La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Versión de Juan Mayorga – Dirección de escena de Helena Pimenta.
La vida es sueño es probablemente la obra cumbre de nuestro teatro clásico, es un texto que consigue elevar filosóficamente a todos los que entran en sus entrañas literarias. Juan Mayorga ha hecho una versión sútil con la que acerca el texto a nuestra época, algo que se agradece porque se mantiene la obra original evitando que suene museística para el público de hoy. Pocas veces hay la oportunidad de ver tanto talento reunido en una producción…el vestuario, la luz y el espacio escénico se fusionan para conseguir una propuesta plástica fantástica, por momentos, asistimos a imágenes surgidas del Museo del Prado. Pero para que un texto o un cuadro cobre vida, han de entrar en juego los actores, los magos de la escena, sin ellos las ideas se quedan planas, han de poner en juego su imaginario y su sangre para que todo adquiera sentido y aquí, todos, desde Blanca Portillo hasta la figuración, están en estado de gracia. El teatro es un oficio de artesanos, si cada pieza o plano no suma, el resultado es desastroso, sin embargo, en esta nueva mirada escénica sobre La vida es sueño, todas las piezas de un complejo mecanismo de relojería encajan y el nivel de coherencia que hay en todo el espectáculo tiene una responsable, Helena Pimenta, que aquí, consigue uno de sus trabajos más impresionantes y bellos.
ADOLFO SIMÓN
Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…
Elisa Sanz nos habla de sus recientes y próximos trabajos…
¿Qué balance haces de tus trabajos en el último año?…
El balance es estupendo. Estrené «El manual de la buena esposa», un espectáculo que se mantiene en cartel con gran éxito, «Una luna para el bastardo» me ofreció la posibilidad de trabajar con John Strasberg y estrenar en el matadero, teniendo la ocasión de trabajar con unos actores increíbles. Con Aracaladanza remontamos «Nada Nada» y continuamos con la gira con «Nubes» y con 10 & 10 Danza tuve el inmenso honor de trabajar con cinco grandes de la danza contemporánea en «Identities», una producción muy especial en el que trabajé muy duro y en la que aprendí e investigué muchísimo. En este mes de septiembre se estrenará «Si supiera cantar me salvaría. El crítico», un texto precioso de Juan Mayorga con dirección de Juan José Afonso para el que he diseñado la escenografía en la que conviven en escena Juanjo Puigcorbé y Pere Ponce. Para terminar el año estrenaré «Constelaciones» de Aracaladanza, proyecto en el que actualmente estamos en plena creación. Y para completar me dieron un Max por el vestuario de «La avería». Ahora que me doy cuenta que el balance ha sido cojonudo.
¿Hay alguno de los trabajos en el que hayas podido experimentar en el proceso o tienes que buscar habitualmente el resultado que piden?
Intento experimentar en todos. La creación para mí no es otra cosa que probar y descubrir nuevas lecturas. Habitualmente lo hago más en danza por el tipo de lenguaje. En «Identities» experimenté desde el minuto uno hasta la hora antes de estrenar. Ahora con Aracaladanza es lo único que hacemos. Esto es maravilloso. Pero en teatro también intento descubrir y encontrar nuevas formas en el proceso de creación del vestuario o de la escenografía. Nunca voy a lo que piden sin pasar por un proceso más personal, aunque luego sea el resultado que aparentemente te piden. Si no experimentáramos sería aburridísimo. Siempre hay un nuevo material que probar, un traje con el que jugar, una perspectiva diferente o una tela con la que descubrir nuevas formas.
¿Hay alguna diferencia a la hora del diseño si se trata de un espectáculo de danza o de danza para niños?
Para mí no hay ninguna diferencia. Yo trabajo en danza y en espectáculos de danza para niños. La única diferencia es que los niños son un público bastante más exigente y esto te pide trabajos más estudiados. Nos empeñamos en diferenciar públicos y eso a mí no me gusta. La diferencia es el contenido del espectáculo. Para niños las propuestas, habitualmente son más lúdicas, esto hace desarrollar diseños con más juego que los que habitualmente vemos en danza para adultos. Pero me exijo lo mismo en un tipo de espectáculo u otro.
Hablamos del proyecto Fuafua showroom
Este proyecto es algo que tenía pendiente. Y en Burgos, ciudad en la que vivo a caballo de Madrid, es más fácil. Se trata de un espacio taller en el que seguir investigando tanto para espectáculos como para diseño de moda o lo que se me ocurra. Un pequeño pisito solo para crear. Intentar realizar los trajes en mi espacio para convivir con ellos. Siempre diseño y es un taller el que se ocupa de la realización y esto te separa del proceso. También será un espacio en el que pueda realizar otro tipo de creaciones. Ahora estoy con una colección de trajes vintage y complementos. Una futura tienda online, presentación de colecciones de otros creadores. En fin, al mal tiempo buena cara.
¿Este proyecto es una prolongación del que estabas realizando en Burgos?
Bueno, viene impulsado por mi proyecto de HangarMarket. Creé un mercado alternativo y de nuevos creadores en la sala hangar de Burgos. Coordino y selecciono los cuarenta y cinco puestos que cada primer domingo de mes forman este mercado. Llevamos cinco y el éxito es total. Comencé poniendo un puesto de ropa de segunda mano y corsets…Ahora ya tengo la marca Fuafua y muchos proyectos con el mercado.
¿Estas ahora en proceso con el próximo espectáculo de Aracaladanza?…hablamos de él…
Pues está siendo fantástico. Es lo que te comentaba al principio… Experimentación…juego y creación. ¿Qué más se puede pedir?. Nos hemos metido de lleno en el mundo de Miró para este espectáculo y estamos descubriendo cosas increíbles. Ya estamos con las primeras pruebas de vestuario y creo que va a estar a la altura de los proyectos anteriores de Aracaladanza , si no mejor.
¿Que otros proyectos tienes en preparación para los próximos meses?
Los próximos y principales proyectos son Fuafua y mi colaboración con el grupo contemporáneo de Burgos para su próximo espectáculo de danza. De los demás no se puede hablar que dicen que trae mala suerte.
¿Qué prefieres diseñar vestuario o espacio escénico?…
Me gusta hacer las dos cosas en el mismo proyecto. Lo siento más mío. Si tengo que elegir, en teatro… el espacio y en danza…el vestuario.
¿Como se ve Madrid desde Burgos?
Bueno, paso de uno a dos días de la semana en Madrid. A veces más si estoy en pleno proyecto. Pero ahora para mi Madrid es solo trabajo. Burgos es calidad de vida. En Madrid parece que está todo hecho o no tienes tiempo para hacer nada. En Burgos hay mucho por hacer y te da tiempo a realizar millones de cosas en un solo día, todo es más fácil. Y con una niña de un año y medio muchísimo más sencillo y económico.
¿Crees que afectara mucho en las artes escénicas los recortes que se están dando en cultura en nuestro país?
Pues claro que va a afectar. Pero tengo la esperanza de que todos demos la vuelta a la tortilla y ante las dificultades ganemos la batalla con talento.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Hay que seguir creando. Investigar, inventar nuevas formas e intentar rodearnos de gente con talento. No hay que dejarnos llevar por el pesimismo. En época de crisis la cultura y el arte se hacen fuertes.
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
Guillermo Heras nos habla de los proyectos que ha dirigido o dirige en la actualidad…
¿Cuál es el proyecto que estás realizando en MEXICO D.F?…Háblanos de él…
He realizado la puesta en escena de la obra de Juan Mayorga “Cartas de amor a Stalin”. Esta es ya la cuarta propuesta que hago de esta excelente obra. Cada una de ellas en países diferentes España, Venezuela, Portugal y ahora en el DF con la Compañía Nacional de México que dirige el maestro Luis de Tavira. La experiencia ha sido muy gratificante por el alto nivel creativo y productivo del entorno en que he podido trabajar y entra dentro de mi persistente visión de encontrar un espacio escénico iberoamericano de integración e intercambio.
¿Cómo ves el teatro en México?…
Actualmente la escena mexicana está atravesando un gran momento creativo debido a factores como:
a) Una consolidación de propuestas que provienen de los Estados (sus Comunidades Autónomas) y que van más allá de un persistente sistema institucional basado sobre todo en la producción capitalina del DF.
b) Un interesante recambio generacional en el segmento de la dirección de escena, que sigue teniendo un fortísimo discurso y personalidad entre los históricos del teatro mexicano, pero al que se unen ahora numerosos directores con ideas muy diversas a la tradición dominante.
c) Una excelente aportación dramatúrgica que abarca desde las generaciones más consolidadas a nombres que surgen en todo el país con propuestas sumamente atractivas y diversas.
¿Cómo ves desde la distancia la situación teatral en nuestro país?…
Mi vinculación a España desde el punto de vista creativo es cada vez más residual. Estoy convencido que aquí estoy en “un territorio de nadie” y por eso prefiero hacer trabajos de gestión como la Muestra de Autores de Alicante o el Programa Iberescena y volcar mi energía de dirección escénica en laboratorios y, talleres y montaje en toda América donde me siento más a gusto. Tal vez sea un desapego circunstancial porque sé que ahora más que nunca hay que arrimar el hombro, pero necesito volver a encontrar un entorno (soy muy poco individualista) para canalizar esos proyectos de creación que, sin duda, tengo en la cabeza. No obstante ahora mi sueño es contar con un grupo de integración de voces e ideas de toda Iberoamerica.
¿Cuál es tu balance de Iberescena hasta el momento?…
Muy positivo dado que solo tiene seis años de vida pero ya ha repartido una importante cantidad de dinero (en cinco años en torno a los seis millones de euros) y varios de los proyectos a los que se han ayudado están circulando y teniendo una cierta repercusión en el mundo escénico. No obstante soy consciente de lo mucho que se necesita avanzar, del presupuesto real que se debería alcanzar y los enormes retos que tenemos de dar a conocer a todos los sectores el propio Programa.
¿Cuál es tu balance del Festival de Autores de Alicante a día de hoy?…
Veinte años de Muestra de Autores es desde luego un largo trayecto. Sin duda tengo luces y sombras a mis espaldas. Por un lado, lo que sin duda se ha conseguido cuando era una experiencia que cuando empezó nadie daba un duro (no había aún el euro) por ella. Pero al cabo del tiempo y habiendo entrado en los tiempos de la crisis y los recortes siguen existiendo para mi tareas pendientes: fomento de las coproducciones, proyección exterior mayor, programaciones más sostenidas en el año, la creación de un Centro de Dramaturgia Contemporánea en un espacio singular de Alicante como son Las Cigarreras…..en fin sueños y deseos que no se si veré cumplidos en el tiempo. Pero con mi equipo seguimos luchando para que la Muestra se celebre y que cada año haya un panorama de lo que nuestros dramaturgos logran estrenar en cualquier parte del Estado y con cualquier forma de producción.
¿Qué texto o puesta en escena te ha interesado de lo que has visto últimamente?…
Sin duda la que más me ha emocionado e interesado la puesta del Teatro de La Complicité en el Festival de Otoño en Primavera de Madrid de ese excepcional texto que es “El maestro y Margarita” de Bulgakov. Además me abrió los ojos para esta nueva puesta del texto de Mayorga de “Cartas de amor a Stalin”. También me han interesado las propuestas de los colombianos de La maldita Vanidad, los mexicanos de Lagartijas al sol o la sorprendente vitalidad de la escena argentina de Buenos Aíres.
¿Qué proyectos tienes a corto plazo?…
Reponer la ópera de Tomás Marco que va al Festival Cervantino de Guanjuato. Estrenar a una nueva autora mexicana, Mariana Hartasanchez, con una obra suya “La navaja en el espejo”. Una sensible obra sobre nuestra guerra civil, bajo una óptica muy personal y que estrenaremos en octubre en la ciudad mexicana de Queretaro….Para el año próximo coordinaré un Laboratorio América de clásicos gracias a la invitación de Helena Pimenta. Este primer proyecto se hará en el teatro San Martín de Buenos Aires con jóvenes actores de allá. La dramaturgia la estoy trabajando ahora sobre un texto insólito de Rojas Zorrilla, “Los áspides de Cleopatra”. Lógicamente seguiré con mis trabajos de gestión hasta que el cuerpo aguante pues es preciso continuar el trayecto de Iberescena y ver si seguimos salvando un año más la Muestra de Autores de Alicante. También seguiré con mis talleres de investigación, espero terminar algunas de obras que tengo cocinando y publicar un libro sobre mi experiencia en la gestión
¿Cómo ves la realidad del teatro que se hace en Latinoamérica?…
Esta sí que es una pregunta que necesitaría todo un artículo en profundidad. Hablar de un continente como el americano es hablar de una extensión enorme de kilómetros pero también de sensibilidades y formas de producir y crear. Desde luego para mí es un territorio apasionante porque permite experimentar con más libertad que los clichés que últimamente han acotado la escena europea….y sobre todo, la española. La dramaturgia actual latinoamericana acumula tal cantidad de voces y expresiones que posibilitan un caleidoscopio sumamente atractivo para encarar esos textos desde puestas en escena libres de prejuicios. Cierto que las condiciones de producción son limitadas pero tal y como se ha puesto la crisis en nuestro país es mucho más fácil no sentir el peso de lo productivo como un impedimento, sino más bien como un reto a la experimentación y a la búsqueda.
¿Crees que va a cambiar el panorama de producción teatral tras los recortes en cultural?…
Pues muchos tendrán que superar el miedo escénico acostumbrándose a nuevas formas de financiación, producción y creación si quieren seguir en sintonía con las nuevas realidades que está produciendo la llamada crisis. Cuando se viene del teatro independiente esto no es muy importante porque ya hemos superado varias crisis, aunque efectivamente se notarán cambios que no sé muy bien adonde conducirán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Contesto con unas reflexiones que he escrito para un reciente trabajo que se me pidió sobre posibles medidas ante la situación:
1.- Abandonar los tópicos sobre bondades y defectos en las diferentes formas de producción de las artes escénicas, evitar las confrontaciones estériles entre ellas y dotarlas de medidas específicas para sus necesidades y desarrollo. Buscar las sinergias y posibles colaboraciones entre los diferentes modelos de producción.
2.- Concretar formas de colaboración, específicamente, entre el sector público y privado.
3.-Asentamiento de Compañías Residentes con una reglamentación más certera, apertura de espacios para las creaciones emergentes o la optimización de bienes y servicios de las Administraciones en fórmulas de cesión a las compañías y grupos.
4.- Replantear el concepto de subvención puntual. Apoyar proyectos a medio y largo plazo. Investigar en la línea de establecer contratos/programas en diferentes territorios de la actividad escénica,
5.- Profundizar en las estrategias de PROMOCIÓN -(distintas a las de PUBLICIDAD, pero sin olvidar estas en su justa medida)- para lograr mayor rendimiento, comunicación y relación con los diferentes segmentos de espectadores hoy existentes y los posibles por configurar.
6.-Convencer a la sociedad política y a la civil que las Artes Escénicas son una herramienta excelente para activar la economía, creando puestos de trabajo, aumentando el PIB y aportando espacios de calidad de vida.
7.- Ahondar en proyectos que promuevan la movilidad artística, fortaleciendo redes hoy en crisis y abriendo otras tanto de carácter local, nacional e internacional.
8.- Buscar nuevas formas de financiación para los proyectos escénicos. Diversificación de estrategias internas y externas que van desde la mejora de la utilización de recursos en gastos corrientes a la implantación de programas de repertorio en las compañías. Investigar en terrenos que, aparentemente, no tengan relación directa con las prácticas escénicas.
9.- Exigir desgravaciones fiscales al mundo de la cultura, rebajas de impuestos y desarrollar una Ley de Patrocinio no excluyente a cualquier tipo de proyectos.
10.- Investigar en los procesos de co-financión no solo con las Administraciones públicas y privadas consolidadas sino también con pequeños aportantes económicos -(crowdfunding)- que, incluso, puedan involucrarse en los proyectos artísticos y productivos de otras formas diferentes a las actuales.
11.- Reformar los modelos de distribución actualmente existentes. Encontrar nuevas formas de cooperación entre programadores y compañías.
12.- Situar al espectador como verdadero protagonista y eje esencial de las relaciones escénicas. Estudiar formas de vinculación mayores entre los proyectos y su recepción ciudadana.
13.- Replantear los modelos de festivales, muestras, ferias, bienales, ciclos, etc….con el objetivo de que sirvan como auténticos dinamizadores de los mercados existentes y otros por crear.
14.- Fortalecer vínculos de movilidad de artistas y proyectos con el objetivo de abrir nuevos canales y mercados de distribución.
Carme Portaceli nos habla de sus proyectos recientes, entre ellos el estreno de Nadie verá este video en el CDN
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¿Qué balance haces de los trabajos estrenados en el último año?
Pues hago un balance positivo porque las cosas que hemos hecho han funcionado bien con el público, porque han sido propuestas que nos han satisfecho internamente y hemos disfrutado con el trabajo y porque son tiempos difíciles para todos y creo que hemos podido trabajar bastante y bastante bien.
Como sueles trabajar también en Barcelona, Valencia…¿Cómo se ve Madrid teatralmente desde fuera?
Yo vivo en Barcelona desde hace más de 30 años, y trabajo básicamente allí. En Valencia, ciudad donde nací, he trabajado eventualmente, pocas veces y las pocas veces que he trabajado ha ido realmente bien, pero eso se ha acabado hace mucho tiempo, hoy en día esa posibilidad ya no existe. Madrid es una ciudad que en estos momentos tiene mucho movimiento, la gente de nuestra profesión tiene muchas inquietudes y se nota una gran vitalidad. A mí me encanta venir aquí a trabajar, me siento bien, la verdad y creo que ha ido creciendo mucho teatralmente en los últimos tiempos.
¿Qué diferencias importantes señalarías de cómo funcionan teatralmente Madrid-Barcelona-Valencia?
Ya he dicho que Valencia no existe prácticamente en el panorama teatral del estado español, se ha quedado fuera del tiempo, no sé qué van a hacer los profesionales que hay allí, la verdad. Es un desastre.
Barcelona es una ciudad interesante teatralmente hablando, siempre lo ha sido, pero los recortes que ha hecho el gobierno catalán últimamente junto con el IVA del gobierno central, pues va a ser bastante nefasto. Allí se ha creado una cantera de autores desde hace tiempo ya, desde la Sala Beckett y desde el TNC (Teatre Nacional de Catalunya) con el proyecto T6, que ha dado muchos frutos y, sobre todo, la posibilidad de crear una dramaturgia propia desde la realidad, o sea con la posibilidad real de estrenar con una compañía, medios y una sala que tiene garantizada una promoción… También ha habido siempre la posibilidad con el Festiva Grec, desde hace muchos años, de ver muchos espectáculos extranjeros, algo que siempre ha dado coraje y alas para la creación. Hoy empezamos a vivir una situación mucho más comercial que nunca antes, la cartelera ofrece cosas muy comerciales y el teatro que, hasta hace poco, era más arriesgado, ahora está en una situación difícil. Hemos de luchar mucho contra eso.
En Madrid había una cartelera muy comercial siempre, pero hace un tiempo han empezado a crearse otras iniciativas que son muy interesantes y que llevan mucho público. Aquí hay mucho público de teatro, está muy bien. Creo que está creciendo mucho, eso percibo.
¿Cómo surge el proyecto… Nadie verá este video que has estrenado en el CDN?
Pues, sencillamente, surge en el Grec Festival de Barcelona con su nuevo director, Ramón Simó. De los textos que habíamos hablado, pues éste fue el que más me apetecía por cómo era el tema y su tratamiento. Después hablamos con Ernesto Caballero y entró en la coproducción, junto con nuestra compañía/productora, la FEI-Factoría Escènica Internacional, con la que hemos hecho muchísimas cosas, la última fue Nuestra clase, que también trajimos a Madrid en el mes de Mayo.
¿Cuál ha sido tu propuesta de dirección para montar este texto?
Como es habitual en nuestros trabajos, es una propuesta no realista, en el sentido de huir de una reproducción realista de los espacios para ir hacia una concepción metafórica que, siempre, esencializa nuestro trabajo en el escenario, con los actores, banda sonora, movimiento…, un todo que hace que te llegue la obra más totalmente, desde los sentidos hasta la conciencia.
¿Qué proyectos tienes en preparación?
Ya sabes que no nos gusta hablar mucho de ellos, y menos ahora en la situación en la que estamos viviendo, pero tenemos, por suerte para nosotros, cuatro proyectos a la vista muuuuuuy interesantes, entre ellos una obra, que no quiero decir cuál es, que es, posiblemente, lo mejor que he leído en los últimos siete años. Y también llevar Nuestra clase a Buenos Aires y a Finlandia.
¿Qué autores contemporáneos te interesan como directora?
Uyyyy, muchos autores me interesan. De las 56 obras que he dirigido en toda mi vida, el 87% han sido autores contemporáneos, de muchos de ellos he sido pionera, es decir, que los he hecho antes de que nadie los hubiera hecho aquí, como Koltès, Mayemburg, Achternbush, Tabori, Botto Strauss, Heiner Müller, Slobodzianek, Jonigk, Jelinek, Melquiot, Paravidino, Schwab, Bond…. Otros que no he hecho también me gustan, por ejemplo Falk Richter, Howard Barker, Gesine Dankwart, Juan Mayorga… algunas autoras polacas… A mí el teatro contemporáneo me ha enseñado muchísimo. Y me interesa porque es una crónica de nuestro tiempo.
¿Crees que va a afectar mucho a la profesión teatral los recortes en cultura y la subida del I.V.A.?
Lo que está clarísimo es que la subida del IVA no va a recaudar más. Lo único que va a hacer es que la gente, que está sufriendo muchísimo, no vaya al teatro porque no se lo puede permitir. De hecho los toros creo que tienen un IVA del 4%, con lo que ellos tienen muy claro qué es lo que quieren promover, verdad? Y los recortes están creando una situación muy delicada, como la de no cobrar… Un precedente brutal porque ya hay muchos teatros en los que la gente trabaja sin cobrar y luego van a taquilla, el teatro llena su programación, cobra su mínima subvención y los profesionales financian el teatro en cuestión y, de paso, la cultura. Eso es inadmisible, Yo siempre digo que los artistas tenemos la desgracia de comer y de necesitar un techo para vivir, mala suerte!!!
Y también influirá muy negativamente en los títulos, porque necesitarán ser muy comerciales para poder sobrevivir mínimamente. Eso nos pone en una situación precaria creativamente, a la cola de los países que admiramos teatralmente que siempre han tenido un gran apoyo público y eso ha creado grandes artistas. Una vez más a la cola!!!! Parecen otros tiempos, verdad?
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Yo creo que hay que hacer lo que sentimos que queremos hacer, no renunciar a nuestros sueños, a nuestra idea de cómo han de ser las cosas, adaptándonos a la realidad, por supuesto, eso siempre lo hacemos, no?, pero no renunciar, porque la renuncia hace crecer a los que no nos quieren.
Que Revienten los Artistas 
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