Cuarteto en el ecuador del Festival de Otoño de Madrid
Este año, la fiesta teatral del Festival de Otoño se ha centrado en tres semanas, durante este tiempo, profesionales de múltiples poéticas han compartido su trabajo con el público de Madrid. En el ecuador de la programación, hemos podido disfrutar de cuatro propuestas muy diferentes…
El nacimiento de la bailarina vieja de Elena Córdoba en la Sala Roja de los Teatros del Canal.
El nacimiento de la bailarina vieja es una ficción anatómica que reflexiona sobre el paso del tiempo a través de los cuerpos. En la pieza, Córdoba fantasea con la idea de una bailarina que ya nació vieja. Su baile se dibuja a través de una carne que nunca fue poderosa, en la que, por tanto, no existe la melancolía que produce la perdida y, tampoco, la tensión entre lo que se fue y lo que se es.
Elena Córdoba realiza un poema bailado donde el límite no es el cuerpo sino el pensamiento filosófico sobre el paso del tiempo por él. Una pieza de gran plasticidad y extraña belleza.
La guerra según Santa Teresa. Sobre fragmentos de Teresa de Jesús, pieza creada por De Castro / Folguera / Troya / Zaragozá en el Teatro Pradillo
La guerra según Santa Teresa se inicia como una pregunta y se convierte en una indagación en torno al personaje de Teresa de Jesús, mujer del siglo XVI convertida en icono literario, histórico y religioso. La música y actriz Julia de Castro (mitad del dúo De la Puríssima -conocido por rescatar del olvido al género del cuplé y sacudirle el polvo a ritmo de jazz- e intérprete en montajes de éxito reciente como Esto no es La Casa de Bernarda Alba o el corto Anatomía de una criminal) y la dramaturga y directora María Folguera reivindican y reescriben su relación con Teresa de Jesús con esta creación que ahora llega al 36 Festival de Otoño.
A veces, los ateos pueden acercarse más profundamente a la mística, en esta pieza intensa y poderosa, viajamos sobre el universo de Teresa de Jesús con una mirada contemporánea de la mano de estas creadoras.
Real Magic de Forced Entertainment en la Sala Negra de los Teatros del Canal
Real Magic es una pieza con la que la compañía empuja al espectador a un mundo absurdo de repeticiones, lucha y comicidad en un eterno día de la marmota. Animados por aplausos en bucle y risas enlatadas, tres artistas tratan de culminar una hazaña imposible: un número de telepatía que parece sacado de un concurso de televisión sobre cómo adivinar el pensamiento, aunque a ratos se asemeje más bien a una alocada rutina de cabaret o, directamente, a una pesadilla o broma de mal gusto. Una pieza en bucle que va degenerando conforme pasa el tiempo por la obra.
El bramido de Düsseldorf de Sergio Blanco en el Teatro de la Abadía
Escrito en 2016, el texto relata la agonía y la muerte del padre de Blanco en una clínica de Düsseldorf, ciudad a la cual el dramaturgo había viajado junto a su progenitor para llevar adelante un proyecto que nunca sabremos con certeza y exactitud cuál es. A medida que se desarrolla el libreto se dan tres posibilidades: asistir a una exposición sobre el asesino en serie Peter Kürten, introducirse en la industria del porno o convertirse al judaísmo. De esta forma, Blanco va hilvanando interesantes reflexiones sobre Dios, la representación de la sexualidad o los límites del arte.
Sergio Blanco juega con las estructuras dramáticas y deja que «el autor», en su oficio, haga trucos mágicos sobre la realidad y la ficción. Una obra que nos invita a mirar múltiples mundos a partir de un viaje anecdótico.
Adolfo Simón
FEDERICO GARCÍA en el TEATRO ESPAÑOL
El espectáculo se propone enseñar al espectador la naturaleza del mundo interior de García Lorca, para que así se convierta en una especie de guía para comprender mejor al poeta que cantó a la vida y a la muerte con la misma intensidad y, de esa forma, animarlo a conocer la memoria mejor su obra, acercándolo a su pasión y a sus contrastes. En el desarrollo del espectáculo, siempre deberán percibirse los fragmentos de obra recitados como una consecuencia natural de lo narrado. Una curiosa mezcla entre teatro documento a través de voces de personas muy cercanas a la figura y obra del poeta, mostradas en grabaciones de viajes en tren hacia ningún lugar y que son interrumpidos por momentos de música, recitado y baile en directo, recorriendo la poesía y vida de Lorca. Todos los elementos que se dan en la función encajan perfectamente a pesar de ser propuestas muy diferentes estéticamente.
Adolfo Simón
Los bailarines del Víctor Ullate Ballet –Comunidad de Madrid estrenan dos coreografías de Kor´sia y La Phármaco en la Sala Negra del Canal
Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno absoluto de JEUX Nijinski /Русскиебалеты y Los hijos más bellos, coreografías de Kor’sia y La Phármaco respectivamente interpretadas por los bailarines del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid. Con entradas agotadas, este espectáculo producido por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid estará en tres únicas funciones los días 16, 17 y 18 de noviembre. El Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, residente en Teatros del Canal, establece sinergias con el Centro Danza Canal, estrenando un programa doble que ha permitido a los directores de Kor’sia y La Phármaco, compañías jóvenes que han desarrollado sus trabajos recientes en las residencias del CDC, disponer del numeroso elenco y recursos de la compañía de la Comunidad de Madrid.
En JEUX Nijinski, los directores de Kor’sia evocan una de las obras menos conocidas de las pocas que creó para los Ballets Rusos el genio de Nijinski. No se trata de una reproducción ni una adaptación de este título estrenado en 1913, sino más bien de una reflexión alrededor del momento y el contexto que rodeó la creación de este trabajo que, como todos los suyos, fue una coreografía visionaria y adelantada a su tiempo. El resultado es una pieza a caballo entre la estética de otro tiempo y las atmósferas sensuales de la actualidad. Por momentos de potente plasticidad y en otros, un juego travieso sobre la visión de la seducción entre jóvenes de hoy en día.
En otra órbita de la creación se ubica el trabajo realizado por Luz Arcas para su compañía La Phármaco. Dueña de una obra introspectiva y reflexiva, preocupada por costumbres ancestrales como los rituales, las ataduras telúricas o la herencia del folclore, se vuelca ahora en un cuestionamiento de la noción de belleza en Los hijos más bellos. Desde luego no se trata de una reproducción de los estereotipos de belleza conocidos. Es más bien una reflexión acerca de la vinculación no siempre evidente entre la belleza y asuntos como el poder, la muerte o el sacrificio, tema este que ha sido una obsesión de su trabajo. Una obra contundente como todo el trabajo de La Phármaco, intensa, sugerente, cargada de poderosa atmósfera donde los cuerpos se convierten en latigazos rabiosa al aire.
Adolfo Simón
The Rehearsal de Cuqui Jerez en los Teatros del Canal
La representación es la ficción de un ensayo con todo lo que supone la ficción de algo que ha de parecer en proceso pero que ya está ensayado y, de hecho, se está representando. Este podría ser el resumen de la pieza que ha presentado Cuqui Jerez en la sala Negra del Teatro del Canal pero habría que añadir que el juego de muñecas rusas que abren múltiples lecturas y juegos en la escena, se extiende al patio de butacas y transita por múltiples sensaciones, desde la relajación total a momentos delirantes en los que se abordan momentos desde tópicos teatrales.
Adolfo Simón
Bach de la Compañía MALPELO en los Teatros del Canal
La pieza se presenta como un estudio del movimiento, la mirada, el ritmo, la respiración y la presencia en relación con la musicalidad. Parte de una selección de preludios y fugas contenidos en los dos libros que configuran El clave bien temperado, compuesto por Johann Sebastian Bach en el siglo XVIII, habitualmente utilizados durante los ensayos por la compañía. En la primera versión de la pieza, la grabación minuciosa y exhaustiva realizada por el pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982), acompaña aportando una corporalidad inusitada, la del pianista que, con su respiración y tarareo (registrados también) parece estar presente en la escena. Hay algo en esta pieza esencial que, con el tiempo, va adquiriendo sentido y profundidad. María Muñoz está en un momento espléndido para abandonarse al gesto, al movimiento, a la respiración, a la observación y al vacío… Su sola presencia en la penumbra, mientras la luz emerge en otra parte del escenario, es inquietante y narra todo lo que la música escribe sobre su cuerpo.
Adolfo Simón
Reescribir el texto en la escena
Hay siempre polémica con las puestas en escena donde el director o directora escribe sobre el escenario con signos que amplían o contrastan el lenguaje empleado en el libreto por el autor o autora. En estos momentos, hay dos montajes en la cartelera de Madrid que tienen estas características. Tierra de Tiza de Vanessa Monfort en Cuarta Pared plantea situaciones en las que podemos observar como unos personajes entran en crísis ante situaciones de desorden social y Roberto Cerdá, su director, genera un plano paralelo en el que alguien sin identidad escribe y dibuja en una enorme pizarra, a la que se invita al público a escribir al final. En Los cuerpos perdidos de José Manuel Mora en el Teatro Español, obra que muestra el horror de Ciudad Juárez en situaciones concretas y crudas, Carlota Ferrer da unas pinceladas grotescas sobre las situaciones, creando un extrañamiento perturbador. Seguramente, el público de hoy está ya acostumbrado a digerir varios planos de poéticas que no necesariamente se complementan si no que, muchas veces, buscan que el espectador se desconcierte y experimente un corto circuito emocional y ético.
Adolfo Simón
«Solstice» de Blanca Li en los Teatros del Canal
Blanca Li es una mujer llena de pasión y de fuerza vital que demuestra a través de sus montajes. «Solstice», un montaje «poético», coproducido por los Teatros del Canal de Madrid y el Teatro Nacional de Chaillot de París, que busca crear conciencia ante «el cambio climático».
«Es un espectáculo muy bello y poético con una apertura al futuro positiva, y con el mensaje de que si todos participamos en el cambio podemos lograr realmente hacer algo para que nuestro planeta y nuestro modo de vida se corrija y así podamos proteger nuestro medio ambiente», ha indicado esta artista que ha creado coreografías para Pedro Almodóvar, Beyoncé, Daft Punk o Coldplay.
En esta ocasión se compromete con las relaciones ambiguas y complejas que el ser humano mantiene con su entorno, a medio camino entre la preocupación y la admiración, el amor y la violencia, la conservación y la destrucción. En este montaje apuesta por un baile muy orgánico, intuitivo y contemporáneo que demuestra el trabajo en equipo con 14 bailarines que se funden con los cuatro elementos básicos: la tierra, el aire, el agua y el fuego. Compuesto de potentes cuadros estéticos ayudada por la tecnología y la música en directo de ritmos africanos que nos sumergen en un ritual ancestral y a la vez civilizado en el que se juega con el tiempo, el movimiento y la luz, investigador de nuestros límites para acercarnos a la naturaleza, al ecosistema que nos alberga y hacernos reflexionar sobre el futuro de nuestro planeta.
«Solstice» forma parte de la programación de Escenario Clece para los Teatros del Canal, donde se presentará en cuatro únicas funciones desde el miercoles 31 y hasta el 3 de noviembre.
Luis Mª García
Desde lo invisible en el Teatro Pavón Kamikaze
Relatos escénicos y situaciones que giran en torno al mundo de las personas con discapacidad intelectual. Desde el humor y un acercamiento comprometido, Desde lo invisible cuestiona la medida de la inteligencia y dónde están los límites de lo normal, lo políticamente correcto y el sentido de la belleza. Ante la pregunta de ¿Quién es normal?, en la pieza se nos propone reflexionar sobre si los aparentemente normales lo son tanto y los que no lo parecen, tiene más habilidades que el resto…Además, la mezcla de lenguajes, físico, sensorial, realista y espacio sonoro contemporáneo, generan un universo poético singular.
Adolfo Simón
Deshielo de la Coja Dansa en Cuarta Pared
Deshielo narra la historia de una niña llamada Chica Inuit, que vive en un poblado de iglús donde el frío es intenso y constante excepto unas pocas semanas al año, cuando las flores aparecen entre la escarcha. El pueblo de la Chica Inuit tiene una Piedra Sagrada que de repente se rompe, después de siglos sin cambiar. Chica Inuit decide partir en busca de aquello que ha hecho que su Piedra Sagrada se rompa. Durante el camino, el Zorro Blanco le acompaña, y conocen el testimonio del Hombre que Planta Árboles y El Transformador de Basura, quienes les estimulan a continuar con acciones pequeñas que cambian muchas cosas. Una pieza en la que se mezcla el audiovisual de gran formato con la danza contemporánea, consiguiendo texturas muy sugerentes y creando el efecto de deseado en el público: Acabar con el maltrato a la naturaleza.
Adolfo Simón
La Valse de RAIMUND HOGHE en los TEATROS del CANAL
Pieza que da cuenta de las búsquedas de Hoghe, dramaturgista de Pina Bausch, en estos últimos años. Suena Ravel. El cuerpo pequeño y frágil de Raimund Hoghe (Wuppertal, Alemania, 1949) tumbado boca abajo sobre el escenario intenta nadar. Se incorporan a la escena el resto de bailarines que aparecen cubiertos por mantas grises, que recuerdan a las que cubren los cuerpos de los inmigrantes a punto de hipotermia que día a día se rescatan de nuestros mares, una imagen ya tristemente familiar y cotidiana del telediario. No hay mucha danza pero el foco está colocado en la intensidad de las emociones. Este es el punto de arranque de una gran poema musico-escénico que transcurre por el escenario como la vida, sin prisas pero sin pausa. Un collage duro e intenso que nos muestra como el arte se puede comprometer con lo que nos ocurre a diario sin caer en complacencias. Raimund Hoghe junto a su equipo de músicos y bailarines realiza una proeza escénica para paladares comprometidos y que gustan de cuadros donde la no danza da sentido a todo.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/raimund-hoghe-la-valse/
BEST OF BE 2018 en el Teatro de la ABADÍA
Este año BE FESTIVAL celebra su novena edición en Birmingham, consolidado como uno de los festivales europeos de referencia. El festival busca acercar los nuevos lenguajes escénicos contemporáneos al público a través de una celebración de propuestas innovadoras de teatro, danza, circo, música y artes visuales. Las propuestas escénicas van acompañadas de talleres gratuitos y encuentros con el público. Te invitamos a participar en esta iniciativa, donde las artes escénicas brindan un puente para nuevas discusiones. Celebra con Best of BE FESTIVAL 2018 los 250 años del nacimiento del circo en el Reino Unido, con un programa que explora este arte a través de diferentes disciplinas artísticas (movimiento, ilusionismo y tecnología).
Take Care of Yourself Cie., un hombre sirve una ronda de chupitos y comienza el desafío. A partir de aquí, el público entra también en un estado de efervescencia donde el riesgo y la poesía se dan la mano.
Someone Loves You Drive With Care-Tom Cassani, este artista performativo, un prestidigitador; un mentiroso. Inspirado en las barracas de feria de circo de los Estados Unidos, utiliza técnicas de ilusionismo para reflexionar sobre el engaño y la manipulación.
Control Freak-Cie. Kirkas, nos sumerge en el caos palpitante y divertido de un espectáculo hilarante que combina ingeniería informática y virtuosismo circense.
Los lanzadores de cuchillos, fakires y hombres orquesta siempre han formado parte de las troupes circenses. Aquí, este tipo de artista da un salto en el tiempo y las formas para mostrar la evolución de esta artes de siempre.
Adolfo Simón
Lettere amorose, 1999-2018 de RAIMUND HOGHE en los Teatros del Canal
El punto de arranque es la carta que hallaron en los cadáveres de dos adolescentes africanos que, escondidos en el ala de un avión, intentaron llegar sin éxito a Bruselas, aquel año de 1999. Hoghe da forma artística, pone cuerpo y voz a esta carta (y otras trágicas misivas) en la que un malogrado adolescente africano habla de la esperanza y la ilusión de una vida nueva en Europa. Es una pieza ritualista, llena de silencios y pausas que muestran la soledad y la dureza que vivieron los personajes a los que se hace alusión en las cartas. Una performance íntima y desconcertante.
Adolfo Simón
You & Me de Mummenschanz en los Teatros del Canal
You & Me, de la compañía suiza Mummenschanz se cataloga como espectáculo para todos los públicos. Efectivamente, cualquier persona de cualquier rango de edad puede disfrutar del mismo. La ausencia de palabra durante toda la obra contribuye a la creación de un lenguaje universal, tan natural, que los primeros cinco minutos son suficientes para llevar al público a su mundo y hacerle participe de él. A partir de ese momento, el espectador solo tiene que dejarse llevar por el universo mágico que se despliega ante sus ojos. Durante la obra se suceden una serie de escenas independientes donde la carcajada se entremezcla con la fascinación. Lo imposible con lo humorístico. Un despliegue continúo de imágenes y mundos cambiantes, a veces tiernos, a veces surrealistas, a veces paródicos; que sorprenden continuamente al espectador. Y si gran parte del éxito de la pieza se basa en el ingenio y la fantasía de las propuestas, no menos importante es el cuidado, la precisión, la pulcritud y la técnica corporal de las que los cinco intérpretes se sirven.
Guille Pavón Gray
Una gran emoción política de Luz Arcas y Abraham Gragera en el CDN
Desde el exilio, María Teresa León esperaba regresar algún día a su país libre de la dictadura franquista. Cuando por fin pudo hacerlo, en 1977, el alzhéimer no le permitió reconocer la tierra que pisaba. España y María Teresa han sufrido el mismo destino: el borrado de memoria, la enfermedad del olvido. Este es el punto de partida de una pieza de danza teatro que podría haberse quedado en un lienzo abstracto sobre el personaje y la enfermedad que llenó su mente al final de su vida y, sin embargo, se utiliza el cuerpo, la música y el espacio…también la palabra deconstruida, para ahondar en el universo comprometido de María Teresa León y en cómo se rebela para no olvidar las injusticias y soñar con un futuro mejor. La pieza se divide en dos partes, una primera en la que el espíritu de la escritora vaga por la escena, bordeando la ceniza suspendida de los recuerdos…en la segunda, los fantasmas y los miedos se adueñan del escenario para crear universos de pesadilla donde el dolor se cruza con la desesperación y la impotencia por no poder mantener el imaginario firme y la ética como emblema. Una pieza emocionante y comprometida.
Adolfo Simón
Happy Island de IDEM en La Casa Encendida
El festival arrancó con el estreno en España de la última pieza de La Ribot, Happy Island, realizada en colaboración con el colectivo de danza inclusiva portugués Dançando com a diferença. Una pieza de danza y cine con cinco bailarines profesionales con discapacidad física e intelectual en la que, La Ribot, performer y coreógrafa ha desarrollado su faceta más autentica, dejando libertad absoluta en el proceso de creación y aceptando el discurso técnico y expresivo que ha dado como resultado el encuentro entre este grupo de artistas que han dialogado gracias a las diferencias, creando de algún modo, un lugar común diferente, sugerente y sin prejuicios. Una pieza donde no se puede descubrir quién puso el punto de partida en el viaje y quién bajó el telón imaginario.
Adolfo Simón
Danza en desequilibrio
Hoy viernes se han presentado dos piezas de danza física en Madrid, en los Teatros del Canal, dentro del programa Abierto en Canal, hemos visto Bashdoor, la victoria absurda de FM ART COLLECTIVE…una obra compleja de significados, con el suicidio juvenil de fondo y con una propuesta abstracta llena de momentos duros y contundentes. Hay que valorar en gran medida que el mundo de la danza aborde temas complicados y no caiga en la pura narración realista. Y en Miradas al cuerpo de Lagrada, se ha mostrado la tercera pieza del programa: Renacer de Javier Marín, un viaje al encuentro de la identidad perdida, atravesando paraísos imposibles.
Adolfo Simón
Sigue Miradas al cuerpo en Lagrada
“FR-ÁGIL” escrito y dirigido por Sabine Lane y Amanda Marinas es la última pieza de danza física que se ha presentado en Lagrada, una mutación corporal de dos figuras que arrancan desde la dureza para terminar en la ligereza y fragilidad.
Adolfo Simón
Puntos inacabados de Jesús Fernández en Abierto en Canal
Como casi todos en el Nuevo Flamenco, inició su formación de niño y tuvo un recorrido intachable como bailaor, recibiendo varios premios. Su paso por la compañía de teatro holandesa NNT (2010) fue un punto de inflexión en su carrera tras ser dirigido por la directora de teatro Ola Maafalani en su nueva obra Medea, acercándole así a un teatro basado en el arte de la performance. Ataduras, su primera producción (2011), supuso su irrupción como coreógrafo/intérprete configurando su baile en identidad propia. Puntos inacabados nos invita a apreciar y disfrutar de toda una colección nueva de pellizcos, movimientos e ideas coreográficas que obligan a abrirse a la innovación. Sobre la escena cinco artistas en un espectáculo vibrante con aires de flamenco muy urbano, en el que las rupturas y fusiones aparecen integradas con toda naturalidad y seguridad. Un collage de impresiones y emociones lleno de tensión dramática entre el deseo y la forma, entre lo clásico y lo contemporáneo…Un espacio de lucha creativa para encontrar el camino de vida y belleza.
Adolfo Simón
Ejercicio 1 en Miradas al cuerpo de Lagrada
Como bien reza el título de la breve pieza, es un ejercicio sobre la plasticidad y el plástico, sobre los cuerpo firmes e inestables. Un colectivo joven que apuesta por buscar su propio lenguaje.
Adolfo Simón
30 Años de Danza, Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid en los Teatros del Canal
Un homenaje al recorrido de una de las compañías de danza más importantes de nuestro país. Una mirada a su historia, a través de las piezas que fueron bailadas, y en ocasiones creadas expresamente para la Compañía, por la excelente cantera de primeros bailarines que han salido de su elenco. El espectáculo es un crisol de danza bajo el sello Ullate, cuenta con identidad propia y con la dirección artística de Eduardo Lao que ha creado una dramaturgia visual que da unidad al monumental espectáculo. Un viaje a la creación de Ullate durante décadas que nos permite disfrutar de la esencia y mirada particular sobre la danza que tiene este artista. Una propuesta que dejará buen sabor y recuerdo a todos los que asistan a verla.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/30-anos-de-danza/
Bolero 2018 en Conde Duque
En esta pieza de Jesús Rubio Gamo, doce bailarines se encuentran para derrochar energía y revisitar la música que Ravel concibiera en 1928 como un ensayo orquestal basado en un baile tradicional español. He visto bastantes propuestas de esta música convertida en coreografía. Cuando ya creía que tenía en mi archivo de memoria la pieza más certera, me encuentro con esta lectura nueva, intensa, comprometida y de gran energía física y emocional. Múltiples juegos de combinaciones corporales en una espiral constante que transita por el corazón del escenario y que, por momentos, se desgaja como jirones de emoción. La combinación entre abstracción y sentido físico de los intérpretes hacen de este Bolero, una pieza imprescindible para el repertorio contemporáneo de la danza.
Adolfo Simón
PEEP BOX 350° de Mey-Ling Bisogno en la Plaza Nelson Mandela de Madrid
PEEP BOX 350º es la segunda fase del proyecto de investigación y creación para la producción de una performance multitudinaria para site-specific que surgió en 2012 con “Circuito Peep Box”. Tras 10 dias de trabajo intensivo y con un nuevo elenco de 22 artistas nacionales e internacionales, que interpretarán una edición revisada y revitalizada de la obra: In Memoriam, reflejando a esa juventud de países en conflicto (llamados el tercer mundo) que se unen para desafiar al poder establecido. Así surge la “nueva resistencia”, la danza como un acto de resistencia de Mey-Ling Bisogno. Es complicado conseguir que el público transeúnte quede atrapado por una acción en la vía pública, sin embargo, ahí estaban, creando un marco alrededor de la pieza de danza durante el tiempo en que se desarrolló. Una acción dancística llena de energía y fuerza física. Un combate sobre los límites de la sociedad para permitir que cada uno tenga su posible espacio bajo el sol.
Adolfo Simón
«Cadiz en danza» del 9 al 16 de junio
El Festival Internacional #CádizEnDanza llega a su decimoséptima edición, y se celebra del 9 al 16 de junio próximos.
31 compañías procedentes de siete países (México, Brasil, Corea, Taiwan, Japón, Hong Kong/China y España) forman parte de la programación del 2018, y realizarán 54 actividades: 48 funciones, dos talleres y cuatro clases magistrales.
Participan:
#Albacalí
Albert Quesada & Zoltán Valulya
Antes Collado
頭と口 – ATAMATOKUCHI
Carla Diego
Carla Segovia & Guillermo Aguilar
Conservatorio de danza Maribel Gallardo
Cía Daniel Abreu
Denis Santacana
Diego Sinniger y Kiko Lopez
El Garaje Danza
Escuela de Danza de la UCA-Universidad de Cádiz
翃舞製作 HungDance
LaIntrusa
Lanördika
LASALA
Los Moñekos – LaMoñeka Moñekos
Mal Pelo
Mao Wei and Choi si wong Tracy
Marcat Dance
Marco Flores
Montón de Paja & Trigo
Mumusic Circus
OtraDanza
Poliana Lima
Quim Bigas
Roser López Espinosa
Compañía Sharon Fridman
Shin Jun Park & Dasom Hwang
Sol Picó cia. de danza
Tania Monreal
UnaiUna
Toda la programación en www.cadizendanza.com
Luis Mª García Grande
40 años en imágenes del Ballet Nacional de España
El Ballet Nacional de España (BNE) cumple 40 años y ha querido celebrarlo con la publicación de un libro excepcional que recoge cuatro décadas de historia a través de la fotografía. Bajo el título de “40 años en imágenes” esta publicación se presenta como una joya editorial con la que leer la intensa y prolífica trayectoria de esta compañía, como un tributo a todos a los que han formado y forman parte de ella.
Antonio Najarro, su director desde hace ya siete años, sigue en su empeño de dar a conocer el legado que está dejando y creando esta institución, de ponerle a la altura que se merece y de llevar esa marca España por todo el mundo con la distinción y calidad que les certifica y avala.
Un valiosísimo archivo fotográfico, forjado desde 1978, año de la fundación del Ballet Nacional de España, testimonio de la historia de esta entidad pero también de la historia de la danza en nuestro país, es columna vertebral de esta publicación que recoge el legado de grandes fotógrafos, protagonistas también de 40 años en imágenes.
Asimismo, se ha querido llegar a todos los amantes de la danza y por ello, este maravilloso archivo fotográfico también se podrá ver en la exposición que desde el 8 al 24 junio estará en Casa de Vacas del Retiro de Madrid.
Un libro y exposición que ha sido inaugurada hoy por Eduardo Fernández Palomares, Subdirector de Música y Danza del INAEM y Antonio Najarro Director del Ballet Nacional de España.
Presentación de «40 años en imágenes del BNE»
Ambos trabajos son una iniciativa del Director del BNE, Antonio Najarro que ha contado con la coordinación y elaboración de la periodista especializada en danza Mercedes L. Caballero y el diseño de Bernardo Rivavelarde, reconocido artista visual.
A lo largo de dos años de trabajo, para la realización del libro, la periodista Mercedes L. Caballero, creadora de Unblogdedanza y especializada en la información, crítica y difusión de la danza desde hace más de quince años, ha contado con la colaboración de todos sus protagonistas, en primera persona o a través de quienes conocieron bien a los directores que ya no se encuentran entre nosotros, tanto en la elección de las fotografías que lo componen como en las entrevistas que les ha realizado, testimonio de quienes han forjado la historia de esta entidad.
Bernardo Rivavelarde, diseñador gráfico que ha creado la imagen de este libro, acumula una larga trayectoria en la edición y diseño corporativo de entidades como el Staatsballett Berlín, bajo la dirección artística de Nacho Duato, la imagen gráfica del Teatro de la Zarzuela durante los años 2012 a 2016 o el festival Madrid en Danza. Sus imágenes juegan con nuevas texturas y filtros que realzan las ya conocidas y seleccionadas para componer esta nueva obra. Su misión era dar valor a estas imágenes antiguas y darles un toque actual, atrayente y que ensalce la labor gráfica de todos los fotógrafos que han tenido la suerte de inmortalizar los momentos coreográficos más importantes del BNE.
El libro enmarcado en una edición de lujo recoge 96 fotografías de 32 fotógrafos, que reflejan 76 obras de 40 coreógrafos, 14 voces (directores del BNE y allegados) y emblemáticos bailarines de nuestro país que han pasado por las filas del BNE. En definitiva, un libro único ya que recoge dos años de trabajo de la periodista Mercedes Caballero y que ha contado con la colaboración de todos su protagonistas.
En cuanto a la exposición y en palabras de Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, “con el se cumple uno de mis sueños como es el de hacer un apasionante recorrido por la historia e intensa andadura de la compañía desde sus orígenes hasta la actualidad. Presentándola con un original formato creado bajo el excepcional prisma creativo del artista Bernardo Rivavelarde, inspirado en fotografías captadas por los objetivos de grandes fotógrafos. Imágenes de emblemáticos escenarios, de camerinos, de ensayos… imágenes que dejan constancia de que la danza española puede y debe convivir en comunión con otras manifestaciones artísticas. A través de estas imágenes se inmortalizan la forma y el alma que tanto define la entidad de nuestros espectáculos que defienden nuestra danza española en todos sus estilos y formas. Desde la escuela bolera y el flamenco, hasta nuestro rico y maravilloso folclore o la danza estilizada, espectáculos únicos en estilo en el mundo. Cada una de las imágenes que van a ver respira dedicación, cariño, respeto, audacia, arte y mucho amor por el Ballet Nacional de España”.
Luis Mª G. Grande
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- Presentación de «40 años en imágenes del BNE»
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- Exposición en Casa de Vacas. Madrid
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- Zapateado de Sarasate en la presentación del libro
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- Portada del libro
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- Imágen del libro «40 años en imágenes» de Bernardo Rivavelarde
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- Imágen del libro «40 años en imágenes» de Bernardo Rivavelarde
Que Revienten los Artistas 
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