO HASTA AHORA ME HAN LLENADO, ME HAN HECHO CRECER PROFESIONALMENTE, TIENE QUE VER CON LA GENTE CON LA QUE HE TRABAJADO, HE TENIDO EL PRIVILEGIO DE TRABAJAR CON GENTE A LA QUE ADMIRO Y JUNTOS CREAR MOMENTOS HERMOSISIMOS, TANTO EN EL ESCENARIO COMO FUERA DE EL. ESO ES PARA MI EL TEATRO EN LA VIDA, NO SOLO ACTUAR SINO DESPUES CONSERVAR Y CRECER CON ESAS LINEAS TRAZADAS ENTORNO TUYO.

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Háblanos de Sexpeare y su periplo artístico…
SI SEXPEARE LLEVA 20 AÑOS EN LOS ESCENARIOS DE TODA ESPAÑA ES PORQUE SIEMPRE HIZO LO QUE QUISO, ESO A VECES ES COMPLICADO PARA COMER, SOBRE TODO LOS ÚLTIMOS AÑOS, PERO CREO QUE LA TRAYECTORIA DE SEXPEARE SE EXPANDE DENTRO DE NOSOTROS DOS SIN SABER QUE NOS DEPARARA LA PROXIMA AVENTURA. NUNCA NOS HEMOS SENTIDO ATADOS A TENER QUE HACER ESTO O AQUELLO, EL PERIPLO DE SEXPEARE NO TENGO NI IDEA TODAVÍA CUAL ES PORQUE SIGUE CRECIENDO, ESTAMOS A PUNTO DE CREAR UNA NUEVA HISTORIA CON UN EQUIPO DE PROFESIONALES MARAVILLOSOS PARA TEATROS DEL CANAL, FUE UN ENCARGO DEL FESTIVAL DE ALMAGRO Y PARA HACERLO HEMOS TENIDO QUE APARCAR LA SIGUIENTE PIEZA EN LA QUE ESTABAMOS YA TRABAJANDO. PERO ESO ES LO BONITO, EL DECIDIR QUE AHORA VAMOS A DARLE UN TIEMPO A ESTO NUEVO A VER QIUE OCURRE, SIN MIEDO A NADA. (Ojo; no pensar que con lo que digo Sexpeare no para de currar, estamos jodidos como todo hijo de vecino… Pero estamos contentos)

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
CREO QUE AHORA MAS QUE NUNCA DEBE SER FIEL A LAS DOS PARTES QUE DEBE CUMPLIR, LA DE MOVER CONCIENCIAS (DADO LOS DIAS QUE TENEMOS) Y POR OTRA PARTE LA DE ENTRETENER SIN MAS (PRECISAMENTE PARA OLVIDARTE DE LOS MOMENTOS QUE TENEMOS).

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
EMPECÉ EL AÑO CERRANDO LA GIRA DE “LOS MACBEZ” DE ANDRES LIMA, UNO DE LOS VIAJES MAS DIFICILMENTE HERMOSOS QUE HE TENIDO, PUES LA FUNCION SE CRITICO MUCHO (EN MADRID) Y DURANTE EL TRANSCURSO DEL AÑO SE CONVIRTIÓ EN UNA OBRA NECESARIA Y ME ATREVERÍA A DECIR QUE VISIONARIA, (FUERA DE MADRID ARRASAMOS)
“CANICULA” UN EXPERIMENTO PRECIOSO CON UNOS COMPAÑEROS DE VIAJE REALMENTE HERMOSOS, CUANDO LEI EL TEXTO ME ENAMORE DESDE LA PRIMERA PAGINA, Y EL TRABAJO QUE HIZO VICENTE COLOMAR COLOCANDOLA EN UN LUGAR TAN EXTREMO HIZO QUE SE CONVIRTIERA EN ESA PIEZA DIVERTIDAMENTE INCOMODA, EL PUBLICO REIA SORPRENDIENDOSE DE LAS COSAS DE LAS QUE SE REIA, FUE TODA UNA DELICIA QUE REGRESA EN SEPTIEMBRE A MADRID.
“H” DE SEXPEARE, ES LA TERCERA VEZ QUE REPONEMOS ESTA FUNCIÓN EN MADRID, LA ULTIMA FUE HACE 10 AÑOS Y LO MAS INCREIBLE DE TODO, HA SIDO QUE MUCHA GENTE DE LA QUE HA VENIDO HA HECHO LA REFLEXION DE COMO HA CAMBIADO TANTO EL PANORAMA TEATRAL DE LA CIUDAD, LLEGARON A DECIR: “-COMO ANTES SE HACIAN ESTAS BARBARIDADES DE FUNCIONES Y AHORA CUENTA MUCHO ENCONTRAR ALGO ASÍ”-(juro que son palabras del público)
“FAMELICA” DE MAYORGA, UN VERDADERO RETO PARA UN ACTOR, UNA DE ESAS OBRAS PARA QUE TE RELAMAS DE GUSTO COMO ACTOR EN EL ESCENARIO, CREO QUE HASTA EL MOMENTO UNO DE LOS TEXTOS MAS DIFICILES A LOS QUE ME HE ENFRENTADO. CUATRO ACTORES SOLOS DELANTE DE UN TEXTO DURANTE UNA HORA CUARENTA Y CINCO, SIN NADA QUE DISTRAIGA, ESO ME HACE MUUUUCHO TILIN EN ESA PARTE QUE NO CONTROLO DE MI MISMO, EN ESA “PATATA” QUE EN OCASIONES SE CONVIERTE EN “BRAVA”
“DANZAD DANZAD MALDITOS” NO PUEDO DECIR MUCHO PORQUE ESTOY EN PLENO PROCESO, PERO TRAS VER LOS ENSAYOS, HE DE DECIR QUE NO DEJARA INDIFERENTE A NADIE, QUE ESA BESTIA PARDA LLAMADA ALBERTO VELASCO VA A CREAR UNO DE ESOS ESPECTACULOS QUE NECESITA MADRID, NO SOLO POR LA FUNCIÓN SINO POR LA ENTREGA Y ENERGIA QUE TIENE ESE GRUPO, SON TRECE ACTORES DANDO LO MEJOR DE SI MISMOS Y ESAS COSAS SON NECESARIAS PARA QUE SALGAS DEL TEATRO “DANDO LAS GRACIAS POR DEDICARME A ESTO”, ESTOY MUY ORGULLOSO DE ESTAR AHI.

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¿Cómo surgió tu participación en Famélica?…Háblanos de este trabajo…
ME LLAMO JUANMA DIEZ PARA HABLARME DEL TEXTO, TENÍA MUCHAS GANAS DE HINCARLE EL DIENTE A UN MAYORGA, LO RECONOZCO, PERO LA PRIMERA VEZ QUE LO LEÍ ME ATRAPO COMPLETAMENTE, NO SE SI TANTO POR EL CONTENIDO, CREO QUE ME ATRAPO POR TENER LA VISION COMO ACTOR DE PODER DECIR ESOS TEXTOS TAN HERMOSOS. ENTRAR EN ESOS LUGARES TAN COMPLEJOS. EL PROCESO FUE BASTANTE EXTRAÑO, DURO MUCHO Y EN ESE TIEMPO TRAZAMOS TODAS LAS LINEAS POSIBLES QUE PERMITE EL TEXTO, DE ESA MANERA LLEGO UN MOMENTO QUE ENLOQUECIMOS, FUE CUANDO LO TUVIMOS QUE MOSTRAR Y SEGUIR TRABAJANDO EN ELLO, ES UN TEXTO DE UNA COMPLEJIDAD EXTREMA, POR ESO NECESITABAMOS SABER COMO LLEGABA Y QUE ES LO QUE EL ESPECTADOR RECIBIA, POR ESO DURO TANTO EL PROCESO, CASI SEIS MESES. CREO QUE ESO HA HECHO QUE AHORA PODAMOS HACER LLEGAR DE UNA MANERA MAS CLARA LAS IDEAS QUE PLANTEA LA DRAMATURGIA DEL TEXTO. ESTAMOS MUY CONTENTOS CON EL RESULTADO… Y JUAN MAS.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
TODO EL MUNDO TIENE UN METODO AUNQUE NO LO LLAME ASÍ, YO POR EJEMPLO SE QUE LO TENGO PERO NO SABRÍA DECIRTE BIEN COMO ES. SE QUE PARTO DEL EXTERIOR DE LOS PERSONAJES, ME VIENE DE LA INMEDIATEZ DE SEXPEARE, TENER QUE CREAR HISTORIAS CON PERSONAJES MUY EXTREMOS DESDE LA ESCRITURA DEL GUIÓN. YO TENGO UNA VISIÓN DEL PERSONAJE QUE LUEGO A LA HORA DE ENSAYAR POCO A POCO SE VA ASENTANDO EN MI. NO TRABAJO DE DENTRO HACIA FUERA, NO SOY PARTIDARIO DE TENER QUE REBUSCAR EN MI PARA SENTIR, TRATO DE PONERME EN LA PIEL DE ESE PERSONAJE Y ENTENDER SU SITUACIÓN. TIENE MAS QUE VER CON APOYARME EN LAS PALABRAS QUE ELIJO PARA QUE SEAN LAS DE ESE CARACTER. LAS PALABRAS SON LAS QUE ME CONECTAN EMOCIONALMENTE CON EL.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
MUY MAL, PERO QUE MUY MAL. ESTAMOS VIVIENDO UNA LOCURA DE SITUACIÓN, NO HABLO SOLO DEL IVA CULTURAL, LA CRISIS HA HECHO QUE LA GENTE SE LANCE A HACER COSAS SIN PARAR, LO CUAL ESTA MUY BIEN, DE VERDAD, NO CRITICO COMO CADA UNO SE GANA EL PAN, ME ENCANTA Y YO TAMBIÉN LO HE HECHO, PERO ESO TAMBIEN TIENE UNA CARA NEGATIVA: (ARTISTICAMENTE) LA MULTIPROGRAMACIÓN ESTA ACABANDO CON GRAN PARTE DE SECTORES DE ESTE OFICIO, PARTES IMPRESCINDIBLES PARA UNA FUNCIÓN, ESCENOGRAFIAS, ILUMINACION, ETC… NO VOY A CRITICAR QUE AHORA ENTRAS CORRIENDO A MONTAR SIN PODER ESTAR EN EL ESCENARIO UN RATO TRANQUILO PORQUE EN EL ALFIL SIMPRE LO HICE, PERO EL HECHO DE ACTUAR UN DIA A LA SEMANA POR EJEMPLO, HACE QUE UNA FUNCIÓN NO CREZCA BIEN, ES IMPOSIBLE RECORDAR LA SENSACION DE LA FUNCION ANTERIOR DE UNA SEMANA PARA OTRA. ESO NO ES BUENO PARA DOMINAR BIEN UNA FUNCIÓN. Y (EMPRESARIALMENTE) NO TENGO LOS DATOS CIERTOS PERO CALCULO A OJO, SI EN MADRID HAY UNAS SESENTA SALAS, ENTRE TEATROS, OFF, AUDITORIOS, SALAS, ETC… (puede que me quede corto) Y ALGUNAS DE ELLAS TIENE CUATRO ESPECTACULOS, ESTAMOS HABLANDO DE QUE HAY UNOS CIENTO OCHENTA ESPECTACULOS AL DIA Y QUEREMOS QUE TODOS ESTEN LLENOS. ESTO EN TIEMPOS DE CRISIS… VOLVIENDO AL PRINCIPIO DE LA PREGUNTA, MAL…MAL VAMOS POR AQUI.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
TEATRO EN LA CIUDAD (ABADIA) VER LOS TRES ESPECTACULOS, ME HA GUSTADO POR LA INICIATIVA DEL PROYECTO, CREO QUE ES IMPORTANTE QUE AHORA SE UNAN FUERZAS PARA HACER COSAS INTERESANTES.

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¿Proyectos?…
LO MAS INMEDIATO, “DANZAD, DANZAD MALDITOS”, RETOMAR “SEXQUETCHES” CON SEXPEARE PARA JULIO, VAMOS A RESCATAR EL PRIMER ESPECTACULO DE SEXPEARE CON LA PRIMERA FORMACIÓN, FELE MARTINEZ Y DAVID TENREIRO, LO HACIAMOS POR BARES Y AUNQUE NOS HAN OFRECIDO SALA VAMOS A HACERLO POR BARES, REIVINDICANDO ESE MADRID CANALLA DE HACE 20 AÑOS QUE ENTRABAS EN UN LUGAR Y HABÍA UNA ACTUACIÓN, PERO NO POR ELLO TIENES QUE PAGAR EN ESE LUGAR COMO SI FUERA UNA SALA PARA HACER TEATRO, ES UN BAR CON UN ESCENARIO, NO AL REVÉS.
REPONER “CANICULA” SEPTIEMBRE.
Y EL MAS IMPORTANTE. EMPEZAR LOS ENSAYOS DE LA NUEVA DE SEXPEARE “RINCONETE Y CORTADILLO” (DE CERVANTES) CON DRAMATURGIA DE ALBERTO CONEJERO Y DIRECCION DE SALVA BOLTA.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?.
SI; COMER BIEN… SEGUID TENIENDO PUNTO DE VISTA… HACER EJERCICIO… SABER VER TEATRO… SENTIRSE GUAPO… SENTIRSE TEATRO.

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La piedra oscura de Alberto Conejero en el CDN

¿Cuándo dejaremos de pensar que “el otro” es el peligro?…
¿Cuándo escucharemos “al otro” sin temer que sus palabras nos infecten?…
¿Cuándo no temeremos el abrazo del “diferente”?…
¿Cuándo olvidaremos esos bandos que nos separan como “extraños”?…

La piedra oscura es una vibrante pieza sobre la memoria como espacio de justicia y también sobre la necesidad de redención. Un texto en el que se aúnan tensión dramática y pulso poético para levantar interrogantes sobre la naturalización de nuestro pasado más reciente y el destino de los olvidados en las cunetas de la Historia. Alberto Conejero se está convirtiendo en una promesa importante de la escritura dramática de nuestro país, además, ha tenido la suerte de que se cruce en su camino Pablo Messiez para que juntos, consigan, gracias a los actores y al resto del equipo artístico, una pieza inquietante e íntima, un viaje a las zonas oscuras del ser humano.
Adolfo Simón

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Carlos Lorenzo: Hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

LORENZO¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios en el teatro fueron en Asturias. Estaba estudiando Psicología y me apunté a un curso de teatro con Etelvino Vázquez. Él me animó a matricularme en el Instituto del Teatro de Asturias (ITAE) y así lo hice. Inmediatamente pasé a formar parte de Teatro del Norte, liderado por Etelvino. He realizado casi todos los trabajos realizables en una compañía de teatro: ayudante de dirección, ayudante de producción, regidor, utilero, maquinista, chofer, etc. Pero cuando empezaba, siempre con la actuación, mi cometido era la escenografía y el atrezzo. Estoy muy interesado en las artes plásticas. De hecho, he seguido diseñando algunas escenografías para otras compañías profesionales.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de vida y una necesidad. Prácticamente todo en mi vida gira alrededor del teatro: trabajo en teatro, mi principal ocio es el teatro, la mayor parte de mis amigos los he conocido haciendo teatro…sigo formándome en teatro y cuando paso tiempo sin hacer teatro me invade la tristeza. Es una pregunta que me han hecho varias veces a lo largo de mi carrera y mi respuesta suele ser bastante difusa, creo que va implícita en la respuesta anterior. Pero te diría que hago teatro para formar parte de un colectivo que trata de entender de una manera ética y estética los mecanismos humanos.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me siento un privilegiado por poder vivir de esta profesión. Llevo veinte años trabajando casi exclusivamente de ella y sé que eso no es lo habitual. Siempre he sido lo que se llama un “actor de compañía”, eso no todos los actores lo llevan bien, porque en un montaje tienes un papel protagonista, en otro de reparto y en otro haces la ayudantía de dirección. Yo estuve siete años formando parte del Teatro del Norte y trece años en la compañía L´Om Imprebis que dirige Santiago Sánchez. Esto te da una estabilidad laboral pero tiene una contrapartida y es que tu nombre pasa a un segundo término. En los últimos dos años y tras haber formado parte del reparto de Transición, coproducción con el CDN y en diferentes montajes del Off, en lo que va de año he participado en cinco montajes.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro no debe ser sólo entretenimiento, no es difícil sucumbir a esta función y más en estos tiempos difíciles Creo que el teatro debe ser un lugar para la reflexión y una experiencia poética compartida por un grupo de seres humanos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Como decía antes este año ha sido muy fructífero en proyectos. Empecé el año en la sala Arte&Desmayo con 405 de Marilia Samper, dirigida por Juanma Gómez, un thriller psicológico y no falto de humor que protagonicé junto a Elia Muñoz, una partenaire de lujo. En Marzo retomamos El banquete, noche de borrachera filosófica ,que ya había sido estrenada en el Festival Fringe del año pasado; una adaptación de El Banquete de Platón hecha por María Velasco , Alberto Conejero , Sergio Martinez Vila , Ana G.Costa y Elena Lombao, con la dirección de Sonia Sebastián y acompañado por Miquel Insua , Natalie Pinot , Julio Rojas , Aarón Lobato , Hiuchi Chiu y María Ordoñez. Se reestrenó en el Ateneo de Madrid dentro del Festival Ateneo mucha vida en Marzo y continuamos en la sala Nave 73 en Abril y en junio en” La Pecera “del Círculo de Bellas Artes. Y también en Junio estrenamos Instantes en la Sala Tu, con textos de Paloma Pedrero , Nestor Villazón y Sandro Cordero , dirigida por Roberto Cerdá y acompañado por Mélida Molina , Ana Blanco Y Sergio Otegui . Formada por tres piezas breves con un denominador común encuentros que se tornan excepcionales y desembocan en la unión amorosa .
A principios de Julio participé en el festival Clásicos en Alcalá con Un cuento de invierno de W. Shakespeare , en versión y dirección de Carlos Martínez Abarca para Síosí teatro con uno de los personajes más complejos a los que me he enfrentado en mi carrera : Leontes , junto a Rocío Marín , Zaira Montes, Jimy Castro, Nuria López, David Lázaro, Oscar Ortiz de Zárate y Xoel Yañez . Participando también en los Festivales de Almagro , El Escorial ,etc. Y en Septiembre llegó Cliff / Acantilado sin duda el texto más bonito que me han ofrecido nunca, un reto y una oportunidad de enfrentarme en solitario a la descomposición de un mito. Ha ido muy bien por lo que seguimos programados en La Pensión de las Pulgas.

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¿Cómo surgió tu participación en Cliff?…Háblanos de ella…
Cliff surge del empeño de Alberto Velasco de poner en pie la obra de Conejero, del encuentro de estos dos creadores, y del flechazo que tuvimos el resto del equipo con ella. Hace tres años, cuando la obra ganó el premio LAM ya pudimos comprobar su eficacia en la lectura dramatizada, dirigida por Elisa Marinas en la SGAE y que yo mismo protagonicé. Cuando conocimos La Pensión de las Pulgas nos dimos cuenta de que era el espacio ideal para albergar esta obra . Cliff /Acantilado , recurre al famoso actor Montgómery Clifft para hablar de las zonas oscuras , la cara B de las estrellas , lo que no suele salir en el papel couché , y lo hace desde la poesía del texto y la ausencia de interlocutores y con una puesta en escena que desde la sencillez y la utilización tanto de los objetos como del propio cuerpo del actor dibuja a un personaje a punto de romperse durante una hora y ocho minutos . En esta puesta en escena tiene mucho peso el trabajo de Velasco, que destaca como coreógrafo, bailarín y actor además de como director. Todo esto se apoya y complementa con el trabajo maravilloso de Mariano Marín en el espacio sonoro, quién compone parte de la música para nuestra pieza y las sugerentes imágenes que nos proporciona el videocreador Adriá Giralt.

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¿Cuál es tu método de trabajo?¿Cómo creas tus personajes-propuestas?…
Lo cierto es que no tengo ningún método concreto, a lo largo de estos veinte años de profesión me he seguido formando ( casi con avidez ) con diferentes profesionales que me parecía podían aportar herramientas a la hora de interpretar y de todos ellos he ido tomando lo que me resultaba útil .
Es difícil explicar como se crea un personaje , creo el personaje va apareciendo capa a capa desde la primera lectura a la última representación , normalmente las claves te las va dando el texto y a medida que vas descubriendo los porqués de su comportamiento va surgiendo el personaje . En el caso de Cliff además del texto dramático existen biografías y una abundante filmografía .

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que se están cargando una profesión que en las últimas décadas había logrado un estatus más o menos aceptable y se está convirtiendo en una actividad amateur . Las compañías consolidadas se ven obligadas a hacer montajes de pequeño formato con uno o dos actores y la falta de incentivos hace que muchos profesionales tengamos que embarcarnos en producciones sin producción moviéndonos de sala en sala y aceptando condiciones en ocasiones miserables . Es verdad que se están creando cosas interesantísimas , pero también hay mucho hacer por no parar , un poco a la desesperada .

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este último año he visto muchos trabajos interesantes y elegir sólo uno es difícil . Me gustó mucho Ahora empiezan las Vacaciones , una estupenda adaptación de El Pelícano de Stringberg hecha por Paco Becerra , con dirección de Luís Luque y cuatro actores fantásticos . Me atrapó . Una buena historia , una dirección impecable y unos actores fantásticos… ¿Qué más se puede pedir?.

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¿Proyectos?
En enero empiezo a ensayar un montaje con el CDN , voy a formar parte del elenco de Salvator Rosa o el artista de Francisco Nieva que dirige Guillermo Heras .

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Alberto Conejero: Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos.

conejero¿Cómo surge el proyecto de Cliff?…
El proyecto de Cliff / Acantilado surge gracias a la iniciativa y pasión desbordante de Alberto Velasco. El texto había sido estrenado en Buenos Aires un par de años antes y casi estaba resignado a que no ocurriese lo mismo en España. Pero Velasco lo leyó y perseveró para hacerlo posible. Finalmente me sumé a la dirección y pudimos contar con Carlos Lorenzo, el actor para el que había sido escrito. Imagino que en como casi todo lo excepcional, un cúmulo de anhelos y de voluntad por hacerlos posibles. Posteriormente se sumó Pablo Martínez a la ayudantía de dirección y técnica, otra pieza fundamental del montaje. Hemos contado además con colaboradores excepcionales como el músico Mariano Marín y el creador audiovisual Adrià Ghuiralt.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
El texto no es un biodrama sobre Montgomery Clift aunque esté irremediablemente ligado a su biografía. Leí todo lo que pude sobre Montgomery Clift, volví a ver toda su filmografía, e iba apuntando todo aquello que coincidía con la obra que empezaba a intuir, que se sumaba en ese otro Clift que yo necesitaba contar. De ahí que desde el título el texto busque señalar esta ficcionalización de la persona real. En este sentido, el texto es mucho más deudor de La gaviota de Chèjov que de la propia biografía de Clift. Hay un juego de muñecas rusas entre Treplev, Clift y mi personaje que, quizá, es la suma de ellos o la suma de ellos en mí…

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¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Los dramaturgos sabemos que no escribimos teatros sino para el teatro. Hay en los textos una constante incitación a los imaginarios de los actores, del director, del escenógrafo, etc. Lo peculiar aquí es que además yo codirigía la función aunque la distancia con el momento de escritura (cinco años) me han permitido tener una distancia que considero imprescindible. La función no es un mero representar de mi texto sino una nueva reescritura de la que también son responsables Velasco , Lorenzo y el resto del equipo. He tenido que renunciar a partes del texto que sobre el papel funcionan poderosamente pero que en esta función estorbaban. Pero lo he hecho sin ningún sentimiento de renuncia.

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¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No estoy seguro. Defiendo la necesidad de una literatura dramática que exista como tal, que se publique y se lea teatro, que se reivindique la palabra escrita que, en el caso de la teatral, espera además hacerse carne. La publicación permite además sobrevivir a la fugacidad del hecho escénico y poder dar ocasión a nuevas representaciones. Cada texto teatral es una semilla de mil árboles distintos. Es además un refugio para los dramaturgos. Nadie te proscribe cuando escribes. ¿Qué hubiera sido de Valle-Inclán siguiendo ese pensamiento? Pero efectivamente la escena es la mejor escuela para un dramaturgo. Es una catástrofe que en este país no haya verdaderos espacios de aprendizajes de escritura en escena, que se le facilite a los dramaturgos crecer en el escenario, sin la presión del resultado. Por lo tanto, aquellos que puedan permitirse estrenar antes de publicar que lo hagan… y mientras tanto, defendamos la literatura dramática.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
Los últimos textos que he escrito y publicado han sido La piedra oscura y Ushuaia. El primero se estrena en enero en el CDN con dirección de Pablo Messiez y el segundo espera aún su oportunidad… Estoy feliz de haber encontrado compañeros de viaje como Messiez o el propio Velasco en Cliff. Siento que mi escritura está creciendo gracias al privilegio que es llegar a las tablas y que realmente, aunque lleve quince años escribiendo teatro, estoy empezando.

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¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Una generación espléndida que es capaz de generar maravillas en una tormenta perfecta. Es el resultado de la educación pública y de los esfuerzos por dignificar las enseñanzas artísticas. Pero me temo que ese fulgor sea devorado por la destrucción sistemática de los espacios de reflexión, por esta oscuridad sin nombre que nos gobierna. En una sensación extraña la de saberme rodeado de autores con inmenso talento y, a la vez, vivir en uno de los peores momentos para la cultura en este país.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?
A esto me refería. La profesión se ha atrincherado en espacios pequeños para no dejar pudrirse ganas y talento pero la precarización es absoluta y no debemos ni podemos conformarnos. El IVA cultural es una medida profundamente antipatriota de los que dicen amar este país, una de las grandes vergüenzas que recordaremos de estos años…

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¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Un lugar de encuentro para la poesía y el pensamiento, para plantearnos quiénes somos como seres humanos y ciudadanos. Lo que siempre fue y será.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto Infamia de María Velasco, una de las voces más importantes de la dramaturgia contemporánea. Un montaje artesanal que suple con talento a raudales una producción de resistencia.

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¿Proyectos?.
El estreno de La piedra oscura en el CDN, una lectura dramatizada de Ushuaia en Nueva York y ojalá finalmente cuaje un proyecto que Luis Luque y yo llevamos tiempo soñando.


María Velasco: Detesto el entretenimiento.

maria¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.

¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.

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¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.

¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.

¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.

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¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.

¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).

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¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.

¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.

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¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.

¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.

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¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.

¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.

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¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.


Nacho Sevilla nos habla de su estreno “Trinidad” en La Casa de la portera

sevillas¿Cómo surge el proyecto de Trinidad?…¿De qué va la obra?…
Este proyecto nace atendiendo a dos condicionantes:
-Estrenarlo en un espacio no convencional, como La casa de la portera.
-Trabajar con dos estupendas actrices: Lorena Toré y Cristina Bernal.
Soy un lector voraz desde muy jovencito, y con 15 años, y mucho antes de saber que me dedicaría a las artes escénicas, llegaron a mis manos textos de autores que me impactaron. Uno de ellos fue el venezolano Isaac Chocrón, autor maldito e injustamente tratado en nuestro país. Zurdo, judío, homosexual y escritor, así se definió a sí mismo demostrando un gran sentido del humor, y asumiendo una disidencia quizás impuesta.
El primer texto suyo que leí fue Okey, donde, al igual que en el resto de su obra, transgrede doblemente los modelos familiares heredados a través de una pareja de mujer madura y amante joven, a los que se une una tercera mujer en la formación de un trío.
Encargué una adaptación a Ana F. Valbuena, con quien tracé las pautas que marcaron su reescritura: España en los años 60. Ana además propuso un trío de mujeres, doblemente transgresor en la España del momento.
La obra plantea temas aún por resolver como el precio del ser humano, la necesidad de reconciliación entre vencedores y vencidos, o el debate entre los condicionantes sociales y económicos como factores destructores de las relaciones.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a dirigirla?…
Como egresado y actual profesor de la RESAD en la especialidad de Dirección de Escena, siempre realizo un escrupuloso trabajo de información y documentación relativo al proyecto, previo a toda la labor dramatúrgica y de propuesta de puesta en escena. Soy discípulo de Juan Antonio Hormigón.

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¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
Es éste un trabajo fundamentalmente basado en la interpretación actoral. A Lorena y a Cristina ya las conocía de trabajos anteriores. A Marta Guerras siempre la tuve en mente para interpretar a la joven Trinidad. Tres actrices egresadas por la RESAD, con una disciplina de trabajo común, y con distintas peculiaridades técnicas.
El resto de la propuesta se apoya en una escenografía de finas líneas, artesanal y cercana, firmada por David Orrico, y en ingredientes como la radio, o la música de Rita Pavone quien ha marcado nuestro espacio sonoro no sólo por sus temas, sino como modelo de mujer que destacó en la música de una manera muy peculiar e inspiradora para nuestro trabajo.

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¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Mis cinco años en la directiva de la RESAD me han impedido llevar a cabo más proyectos deseados. Destacaría mi trabajo con La Bernalina, cupletista interpretada por Cristina Bernal, con textos de Alberto Conejero, con quien he realizado dos puestas en escena que aún siguen girando, Sicalipsis now! y La chica del XVII o El corral de los cuplés. El musical es uno de mis géneros.También Migraciones internas, de Ana F. Valbuena, estrenado en el Piccolo de Milán, con profesores, egresados y alumnos de la RESAD, en una experiencia maravillosa.
Echando la vista atrás veo que he montado textos de autores emergentes: Paco Bezerra, Alberto Conejero, Nacho de Diego, Ana F. Valbuena.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El que siempre tuvo: señalar con el dedo. Sea cual sea el género.
Si además tenemos en cuenta las especiales circunstancias de nuestra realidad, y que los políticos se están dedicando a hacer teatro (del malo), el teatro debe hacer política, más que nunca.
El circo en el congreso, el debate político en el escenario.
Los cómicos nunca tuvieron tanta competencia. Ni el poder tanta desvergüenza.

¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Un director siempre tiene muchos proyectos a la espera de que llegue su momento (tú lo sabes, como director). Okey ha tardado 30 años. Ahora se llama Trinidad.
Mi maestro Bielski decía que lo importante es tener un buen texto y unos buenos actores. Lo suscribo.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Mientras tengamos un ministerio donde ya no caben más competencias, todo bajo el mismo presupuesto, seguiremos viendo mermados los derechos básicos del ciudadano.
El teatro debe ser un servicio público, como la educación y la sanidad. ¿Quién ha dicho que no debe subvencionarse? No es una limosna, es un presupuesto que sale de los impuestos de los ciudadanos y a él debe volver.
Pero no nos engañemos, la crisis económica evidencia una crisis de pensamiento, y la imposición de una ideología.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
¿Hablas en singular? Veo mucho teatro. Acudo al teatro con el respeto que merece un trabajo que se hace con tanta entrega y disciplina y con tantos inconvenientes.

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¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
Buscando nuevas fórmulas de supervivencia, rompiendo espacios convencionales y nuevos medios de autogestión, como Hilvanando Producciones, de total autofinanciación y capitaneado por la gestión de Eva Campillo, una productora creativa, resolutiva y con nuevas fórmulas de producción.

¿Proyectos?…
Si nos dejan… Desgraciadamente tenemos más proyectos que realidades.


Miquel Insua nos habla sobre sus trabajos interpretativos

insua¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro nació de la comunidad y sigue siendo un ritual comunitario. En el teatro nos encontramos para compartir.

¿Por qué haces teatro?…
El teatro explora lo que significa ser humano. Y la humanidad no es una cosa natural, es una cosa que nosotros construimos. Lo mismo que la justicia. Nuestra concepción básica de lo que es la humanidad lleva el germen de la corrupción desde la Biblia, que nos narra como pecadores. Esa energía psíquica milenaria nos persigue. La literatura y los noticiarios nos narran diciendo lo malos que somos. Vivimos en una sociedad que maltrata a diario la imagen del hombre. Para mi, el teatro es un proyecto humano dónde trato de encontrar respuestas a una pregunta, ¿Cómo ser humanos en un mundo asolado por la guerra y por la injusticia social?.

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¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
El balance lo hacen los presupuestos de acción, las historias con las que te acabas comprometiendo. Llevo un año encadenando proyectos, tanto en el cine como en el teatro. En el teatro, he trabajado textos de Lola Blasco, María Velasco y Sergio Martínez Vila. Y en el cine con Carlos Vermut, Borja Cobeaga, Juan Cavestany o Nacho Vigalondo. Y, curiosamente, casi todas interrogan o dan cuenta de los mecanismos del sistema para deshumanizarnos.

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Háblanos de los últimos montajes en los que has participado.
Hace un año, en el CDN, me propusieron uno de los retos más grandes de carrera como actor. Interpreté a una transexual en La Ceremonia de la confusión de María Velasco, con dirección de Jesús Cracio. El texto interrogaba a la generación de la movida desde el movimiento de los indignados del 15M, y mi personaje acababa desmontando la cuestión de género. Después llego un regalazo, abordé a Sócrates en El banquete, que estrenamos en el Fringe y que ahora volvemos a reponer en el Ateneo. Uno del os mejores monólogos que ha llegado a mis manos, escrito por Sergio Martínez Vila. Y, pasado el verano, Carlos Aladro me propuso participar en el Don Juan, de Zorrilla. Un montaje multimedia para Alcalá de Henares. Ahí descubrí lo sagrado del teatro. El viaje culminó en la Huerta del Obispo del Palacio Arzobispal, el 31 de octubre y el 1 de noviembre, ante 20.000 personas en silencio, durante dos horas. Después hicimos Perfiles, de Sergio Martínez Vila, en La casa de la portera. La obra planteaba como en el mundo virtual el Otro desaparece y el sistema nos va convirtiendo en máquinas. Estuvimos cuatro meses reflexionando sobre esas máquinas que llevamos en los bolsillos y que lo aceleran todo pero que no pueden asegurar nuestra humanidad. Y, los dos últimos montajes fueron en el escenario de la Cuarta Pared. Günter, un destripador en Viena, de María Velasco. Un montaje sobre el accionista vienés Günter Brus y sus autolesiones para despertar a la sociedad de su tiempo. Un trabajo que entronca con nuestra actualidad, con la dificultad para renovar en el ámbito del arte y de lo social. Y En defensa( un concierto de despedida), de Lola Blasco. Luis Paniagua compuso la música original del concierto, una elegía para despedir a los jóvenes que abandonan el país, por falta de trabajo. Un montaje de investigación para renovar el teatro político a partir de Brecht y de Piscator. Y una toma de conciencia sobre la resistencia que habitamos. La revolución de las ideas se corresponde con la de las formas y de las estéticas.

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¿Cómo surge El Banquete, el proyecto que vais a presentar en el Ateneo?…
La idea de hacer El banquete surge de María Velasco, que coordinó a la dramaturgia, y de Sonia Sebastián, que se encargó de la dirección. Cinco dramaturgos: Alberto Conejero, Elena Lombao, Ana R. Costa, Sergio Martínez Vila y María Velasco, reescribieron los discursos del amor, a partir del original de Platón.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
Escritos los discursos, Sonia Sebastián ofreció a los dramaturgos la posibilidad de que propusieran a los actores que podían interpretar sus discursos. Una vez formado el equipo, hicimos exploratorios sobre la clase social a la que podían pertenecer estos filósofos, su manera de comportarse en este tipo de reuniones y las posibles relaciones que podían surgir entre los comensales. Siempre con la comida de por medio o distintas catas de vinos. El equipo se compactó en seguida, la verdad. Y el resto, con la batuta de la Sebastián, fue rodado.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido, para crear tu personaje?…
A Sócrates lo condenaron por corromper a los jóvenes… Situé su juventud, la década en la que podía haber forjado sus cimientos, en el movimiento hippie, Todavía estamos bebiendo de la revolución sexual de los años sesenta, del amor libre, la marihuana, la experimentación con los alucinógenos y de todo un mundo sonoro. Se instaló una canción y un tempo: Across the universe, de los Beatles. Nothings gonna change my world…

¿Cómo preparas los personajes?…
Suelo trazar momentos de su biografía que le marcaron cambios de conciencia. Trato de documentarme todo lo que puedo y estar alerta de lo que me va dando la vida diaria. Para mi, lo importante es aproximarme a su carácter, sentir de dónde nace el discurso que trata de sostener y de su estado de conciencia en el momento que entra en acción.

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¿Qué función crees que debe tener el teatro para la sociedad en la que vivimos? …
Vivimos la desaparición del especio público, de reunión. Cada día estamos más dispersos y el bombardeo de la información crea confusión. Creo que el teatro nos convoca para sacarnos del ruido del mundo y abrirnos un poco más los ojos a una verdad secreta. Esa que fecunda la conciencia. Tenemos que empezar por entender que sentido nos damos nosotros a nosotros mismos para saber qué tipo de sociedad queremos. Y el sentido también debe aprenderse, nos una cosa natural.

¿Te interesan las propuestas combativas y políticas?…
Claro que sí. Las ideas que mueven al hombre entroncan con la situación política en las que esas ideas se gestaron. Ahora que la democracia no nos ayuda porque no hay una verdadera comunidad, que estamos divididos por la economía, sin objetivos comunes, el teatro tendría que ser más abiertamente político. Es el momento de repensarse. Si no ahora, ¿cuándo?.

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La Subida del IVA…
Tratan de hacer daño a la cultura y, por tanto, a la identidad del país. Nos duele, pero no nos paran.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
En vez de crisis di resistencia. Estamos en una resistencia y hay que planificar la resistencia. La otra palabra puede llegar a paralizarte.

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Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Citaría el repertorio de Pablo Messiez. Me interesa lo que cuenta, como lo cuenta, los climas que crea y adónde viajo como espectador.

Proyectos.
Tenemos Los bárbaros como distribuidora y como compañía. El proyecto es crear más visibilidad a la dramaturgia contemporánea; y más amortización del trabajo. Lo más inmediato, el estreno de Perfiles en escenario a la italiana. El 5 de abril, en La Elipa. Nos vamos de bolos con Günter, un destripador en Viena, a Burgos. Seguiremos en Madrid con El Banquete. Y estamos con la pre-producción de El arte de la guerra, una versión de Sergio Martínez Vila sobre el original de Sun Tzu.

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Lecturas dramatizadas en Ateneo Mucha Vida

Dentro del interesante y comprometido ciclo sobre cultura actual que se está llevando a cabo en el Ateneo Mucha Vida, se han realizado una serie de lecturas dramatizadas de autores contemporáneos que han tenido muy buena acogida por parte del público. Ayer, se leyó, en la impresionante biblioteca del Ateneo, la obra Ushuaia de Alberto Conejero. Un texto en el que se nos plantea el debate sobre la caducidad o no de los delitos y si somos nosotros los que tenemos que llevar a cabo la persecución y denuncia de los delincuentes. Una trama sugerente que nos permitía ver el presente de unos personajes que cargan con su memoria, manchando su día a día del pasado. Tras la lectura, un interesante debate entre los asistentes y el equipo creativo dio por cerrado un nuevo acto cultural en este espacio emblemático de Madrid.
Adolfo Simón

ATENEO


Sergio Martínez Vila nos habla de su trabajo de creación para la escena

sergio¿Cómo surge el proyecto de ‘Perfiles’?…¿De qué va la obra?…
‘Perfiles’ se instala en la rutina de dos solteros de cuarenta y tantos (Fernando y Silvia) que comparten piso y que viven enganchados a las webs de contactos. Su obsesión por encontrar pareja o por tener algo de sexo con el que distraer su soledad es el motor de todos los conflictos emocionales que acaban por gestarse entre los dos.
El proyecto nace no sólo de mi particular relación de amor / odio con Internet sino de unas charlas de trabajo que mantuve con los actores (Miquel Insua y Mercedes Castro) a principios de este año. Escribí ‘Perfiles’ para ellos y gracias a ellos. Llevaba un tiempo trabajando en distopías sociopolíticas y en textos de carácter más poético y ‘Perfiles’, de algún modo, me obligaba a situarme desde un lugar mucho más actual y cotidiano.

¿Cómo ha sido el proceso de creación con los actores?…
Miquel y Mercedes han tenido un papel muy activo en todo el proceso, desde la puesta en escena hasta los diálogos, lo que ha facilitado y enriquecido mucho el trabajo. Por otro lado, dar forma escénica a un texto tan cercano al lenguaje hablado no siempre era fácil; por eso hemos intentado ser muy concretos con lo que queríamos transmitir en cada escena, a fin de darle un sentido a la incomunicación y a la impotencia de la que hablan los diálogos de ‘Perfiles’.

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¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
En ‘Perfiles’ no tenía unos referentes muy claros, al ser un tipo de trabajo y de registro dramático al que no estaba muy acostumbrado. Para la veracidad y la cercanía que buscaba me inspiré mucho (como hago casi siempre que emprendo algo) en el cine y el teatro de John Cassavetes, en concreto ‘Love Streams’.

¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena en La casa de la portera?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…¿Y desde el texto?…
‘La casa de la portera’ es un regalo para la puesta en escena, sobre todo si tu texto tiene lugar en un apartamento antiguo, como es el caso de ‘Perfiles’. Se trataba más bien de utilizar los elementos escénicos precisos para apoyar el concepto estético que ya tiene de por sí el espacio y no saturarlo.
Quería que la gente se sintiese desde el principio en la casa de Silvia y que pudiese percibir el día a día en ese lugar, el deambular por los pasillos, el olor de la comida, el tacto de las sábanas… El texto ya apoyaba este tipo de realismo ‘voyeurístico’ desde el coloquialismo y la imprecisión deliberada en los diálogos.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos en teatro?…
Éste ha sido el año más activo que he tenido nunca, en lo que a proyectos teatrales se refiere. Aprendí mucho del trabajo colectivo que hicimos a mediados de año en ‘El banquete’, de Sonia Sebastián (co-escrito con María Velasco, Elena Lombao, Anna R. Costa y Alberto Conejero), y también de ‘La madre tolerante’, un monólogo interpretado por Julio Rojas con el que me puse a dirigir teatro después de un paréntesis de seis años. He recuperado una confianza que hacía tiempo que no tenía y la verdad es que no puedo estar más contento con el diálogo que han ido generando nuestros trabajos. El balance sólo puede ser positivo.

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¿Qué espectáculo has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
No voy al teatro tan a menudo como me gustaría, en parte porque vivo y trabajo fundamentalmente en el campo. De lo poco que he podido ver este año tengo que destacar el montaje ‘Leche’, estrenado en la galería de arte Espacio 8 durante el invierno pasado. Las actrices Eva Llorach, Ángela Villar y Ángela Boix y el director Camilo Vásquez me introdujeron en un universo hipnótico sin corsés estructurales o morales. Era un trabajo de investigación libre, arrojado, carnal y de una belleza explosiva. Salí de allí con unas ganas de escribir y de trabajar tremendas. ¿Qué más se le puede pedir a una función?.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Como medida que sólo pretende gravar libertades de expresión y de reunión en espacios de intercambio cultural, las consecuencias son devastadoras y van desde el aislamiento (tanto de creadores como de espectadores) hasta la auto-censura y otras formas tristes de boicot creativo. De todos modos, la medida es tan abiertamente absurda y tan clara en sus objetivos reales que, en sí misma, ya contiene la semilla de su propia destrucción.

¿Proyectos?…
Estoy preparando un díptico teatral sobre el sentido y las formas de una supuesta guerrilla (tanto urbana como rural) fuertemente anclada en este contexto de malestar político. Uno es un texto original, ‘Judit triunfante (o el océano contra las rocas)’, que me gustaría poder hacer en espacios tan poco ‘teatrales’ (a priori) como el campo o las dehesas de la sierra norte. El otro es una adaptación muy libre de ‘El arte de la guerra’ de Sun Tzu.

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Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
De la ausencia de recursos casi siempre surge, paradójicamente, un abanico muy amplio de posibilidades. Cuesta creérselo, en un principio, por el tremendismo de los medios y por el aura general de desánimo que parece impregnarlo todo, pero a poco que se vea todo lo que está surgiendo en los márgenes, uno se va haciendo a la idea de lo liberador que es el vacío cultural, al menos como punto de partida de algo nuevo. Los tiempos exigen unas formas modestas que no hacen sino propiciar contenidos aún más depurados y reveladores. Hay que confiar en el mensaje, trabajar con lo que se tiene para no instalarse para siempre en la espera y adiestrar las expectativas que se tengan sobre el alcance de tu trabajo. Y con eso se va haciendo camino.

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PABLO MESSIEZ nos habla de su experiencia en el teatro y de sus proyectos.

mesiez¿Cómo surge el proyecto de Las palabras?…¿De qué va la obra?…
Siempre me llamó la atención el modo en que nos vinculamos con las palabras. La forma en la que elegimos nombrar y nombrarnos. Las palabras son un arma muy poderosa y pueden afectar radicalmente nuestros cuerpos. Sin embargo, en el habla cotidiana muchas veces las usamos con un descuido realmente asombroso.
Al mudarme de país, y escuchar mi lengua natal utilizada de un modo nuevo, esto que para mí siempre había resultado inquietante, se hizo presente de modo radical.
Por eso se me ocurrió que podía estar bien montar un espectáculo en donde a la fuerza, los personajes se vieran obligados a elegir sus palabras con cuidado.
Y ahí nació “Las palabras”, obra en la que una peste extraña mata a todo aquél que no piensa en lo que dice. En la obra, la peste es el marco para contar una historia de amor, ya que el amor es la experiencia que nos hace elegir las palabras con cuidado y dedicación. La declaración de amor, es como la poesía, la puesta en acto de un lenguaje nuevo y poderosísimo.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
Leí algunos textos sobre la peste (como el “Diario del año de la peste” de Dafoe), pero no hice una investigación exhaustiva. No hay en la obra una voluntad historicista. Es una especie de fábula breve, y sin animales.

¿Cómo fue el proceso de escritura?…
Como siempre que escribo, fue largo y desordenado. Iban surgiendo ideas. Las desarrollaba. Las aprobaba o desechaba. Y luego, al ver la totalidad con los actores, volvía a editar el material si encontraba escenas que consideraba innecesarias. Así cayeron un par de escenas que me encantan, pero que resultaban redundantes en la narración total.

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¿Cómo ha sido el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?…
Escribía escenas, las probaba con actores, reescribía, editaba y así estaré hasta el estreno (e incluso después de estrenar): corrigiendo.
Con la escritura de la obra empecé hace casi dos años. Y con los actores fueron tres etapas de ensayos a lo largo de casi un año.

¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
Salvo casos excepcionales, yo escribo por necesidad de ver en escena determinada idea. Por eso mis textos son muy incompletos y si pensara en publicarlos tendría que hacer un trabajo de reescritura importante. Sobre si hay o si no hay que publicar un texto antes de verlo estrenado, te diría que depende del texto. No soy muy amigo de las máximas.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor/director?…
Veo en todos la necesidad de hablar sobre la experiencia del amor. Una continuidad temática en el intento de encontrarle la mejor forma escénica a esa idea: el amor como territorio del que se puede aprender mucho a estar en el mundo sin caer de golpe en el abismo.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Sería extraordinario que pudiera cumplir una función reveladora -no didáctica, ni moralizante- reveladora de belleza, de modo radical, como un buen poema que te golpea te convierte en otro. A mí me ha pasado, viendo trabajos de Pina Bausch (por nombrar a la mejor).
Creo que cuándo el teatro sucede, las contadas veces que sucede, ES. No “representa” nada. No “habla” de nada. ES eso. Y es ahí cuando dialoga con su tiempo porque aparece. El resto, son cuentos mejor o peor contados, con mayor o peor eficacia, con mayor o menor gracia, pero podrían ser teatro, televisión, cine, documental. Por lo tanto no se revelan como teatro, y revelan poco o nada.
Creo que viene muy bien preguntarse al hacer una obra si esa obra puede existir sólo en el teatro para estar viva.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir/hacer teatro?…
El placer que me da hacerlo.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Como ya todos sabemos y vemos. Mucho y mal.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última fue “Ubu Roi” de Donnellan y me pareció un gran ejemplo de puesta en escena valiente y rica. No soy fan del texto, pero disfruté mucho del diálogo que estableció con él Declan Donnellan.

¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?…
La veo viva.

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¿Qué diferencias hay entre la escena en Argentina y la Española?…
A este paso hay cada vez menos. Pero debo decir que me cuesta pensar la escena en términos de nacionalidades. Creo que para hacer ese tipo de análisis hay que borrar toda ambigüedad, y hacer pie sobre una serie de prejuicios para llegar a unas conclusiones más o menos ciertas (según la lucidez del intérprete) que dejan fuera todo lo que sucede al margen de esas generalizaciones (que suele ser lo mejor). Sólo presto atención a las nacionalidades para elegir restaurante.

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¿Proyectos?…
Muchos. Algunos junto a Alberto Conejero, que es un autor que admiro y con el que espero que podamos concretar proyectos en 2014.
Y uno personal, muy en pañales, que llevará dos o tres años de trabajo. El punto de partida es el certificado de arribo a América de mi tatarabuelo que me mostró mi madre. El documento pone: “Stéfano Prato de nacionalidad italiana, procedente de Génova, llegó a Buenos Aires el 18 de Octubre de 1884 en el buque “Europa”. 21 años. Soltero. Profesión: Zapatero”
Revisando papeles para sacar la nacionalidad italiana y poder seguir trabajando aquí sin pedir permiso a la policía (mira, de ahí vendrá mi tirria con las putas nacionalidades) encontré ese papel y en seguida supe que ahí estaba mi obra nueva.

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Natalie Pinot nos habla de sus últimos proyectos para la escena

pinot¿Cómo surge el proyecto de Ustedes perdonen?…
Surge de Salva Bolta que es el que nos juntó a todos y nos enamoró.

¿De qué va la obra?…
Son varias obras cortas bastantes cínicas que nos muestran un abanico de personajes totalmente desquiciados y bastante patéticos, pero no muy alejados de nuestra realidad todo ello aderezado con una buena dosis de humor negro.

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¿Y tu personaje?…
Son tres: una viuda inhibida, una hermana ultra perversa y una mujer torturada por su suegra.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director/autor?…
Muy divertido y muy placentero.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Muy bueno, estoy muy feliz con mis últimos trabajos que han sido muy enriquecedores: como El banquete dirigido por Sonia Sebastián con textos de 5 dramaturgos (María Velasco, Elena Lombao, Anna Rodríguez, Alberto Conejero y Sergio Martínez Villa)
Y Louella Persons que está siendo una experiencia increíble con dirección de Benja de la Rosa y un texto de Secun de la Rosa (se puede ver todavía en Hall de Lara el lunes 7 de octubre)

¿Cuál es tu método de trabajo?…
Una combinación personal de lo que he aprendido de diferentes maestros (entre ellos Fernando Piernas) y lo que me ha enseñado la experiencia.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que es un ritual mágico necesario para la salud del alma que entre otras cosas tiene que ayudarnos a entendernos y a despertar preguntas en nosotros.

¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Muchíssimo es un horror y una barbaridad. Para los artistas y para el público.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Me conmovió En construcción dirigida por Tristán Ulloa que vi antes del verano y disfruté mucho de Visita a una vedette y mi primer rodaje X de Benja de la Rosa.

¿Proyectos?…
Estrenar Ustedes Perdonen en la casa de la portera, crecer Louella Persons y llevarla de gira.

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María Velasco a punto de estrenar La ceremonia de la confusión nos habla de su trabajo como dramaturga

MaríaVelasco¿Cómo surgió el proyecto de La Ceremonia de la confusión?…
Con la que está cayendo en España, en lo que concierne a lo político y social, hacía tiempo me propuse hablar de los albores de nuestra “democracia”. Los sueños de aquellos que eran jóvenes cuando el dictador nos dejó, el referéndum para la nueva constitución y, a comienzos de los 80, con la movida cultural. Sus aspiraciones en contraste con la realidad actual…

¿Cómo ha sido elegida para Escritos en la escena?…
Envié un dossier a la convocatoria procurando el mayor rigor. Hubo muchos candidatos, porque esta iniciativa es pionera en el Centro Dramático Nacional. En Europa y, sin ir tan lejos, en Cataluña, ya se habían llevado a cabo programas similares, pero aquí era la novedad, y no se sabía qué criterios iba a valorar el jurado. Escogieron las propuestas de cuatro dramaturgos. Conozco bien a dos: Lola Blasco y Carlos Contreras, por eso deduzco que prefirieron autores de nueva cuna y de escritura más bien postdramática. Tanto Lola como yo habíamos participado de experiencias semejantes (para la integración del dramaturgo en el proceso creativo) en la Sala Cuarta Pared.

¿De qué va tu texto?¿Has podido seguir el proceso de creación del montaje?…
Un grupo de viejos amigos se encuentran en el velatorio. Ha fallecido el que era el líder del grupo de su juventud. Hacer el duelo, implica también despedirse de una época, de un pasado mistificado. La pareja del difunto, dos décadas más joven, es testigo de las contradicciones de una generación, la de la democracia. A él le corresponde tomar el relevo. La parte más “trascendental”, por así decirlo, viene edulcorada por el ambiente frívolo de la Movida (flashbacks), así como algunas versiones musicales de temas de los 80.
He estado presente en un porcentaje de los ensayos. He escrito y reescrito, pero no más que en cualquier otro proceso. En ese sentido creo que el programa de Escritos en Escena debe de reforzar la figura del “dramaturgista”: aquella figura que vela, hasta el día del estreno, por que se cuente la historia y se cuente bien.

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¿Qué lectura escénica han hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Creo que la propuesta de Jesús Cracio “barroquiza” más un texto ya de por sí formalista. A veces, ir a favor del texto es ir contra… y viceversa. La propuesta ha apadrinado, en cierta forma, la estética de la Movida. Esta es muy “poderosa”, engatusa; pero el público de hoy no reaccionará igual al eclecticismo y la tentación del kitsch.

¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autora…
Ha habido de todo: encargos, producciones propias, trabajos de creación colectiva… El teatro hoy es un cajón de sastre y a mí, como autora, me ha proporcionado experiencias muy distintas: desde un encierro con unas monjas carmelitas para documentar una obra sobre Santa Teresa de Ávila (Tiempo de caminar) al frenesí creativo (Lorca al vacío). Creo que lo interesante es estar abierto al mundo sin perder la voz propia…

¿Cuál ha sido tu evolución como autora?…¿Estás escribiendo algún texto?…
El primer espaldarazo me lo dio Cuarta Pared. Me becaron, y coordinaron el proceso de escritura de “Günter, un destripador en Viena”, que tuvo cierta repercusión después de que José Monleón la publicara en Primer Acto. Luego llegaron otras como “Los perros en danza”, “Nómadas no amados”, “Manlet”… Ahora tengo varios proyectos en ciernes con las directoras Sonia Sebastián y Rakel Camacho. Y estoy escribiendo narrativa, para depurarme.

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…
Gris oscuro, casi negro, mientras las autoridades competentes sigan viendo la cultura como un bien de lujo y la gestión cultural esté en manos de personas que privilegian los intereses económicos por encima del humanismo. Ahora bien, en lo creativo, se hace notar cierta ebullición. El CDN, de la mano de Ernesto Caballero, comienza a asumir la responsabilidad de pujar por la dramaturgia contemporánea española; las salas alternativas se ven abocadas a la necesidad de llegar a un público más amplio (se acabó el “todo para el pueblo pero sin el pueblo”), y la proliferación de espacios no convencionales, pese a las limitaciones técnicas, augura un renacimiento cultural. La materia prima está; en el ámbito de la escritura, que el que mejor conozco, autores como José Manuel Mora, Alberto Conejero, Pablo Iglesias, Carlos Contreras, Lola Blasco, Zo Brinviyer, José Padilla, Antonio Rojano o Sergio Martínez Vila han demostrado con su poética que si son jóvenes (lo cual, biológicamente, ya es más que dudoso), no son célibes.

¿Crees que el aumento del IVA y los recortes perjudicarán al teatro?…
Estas “políticas bárbaras” han sido como un electroshock para los gestores y los creadores. Hecha la ley, hecha la trampa… El teatro va a tener que maridarse con la desobediencia civil.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
Me impresionó mucho “Autopsia”, de Jose Manuel Mora, dirigida y protagonizada por Fernando Soto. Hubo dos únicas representaciones dentro del Festival de Escena Contemporánea en la Sala Triángulo. Desearía que fueran más. Con una modestia de medios y recursos admirable se accedía, por el llanto y por la risa, a la filosofía, el amor al saber. La palabra hablada era poesía y los actores no tenían nada más que citarla. La plástica y el espacio sonoro eran hipnóticos. Salí de la sala como si hubiera estado soñando despierta… y, con la sensación, de que había crecido unos centímetros.

¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
En una sola expresión, robada además a Enzo Cormann, “POELÍTICA”.

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Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.

PacoBezerra¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.

¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.

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¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.

Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.

¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.

¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.

¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.

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