Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Dario Paso: Me apasiona contar historias

paso¿Cómo surge el proyecto de Una extraña comedia?…Háblanos del texto y del montaje…
Surge del aburrimiento, del reto y de la necesidad. Hasta la fecha sólo había conseguido realizar cortometrajes, tanto en el guión como en la dirección. Esta es la primera obra de teatro que levanto (que no que escribo). Siempre me ha gustado la comedia absurda, surrealista, negra y dadaísta y me propuse el reto de hacer una comedia macabra y disparatada, que no tuviera ni pies ni cabeza, que no estuviera regida por normas ni pautas canónicas, sin censuras de ningún tipo. Simplemente me puse ante el teclado y dejé que saliera mi humor más enfermo y depravado, escribiendo lo que a mí me divertía y rezando porque hubiera gente tan enajenada como yo que pudiera disfrutarlo. Quería dar una vuelta de tuerca más al sinsentido, al absurdo. Además me propuse hacer una miscelánea de géneros que me encantan: la comedia, el misterio, lo siniestro y el goticismo. También llevaba mucho tiempo centrándome en la escritura de un guión de largometraje y quería descansar mi cabeza, liberarla, llevar a cabo un acto catártico, un pequeño exorcismo y de éste nació «Una extraña comedia». Tanto el texto como el montaje están realizados desde la perspectiva del «por qué no», del «porque sí», «porque me apetece». No ha habido ataduras ni autocensuras de ningún tipo. La verdad es que he tenido muchísima suerte de que En la casa de la portera hayan confiado en mí a la primera, de que les haya gustado y de que conectaran y comprendieran tan bien como lo han hecho tanto el texto como mis intenciones.
Creo que con respecto a «la necesidad» qué me llevó hacer la obra no hace falta que explique mucho: «comer».

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
¡Por supuesto! He tenido una enorme suerte al poder contar con dos actores tan extraordinarios como Marta Eguilior y Tato Loché. Los actores siempre deben ser sagrados en cualquier proyecto, pero en uno de este tipo deben ser, directamente, dioses. Sin actores, y concretamente, sin estos dos actores, «Una extraña comedia» jamás hubiera existido. Un texto tan complejo y esquizofrénico requería de unas muy buenas interpretaciones. Durante el proceso de ensayos les di carta blanca para que aportaran y jugaran, para que se enfrentaran a la obra como lo harían dos niños enfermos jugando, como lo harían dos teleñecos psicópatas. Fueron tremendamente disciplinados y rigurosos y, la gran suerte para mí, es que comprendieron el código desde el principio. Un código muy personal y en el que se sumergieron sin ningún problema, casi como si la hubieran escrito ellos. Nos compenetramos de maravilla y eso ha ayudado muchísimo a poner en pie la obra.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
¡Buf! Tengo una enorme cantidad de referentes mezclados en mi cabeza. Ya no sólo mezclados, si no remezclados y revueltos, por eso me salen este tipo de historias. Es evidente que mi fuente máxima de inspiración ha sido el teatro del absurdo, podría citar desde Jardiel Poncela a Ionesco. También he bebido directamente de la novela y el relato gótico, autores como Edgar Alllan Poe o Lovecraft están muy presentes en la obra, eso sí, en clave de comedia, riéndome de ellos con la enorme admiración y respeto que les tengo. Pero es innegable que también me han influido mundos más pops, más cercanos, como películas, series o dibujos animados y, cómo no, mi venerado Lewis Carroll en la forma y en el fondo, maestro del Nonsense. A nivel estético (y también en su forma expresiva) me inspiré, básicamente, en las ilustraciones del dibujante «macabro» Edward Gorey, un auténtico genio.

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¿Por qué haces teatro?…
Me apasiona contar historias. Tengo la pulsión, la necesidad de relatar y sobre todo de mostrar mi enfermo cerebro al resto del mundo (tal vez con la esperanza de encontrar a otros compañeros de viaje que estén tan mal de la cabeza como yo y sentirme un poco menos extraño). Y para llevarlo a cabo me gusta cualquier plataforma, desde el cine a la narrativa, pero el teatro es la madre de todas ellas. La cercanía del narrador (el actor) con el público, la espontaneidad, la autenticidad de estar viviendo durante un tiempo unos hechos aparentemente reales delante de ti, con elementos y personajes tangibles, con sentimientos y situaciones que casi puedes acariciar hacen del teatro el medio idóneo para llegar al receptor de una forma más directa, más impactante, más salvaje.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director-autor de teatro?…
Como ya he comentado este es el primer proyecto de teatro que consigo poner en pie. Hasta la fecha sólo he escrito y dirigido cortometrajes, cosa que me apasiona. Mi corta y reciente experiencia escribiendo y dirigiendo teatro ha sido muy, muy satisfactoria y tengo más que claro que voy a repetir todas las veces que me dejen.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
A parte de las consabidas y básicas: culturizar, educar, sensibilizar, enseñar, entretener… Creo que el teatro debe de despertar conciencias, debe de convulsionar al espectador, no dejarlo jamás indiferente ante lo que vea y más en una época tan compleja y agitada como la que vivimos. El teatro debe ser un espejo de la sociedad y de la humanidad misma. Un lugar donde ver lo guapos o feos que podemos llegar a ser. Toda expresión artística tiene que hacernos pensar y retorcernos las entrañas ya sea para bien o para mal, ya sea de felicidad o de dolor.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Es evidente que muy negativamente. Es un homicidio en plena regla, frío, calculado, cometido con alevosía, premeditación y nocturnidad. En este país hay gente que tiene alergia a la cultura (el saber, el conocimiento) y al arte (la sensibilidad, el sentimiento) y van a hacer todo lo que esté en sus manos para destruirlos. Porque la cultura y la educación son «armas» muy potentes para el pueblo y a algunos les da mucho miedo que tengamos esas «armas».

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace poco pude disfrutar en La pensión de las pulgas del montaje de «Sótano» escrita por Josep María Benet i Jornet, dirigida por Israel Elejalde e interpretada por Víctor Clavijo y Juan Codina. Me encantó el texto, el montaje y las soberbias interpretaciones de esos dos enormes actores.

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¿Proyectos?…
Ahora mismo, como autor y director, estoy muy centrado en levantar mi primer largometraje, una auténtica locura de género de terror que espero poder ejecutar cuanto antes. Como actor acabo de rodar bajo las órdenes de Jesús Ponce la Tvmovie para Canal Sur «Diamantino» y en teatro hemos estado representando hasta hace poco en el off del Lara «¡Es lunes!» de Almudena Ramírez-Pantanella junto a la maravillosa actriz Sara Martín y que con un poquito de suerte podremos volver a representar.

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Josep María Miró: El teatro aún es uno de los mayores agitadores de consciencia que tiene la cultura.

miro¿Cómo surge el proyecto de El principio de Arquímedes?…Háblanos del texto y del montaje…
Para mi la escritura es vocacional y por tanto siempre parte de una necesidad. En el caso de «El principio de Arquímedes», de la necesidad de hablar de una sociedad que se mueve bajo la presión del miedo y de la sospecha y del triángulo entre padres-hijos-educadores. La obra gira alrededor de un beso que da un monitor de natación a un niño que no quiere sacarse la burbuja porqué le da miedo el agua. Me parecía interesante plantear que nos está pasando como sociedad para que ya no tengamos claro cual es el límite entre un gesto de ternura y uno de peligro. Es evidente que tenemos una sociedad cada vez más asustada y que le ha pasado factura en términos afectivos y de relaciones humanas. La pregunta es clara: ¿Preferimos una sociedad en la que aún sea posible un gesto de ternura o activar todos los mecanismos de control? En cualquier caso… ¿Alguna de las dos opciones nos da algún tipo de garantía?.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Diferencio dos aspectos: la escritura como espacio íntimo y los ensayos como trabajo de equipo. El proceso de ensayos es un momento maravilloso en que contrastas ideas con los actores y con el equipo artístico. Es un tiempo de constante debate y contraposición de ideas. El director tiene una mirada general sobre qué quiere contar y de qué manera pero también es un momento en que todo eso se pone en común con los actores, el escenógrafo, las personas responsables del espacio sonoro, iluminación, vestuario… Cuando -como en este caso- dirijo un texto que he escrito, los ensayos es el mejor momento para cerrar definitivamente la escritura. Siempre modificas alguna cosa en función de las necesidades actorales y porqué es el momento en que contrastas la escritura con el sentido teatral. He tenido la suerte de rodearme de un equipo artístico comprometido que siento como una familia. No entiendo el teatro sin rodearme con un equipo humano comprometido con el texto y el hecho teatral. Talento y talante, eso es primordial.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Más que un referente técnico o artístico, «El principio de Arquímedes» nace de un momento vital, de una mirada sobre el mundo. Estaba especialmente preocupado en hablar de las sociedades del miedo, de los nuevos modelos que se nos imponen por ello. Quería escribir una obra que jugara con el espectador y que fuera el espectador quien resolviera, quien se posicionara moralmente. En esta obra el espectador resuelve a partir de su moral. Y supongo que… como en cada obra… Siempre hay algo de todas aquellas personas que admiras o que te gusta su trabajo.

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¿Por qué haces teatro?…
El teatro es uno de los rituales más antiguos que tenemos y que nos permite una cosa única: el aquí y ahora. El encuentro entre el público y una ficción. Lo irrepetible de cada función. Y el teatro nos permite ser un canalizador en tiempo presente de emociones, reflexiones… El teatro aún es uno de los mayores agitadores de consciencia que tiene la cultura.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director-autor de teatro?…
Pienso que el balance más importante que uno debe hacerse es preguntarse si es honesto y está satisfecho con aquello que ha hecho. Y a partir de aquí, intentar seguir trabajando en la línea de pensamiento que crees e intentar mejorar y dar nuevos pasos o proponerte nuevos retos. En este sentido, hay unos años que coinciden en mis inicios en el Institut del Teatre en que hay las primeras probaturas de escritura y que entro en contacto con algunas personas que admiro y respeto y que han sido muy importantes en mi trayectoria como Lluïsa Cunillé, Josep Maria Benet i Jornet o Xavier Albertí. Diría que es sobre 2009 con «La dona que perdía tots els avions» (XXXIV Premio Born de Teatre) que considero que escribo la primera obra de la que me siento satisfecho. «Gang Bang» fue otro momento crucial. Recibió muchas críticas, incluso un ataque en una de las funciones; siempre he dicho que «Gang Bang» y su recepción me dio la libertad definitiva para seguir escribiendo lo que quería, sin concesiones; sin ese texto posiblemente no habría escrito «El principio de Arquímedes» que es una obra que me ha dado múltiples alegrías y proyección internacional; «Fum» y un nuevo texto que acabo de escribir y que estoy corrigiendo son un paso más y creo que ahondan más en las complejidades humanas. Con todo… Sigo sintiendo que escribir es tan apasionante como difícil.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro no ha de tener una única función. El teatro han de ser muchas cosas y con funcionalidad muy distintas. Siempre digo que el teatro es un diálogo entre lo que sucede en el escenario con la platea ya sea haciendo reflexionar, generando debate, provocar una discusión de ideas, entretener, enojar, sorprender… Reconozco que a mi, personalmente, como autor y también como espectador, me gusta el teatro que interroga, que habla del mundo que nos ha tocado vivir, incluso que es capaz de poner al espectador en espacios frágiles y desafiarlo. En todo caso, pienso que en un paisaje teatral sano tiene que haber un amplio abanico teatral y que el teatro público tiene que ser especialmente sensible en promover las nuevas dramatúrgias, lo experimental y la recuperación y reinterpretación del repertorio y de la tradición.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Es una obviedad que la subida del IVA y los recortes al teatro son una estocada a un sector ya de por sí frágil. Estas medidas, evidentemente, nos demuestran que tenemos un gobierno que no le interesa la cultura porqué la cultura es un generador de ideas, de debate, de pensamiento… No se trata tan solo de medidas económicas, si no con una motivación sobre la población. Un buen tejido cultural nos hará mejores ciudadanos, nos ayudará a crecer como personas. Tengo mis dudas más que razonables que este gobierno le interese tener ciudadanos inquietos, con ideas propias. Sus políticas en materia cultural así lo demuestran.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La verdad he estado tan ocupado con varios proyectos y con el estreno en castellano de «El principi de Arquimedes» que poco he visto. Así que tiraré un poco atrás y te citaré tres espectáculos de la pasada temporada: «En tierra de nadie» de Harold Pinter en el Teatro Nacional de Catalunya, con un Lluís Homar que es sin duda uno de los grandes actores de nuestro país; «Proyecto Felisberto» dirigido por Mariana Percovich en Uruguay y que me descubrió la figura y el mundo fascinante del escritor Felisberto Hernández; y en Madrid el Macbeth de José Martret en la Pensión de las pulgas, un espectáculo ambicioso, sobretodo si tenemos en cuenta que se trata del off y que no tiene nada que envidar a grandes producciones.

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¿Proyectos?…
En el Festival Temporada Alta participo en dos proyectos, «Esperança Dinamita», un espectáculo de cuplés versionado por el grupo Le Croupier y en «Llibràlegs», cuatro piezas breves de Pau Miró, Marc Artigau, Jordi Prat i Coll y de un servidor, que dirige Prat i Coll. Actualmente también hay varias producciones en marcha de «El principio de Arquímedes» en otras ciudades del mundo. Se ha estrenado ya en Buenos Aires -ya van por el quinto mes en cartel-, México D.F, San Petersburgo, Puerto Rico y Londres y se estrenaran en los próximos meses en Croacia, Alemania o Grecia, por ejemplo. Como autor he acabado un texto nuevo y tengo un par en marcha. Y me gustaría poderlos levantar. En 2015 dirigiré un «El carrer Franklin», un texto de Lluïsa Cunillé que se estrenará en el Teatre Nacional de Catalunya dentro del Festival Grec 2015.

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