Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “La vida es sueño

RAFA CASTEJÓN: El teatro es un lugar de encuentro y reflexión

rafa¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues prácticamente desde que nací estoy en ello.
Mis padres eran actores así que mamé el teatro desde el principio. Dormía en las cestas de la ropa, tomaba la papilla con los técnicos…En las compañías de zarzuela donde mis padres estaban contratados siempre que había un papel de niño lo hacía yo: La revoltosa, Agua, azucarillos y aguardiente, El bateo, La leyenda del beso, y un largo etc. La primera vez que salí a un escenario tenía 4 años. Durante años trabajé en compañías de zarzuela; en la Compañía “Isaac Albéniz” cuyo empresario era Juanjo Seoane y su director Ángel Fdez. Montesinos, en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela cuyo director era Joaquín Deus, combinándolo con mis estudios, hasta la edad de 12 años. Ahí me tomé un respiro de las tablas y me dediqué a estudiar exclusivamente. A los 19 “retomé” la carrera y hasta ahora.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Di mis pasitos como técnico de iluminación y regidor pero al final me decanté por la interpretación. La cabra tira al monte.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Un lugar de encuentro y reflexión. Y según el tipo de teatro un arte imprescindible y necesario.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He cumplido ya las bodas de plata como profesional. 25 años.
Creo que el balance es muy positivo. Tengo mucha suerte de poder vivir exclusivamente de la actuación, que me apasiona. Esto, lamentablemente, no lo pueden decir muchos compañeros en estos momentos tan duros para la profesión. Me siento privilegiado. También reconozco que trabajo muy duro para que esto sea así pero con todo y con eso algunas veces tampoco depende sólo de ti. 
He podido trabajar con directores excelentes: Helena Pimenta, Juan Carlos Corazza, Calixto Bieito, Adolfo Marsillach, mi hermano Jesús Castejón, Tamzin Townsend, Juan Carlos Perez de la Fuente, Emilio Sagi y un largo etc.
He interpretado papeles maravillosos, entre otros: el Marqués de Poza del Don Carlos de Schiller, el Don García de La verdad sospechosa, el Autor de Comedia sin título, Samuel en El niño judío, Carlos en el Método Gronholm, y taaantos otros…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siempre recuerdo las palabras que les dirige Hamlet a los actores. “…cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida; mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento…”

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Desde que en el 2012 entrara a dirigir la compañía Helena Pimenta y me llamara trabajo en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Una etapa maravillosa con tres exitazos consecutivos y con grandes compañeros de reparto; “La vida es sueño”, “La verdad sospechosa” y “Donde hay agravios no hay celos”.

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Aparte de actor, dentro de la Compañía Teatro de la Reunión, soy productor junto a Juan Carlos Corazza de la misma, así que siempre estamos pensando, dentro de nuestras modestas posibilidades, en textos para poder llevar a escena. Juan Carlos organizó un taller de investigación y creación sobre varias obras cortas de Strindberg en el Centro Cultural Conde Duque, donde en estos momentos Teatro de la Reunión tiene su sede, e invitamos a Antonio Fuentes (el director y programador del Teatro Lara) a ver este trabajo, a Antonio le encantó y nos propuso llevarlo al Lara.
Elegimos dos obras de las cinco con las que estábamos trabajando en ese taller y empezamos la preproducción, producción y explotación de lo que Juan Carlos llamó “Hambre, locura y genio” título genérico que abarca las dos obras “Débito y crédito” (si no me equivoco nunca representada en nuestro país) y “El pelícano”, esta obra mas conocida y representada, del autor sueco mas importante de todos los tiempos.
La temporada en el Off del Lara ha sido un éxito total de crítica y público con el 100% de ocupación y con muchísima gente quedándose en la calle sin entradas.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No me gusta mucho la palabra método, la verdad. Lo asocio con una especie de rigidez.
Y creo que tiene que ser todo lo contrario. Flexibilidad, movimiento, búsqueda, investigación. Probar de una manera u otra hasta que encuentras la mejor para esa historia y ese personaje. Ser objetivo. Dejar el ego en la puerta de la sala de ensayo. No juzgarte ni juzgar. Alimentar la imaginación. Confianza.
Si se necesita mucho compromiso con el trabajo y con la profesión. Mucho ensayo. En casa, con los compañeros… trabajo, trabajo y trabajo. No decía eso Chejov en Tres hermanas??

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es la muerte!!
Pero si hay compañías que tienen que suspender su gira por el maldito iva!!!!
Y otras que no pueden ni empezar a trabajar!!
Y los números no le salen al gobierno. Está comprobado que se recauda menos porque desaparece el tejido industrial!! Entonces???? Por qué no lo bajan ya???
A nuestra compañía (16 personas en este momento) nos mata. Llega la hoja de taquilla y es para echarse a llorar!!

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lamento decirlo pero han sido unos meses de tanto trabajo con “Hambre, locura y genio” y “Donde hay agravios no hay celos” que tengo la sensación de que lo último que vi fue a la Xirgu en Yerma!!!! 🙂

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¿Proyectos?…
La gira de “Donde hay agravios no hay celos” con la CNTC, después….los Dioses dirán…

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Esa: seguir creando!! E intentar que sea con profundidad!!

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Hacía la alegría de Olivier Py con Pedro Casablanc en La Abadía

Un hombre -interpretado por Pedro Casablanc- se levanta en mitad de la noche, movido por una especie de presentimiento que le empuja a vestirse y a correr por la ciudad. Es un arquitecto que ha perdido la energía espiritual necesaria para la creación artística. Así comienza Hacia la alegría, nuevo texto de Olivier Py, director del Festival d’Avignon, que él mismo ha dirigido. Este lúcido monólogo interior va acompañado por un sugerente juego de objetos y sombras y la música en directo de Fernando Velázquez. Hacia la alegría forma parte del proyecto europeo Cities on Stage/Ciudades en Escena, ambiciosa colaboración internacional que centra la mirada teatral sobre la ciudad. No vamos a descubrir ahora el nivel actoral que tiene Pedro Casablanc pero en este montaje, se enfrenta a un trabajo complejo del que sale absolutamente airoso. Su entrega física, rayando la animalidad, permite que construya un personaje cercano a nosotros y al tiempo entroncado con el Segismundo de La vida es sueño. Un ser que trata de discernir lo que hay en su imaginación de lo que es la realidad del día a día. Un trabajo excelente.
Adolfo Simóncasablanc


Gustavo Tambascio nos habla sobre su larga trayectoria en la escena.

tam¿Qué es el teatro para ti?…
UN SITIO DONDE NO ENVEJECEMOS. DONDE NUESTRA CABEZA SE MUESTRA AL MUNDO CON CON EL ESCUDO DE UNA SEMI-INVISIBILIDAD, QUE ATENÚA LA IMPUDICIA DE ABRIRLA. DONDE EXISTIMOS A TRAVES DE ESE OTRO INSUSITUIBLE QUE ES EL ACTOR. DONDE, COMO DIJO ANTOIONE VITEZ HACE MUCHÍSIMOS AÑOS, NOS ESCONDEMOS COMO EL TITIRITERO QUE LE SEÑALA AL PÚBLICO QUIÉN ES EL MALO Y QUIÉN EL BUENO. EL LUGAR QUE LEGITIMA OBSESIONES QUE EN LA VIDA PRIVADA PUEDEN LLEGAR A SER HARTANTES.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
ME SUBI A UN ESCENARIO COMO ACTOR A LOS CINCO AÑOS EN LA COMAÑIA DE TEATRO INFANTIL DE MI HERMANA LUZ. A LOS 16 YA HABÍA CONSTATADO QUE NO ERA POR ALLÍ Y ESCRIBI ADPATACIONES DE MI ADMIRADO EMILIO SALGARI PARA LA RADIO, FUI AYUDANTE EN LA TELEVISIÓN ARGENTINA, TRABAJÉ EN PRODUCCIÓN, HICE UNA ADAPTACIÓN TERRORÍRIFCA DE LA VIDA ES SUEÑO A LOS 22. TRABAJÉ EN LA ÓPERA EN TODAS LAS CAPCIDADES POSIBLES (MENOS CANTANTE, SE ENTIENDE), Y DEBUTE COMO DIRECTOR A LOS 32, EN CARACAS, CON PULCINELLA DE STRAVINSKY Y LUEGO IONE DE PETRELLA Y DIDO Y ENEAS DE PURCELL. ESE MISMO AÑO ESCRIBÍ MI PRIMERA PIEZA, “LA VIUDA DEL MAJESTIC”, PARA DOS ACTORES TRAVESTIDOS Y AL AÑO SIGUIENTE (1982) DIRIGI MI PRIMER TEXTO DE PROSA. LA MONUMENTAL SAGA DE ELISA LERNER “EN EL VASTO SILENCIO DE MANHATTAN”, UNA OBRA CONSIDERADA IMPOSIBLE, CON MÁS DE 50 PERSONAJES. ¡LA INCONSCIENCIA DEL DEBUTANTE!!!!!!.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
HABER LOGRADO VVIR DEL ESPECTÁCULO, CON LOS ALTIBAJOS Y LOS TERRORES E INCERTEZAS QUE ENCIERRA, ES ALGO QUE NI YO MISMO ME PUEDO CREER. ME GUSTARÍA HABER ESCRITO MÁS O HABER SIDO UN DIRECTOR DE CINE, QUE TIENE ALGO QUE MOSTRAR A SUS NIETOS, FRENTO AL HECHO EFÍMERO DEL ESCENARIO. CREO QUE, SOBRE TODO, UNA VIDA DE ENCUENTROS, EN DISTINTOS PAISES, INCLUSO EN DISTINTOS IDIOMAS, ENCUENTROS CON SERES EXTRAORDINARIOS, MOMENTOS DE INTENSIDAD EXTREMA, ICNLUSO SOBRECOGEDORA. UNA CARRERA EN LA QUE HE TRATADO DE CUMPLIR CON PROFESIONLAIDAD Y A LA VEZ SER ÉTICO. PERO EL BALANCE SÓLO SE CIERRA CON TU EXTINCIÓN FÍSICA., HACE TRES MESES, VIENDO EL ESTRENO DE MI “IFIGENIA EN TARURIDE” DE GLUCK, EN SAO PAULO, ME SOPRENDI LLORANDO EN EL SEGUNDO ACTO. HABIA LOGRADO DESPRENDERME A TAL PUNTO QUE SENTÍ LA COMPASIÓN Y EL TERROR DE LOS GRIEGOS, LA IDENTIFICACION BRUTAL CON LOS DESTINOS Y TRIBULACIONES DE ORESTES, DE PILADES, DE IFIGENIA (ayudado por ese templo que te contiene, que es la música de gluck). PENSÉ ENTONCES, QUE AUNQUE SOY UN VIEJO, HAY SIEMPRE EMOCIONES INESPERADAS. Y QUE POR MUCHA EXPERIENCIA QUE TENGAS, NI EL TEMOR NI EL SENTIDO DE LO SAGRADO TE ABANDONAN DEL TODO.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SIEMPRE HE TENIDO LA RELATIVA FORTUNA DE QUE VINIESESN A OFRECERME TÍTULOS. ME AYUDA ALTERNAR EL TEATRO CON LA OPERA Y, ESTANDO MUY LEJOS DE SER UN DIRECTOR ESTRELLA DE ESTOS INTERNACIONALES, PODER TRABAJAR EN DISTINTAS PLAZAS. DURANTE MUCHOS AÑOS FUI SIEMPRE YO QUIEN LO PROPONÍA Y EMPUJABA HASTA EL FINAL. COMO IMAGINARAS, INFINIDAD DE PROYECTOS SE QUEDARON POR EL CAMINO. TENIA UN VIEJO ORDENADOR NO COMPATIBLE, EN EL QUE LA ACUMULACION DE SINOPSIS, PRESUPUESTOS, PROPUESTAS Y DEMAS, QUE JAMAS VIERO N LA LUZ, ME PRODUCÍA UN VÉRTIGO ENORME. DESDE QUE HICE FRANKENSSTEIN EN EL 2010, NO HUE VUELTO A PROPONER NADA. PASAR LA BARRERA DE LOS 60 me trajo algunos regalos extraordinarios, como hacer la Lulú de Alban Berg, que se llevo el premio de la critica brasileña hace dos años.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
IFIGENIA EN TAURIDE en Sao Paulo, el musical infantil Pinocho, El Greco decís?, una pieza a propósito del cuatricentenario del gran pintor, otro espectáculo a propósito de los 430 años del Teatro Español, ambos escritos por el Bachiller Arnel, un hombre de singular prosa aracaizante..

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Háblanos de tu puesta en escena de El loco de los balcones…
ME CUESTRA MUCHO TRABAJO DEFINIR, CONCEPTUALIZAR UNA PUESTA. CREO QUE SE TRATÓ DE CREAR EL MUNDO SOÑADO, ESE RECINTO ESTÉTICO AMURALLADO EN QUE VIVE EL PROTAGONISTA, COMPONER DE ALGUNA FORMA UN TODO ESTÉTICO E IDEOLÓGICO QUE ENMARCARA ESE PECULIAR DRAMA PEROSNAL. TENIENDO UN ACTOR DE LA DIMENSION DE SACRISTAN, TIENES UNA PARTE FUNDAMENTAL DE UNA OBRA COMO ESTA. EN LA SINTONIA CON ÉL, EN EL ACUERDO SOBRE LA PROPUESTA ESCÉNICA DESCANSA UNA RACIÒN SUSTANCIAL DEL TRABAJO. LUEGO ENCONTRAR LOS ACTORES QUE CIERREN ESE UNIVERSO. EN FIN, TRES PUNTOS FUNDAMENALES, PARA SER SIMPLEMENTE DIDÁCTICO: 1) SERVIR AL TEXTO; 2) ponerme al servicio de los actores; 3) ABRIR MI PROPIA CABEZA EN EL ESCENARIO, CON LA ENMASCARADA IMPUDICIA DE LA QUE TE HABLABA ARRIBA.

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¿Cómo ha sido el trabajo con los actores?…
DISTINTO EN CADA CASO. ALGUNOS SON VIEJOS CONOCIDOS. A OTROS LOS ESTABA DESCUBRIENDO. EN CUALQUEIR CASO, SIEMPRE SE TRATA DE SUSCITAR, DE EMPUJARLOS EN LA DIRECCIÒN QUE CREES CORRECTA. DE DARLES EL VEHÍCULO PARA QUE SAQUEN LO MEJOR DE SÍ MISMOS. NUNCA DE IMPONERLES FORMAS ARBITRARIAS DE ESTAR O DE DECIR. ELLOS ENTRAN CON SUS EMOCIONES Y SU MAYOR O MENOR BAGAJE EN UNA ARQUITECTURA DE LA CUAL, EN MUCHOS CASOS, ES BUENO QUE NO SEAN TOTALMENTE CONSCIENTES, PORQUE ESO RESTA ESPONTANEIDAD A SUS ESTADOS DE ANIMO Y REACCIONES. YO LES COLOCO EN UN COTO, EN UN RECINTO FORTIFICADO Y A VECES FÉRREAMENTE TRAZADO, PERO ELLOS ALLÍ JUEGAN CON SUS PROPIAS ARMAS. Y, DESDE LUEGO, ESTÁ “EL PLANETA SACRISTÁN”, CUYOS DESTELLOS, VAPORES, LUCES, CLAROSCUROS, SOMBRAS, IRRADIACIONES ATRAEN, ENVUELVEN O RCHAZAN LOS ASTEROIDES QUE GRAVITAN EN SU ÓRBITA.

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¿Hubo algún tipo de trabajo con el autor?…
VARGAS LLOSA ES UN HOMBRE QUE DEJA UNA GRAN LIBERTAD. CLARO ESTÁ, YO NUNCA ME PROPUESE RE INTERPRETAR O RE SIGNIFICAR SU TEXTO, SINO SERVIRLO, UNA VEZ QUE CREI TENER CLARO QUÉ SE CUENTA Y QUE ÉL ACEPTASE CÓMO QUERÍA CONTARLO. UNA VEZ ACORDADO ESO, TODAS LAS INFORMACIONES Y DATOS DE LA REALIDAD QUE ÉL APORTA, SON DE UNA ENORME RIQUEZA. GUARDANDO LAS SIDERALES DISTANCIAS ENTRE UN ILUSTRE COMO ÉL Y UN SER DEL MUNDO DE LOS MORTALES, COMO YO, AMBOS SOMOS HOMBRES DEL CONTINENTE AMERICANO, CON UN PIE COLOCADO ALLÍ Y OTRO EN EUROPA. ESTO HA CREADO ENTRE NOSTROS, DESDE LA ESTÉTICA HASTA LA MÚSICA, UNA COINCIDENCIA TÁCITA PRÁCTICAMENTE TOTAL.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en los proyectos de teatro?…
PARADÓJICAMENTE, AUQNUE LA SITUACIÓN ES TREMENDA, VEO UNA VITALIDAD EN LOS TEATREROS JÓVENES, UN DESEO DE HACER QUE QUIZÁS ANTES ADVERTÍA MENOS. LOS CHICOS YA NO RECORREN LOS CASTINGS PARA VER SI LOGRAN ENTRAR EN UNA SERIE O EN UN GRAN ESPETACULO. INVENTAN, SE AGRUPAN. ALGO QUE MI COMPATRIOTA MIGUEL ANGEL SOLÁ HABÍA ECHADO TANTO EN FALTA EN UNA CONVERSACIÓN QUE TUVIMOS HACE MÁS DE DIEZ AÑOS. DICHO ESTO, EL 21 POR CIENTO DE IVA ES UNA ATROCIDAD.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
TENGO AMIGOS QUE ESTAN EN MUCHOS ESPECTACULOS. NOMBRAR ALGUNO Y DEJAR OTROS, SERÍA UN AGRAVIO COMPARATIVO.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
IVENTAR, INVENTAR, INVENTAR…..

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¿Proyectos?…
VOY A DALLAS EN ENERO A HACER UN ESPECTÁCULO DE TONADILLAS, DESPUÉS DE HABER ABIERTO CAMINO CON LA ZAZRUELA BARROCA. SERÁ NUEVAMENTE EN EL FABULOSO CITY PERFORMANCE HALL, LOS TEXTOS EN INGLES, LAS PARTES CANTADAS EN CASTELLANO. LLEVO ESCENÓGRAFO, VESTUARISTA Y COREÓGRAFO ESPAÑOLES. LUEGO AL ARRIAGA PARA LA GAVIOTA, UN REGALDO DE ESOS QUE TE HACEN DE PASCUAS A RAMOS. UN CHEJOV! (A MI ME CAYÓ UN TIO VANIA EN PAMPLONA, SOPRESIVAMENTE, HACE 14 AÑOS). y Luego a Manaos, al AMAZONAS, DONDE HICE LULU, PARA EL TROVADOR.
EN EL 2016 VOY AL REAL CON EL EMPERADOR DE LA ATLANTIDA, UNA PIEZA TREMENDA ESCRITA POR VICTOR ULLMAN EN EL CAMPO ESCAPARATE DE HITELR PARA LOS JUDÍOS, EL THERESIENSTADT, Y A ESTADOS UNIDOS, PARA EL “ACHILLE IN SCIRO” de Courcelle.


Carmen en el Teatro de la Zarzuela

Hay historias que uno no debería volver a ver tras una experiencia importante vivida con ellas. A primeros de los ochenta vi la Carmen de Peter Brook en el Mercat de les Flors en Barcelona, tal vez no debí acudir más a ver una lectura escénica sobre este mito. Es verdad que todos los grandes textos y las grandes historias, sobreviven a los que construyen una nueva mirada sobre ellas, a veces aciertan y otras fracasan en el intento. Pero así ha de ser, sería una pena que no se volviese a representar Hamlet o La vida es sueño porque alguien se acercó al misterio que esconden sus palabras. Ana Zamora ha desarrollado una carrera exquisita como directora de escena en su compañía Nao D´Amores. Ha recuperado textos olvidados y ha ido construyendo una poética personal que le ha dado proyección nacional e internacional. Seguramente tenía que llegar el momento en que se enfrentase a un encargo alejado de su universo teatral. La propuesta, en principio, era sugerente, una versión de Carmen en la que se recupera el texto en verso castellano y con dos mujeres al frente de la dirección del espectáculo, Ana en lo escénico y Yi-Chen Lin en la dirección musical. Conforme iba avanzando el montaje, tuve la sensación de que un globo de iba desinflando. Todo lo que parecía iba a ser un puzle que se iría construyendo hasta crear una imagen final que diese sentido a todo, se convertía ante mis ojos en un sin sentido constante. Todo lanzaba rayos de luz que se desvanecían nada más ser apuntados. Salvo la intérprete principal, María José Montiel que defendía el personaje a muerte, el resto me pareció que estaban allí o podían estar en una zarzuela de gira por España. Creo que Ana Zamora tendrá que aprender de esta experiencia para el futuro.
Adolfo Simón

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Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena

poveda¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.

Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.

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¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.

¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …

¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….

¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.

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JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria

cornejo¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.

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¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.

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¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.

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¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.

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¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.

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¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.

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¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.

PASE GRAFICO , EL CREDITO. CRLOS HIPOLITO Y LUIS MERLO . 25/09/13 RUBEN MONDELO

¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.

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¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.

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¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.

¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.


José Carlos Plaza nos habla sobre su larga trayectoria en teatro.

plaza¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Quería ser actor y durante seis años estuve estudiando con Miguel Narros y William Layton en el Teatro estudio de Madrid… Finalmente me incliné por la dirección escénica. He hecho de todo escenografías, iluminación, regiduría, ayudantías de dirección, utilería … solo me ha faltado vestuario y maquillaje.

¿Tu trabajo en el teatro y la ópera lo has compatibilizado con otros trabajos?…
No, por norma general… Alguna vez hicimos como TEI un programa de Televisión y anecdóticamente he colaborado en el montaje de conciertos y homenajes diversos.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Pues eso larga… he sido un hombre muy afortunado haciendo siempre lo que quería, en el clima técnico en el que me había formado… Muy satisfactoria.

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Hoy en día hay una vuelta atrás bastante superficial que me recuerda al teatro contra los de mi generación luchábamos: Un teatro basado en la forma exterior, en la farsa mas o menos burda. Veo hoy en día mucha creatividad formal y poca profundidad y poco rigor. El teatro es una profesión muy difícil, muy técnica , muy profunda.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
A veces me llaman , a veces los propongo yo , depende… Lo fundamental es siempre el equipo con el que trabajas… Otra condición sine qua non es la ideología del proyecto. No he trabajado nunca en un espectáculo reaccionario, conservador o católico.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido la esencia de mi trabajo. Durante muchos años William Layton y después Mariano Díaz, Francisco leal , Pedro Moreno son los puntuales de mi trabajo sin ellos yo no existiría profesionalmente.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos del estreno en la Zarzuela y del que presentas ahora en el Teatro Lara …
Ha sido un año muy productivo: Siempre estoy en talleres de entrenamiento con actores, lo que me llena de energía nueva y me tiene en constante alerta. He dirigido “Hécuba”, “El auténtico Oeste”, “Los amores de Inés y La verbena de la paloma”…se ha repuesto “El diccionario” y “El gato Montés”. Los amores y la verbena han sido un regalo, dos juguetes llenos de alegría, juego y una apasionante lucha contra la caspa y el tópico. El auténtico oeste es la culminación de un sueño: trabajar en el mundo “off” a mis años y en cooperativa tal y como yo empecé, sin prácticamente medios accesorios y con enormes actores que conozco hace decenas de años con los que nunca he dejado de trabajar. Han sido ellos los que me han llamado y nunca se lo agradeceré bastante.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Voy a hacer un montaje de “El retablo de la lujuria, la avaricia y la muerte” de Valle Inclán con la asociación de actores de Murcia.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Tantos, tantos… La vida es sueño, El burlador o Don Giovanni, cientos de textos, de óperas, de experimentos posibles…Innumerables.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Lo que está ocurriendo es más importante, se está premeditadamente destruyendo los valores sociales y espirituales de una sociedad que está pagando el inmenso error de haber cerrado los ojos ante la injusticia. Si la barba de tu vecino ves pelar… y no supimos o no quisimos verlo…Lo peor es que seguimos sin reaccionar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
”Recortes” con Nuria Gallardo, Alberto San Juan y Mariano Barroso en la dirección. Es una unidad perfecta entre un texto brutal que te hace avergonzarte por pertenecer a esta sociedad, un alarde interpretativo lleno de organicidad y al mismo tiempo una perfecta teatralidad, una enorme lucidez…¿se puede pedir más?.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Intentar crear tu propio trabajo, no dejar de prepararte para él , olvidar las necesidades impuestas por la sociedad capitalista y dejarlas a un lado para ser dueño de tu vida…Es duro al principio, pero posible…

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Javier Hernández-Simón en verano…

javierhernandez¿Qué balance artístico haces de este año?…
Desde el punto de vista personal, no me puedo quejar. He estado inmerso en la gira de “La vida es sueño” que ha sido todo un fenómeno de crítica y público, y en el proceso de ensayos de “La verdad Sospechosa” que se estrenó en el pasado Festival de Almagro. Ambas producciones de la CNTC. En este aspecto he tenido la grandísima suerte de contar con la confianza de Helena Pimenta y ser su ayudante de dirección.
En un nivel más general, artísticamente creo que ha sido un buen año, en el que han surgido proyectos muy interesantes. Siempre ocurre en épocas de crisis, los ingenios se agudizan…aunque por desgracia, no siempre estos proyectos tienen la repercusión que deberían. Verdaderamente nos encontramos en una situación agonizante.

¿Cómo estás pasando el verano?…
La verdad es que está siendo un verano intenso y feliz, ya que tras el estreno de “La verdad Sospechosa” en Almagro…me he sumergido en los ensayos de “Los Justos” de Albert Camus, en el que participo como director de escena, y que está siendo producido por mi compañía 611teatro. Esta obra es un sueño que yo tenía desde hace algo más de 10 años, y por fin hemos reunido el dinero para levantarla…nos dejamos todos nuestros ahorros…pero bueno…hay que arriesgarse ¿no?. Se trata de una versión de la obra de Camus que hemos realizado entre el dramaturgo bilbaíno José A. Pérez y yo, situando la acción en una célula de E.T.A. a finales de los 70.

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¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Pues entre la gira y los ensayos, apenas he podido ver nada… si creo que “la verdad sospechosa” es una obra que va a despertar el interés del público, la verdad es que Helena Pimenta está en un momento artístico impresionante. Soy muy afortunado de poder trabajar a su lado, porque estoy aprendiendo muchísimo.
Tengo muchas ganas de ver el último trabajo de la compañía La Tristura “El sur de Europa, días de amor difíciles” y también el último trabajo de la compañía Almaviva “Fuenteovejuno, ensayo sobre la violencia”.

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¿Qué libro estás leyendo?…
Como estoy en proceso de ensayos de “Los Justos”, ahora mismo no estoy leyendo nada que no tenga que ver con el tema. Ahora mismo mi libro de cabezera es “Sangre, votos, manifestaciones: ETA y el nacionalismo radical 1958-2011” De Gaizka Fernández y Raúl Lopez.
En cuanto termine los ensayos de “Los Justos” y estrenemos “La verdad sospechosa” en Madrid, me está esperando “Viaje al fin de la noche” de Louis-Ferdinand Céline.

¿Proyectos para el otoño?…
En Otoño será el estreno oficial de Los Justos en Alcira (Valencia) y estaré haciendo temporada en el Pavón con la CNTC…con eso creo que estaré mucho más que ocupado…por suerte.

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Festivales, Certamenes y Encuentros

Muestra de videodanza DANZATAC 2013
CONVOCATORIA MUESTRA DE VÍDEODANZA
En respuesta a la diversidad de propuestas, géneros y experiencias que vinculan el audiovisual y la danza, se abre la convocatoria para el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac 2013, que tendrá lugar en el municipio de Tacoronte (Tenerife – Islas Canarias) entre los días 12 y 19 de octubre de 2013.
Debido al crecimiento de los proyectos que desarrolla este colectivo, para esta edición, el evento se propone como una muestra independiente y asume una identidad propia bajo el nombre de DanzaTac. El Mundo en movimiento.
En el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac2013, además de la muestra de los materiales audiovisuales, serán organizados encuentros, conferencias, debates, talleres, performance y exposiciones que nos ayuden a compartir y dar progresión a las diversas posibilidades de conjunción del Audiovisual y la Danza.
Daremos amplia acogida a materiales audiovisuales que se incluyan en este apartado:  Vídeo Danza como forma de expresión artística
Para su exhibición, los materiales se seleccionarán previamente por el comité organizador.
Tacoronte, será durante esos días escenario ideal para el análisis de materiales audiovisuales relacionados con la danza, donde se conjugan la imagen, el movimiento, la historia, la imaginación y los artistas.
Bases de participación:
• La Muestra de Vídeodanza DanzaTac2013 es de carácter internacional y es un evento competitivo.
• El premio consistirá en la asignación al director o productor del trabajo seleccionado por la organización de un importe de hasta 500 euros para entrar en coproducción con otro trabajo de videodanza a estrenar en la edición DanzaTac 2014.
• Todos los materiales deberán presentarse en soporte audiovisual DVD, Pal. Con una duración máxima de 20 minutos.
• Cada material debe acompañarse de la ficha técnica, así como del currículo del director y en su caso la del coreógrafo.
• Los vídeos que se presenten a la Muestra de Vídeo – Danza DanzaTac2013 serán exhibidos en el Auditorio de Tacoronte, Tenerife, en la fecha estimada por la organización dependiendo del programa final establecido, y estará comprendida entre los días 12 y 19 de octubre, notificándolo en http://www.danzatac.com. Estas proyecciones se organizan sin ánimo de lucro, no obstante, se solicita la autorización expresa de sus productores a fin de realizar las exhibiciones que correspondan.
• El material debe enviarse a la siguiente dirección: Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac. Calle Calvario, 36, 38350, Tacoronte. Tenerife. Islas Canarias. España, antes del día 1 de octubre de 2013.
Es propósito de este festival, crear y desarrollar una Videoteca especializada en esta manifestación artística, por lo que se agradece la donación de los materiales presentados al festival.

IV Jornadas de Danza del Conservatorio Superior de Valencia
Los días 10, 11 y 12 de abril, el Conservatorio Superior de Danza de Valencia va a celebrar sus IV JORNADAS DE DANZA 2013, con clases de distintas disciplinas y estilos, así como tres charlas- coloquio sobre temas relacionados con las especialidades que se cursan en nuestro centro: Pedagogía de la Danza y Coreografía e interpretación.
Más info en: http://www.danza.es/descargas/JORNADASDEDANZA2013_Horarios_generales.pdf

I Jornadas de Metodologías y Didáctica en la tutela de trabajos Fin de Grado en Artes Escénicas
Estas jornadas surgen de la necesidad de abordar las metodologías de investigación y los procesos didácticos que contribuyen y favorecen la realización y presentación de los Trabajos Fin de Grado y de Fin de Título en Artes Escénicas. El análisis sobre la dirección de estos proyectos proviene de la experiencia adquirida a través de la primera promoción en Artes Escénicas de la Universidad Nebrija, así como de la voluntad de abrir nuevas perspectivas de investigación y compartir los hallazgos didácticos en este ámbito de conocimiento con el profesorado de otros centros.
La adaptación española al Espacio Europeo de Educación Superior (EEES) en lo que se refiere al espacio universitario se produce a partir de la promulgación del R. D. 13/2007 por el que se establece la ordenación de las enseñanzas oficiales universitarias. A través de este decreto se regulan las estructuras de los títulos de Grado y Máster en las que destaca, al margen de la traducción de los procesos de enseñanza y aprendizaje en Créditos Europeos (ECTS) la obligatoriedad de que los alumnos realicen un trabajo individual, que debe estar diseñado curricularmente entre 6 y 30 Créditos.
Por otro lado, las titulaciones superiores de arte dramático, música y danza a través de la LOE (2006) quedan incorporadas al EEES y también han sido diseñadas curricularmente con una estructura similar, en la que también se recoge la obligatoriedad de que el alumno tenga que realizar un Trabajo final, denominado Trabajo de Finalización de Titulación.
Las enseñanzas artísticas superiores (también las universitarias) como el resto de las disciplinas de las ciencias sociales, las humanidades, cuentan con un déficit histórico en este tipo de actividades académicas, en comparación con otras áreas de conocimiento como las ingenierías. Existe, de este modo, una necesidad de que las experiencias de tutela y los resultados de aprendizaje de los TFG sean compartidos tanto en la comunidad universitaria, como entre el profesorado de las enseñanzas artísticas superiores, y asimismo, se constata un déficit en la formación del profesorado que tiene que asumir la tutela de los trabajos de Finalización de Titulación/Trabajos Fin de Grado.
Por lo tanto, estas jornadas pretenden complementar la formación del profesorado en metodología y didácticas de la tutela en los campos de las artes escénicas.
Más info en: Anabel Rodríguez arodrigu@nebrija.es

VIII Certamen Coreográfico de Sabadell
Pueden participar en el Certamen todas las piezas de danza contemporánea y danza moderna. Las piezas pueden tener una duración mínima de 8 minutos y una de máxima de 15 minutos.
No hay limitación en el número de bailarines.
Se pueden presentar coreografías con un solo bailarín, pero en este caso las coreografías deben tener una duración entre 4 y 6 minutos como máximo.
Inscripciones antes del 5 de julio
Más información: http://www.lestruch.cat
petitmon2002@hotmail.com

El Instituto del Teatro de Madrid se vuelca en la III Semana Complutense de las Letras
El Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) se vuelca esta III Semana Complutense de las Letras en su actividad teatral desde lo académico hasta las tablas más contemporáneas. Toda una semana de teatro en su más amplio espectro se abre ante todos los alumnos de la Universidad Complutense y toda la ciudad de Madrid. Y esto es porque este año el ITEM genera actividades tanto en el campus de la UCM como en el centro de Madrid. El recién estrenado espacio Nave 73 (C/ Palos de la Frontera, 5) acogerá los días 22 al 23 de abril las II Jornadas de Nuevos Teatristas Españoles e Hispanoamericanos. El día 24 la jornada se realizará en el Paraninfo de la UCM. En 2011 se crearon estas jornadas con una gran acogida en el seno de la Universidad. Este año se recuperan las jornadas con la presencia de dramaturgos emergentes y propuestas escénicas breves, así como lecturas dramatizadas, que mostrarán las últimas creaciones en España y en Latinoamérica.
En colaboración estrecha con Metro de Madrid, el ITEM lanza la iniciativa CRONO-TEATRO. Una idea que intenta llevar el teatro a nuevos espacios como a un vagón de tren o al propio andén. Propuestas de 2 minutos para los vagones que viajen de Metropolitano a Moncloa, y de 5 minutos para los andenes de estas mismas estaciones. Textos intrépidos para espacios escénicos sin pausa. Para los amantes de la lectura de textos dramáticos, ese mismo día 25 en la Librería Alberti dará lugar la presentación de Cuentos a la Escena, dentro de la colección Varia Escénica del ITEM, con la presencia de su autor, Alberto Castilla y Antonio Zapatero. Y como colofón a la III Semana Complutense de las Letras, el Instituto del Teatro de Madrid presenta su primer ciclo del “Proyecto 3 Vías”. Un proyecto que integra la investigación filológica con la práctica escénica en el seno de la universidad. De viernes a domingo en Nave 73, a las 20.30, el ITEM presenta tres montajes que responden a la Vía Greco-Latina, presentan Heroínas [Medea – Ariadna – Fedra], a partir de diversos textos clásicos de Eurípides, Ovidio o Séneca; la Vía Siglo de Oro, con el montaje Historia del Loco Cardenio, de W. Shakespeare, Fletcher y Cervantes; y la Vía Contemporánea, que presenta Las moscas, de J.P. Sartre. Al concluir cada representación tendrá lugar un encuentro con los creadores para contrastar opiniones con el público asistente.
Más info en: http://pendientedemigracion.ucm.es/BUCM/semanaletras3/

XXX Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
Con la fidelidad con la que llega cada año la primavera regresan un año más las Jornadas del Siglo de Oro de Almería que este año cumplen su trigésima edición para ofrecer una programación que agrupa algunas de las producciones más recientes de obras escritas hace más de cuatro siglos, pero que conservan todo su esplendor e interés, tanto para quienes las producen y protagonizan como para un público deseoso de disfrutar con nuevas producciones de clásicos de la literatura española y europea. Este año, además, “las Jornadas recuperan las ponencias, aunque sea parcialmente, y contarán con la de Fernando Domenech de la RESAD que hablará sobre la adaptación de ‘La vida es sueño’ producida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la que ofrecerá Carlos González en torno al espectáculo ‘Coplas de Buen Amor’ que se estrena en esta edición”, señala la directora de este evento almeriense, Ascensión Rodríguez, que confía además en recuperar para este ciclo de conferencias los créditos universitarios. Esta edición que se desarrollará entre el 4 y el 19 de abril tanto en la ciudad de Almería como en las localidades de Roquetas de Mar, El Ejido y Vícar, ofrece una programación en la que destacan el estreno absoluto de Coplas del Buen Amor y del espectáculo Perrault en danza o la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que llega con el último espectáculo creado por su directora Helena Pimenta, La vida es sueño.
Más info en: http://www.teatrosiglodeoro.org/

La novedad volverá a ser la tónica destacada de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2013 y uno de cada tres espectáculos seleccionados se estrenará en esta cita que se celebrará entre el 16 y el 19 de mayo. Entre las más de 300 propuestas artísticas recibidas, los organizadores han seleccionado para ser exhibidos en esta edición 55 espectáculos, que provienen en su mayor parte de Euskadi, Catalunya y Francia, aunque también habrá propuestas llegadas del resto del Estado y de Holanda, Reino Unido, Polonia, Rusia, Rumanía, Italia, Israel o Turquía.

(Leioa 02/04/2013) Euskadi con una docena de compañías, Catalunya con un total de 16 espectáculos diferentes y Francia, desde donde llegan nueve espectáculos, forman la columna vertebral  de Umore Azoka 2013. En el programa tienen cabida propuestas de teatro, circo, danza, clown, títeres, música y performances.

Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 201

Las compañías vascas serán, además, las que presenten un mayor número de estrenos, ocho, en concreto los que ofrecerán Al Di Là, Bapatean Zirko, Cachaba Teatro, Deabru Beltzak, Ertza, Gaupasa/Nacho Vilar Producciones, Ipso Facto  y Trapu Zaharra. La presencia de compañías llegadas desde Catalunya se materializará con tres estrenos absolutos, otros tantos estrenos en calle y un working progress, mientras que desde Francia llegará La Mini Compagnie con un estreno absoluto, otras tres compañías presentarán sus espectáculos por primera vez en el Estado y tres más en calle. El programa contempla también tres estrenos más de compañías llegadas de Andalucía, Castilla y León y Valencia. Umore Azoka 2013 contempla además otros ocho espectáculos llegados de Holanda, Polonia, Italia, Israel, Reino Unido, Rusia, Rumanía y Turquía, muchos de los cuales se exhibirán por primera vez en el Estado.

Más info en: http://www.umoreazoka.org/fr/noticias.php

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Entrevistamos a Marta Fernández Muro mientras representa en La casa de la portera

marta-fernandez-muro¿Cómo surge el proyecto de UN PASADO EN VENTA?…
Porque quiero escribir un monólogo para interpretarlo yo. Y lo llevo a cabo.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en La casa de la portera?…
Tengo 3 o 4 versiones del monólogo. La última versión se adecuó especialmente para “La casa de la portera”.

¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
No sé explicar un proceso. Empiezo sabiendo lo que quiero contar y luego lo voy desarrollando. En la puesta interviene la dirección y el proceso se desarrolla conjuntamente.

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Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Me gusta mucho el teatro. Me siento más cómoda y más libre.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Positivos. Me siento contenta del trabajo que hice en “La abeja reina” de Narros, y en “La Celestina” de Lepage. Si me remonto más y más, estoy muy orgullosa de “Carcajada Salvaje” y de “La secretaria”, un texto inédito de Natalia Ginnszburg.

¿Cómo ha sido el trabajo con la directora?…
Me ha ayudado a ver desde fuera un texto en el que estoy en exceso implicada.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad actual?…
La de siempre. Contar una historia que ilumine al espectador.

¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
No. El trabajo siempre es el mismo. Cambia el medio, pero no la esencia del trabajo.

¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cómo los personajes?…
Los entiendo con la cabeza y los hago con el cuerpo.

¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último “Huérfanas” con texto de Miguel Albaladejo… Genial. También resalto el trabajo de la Portillo en “La vida es sueño”.

¿Proyectos?…
Seguir.
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Mesa-debate: Calderón hoy…en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

Calderóndebate


La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

La vida es sueño de Calderón de la Barca en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Versión de Juan Mayorga – Dirección de escena de Helena Pimenta.

La vida es sueño es probablemente la obra cumbre de nuestro teatro clásico, es un texto que consigue elevar filosóficamente a todos los que entran en sus entrañas literarias. Juan Mayorga ha hecho una versión sútil con la que acerca el texto a nuestra época, algo que se agradece porque se mantiene la obra original evitando que suene museística para el público de hoy. Pocas veces hay la oportunidad de ver tanto talento reunido en una producción…el vestuario, la luz y el espacio escénico se fusionan para conseguir una propuesta plástica fantástica, por momentos, asistimos a imágenes surgidas del Museo del Prado. Pero para que un texto o un cuadro cobre vida, han de entrar en juego los actores, los magos de la escena, sin ellos las ideas se quedan planas, han de poner en juego su imaginario y su sangre para que todo adquiera sentido y aquí, todos, desde Blanca Portillo hasta la figuración, están en estado de gracia. El teatro es un oficio de artesanos, si cada pieza o plano no suma, el resultado es desastroso, sin embargo, en esta nueva mirada escénica sobre La vida es sueño, todas las piezas de un complejo mecanismo de relojería encajan y el nivel de coherencia que hay en todo el espectáculo tiene una responsable, Helena Pimenta, que aquí, consigue uno de sus trabajos más impresionantes y bellos.
ADOLFO SIMÓN


Pedro Villora reflexiona en esta entrevista sobre sus facetas de autor y profesor.

¿Cómo surgió el proyecto del texto tuyo que va a ser estrenado en Italia?, háblame de él…

Durante mi estancia como becario de la Real Academia de España en Roma conocí a varios dramaturgos y directores italianos. Entre otros, vi algún espectáculo de Massimo de Michele, un antiguo colaborador de Giorgio Strehler que había dirigido obras de Genet y Pasolini, precisamente dos de mis referentes. También había dirigido un texto de Rodrigo García. Me preguntó por mis obras, le hablé de varias, y se interesó por “Bésame macho”. Encargó su traducción y meses después, cuando ya había regresado a España, me escribió para decirme que quería montarla. Todo ha sido sorprendentemente sencillo y fácil. Para mí es extraño porque esta obra jamás ha sido estrenada en España y, sin embargo, ha generado artículos y conferencias en Estados Unidos y Alemania, ha representado a España en el Festival de Dramaturgia Europa Contemporánea de Chile, se está componiendo en Francia una ópera usándola como libreto y ahora mismo se está traduciendo al griego para hacerse allí. Y aquí, en cambio, apenas nadie la conoce.

¿Cómo fue tu experiencia en la estancia que hiciste en ROMA?…

La Academia de España en Roma es una institución llena de posibilidades que, por desgracia, lleva demasiados años siendo dirigida por diplomáticos y políticos, y no por artistas con capacidad de gestión. Necesita una auténtica renovación tanto para que pueda volver a integrarse en la vida cultural romana como para que los becarios tengan interlocutores que comprendan los procesos creativos. Pese a ello, la experiencia ha sido maravillosa porque he tenido la oportunidad de conocer bien la que desde hace años es mi ciudad favorita. Me siento mucho más a gusto en entornos antiguos que allí donde se privilegia la actualidad, la modernidad y lo último.

¿Cómo es el teatro en ese país?…

Tan bueno y tan malo como en cualquier otro país de nuestro entorno. He visto teatro clásico sobrecargado de importancia y teatro contemporáneo de fácil provocación, pero también obras hermosísimas. Además he visitado varias escuelas y facultades y he comprobado la gran calidad de los estudios técnicos y de diseño escenográfico. Creo que en ese terreno Italia es un referente.

¿Qué conocimiento tienen ellos de nuestros autores, compañías, directores?…

Casi tan escaso como a la inversa. Si nosotros aún hablamos de Strehler, Ronconi o Pier Luigi Pizzi, ellos han avanzado un poco para llegar a Lluis Pasqual, Calixto Bieito y Álex Rigola. Como compañía, la más conocida es La Fura dels Baus gracias a los montajes de ópera. En cuanto a autores, el páramo tras Lorca y Arrabal apenas da lugar para algún texto de Belbel, Mayorga o Rodrigo García. Eso dentro del ámbito teatral y crítico más especializado. En el entorno académico y universitario es distinto, porque hispanistas y traductores se alían para publicar de vez en cuando antologías de teatro contemporáneo e incluir a gente como López Mozo o Alberto Miralles en los estudios de posgrado.

Vuelves a la RESAD como profesor…¿Qué ha cambiado en tu visión de la pedagogía en este tiempo de pausa que has tenido en las clases?…

Creo que entender la formación como simple desarrollo de las inclinaciones vocacionales da lugar a un conocimiento muy parcial de las potencialidades del individuo. Me gusta la formación global con una gran base teórica que permita no solo hacer lo que se entiende, sino entender lo que se hace. Y se puede cambiar “entender” por “gustar” o “apreciar”. Me parece importante ahondar en lo que aparentemente no le va a uno: lo cómico si se es trágico, lo dramático si se tiende a lo posdramático…

¿Cómo ves el plan de formación de la RESAD a nivel dramaturgico?…

Dramaturgia y Dirección de Escena no son dos carreras distintas, sino la misma con dos recorridos diferentes. El nuevo plan de estudios, originado por el Plan Bolonia, incluye formación en escritura para los directores y en dirección para los dramaturgos. Me parece imprescindible porque, continuando con la pregunta anterior, no creo en las especializaciones en teatro. Todos debemos ser capaces de hacer de todo, aunque luego tengamos nuestras preferencias. En ese sentido, también me parece adecuado que se potencien en los primeros años las técnicas de escritura dramática aunque haya alumnos que tengan mayor interés por lo posdramático. Los ejercicios son fundamentales para conocer los orígenes y ser conscientes de qué renovación se produce con otro tipo de técnicas posteriores.

¿Estás escribiendo algún texto en este momento?¿De qué va?…

Ahora mismo estoy disponible para estudiar encargos. Me gusta trabajar en colaboración con directores o dramaturgos. Pero prefiero no hablar de proyectos no terminados porque igual los dejo en el cajón para siempre.

¿Hay algún proyecto de puesta en escena sobre algún texto tuyo en nuestra ciudad?…

No. Desde que estrené “El juglar del Cid” en el Teatro Alfil no se ha vuelto a hacer nada mío en Madrid. Por eso he decidido producir y dirigir yo mismo mi próximo espectáculo.

¿Qué te pareció la creación del FRINGE MADRID?…

Sólo he visto el trabajo de Marco Calvani, a quien había conocido en Roma, así que no puedo opinar porque no sé cómo se ha organizado el festival ni qué logros artísticos ha obtenido. Por principio, cualquier ayuda a la promoción del teatro alternativo o independiente me interesa.

¿Qué montaje de teatro has visto ultimamente?¿Qué te pareció?…

Dejé de hacer crítica teatral porque no me apetecía escribir sobre cosas que no me gustaban, así que prefiero comentar solo trabajos que me agradan. Me ha encantado “Orquesta de señoritas”, como casi todo lo que hace Juan Carlos Pérez de la Fuente. Solo tuve ocasión de trabajar con él haciéndole la versión de “La vida es sueño”, pero repetiría sin dudarlo porque comparto en buena medida su sentido de la ceremonia.

¿Crees que va a cambiar el panorama teatral tras los recortes y la subida de I.V.A.?…

El panorama teatral debe cambiar siempre tras cualquier circunstancia, y todavía mejor si es él el que logra cambiar las circunstancias. El excesivo dispendio en algunos teatros públicos había llevado a cierto aburguesamiento, con una pretendida modernidad muy domesticada. En ese sentido no me parece mal que se intente trabajar con menos. Ahora bien, el I.V.A. es una cuestión distinta a los recortes, porque el encarecimiento de los costes de producción acarrea una subida al consumidor que seguramente rechazará: nos costará más hacer trabajos para cada vez menos gente, con lo que la oferta tenderá a desaparecer. Dudo mucho que el teatro tenga capacidad para sobrevivir si esta situación se mantiene en el tiempo. Pero confío en que no se mantenga.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

Como he dicho antes, es precisamente ahora cuando voy a producir un espectáculo por primera vez. Prefiero que la crisis me pille trabajando que no en casa doliéndome de lo difícil que es hacer nada.