El corazón entre ortigas… Tribueñe / Paco de la Zaranda / Eusebio Calonge – Surge
Tras su residencia en el Teatro Tribueñe, La Zaranda presenta en la sala un nuevo trabajo en proceso dentro del contexto de residencias artísticas y laboratorios de la III Muestra de Creación Escénica Surge Madrid 2016. Carlos Morla Lynch, fue capaz, en un mundo que se despedazaba, de tener la integridad ética de permanecer fiel a su cargo, al frente de la Embajada Chilena de Madrid, salvando la vida de unos dos mil refugiados, primero de un bando y luego del otro, con frecuencia jugándose la vida por personas que no eran afines a su pensamiento. Sacrificando su bienestar y el de su familia por el de los otros, sin mirar facciones ni militancias, en ese equilibrio tan peligroso, casi milagroso diría yo, de obrar con independencia.
Cuando el pasado es tan reciente, el peligro de ser malinterpretado es grande, la visión desde los frentes se imponen para arrojar su sentencia condenatoria a todo cuanto no cuadre con sus proclamas. Quien a esta obra se asome no busque ajustes de cuenta, ni la propagación de aquello que nos enfrenta, su visión de la historia, ese caos inmutable como la llamó el filósofo, es poética que no política. No trata de expresar más que como entre tanto dolor y tanto miedo, el valor de lo humano, que es el amor a cada persona, sacraliza la vida cuando el otro es más importante que nuestros propios intereses o ideas.
Una experiencia de teatro documento que nos sitúa frente al sentido del arte y la ética en una sociedad sin principios.
Adolfo Simón
I LEAVE THE LIGHS ON en Cuarta Pared / Surge
¿Dónde se encuentra el fondo del abismo? ¿Has visto alguna vez las líneas que generan tus pensamientos? Solía pensar que aquello que proyectamos al exterior se ve de alguna forma representado por líneas infinitas, invisibles y dúctiles, que emergen en nosotros vínculos que nos completan. La unión de muchas líneas hace el puzzle y el puzzle conforma lo que somos y lo que no. En este caso, desde la silla de un teatro, a pocos metros de la historia, brotó en mi uno de esos momentos de autentica revelación. Mis poros encontraron la metadona que hacía tiempo que les faltaba, como un chute de adrenalina, disparó una de esas líneas que embriagaron mi sistema inmunológico. La señorita Miranda, desencajo todo pensamiento predeterminado, haciéndonos caer en un mundo bello y coreografiado, aderezado con una atmósfera agridulce que hace que nuestra mirada se obsesione por ver todo aquello que ocurre.
Ahora, tras tomar distancia con aquel momento, podemos recordar aquella frase que pronunciaba el señor Neruda.. “Algún día en cualquier parte, en cualquier lugar indefectiblemente te encontrarás a ti mismo, y ésa, sólo ésa, puede ser la más feliz o la más amarga de tus horas”
A veces hay cosas que llegan a uno en forma de flecha, quedando atravesado por una línea infinita, invisible y dúctil, que coloca en nosotros otra pieza más del puzzle, quedando así, un poco más completos que ayer.
África Anamú
Derivas de Investro en La Juan Galery / Surge
«Derivas», es el resultado de una serie de visitas (derivas) que se llevarán a cabo en el barrio de Lavapiés durante el mes de duración de SURGE MADRID, con el objetivo de recoger materiales diversos (textuales, objetuales, sonoros, visuales…) que den cuenta del entorno. Para, posteriormente, reproducir la experiencia de la deriva, en el propio espacio escénico. Una propuesta diferente de abordar el paisaje de la ciudad para transformarlo en material escénico a través del cual reflexionar sobre la identidad del lugar y el sentido del arte hoy para los habitantes de la urbe, ese espacio cambiante y personal a su pesar. Muy sugerente, todavía se puede disfrutar el próximo sábado a las 13 horas en la Mirador. Entrada libre.
Adolfo Simón
La realidad de los Torreznos en Teatro del Barrio / Surge
De pocos espectáculos he salido con la sensación de haber visto algo tan complejo. Pocas veces se queda uno enganchado a las infinitas lecturas de discursos y acciones que, como en este caso, se conjugan con suficiente misterio y humor para ocupar nuestros pensamientos durante mucho tiempo.
Mi opinión es que, en lo que hacen, los torreznos son inigualables. Es una ironía tan redonda y tan aguda y por momentos (aunque parezca contradictorio) tan cercana y sobrecogedora…
“La Realidad” pasa por una fase nuclear donde se percibe la crítica a la tiranía del lenguaje y a la asimilación mercantil de las relaciones arte – vida, que pasan por la posibilidad de embadurnar de términos elevados cualquier accidente de la cotidianidad. Después algo de este discurso se expande y se contamina del absurdo para regresar a la pregunta ¿qué es la realidad? o más bien ¿Realidad?¿Dónde? y entonces entramos juntos en una montaña rusa entre el aquí, el allí, el ahora y el nosotros que es tan empinada como divertida e inteligente.
No se puede acusar a este maravilloso duo de dar una puntada sin hilo, aunque tal vez la performance necesite algo de rodaje para ajustar tiempos. Un servidor valora enormemente el riesgo que supone hacer una pieza imposible de encajar en una fórmula predeterminada. Lo que podría haber sido una performance que ironizara sobre el uso de la atención para convertir anécdotas materiales en objetos de contemplación (al estilo de las visitas guiadas de Andrea Fraser) se convierte de repente en un torbellino repleto de recursos expresivos que nos invita a reír mientras nuestro mundo se resquebraja. El ingenio puesto al servicio de aquello que no podemos eludir ni disfrazar: La Realidad.
Javier Tirado
Julio César y Cleopatra en el Teatro Bellas Artes
“La erótica del poder, el poder de la erótica” es la frase con la que se nos presenta Cleopatra en el Teatro Bellas Artes, una propuesta desenfada y atípica, que nos traslada a los momentos más álgidos de está popular historia. Con un puente directo a plena actualidad nos deja entrever un discurso irónico, humorismo y cargado de emoción, que hace de estos cuatro personajes unos auténticos viajeros del espacio. Creando para ello las oportunas atmósfera que nos guiarán por los parajes más desérticos y del recuerdo que hoy día tendrían Julio Cesar y Cleopatra.
El pasado y el futuro, detienen la historia para hacer recuento de los acontecimientos resultantes de uno de los mayores clásicos de la historia.
África Animú
¿A qué sabe la luna?, teatro de sombras de Nicolás Mallo en el Montacargas
Al otro lado del río está la recoleta sala El Montacargas, allí, todos los domingos a las 12 horas se realiza un delicioso ritual de sombras chinas que maneja con precisión el veterano Nicolás Mallo. ¿A qué sabe la luna? es un cuento plástico a partir de una narración de Michael Gröejnik que hace las delicias de todos los asistentes. Y al final, hay sorpresas para los pequeños de la casa que disfrutan mucho.
Adolfo Simón
El silencio de Hamelin de Jordi Palet Puig en Una mirada diferente/CDN
Imaginemos dos hermanos, un niño y una niña, Clara y Bruno, que conviven en aquel entorno como parte de su día a día. La llegada de un extraño pondrá fin a la plaga de ratas que ha invadido el lugar. Le prometen una recompensa que no llegará nunca: el alcalde no es un hombre de palabra, y esto casi pone fin a los niños y niñas de la ciudad.
Ahora, Clara y Bruno son mayores, y es gracias a ella que lo pueden explicar: él puede contar lo bien que se sentía dejándose llevar por la música hipnótica del flautista.
Una propuesta para todo tipo de público en este particular ciclo que cada vez está teniendo una programación más sugerente y mejor respuesta del público.
Aprovecho para hablar de un libro editado desde el CDN que habla de cómo realizar este tipo de producciones sin tener que vivir procesos dolorosos. Miguel Cuerdo reflexiona en sus páginas sobre la experiencia de producción de espectáculos con integración de personas con otro tipo de capacidades, su título: Producir sin dolor.
Adolfo Simón
Habla.De.La.Tierra de Camille Hanson en La Usina/Surge
«Habla.De.La.Tierra» es una visión tangente del desarrollo natural de tiempo y la materia. Los cuerpos entrelazados por la madre tierra crean un ecosistema que nace y se desarrolla ante nuestros ojos. Con el comportamiento salvaje de los elementos tierra, agua y fuego, las interpretes nos conmueven con una pieza cargada de condensación motriz y un cuerpo totalmente abrupto. Generando un cuerpo bello y una belleza que desea ser tocada.
Las pinceladas dramatúrgicas del siglo XXI, nos hacen de puente entre el nacimiento del planeta llamado tierra y su estado actual. Dos lenguajes que conviven de manera paralela, retro-alimentando el mensaje que estamos recibiendo.
Deberíamos marcar este tipo de propuestas como una gran punto de partida, donde el interprete se encuentra en total disposición a su cuerpo, siendo este otro siervo a la material que conjuga esta bella atmósfera.
África Animú
Palabras malditas de Eduardo Alonso en el Teatro Español
En la oscura España de la posguerra, dos seres marginados se esfuerzan por encontrar la felicidad. Un expulsado y perseguido profesor experto en poesía francesa y una prostituta coinciden en una sórdida pensión de La Coruña, en los años cuarenta, en plena época de represión y asesinatos. A pesar de las aparentes diferencias que los separan, se aferran el uno al otro como a la única tabla de salvación en el inmenso océano de la soledad. El teatro ha de ser útil para la sociedad y una de las mejores formas es dar luz a los tiempos oscuros, a esos donde seres anónimos intentaban encontrar un espacio de expresión más allá de las circunstancias del momento. En Palabras malditas, de manera íntima y sencilla nos muestran a unos personajes que no manejan su destino y que tienen que aceptar el silencio y marginación personal y artística.
Adolfo Simón
¡Como está Madriz!…en el Teatro de la Zarzuela
Siempre me pregunto para qué ha de servir el teatro hoy…¿Para entretener?¿Para emocionar?¿Para hacer pensar?¿Para guardar la memoria y prevenirnos del futuro?…Podría seguir haciendo preguntas y todas girarían alrededor de dos ejes…Divertir y hacer que nuestra cabeza se revolucione. ¡Salir de un teatro con la sensación de ligereza, de haber jugado desde el patio de butacas al tiempo que hemos pensado sobre quiénes somos y qué hacemos aquí…Es estupendo! Todo esto provoca ¡Cómo está Madriz! gracias a la versión libre que ha hecho Miguel del Arco a partir de entrelazar canciones de La Gran Vía y El año pasado por agua con pequeñas escenas que atraviesan el tiempo y nos proyectan hacia el mañana con ganas de construir un mundo mejor, aunque sea una autovía. Este espectáculo es un homenaje a Madrid, al teatro, a la bohemia…a todos los que hemos llegado a esta ciudad y la hemos querido a pesar de sus peculiaridades o tal vez por ellas y, sobre todo, porque nunca nos ha pedido cuentas por estar aquí. ¡Cómo está Madrid! es zarzuela, teatro, cabaret, music-hall, revista… Y todo ello con un aire moderno sin perder la esencia original. Miguel del Arco capitanea un equipo de creación que ha debido disfrutar con su trabajo al reinventar el vestuario, el espacio, la luz y la fisonomía de esta ciudad que siempre nos sorprende si la miramos con ojos nuevos. Como este elenco ha hecho…y aunque Paco León está al frente del reparto, el resto de los actores, bailarines, coro…se han contagiado de este espíritu de locura por quitar el gris al maravilloso cielo de Madrid. Y la orquesta, gracias a la espléndida dirección musical de José María Moreno toca con brío y belleza extrema. Corran a comprar unas entradas porque se van a agotar y se arrepentirán de no poder disfrutar de la zarzuela del siglo XXI.
Adolfo Simón
Wendy Hoose de Johnny McKnight en Una mirada diferente/CDN
Una actriz y un actor, una intérprete de signos, unos subtítulos y una voz en off que nos contaba lo que se veía en escena. Todo en una unión perfecta para contarnos la historia de dos jóvenes que querían pasar una noche de sexo desenfrenado pero que no salió como estaba planeado.
Humor negro británico a veces difícil de digerir si no estás acostumbrado.
El problema comienza cuando el chico dispuesto a darlo todo en la cama se da cuenta de que a la mujer le faltan las piernas… Su reacción es del todo vergonzosa despreciable y condenable, claramente nervioso y queriendo salir por patas, él que puede. ¿Pero cómo habría reaccionado otro cualquier? ¿Cómo habría reaccionado yo? Pues probablemente externamente de forma diferente pero internamente de la misma.
En este espectáculo se desmontan mitos, se quitan taboos y se ríen todos de todo, hasta la voz en off se ríe de los actores. Una comedia aparentemente ligera pero cargada de calor y emoción y que me ha hecho salir reflexionando sobre los prejuicios que yo creía no tener.
M. Canovo
Plexus en el Festival de Otoño a Primavera en la Sala Verde de los Teatros del Canal
Hay dos cosas muy difíciles de conseguir que funcionen en escena, una es la tecnología que suele usarse como adorno y efectismo…y otra, crear atmósferas sensoriales y tenebrosas. En Plexus, un espectáculo de danza que transita por la acrobacia y la magia se alcanza algo muy complicado, la simbiosis entre el cuerpo humano y el espacio, consiguiendo que por momentos no podamos distinguir entre el final del físico de la bailarina y la materia que la envuelve. Durante la hora que dura, nos mantienen pegados a la butaca esperando que cada haz de luz o cada sombra, nos depare nuevos efectos sensoriales y emocionales…Un viaje a la fisicidad como algo tangencial y a lo atmosférico como discurso de la memoria del tiempo. Una propuesta que sorprende y fascina.
Adolfo Simón
La muerte le sienta muy bien a Microteatro por dinero
Aunque este no es el tema de este mes en Microteatro, las dos piezas que he visto, tenían como denominador, la muerte como juego irónico para independizarse; este si es el tema: Por la independencia y por ello, los personajes son capaces de mil disparates…Traficar con un muerto en «Cuerpo a cuerpo» de Alberto Iglesias interpretado con precisión por Mónica Bilbao y Rodrigo Poisón…o jugar a la resurrección de los personajes muertos para conocer más a fondo sus deseos con fecha de caducidad como ocurre en «Hasta el coño» de María Velasco dirigida por Sonia Sebastián y con unos deliciosos Kike Guaza y Alberto Jo Lee. Nos les desvelo más sobre las tramas porque nunca se dice que el asesino es el mayordomo.
Adolfo Simón
El debut de Gabriel Olivares en Mediateca del Matadero Madrid
Esta película podría calificarse como de teatro dentro del cine, algo poco habitual en las pantallas cinematográficas. También es un juego de espejos a partir del título; no solo debutan algunos actores y el director en el universo fílmico si no que, también, hay un debut en la iniciación del personaje protagonista como matador de toros y también, el descubrimiento del deseo y la competencia del joven. Todo este juego laberíntico viene dado por saltos entre el origen de la propuesta en una sala de ensayos hasta el visionado de los actores en la sesión previa al estreno. Creo que esta película no se habría hecho igual si el equipo no hubiese sido teatral. Tal vez, el cine tenga que mirar al teatro para descubrir otras perspectivas.
Adolfo Simón
De profesión maternal de Griselda Gambaro en el Teatro del Arte/Surge Madrid
Una hija abandonada se encuentra con su madre después de 34 años, en este acontecimiento se desatan los secretos, las excusas, los motivos por los que Matilde no ejerció como tal. Se pone en tela de juicio la existencia del instinto materno. Eugenia, el tercer personaje actúa como catalizador entre ambas. Una mirada sobre la maternidad y la huída sobre la responsabilidad en la misma…y las consecuencias que genera el desgarro, en todas las implicadas. Una mirada femenina sobre la eterna cuestión sobre la herencia de la sangre.
Adolfo Simón
Addio del passato en La pensión de las pulgas
A menudo me pregunto, cuando asisto a una ópera…¿Por qué se alarga tanto el libreto si la historia suele ser muy concisa?, es verdad que la música suele ser el punto de partida y claro, el texto, después ha de ajustarse o repetirse acompañando las melodías. Hay varios aciertos en esta nueva mirada sobre la Traviata…y casi todas tienen que ver con la labor que ha realizado Julio Bravo. Por un lado, la síntesis precisa para contar la historia, sin dar vueltas ni estirar los momentos cruciales, hasta llegar a ese final estremecedor. Y otra, convertir al personaje de la obra en la propia protagonista de la ópera, con lo cual, realiza una pirueta exquisita al propiciar ese juego delicioso de teatro dentro del teatro. Las estancias de La Pensión de las pulgas parecen diseñadas para la ocasión y el vestuario de Pier Paolo Álvaro nos sitúa en el corazón de la historia romántica y glamorosa que se nos quiere contar. Hay unas pausas marcadas por Blanca Oteyza desde la dirección que nos suspenden en el transcurrir inevitable hacia la tragedia. Y, por último, los actores están precisos en su trabajo, aunque Lola Baldrich y Fran Calvo elevan el melodrama a tragedia moderna.
Adolfo Simón
“TIME OUT» en Cuarta Pared/Surge Madrid
¿Correr es una forma de escapar o un modo de llegar?
A lo largo de la vida encontramos diferentes torrentes de energías que nos enmarcan una etapa. Nuestro cuerpo se ve inmerso en esa necesidad que parece tener el mundo, ese sistema cíclico que nos hace comprender la vida como una gran Pangea. El tiempo no para y nada lo detiene, somos fruto de aquello que sucede en su franja temporal, sin darnos cuenta que la quietud también precisa de ese espacio para existir. Detenerte, callarte, observar, escuchar… abren un nuevo torrente de posibilidades, un movimiento no tangible a los ojos pero si al ser humano. Aristoteles afirmaba que el movimiento no existe, pues para llegar a un punto primero hay de recorrer la mitad y para llegar a esa mitad otra mitad, dándote cuenta que el infinito acaba por paralizarte. Esto que ahora surge es precisamente lo que podemos ver en “Time out” una propuesta de movimiento, en donde la pausa y el tiempo entre paso y paso; nos adentra en un mundo de realidades olvidadas que nos enseña que para lanzarte, correr, empezar… hay que posicionarse primero en el punto de partida. Es la pausa dónde todo comienza, donde las millones de opciones toman decisiones que nos hacen guiar nuestro camino. La vida es como una maratón donde no debemos olvidar que gestionar la velocidad es crucial para llegar victoriosos a la meta.
África Animú
La rosa tatuada en el CDN
La directora Carme Portaceli se pone al frente de La rosa tatuada, un drama escrito por Tennessee Williams que el Centro Dramático Nacional produce para recuperar la obra del dramaturgo estadounidense. Aitana Sánchez-Gijón y Roberto Enríquez encabezan el cartel. Su argumento cuenta la historia de Serafina Delle Rose, una viuda italo-americana afincada en Luisiana que decide retirarse del mundo y guardar luto para siempre tras la muerte de su marido. Pero con el paso del tiempo, Serafina va descubriendo que el origen de su sufrimiento es el encierro que lleva a cabo, por lo que se ve en la obligación de decidir entre volver a disfrutar de la vida o padecer una existencia de dolor hasta el fin de sus días. Una lectura contemporánea del texto donde prima las relaciones personales de los personajes en un decorado que recuerda los recortables infantiles.
Adolfo Simón
Big Boy en el Teatro Lara
Big boy es una historia que supera la ficción, un ejemplo de teatro de verdad, donde dos actores se enfrentan con sus cuerpos a la creación de mil y un personajes. Big boy es un sueño por el que luchar, una historia de superación donde la amistad es un bien preciado. De principio a fin, el espectador se encuentra con un espectáculo de puro teatro artesano, una lucha de cuerpo a cuerpo, donde el gesto es el verdadero protagonista a la hora de narrar la historia. La amistad por encima de todo, pero la guerra, el juego, boxeo, apuestas, mafia, la ley seca, son los muchos temas que cuentan, pues así era la sociedad de principios de siglo XX.
La compañía Guantuguan especializada en teatro físico fue finalista por su esfuerzo y trabajo con esta obra en el festival Talent 2014 y se puede ahora disfrutar de esta modesta pero virtuosa función en el Off del teatro Lara. No se la pierdan.
Pablo Cano
Nos encontrarán dormidos de Juan Ayala en La Zona Kubik/Surge
La ciudad como contenedor de la poesía. Sucedió que al recorrer las calles de Usera con esa energía de aventura y esa sensación de pertenecer a algo excitante (el mundo) las calles me parecieron el lugar total, la sopa de moléculas en la que todo sucede en potencia, donde todas las posibilidades están presentes. La complejidad es infinita y el individuo finito. Finito y frágil. Por eso en grupo parecíamos arropados. Generábamos colectivamente una energía que nos conectaba con esa aventura. Dada la manera en la que empezamos a confiar, el peligro en todo caso estaba en esa ciudad repleta de pequeñas fábulas.
De repente algo tan arriesgado como sacar a los espectadores del lugar de comfort de la butaca se reveló como un gesto explícitamente político. Estábamos en la calle, en la plaza, transformándola con nuestra presencia y nuestra imaginación. “La realidad es un consenso” decían, y todo era profundamente real, sin medias tintas. La guerra, la protesta, el miedo, teñidos de absurdo sin perder un ápice de seriedad. Desde el primer instante se apeló a un mundo aletargado dentro de cada individuo: el mundo de la resignificación y el empoderamiento. Podemos ser lectores de ropa tendida y guerreros en la lucha contra los cocodrilos porque en la magia de nuestro cerebro está la posibilidad de volver a empezar una y otra vez. Navegando por la esencia del teatro la ciudad se abrió ante nosotros y nos permitió una larga caída libre en la que resonaron bellas palabras. Creo que matizar todos los detalles de una experiencia tan redonda es un gran trabajo de precisión. Y el tiempo que compartimos fue como una obra maestra.
Javier Tirado
Letter to a man en los Teatros del Canal
Mikhail Baryshnikov es uno de los bailarines más importantes de la historia de la danza, he tenido la suerte de verle en varias ocasiones, bailando diferentes coreografías…y siempre he salido del teatro con la sensación de haber estado suspendido en el aire durante la representación. También ha actuado con cierta holgura…En este espectáculo que ha creado junto a la maestría escénica de Robert Wilson, hace algo muy difícil…»Bailar actuando y actuar en danza». Si uno acude a ver este espectáculo con la idea de verle hacer acrobacias, saldrá decepcionado porque aquí no se hacen piruetas físicas, se baila el silencio y la locura. Esto, que se dice muy fácil, es muy complicado de realizar porque la sensación que llega al patio de butacas es que, lo que nos proponen es un tránsito por el cerebro de Nijinsky a partir de su diario, unos textos escritos durante su encierro; una bajada al abismo de un hombre que había perdido la orientación de sus pasos en la vida. Hay ocasiones en las que es muy complicado explicar qué ocurre en el escenario, solo se puede decir una cosa…Vayan! La cartelera está llena de intentos frustrados de arte…aquí hay un salto al vacío sobre una paleta de colores infinitos donde uno entiende profundamente lo que ocurre cuando la mente se queda mirando al infinito, en la más absoluta oscuridad…y aparecen los cisnes de papel.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/letter-to-a-man-robert-wilson/
Adolfo Simón
Quiere cantar su alegría por El Curro DT
Curioso como con el paso del tiempo las historias de los otros se mezclan con la propia hasta hacerse indistinguibles.
“España que perdimos, no nos pierdas” parece venir de las flores cultivadas en las grietas de la memoria. “Quiere cantar su alegría” se despliega como un pedazo de memoria cruda. Sobre el sustrato de recuerdos como los de Alberto García, alguien regó poesía.
Hablar de la forma es complicado si está al servicio de una historia personal. Hay un bello paralelismo entre la luz que va bajando hasta alumbrar intimidades por las que nos invita a pasear y el vestir y desvestir del mariachi. También siento que, en la misma línea de la propuesta anterior, todo parece desvelar un claro absurdo. El absurdo de las coincidencias, de los amores, de las dudas, el absurdo del mundo en su complejidad al fin y al cabo. Pero sobretodo el absurdo de la guerra, que ante los ojos de un niño pierde toda lógica y nos golpea como un ridículo motivo por el que las cosas cambian. Una vida como la de Alberto se entreteje en infinitas vidas y por eso nos dice tanto de todos nosotros.
Me siento agradecido como público cada vez que se habla con entereza del pasado de este país en el que convivimos, y más aún cuando se hace desde la experiencia personal. Creo que es importante dejar que los hechos queden atrás sin por ello olvidarlos. Puede que llegue un momento en el que la historia de este mariachi sea una bella anécdota y no tengamos que recordárnosla para tenerla presente. Pero ese momento aún no ha llegado, así que nos deseo que brindemos con tequila y sigamos hablando de lo nuestro para que lo nuestro se transforme. Porque aún no es demasiado tarde.
Javier Tirado
ADENTRO de Carolina Román en el Teatro María Guerrero
Nadie juega un papel tan importante en nuestras vidas como la familia, nuestra relación con ella nos moldea y nos define, compone una parte inherente de nuestra identidad. En “Adentro” de Carolina Román se abren las puertas de un hogar y se muestra una intimidad delicada y compleja desde un naturalismo tan orgánico que resulta difícil no sentirse identificado. Sus personajes sueñan, rememoran, aman, temen, se debaten entre América Latina y Europa, y sin embargo, nos cuentan más por lo que callan que por lo que dicen. Y es que a veces resulta más fácil hablar de cremas hidratantes para el cuidado personal y cómo nos intentan engañar al vendernos lo mismo en distinto formato a decir lo que realmente queremos expresar.
Marian Patilla
Concha Velasco es Reina Juana en La Abadía
Concha Velasco hace mucho más que teatro en esta función, hace un gesto de amor a ese amante incondicional e infiel que ha sido el teatro para ella…Concha Velasco sale y está en escena como un animal encerrado en una jaula…No deja un instante al vacío ni al desaliento…En realidad, uno se olvida del texto y la historia, del lugar y las atmósferas que la rodean, se queda prendado de ella, de esa fragilidad que emana rondando por cada centímetro del escenario, su casa, su guarida, su puerto definitivo. Uno, al irse, tras ver aplaudir de pie a todo el teatro y ella, agradecida dando la mano a todos los de la primera fila…piensa…»Tal vez, esta mujer, cuando nos hayamos ido, se quedará a dormir en el teatro y amanecerá sobre ese camastro, para preparar la nueva función». No me cansaré de decirlo, esta artista es un lujo para nuestro teatro y nuestra vida…y el público lo sabe.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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