Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Lola López: El teatro ha de ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…

lopez¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Mis inicios en el teatro fueron con mi madre que me recitaba sus monólogos de “Morena Clara” y otros que ella interpretó en su juventud en su aldea natal fronteriza (mitad Almeria, mitad Murcia) y que me despertó el amor por la palabra teatral que enciende y anima…, luego teatro en la adolescencia…
Profesionalmente me forme en la ESAD Valencia, a finales de los 80, eran momentos de ebullición teatral, cuando venían el Odin, Victoria Santacruz, el Roy Hart… y muchos creadores que entonces pasaban a impartir sus enseñanzas por Valencia, luego en Londres en la LAMDA (LONDON ACADEMY OF MUSIC AND DRAMATIC ART), allí colaboré con directores como Laurence Boswell, en la temporada de siglo de Oro Español en el Notting Hill Gate Theatre,…
Si, además de la actuación, realicé trabajos de dirección y autoría. Al regresar a España en 1994, Paco Zarzoso me propuso que dirigiera su obra “Un hombre otro hombre”, que estrenamos en 1995 en lo que entonces era el Espai Moma de Valencia y al mismo tiempo cree la Compañía “Cae la sombra” en Barcelona con L. Lambert y estrenamos “Libración” de LL. Cunillé con dirección de X. Albertí, en la Sala Beckett de Barcelona auspiciadas por J.S. Sinisterra y con la que obtuvimos los premios de la Critica al texto, dirección y actrices…;
otras direcciones mias son: “Ruanda, la caricia de dios” de F Zanni y P. de Vita, “Ilusionistas”, “Hungaros”, “Salón Primavera”, “Maria la Jabalina”…
Como autora, los textos son: “Alamar”, “Isola”, “Ecosmudos”, “María la Jabalina”, “Patos salvajes”.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es un lugar en el que los seres humanos van a escucharse, emocionarse, reírse, llorar, sentir, reflexionar, apasionarse… juntos, escuchándose unos a otros… hasta ahora por el tiempo de una hora o más, aunque en las últimas ‘crisis’ del teatro nos quieren hacer creer que solo podemos escucharnos unos a otros por espacio de unos minutos: microteatro, miniteatro, nanoteatro… a mi en todo lo que me da placer me sigue gustando tomarme tiempo, aunque también me encantan los relatos cortos también…, pero pocas cosas pueden superar “Rey Lear”… y dura muchos minutos…
Hago teatro porque me gusta. Me gusta compartir textos brillantes, emociones, sensaciones, reflexiones, sentimientos…

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Has realizado trabajos fuera de Hongaresa Teatre?…
Balance: afortunada de haber estudiado y trabajado en Londres con grandes creadores, de haber disfrutado con crear y mantener durante 20 años una Compañía, la Hongaresa de teatro con dos de los mejores autores dramáticos contemporáneos, P. Zarzoso, y LL. Cunillé, de trabajar con directores de los mejores, como Xavier Alberti, de haber mantenido una colaboración con salas emblemáticas como la Sala Beckett en Barcelona gracias a J.S. Sinisterra, con La 4ª Pared de Madrid, con las desaparecidas Malic de Barcelona y Canto de la Cabra en Madrid, con actrices / directoras sabias como Irene Papas, con creadoras argentinas como Leandra Rodríguez… es una larga lista compartiendo el oficio con compañeros brillantes…
He hecho trabajos fuera de Hongaresa en teatro: “Troyanas” dirección de Irene Papas y Fura dels Baus, en cine con Giovana Ribes, Rafa Montesinos y Juan Ramón Soriano, en TV. con Santiago Pomarola…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
“Patos salvajes” de los tres fundadores de Hongaresa, “María La Jabalina”, “Salón Primavera” de P. Zarzoso y LL. Cunillé, “Aquel aire infinito” de LLuïsa Cunillé, premio nacional de teatro 2011, “Adeu encara” (“Adios todavía”) de Iaia Cardenas…; De ellos solo puedo decir que me hacen seguir disfrutando del teatro…

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¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Lagrada?…Háblanos de este trabajo…
Fue un encargo que la poeta Paca Aguirre me hizo en 2007 y para el que me dio el titulo “La inútil sabiduría de las mujeres”, y al que yo le hice la contrapropuesta de hablar sobre la sabiduría de una mujer anónima desconocida y que la obra llevaría su nombre: “María La Jabalina”. La estrenamos en 2008 en Albacete en un entorno organizado por la FEUP (Federación Española de las Universidades Populares) y que en 2008 hizo gira por España. En 2013 con una versión revisada la volvimos a estrenar en la Sala Ultramar en Valencia y ahora lleva ya un año en una gira que en Argentina nos ha llevado a 5 provincias Buenos Aires, Córdoba, Jujuy, Tucumán, Catamarca…
Es la historia del asesinato de una joven miliciana anarquista en 1942, 3 años después de acabada la guerra con un juicio sumarísimo falso e ignominioso.

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¿Qué tipo de documentación hiciste para llevarlo a cabo?…
Hablé con Carmen Pérez Lacruz, la hermana pequeña de María de los, que sigue viviendo en Puerto de Sagunto, con compañeros anarquistas vivos amigos de María que me regalaron libros y documentos, con su biógrafo Manuel Girona, con el pintor Jaime Giménez de Haro que ha creado un retablo sobre distintas imágenes de María, con la cineasta Giovana Ribes que junto con Damián Gonçalves presenta los documento históricos audiovisuales, con LLuis Miquel Company que reprodujo programas radiofónicos de la posguerra como “Ustedes son formidables”… y aun sigo recopilando información que me brindan durante las representaciones espectadores que me facilitan nuevos datos…

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los memorizo hasta olvidar que los he memorizado… No tengo método…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Matando al teatro y, lo que es peor, matando al público.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“TERRENAL” de Kartun, en Buenos Aires, escrita y dirigida por él con un elenco de actores maravillosos y la mejor diseñadora de Iluminación, Leandra Rodríguez…, y el resto del equipo todos al servicio de un montaje prodigioso. Y además representado en el primer Teatro Independiente de Buenos Aires, el Teatro del Pueblo abierto en 1930 y que salía a buscar a los espectadores con una campana por la calle, que todavía se toca para iniciar la función. Porque tenía todo lo que el teatro debe tener: precisión, misterio y conciencia al servicio de la emoción del espectador y de los propios interpretes. Un relato en el que el espejo ético se pone ante el mito de Caín y Abel y se revisita, con un dios cansado y aburrido de la eterna lucha fraticida de la humanidad . Un GODOT, bajo el prisma de un inmenso autor teatral.
Aunque también en estos 2 últimos meses en Argentina vi muchos otros maravillosos montajes, autores, directores y actores brillantes: Federico Luppi en “Ojo por ojo” de Strindberg, Osmar Nuñez en “El angel de la culpa” de Marco A. de la Parra con dirección de Dora S., “La mujer del anatomista” de G. F. Chapo con Clara Diaz, actriz sevillana emigrada hace 10 años a Argentina…, acabo de regresar tras 2 meses de gira con 2 producciones de mi Compañía Hongaresa de Teatre: “Adiós todavía”, en coproducción con la Sala El Extranjero y “María la Jabalina” que ha girado por 5 provincias Argentinas así que todos mis referentes inmediatos son de allí.

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¿Cómo es la realidad teatral en la Comunidad Valenciana en estos momentos?…
Destructora de todo el entramado teatral y de todo lo que se había creado desde la llegada de la Democracia. De Compañías, Empresas, Salas, actores, directores, autores, técnicos…

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¿Proyectos?…
La Compañía Hongaresa de Teatro fundada por Paco Zarzoso, Lola López y LLuïsa Cunillé cumple 20 años en 2015 y lo celebramos empezando el año con el estreno de “SERENATA PARA UN PAIS SIN SERENOS” de Paco Zarzoso y LLuïsa Cunillé, con música compuesta por José Alamá y Jesús Chapi y la actuación de los actores Angel Figols y Lola López y la violoncelista Teresa Alama que interviene con su instrumento interpretando 4 personajes como interlocutora de los dos actores. Se pre-estrena en Sagunto el 16 de enero de 2015 y en Barcelona en Teatro LA SECA el 21 de enero donde se mostrará durante dos semanas.
Hay dos proyectos más para celebrar la resistencia de 20 años, pero ya los iremos anunciando cuando se materialicen.

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Josep María Miró: El teatro aún es uno de los mayores agitadores de consciencia que tiene la cultura.

miro¿Cómo surge el proyecto de El principio de Arquímedes?…Háblanos del texto y del montaje…
Para mi la escritura es vocacional y por tanto siempre parte de una necesidad. En el caso de “El principio de Arquímedes”, de la necesidad de hablar de una sociedad que se mueve bajo la presión del miedo y de la sospecha y del triángulo entre padres-hijos-educadores. La obra gira alrededor de un beso que da un monitor de natación a un niño que no quiere sacarse la burbuja porqué le da miedo el agua. Me parecía interesante plantear que nos está pasando como sociedad para que ya no tengamos claro cual es el límite entre un gesto de ternura y uno de peligro. Es evidente que tenemos una sociedad cada vez más asustada y que le ha pasado factura en términos afectivos y de relaciones humanas. La pregunta es clara: ¿Preferimos una sociedad en la que aún sea posible un gesto de ternura o activar todos los mecanismos de control? En cualquier caso… ¿Alguna de las dos opciones nos da algún tipo de garantía?.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Diferencio dos aspectos: la escritura como espacio íntimo y los ensayos como trabajo de equipo. El proceso de ensayos es un momento maravilloso en que contrastas ideas con los actores y con el equipo artístico. Es un tiempo de constante debate y contraposición de ideas. El director tiene una mirada general sobre qué quiere contar y de qué manera pero también es un momento en que todo eso se pone en común con los actores, el escenógrafo, las personas responsables del espacio sonoro, iluminación, vestuario… Cuando -como en este caso- dirijo un texto que he escrito, los ensayos es el mejor momento para cerrar definitivamente la escritura. Siempre modificas alguna cosa en función de las necesidades actorales y porqué es el momento en que contrastas la escritura con el sentido teatral. He tenido la suerte de rodearme de un equipo artístico comprometido que siento como una familia. No entiendo el teatro sin rodearme con un equipo humano comprometido con el texto y el hecho teatral. Talento y talante, eso es primordial.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Más que un referente técnico o artístico, “El principio de Arquímedes” nace de un momento vital, de una mirada sobre el mundo. Estaba especialmente preocupado en hablar de las sociedades del miedo, de los nuevos modelos que se nos imponen por ello. Quería escribir una obra que jugara con el espectador y que fuera el espectador quien resolviera, quien se posicionara moralmente. En esta obra el espectador resuelve a partir de su moral. Y supongo que… como en cada obra… Siempre hay algo de todas aquellas personas que admiras o que te gusta su trabajo.

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¿Por qué haces teatro?…
El teatro es uno de los rituales más antiguos que tenemos y que nos permite una cosa única: el aquí y ahora. El encuentro entre el público y una ficción. Lo irrepetible de cada función. Y el teatro nos permite ser un canalizador en tiempo presente de emociones, reflexiones… El teatro aún es uno de los mayores agitadores de consciencia que tiene la cultura.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director-autor de teatro?…
Pienso que el balance más importante que uno debe hacerse es preguntarse si es honesto y está satisfecho con aquello que ha hecho. Y a partir de aquí, intentar seguir trabajando en la línea de pensamiento que crees e intentar mejorar y dar nuevos pasos o proponerte nuevos retos. En este sentido, hay unos años que coinciden en mis inicios en el Institut del Teatre en que hay las primeras probaturas de escritura y que entro en contacto con algunas personas que admiro y respeto y que han sido muy importantes en mi trayectoria como Lluïsa Cunillé, Josep Maria Benet i Jornet o Xavier Albertí. Diría que es sobre 2009 con “La dona que perdía tots els avions” (XXXIV Premio Born de Teatre) que considero que escribo la primera obra de la que me siento satisfecho. “Gang Bang” fue otro momento crucial. Recibió muchas críticas, incluso un ataque en una de las funciones; siempre he dicho que “Gang Bang” y su recepción me dio la libertad definitiva para seguir escribiendo lo que quería, sin concesiones; sin ese texto posiblemente no habría escrito “El principio de Arquímedes” que es una obra que me ha dado múltiples alegrías y proyección internacional; “Fum” y un nuevo texto que acabo de escribir y que estoy corrigiendo son un paso más y creo que ahondan más en las complejidades humanas. Con todo… Sigo sintiendo que escribir es tan apasionante como difícil.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro no ha de tener una única función. El teatro han de ser muchas cosas y con funcionalidad muy distintas. Siempre digo que el teatro es un diálogo entre lo que sucede en el escenario con la platea ya sea haciendo reflexionar, generando debate, provocar una discusión de ideas, entretener, enojar, sorprender… Reconozco que a mi, personalmente, como autor y también como espectador, me gusta el teatro que interroga, que habla del mundo que nos ha tocado vivir, incluso que es capaz de poner al espectador en espacios frágiles y desafiarlo. En todo caso, pienso que en un paisaje teatral sano tiene que haber un amplio abanico teatral y que el teatro público tiene que ser especialmente sensible en promover las nuevas dramatúrgias, lo experimental y la recuperación y reinterpretación del repertorio y de la tradición.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Es una obviedad que la subida del IVA y los recortes al teatro son una estocada a un sector ya de por sí frágil. Estas medidas, evidentemente, nos demuestran que tenemos un gobierno que no le interesa la cultura porqué la cultura es un generador de ideas, de debate, de pensamiento… No se trata tan solo de medidas económicas, si no con una motivación sobre la población. Un buen tejido cultural nos hará mejores ciudadanos, nos ayudará a crecer como personas. Tengo mis dudas más que razonables que este gobierno le interese tener ciudadanos inquietos, con ideas propias. Sus políticas en materia cultural así lo demuestran.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La verdad he estado tan ocupado con varios proyectos y con el estreno en castellano de “El principi de Arquimedes” que poco he visto. Así que tiraré un poco atrás y te citaré tres espectáculos de la pasada temporada: “En tierra de nadie” de Harold Pinter en el Teatro Nacional de Catalunya, con un Lluís Homar que es sin duda uno de los grandes actores de nuestro país; “Proyecto Felisberto” dirigido por Mariana Percovich en Uruguay y que me descubrió la figura y el mundo fascinante del escritor Felisberto Hernández; y en Madrid el Macbeth de José Martret en la Pensión de las pulgas, un espectáculo ambicioso, sobretodo si tenemos en cuenta que se trata del off y que no tiene nada que envidar a grandes producciones.

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¿Proyectos?…
En el Festival Temporada Alta participo en dos proyectos, “Esperança Dinamita”, un espectáculo de cuplés versionado por el grupo Le Croupier y en “Llibràlegs”, cuatro piezas breves de Pau Miró, Marc Artigau, Jordi Prat i Coll y de un servidor, que dirige Prat i Coll. Actualmente también hay varias producciones en marcha de “El principio de Arquímedes” en otras ciudades del mundo. Se ha estrenado ya en Buenos Aires -ya van por el quinto mes en cartel-, México D.F, San Petersburgo, Puerto Rico y Londres y se estrenaran en los próximos meses en Croacia, Alemania o Grecia, por ejemplo. Como autor he acabado un texto nuevo y tengo un par en marcha. Y me gustaría poderlos levantar. En 2015 dirigiré un “El carrer Franklin”, un texto de Lluïsa Cunillé que se estrenará en el Teatre Nacional de Catalunya dentro del Festival Grec 2015.

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Paco Bezerra nos habla de sus proyectos.

PacoBezerra¿Cómo surge el proyecto AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES?…¿De qué va la obra?…¿Cómo ha sido el viaje dramatúrgico de El Pelícano a tu propuesta textual?…
Luis Luque había pensado montarla, ya tenía los actores y todo, de hecho hasta había hablado con ellos y se lo había propuesto, así que me pidió hacer la versión y yo acepté. Podríamos decir que se trata de un encargo, como la obra anterior que hice con él, La escuela de la desobediencia. La obra va de una madre desnaturalizada que tiene muertos de hambre y de frío a sus hijos desde el día en que nacieron, y esto lo utilizo para hablar de nuestro presente. El viaje dramaúrgico ha partido de los personajes y conflictos del original, pero podría decirse que he reescrito la obra. He metido elementos nuevos y he eliminado a uno de los personajes. También me he inventado alguna escena que otra, la del final, por ejemplo, en la que creo que no hay ni una sola palabra escrita por Strindberg.

¿Hiciste algún tipo de documentación sobre el tema antes de realizar tu texto final?…
Partí de las lecturas del original, vi varias veces el Estudio Uno que interpretó en su día Irene Gutiérrez Caba y Tina Sáinz, y, a partir de lo que todo esto me sugirió, empecé a investigar sobre el hambre y el apetito. Entonces, descubrí una isla en la que nadie jamás había pasado nunca hambre, en el Pacífico Sur, Vanuatu se llama, el lugar con mayor calidad de vida de todo el planeta Tierra. Y eché la imaginación a volar a partir de ahí.

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¿Cómo surge llevarlo a La Casa de la Portera?
Ya estaba en la propuesta de Luis, venía con el encargo, todo en el mismo paquete. Si yo no hubiese hecho la versión, él la hubiese estrenado igualmente en La casa de la portera.

Eres un autor premiado…¿Sirven los premios para que tus textos se visibilicen?…
Sí, pero para que se visibilicen los textos que no han sido premiados. Curiosamente, los textos que han ganado premios importantes no se han hecho, esos no se representan, se representan otros que me encargan, pero las obras que han ganado más premios aún no se han hecho.

¿Opinas como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No, si yo pensara así ahora no tendría más que tres textos publicados, y dos de ellos versiones o dramaturgias de otras obras que no son mías, originales, entonces, habría publicado sólo Grooming. Además, si no se publican antes de estrenarse… ¿cómo llega el texto a manos de un director de escena? ¿Cómo puede montar alguien un texto si no está publicado? ¿O cuántas obras hubiésemos leído de Don Ramón del Valle-Inclán? Imagino que habrá dramaturgos que tengan contactos y que conzcan a productores y directores de teatros, pero si no conoces a nadie publicar es la única manera de que tu trabajo tenga cierta difusión. No, qué barbaridad, yo no pienso así, yo soy dramaturgo, escribo para la Literatura Dramática, no para la escena. Si mis obras se hacen, fenomenal, pero si no se hacen yo las voy a seguir escribiendo igualmente. ¿Por qué no iba a poder tener la gente acceso a leerlas?

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor?…
El balance ha sido positivo. He estrenado tres obras en el último año y medio, así que no me puedo quejar.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La de siempre: la de plantearle preguntas al lector/espectador, no ofrecerle respuestas, la de hacerle dudar de lo que piensa, la de cuestionarle y ponerle en un dilema moral ante una situación determinada… Viene siendo así desde antes de que naciera Jesucristo. El teatro ha cambiado mucho, pero sólo en su forma, en el fondo, el teatro sigue siendo muy parecido al de hace más de dos mil años.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
El paisaje desértico de Almería, mi padre y mi madre, mi abuela, mi hermana, mi tía, mis vecinas y todo lo que sale por boca de estas personas que acabo de enumerar. Un pozo sin fondo.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
¿Y no está afectando ya?

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Vi Alma de Dios, de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, con Cristina Marcos, Tomás Pozzi y Manuela Velasco, dirigida por Jesús Castejón, en el Teatro de la Zarzuela. Una maravilla. Me encantó. De hecho, creo que voy a escribir una Zarzuela, que es algo que los dramaturgos españoles no deberían haber dejado de hacer. La Zarzuela es lo más.

¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues muy bien, mejor que nunca, la veo tal que así: Alfredo Sanzol, Manuel Calzada Pérez, Sergi Belbel, María Velasco, Lluisa Cunillé, José Manuel Mora, Guillem Clua, Angélica Liddell, Carlos Be, Josep María Miró, Miguel del Arco, Juan Mayorga, Guillermo Heras, Jordi Galcerán, Luis García-Araus, Pau Miró, José Ramón Fernández, Marta Buchaca, Alberto Conejero, Lucía Vilanova, Antonio Rojano, Eva Hibernia, Gracia Morales, Zo Brinviyer, José Cruz, Jordi Casanovas, Juan Carlos Rubio, David Desola, Laila Ripoll… y se me olvidarán por lo menos ciento cincuenta más.

¿Proyectos?…
Me acaba de conceder el INAEM una beca para el Desarrollo de las Dramaturgias Actuales, creo que se llama, así que es la primera vez que me ayudan económicamente antes de escribir una obra y eso me alegra porque creo que han empezado a confiar en mí. Voy a escribir una obra que se llama El rescate del dragón.

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Gracia Morales nos habla sobre su labor de dramaturga

GraciaMoralesEl próximo lunes 10 de diciembre, a las 19 horas se realizará una lectura dramatizada de un texto de Gracia Morales: De aventuras, en la S.G.A.E.
¿Cómo surge el proyecto De aventuras?…¿De qué va la obra?…
La idea de De aventuras surge, en realidad, jugando con mis sobrinos y con los hijos de mis amigos; con ellos, re-descubrí la fascinación de los niños por los dibujos, así como su entusiasmo por (y su necesidad de) inventar y “vivir” fantásticas aventuras.
De aventuras aborda el tema de la libertad y la superación personal. Nos habla de que, sobre todo en los momentos más duros, habría que entender la vida como una aventura; asimismo trata de cómo la imaginación nos permite ser más libres y más felices también.

¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
En este caso no necesité realizar un proceso de documentación muy largo, quizá por tratarse de una temática cercana a mi propia vivencia. En De aventuras Mario es un dibujante que tiene una importante enfermedad en los huesos; tuve que documentarme sobre este tipo de dolencias, pero yo, a mi alrededor, en mis padres, sobre todo, veo cada día esa lucha por seguir estando vital y alegre, a pesar de la enfermedad y de la conciencia de cómo el cuerpo va fallando a medida que uno se hace mayor. Por tanto, me basé mucho en esa experiencia próxima.
Y otro de los elementos que alimenta esta historia es el mundo de los cuentos infantiles: desde que tengo conciencia de mí misma, me veo leyendo libros, libros infantiles al comienzo, claro; aún hoy me gusta mucho compartir este tipo de literatura con los niños que me rodean, así que se trata de un lenguaje y de un tipo de historias que forman parte de mi imaginario.

Este texto ha sido premiado por la S.G.A.E…¿Ayudan los premios para la visibilidad de un texto?…
Sí, sin duda. Para mí, por ejemplo, es importante que el texto se publique. Valoro mucho eso. Ahora bien, tener un premio no quiere decir que luego sea sencillísimo llevar la obra a escena y distribuir el montaje… Incluso con un premio dando cierto prestigio al texto, montar hoy teatro contemporáneo resulta un reto importante para una compañía. Los programadores no siempre apuestan por este tipo de propuestas… Al menos esa es mi experiencia hasta ahora: el premio da visibilidad, pero visibilidad no siempre quiere decir apoyo real y concreto.

¿Tienes información de cómo se va a realizar la lectura dramatizada del próximo lunes 10 en la S.G.A.E.?…
Sé que la va a llevar a cabo la compañía Factoría Teatro, que tiene una importante experiencia en teatro para público infantil. Pero poco más. Así que asistiré a la lectura del lunes con una mirada bastante virgen.

¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado…?
No sé… A ver, por una parte sería lo ideal: durante el proceso de ensayos de un texto se pueden detectar elementos que no funcionan del todo bien, detalles que pueden mejorarse, etc. Eso es cierto. Pero, por otra parte, lamentablemente no suele ser fácil para el autor ver el texto en escena antes de publicarlo. Porque si uno espera a que esto ocurra… pues puede haber textos que no publicará jamás. Yo soy una amante de todos los géneros literarios y del libro como forma de comunicación. Y me parece que es importante que las obras dramáticas se publiquen, aun siendo consciente de que donde un texto teatral alcanza su mayor potencia y efectividad es en la puesta en escena. Ahora bien, ¿quiere eso decir que no merezca la pena publicar y leer teatro? No; desde mi punto de vista son formas de recepción diferentes, pero ambas legítimas. Yo nunca he visto montado Días felices de Beckett, por ejemplo, sin embargo, ¡cuánto he disfrutado y cuánto he aprendido leyendo a Winnie! Así que agradezco que dicho libro esté publicado y traducido y accesible.Remiendo1

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autora en teatro?…
Bueno, pues que sigo buscando. Que me sigo proponiendo cada texto como un nuevo reto. No dejo de sentir un cierto vértigo al afrontar los primeros pasos de un proyecto. Ahora mismo tengo la acuciante necesidad de hablar de lo que está pasando en nuestra sociedad, de todo lo que está trayendo consigo la llamada “crisis”… Pero resulta tremendamente complicado encontrar el lenguaje, el tono y la forma adecuada para hablar de un tema tan cercano y tan urgente. Ese es el reto: no caer en la protesta fácil, en el análisis superficial…

Impartes cursos on line…¿Cómo enfocas esos talleres?¿Se puede aprender a escribir teatro?…
Yo creo que los talleres ayudan a escribir teatro, sí, sobre todo cuando se está empezando, porque la experiencia del docente te abre puertas, te ayuda a detectar errores, te sirve como acicate y estímulo. Los talleres que imparto, tanto los presenciales como los que se desarrollan a distancia, suelen ser de iniciación. Pretenden dejar muy claros algunos conceptos fundamentales de teoría sobre los textos dramáticos, incentivar al alumno a que se ponga realmente a escribir y, finalmente, despertar una mirada autocrítica sobre lo creado. No es fácil en cursos de veinte o treinta horas alcanzar todo esto, lo sé. Pero un taller es el primer paso de un largo camino que el alumno, si está realmente motivado, puede y debe seguir haciendo solo. Hay que darle herramientas para que pueda seguir buscando por sí mismo cuando le sueltes de la mano. La verdad es que siempre quedo satisfecha con el proceso que los estudiantes viven durante mis cursos y ellos también acaban con la sensación de que la experiencia les ha resultado enriquecedora.

También trabajas como actriz y ayudante de dirección…¿Te sirven estas experiencias a la hora de escribir teatro?…
Por supuesto. La experiencia como actriz me permite tener un acercamiento más personal e íntimo al personaje: me ayuda a “ponerme en su piel” mientras escribo. Como ayudante de dirección he aprendido mucho sobre los mecanismos de la puesta en escena, sobre cómo, a partir de un texto, se construye y se pone en pie un mundo coherente y concreto en el escenario. Me parece fascinante. Esto, sin duda, me ha permitido tener una mirada más rica, menos “ingenua”, a la hora de escribir.Remiendo2

Habitualmente trabajas en Granada…¿Se escribe y trabaja más tranquilamente alejada de los focos teatrales de Madrid y Barcelona?…
Lo cierto es que no lo sé. Nunca he estado bajo “los focos teatrales” de una gran ciudad, así que no llego a saber muy bien cómo me hubiera influido vivir en Barcelona o en Madrid… Intuyo que este situarse un poco en la periferia tiene convenientes e inconvenientes: quizá me deja más libre, más consciente de estar haciendo mi propio camino, al ritmo que yo misma me impongo; pero, por otra parte, también sé que tengo más difícil el acceso a determinadas posibilidades desde aquí. Por ejemplo, no tengo la oportunidad de asistir, como público, a todo el teatro que sí que puede ver un espectador madrileño o barcelonés… Y probablemente mi propia escritura sería más visible trabajando en una de estas ciudades. Quizá. No estoy del todo segura.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro puede y ha de tener múltiples funciones para la sociedad: desde el teatro de puro entretenimiento hasta el más crítico y arriesgado, todas las formas me parecen legítimas. Ahora bien, se tiene que ser honesto con cuál es la real pretensión del teatro que uno propone y no hacer pasar por “artístico” y “comprometido” lo que no deja de ser facilón y condescendiente….
Si me preguntas cuál es la función que querría que mi teatro tuviera en la sociedad (o qué es lo que yo, como espectadora, busco) sin duda te digo que me gustaría conseguir que el público piense más lúcida y libremente. Que se haga preguntas, que se mantenga in-quieto mientras asiste a la función y que cuando salga del teatro algo de lo que ha visto ahí dentro le siga bullendo por dentro. No es fácil conseguirlo, claro… pero esa sería mi ambición.Gracia-1

¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
Normalmente, el germen que me impulsa para abordar un nuevo texto me viene en dos fases: por una parte, suele haber una temática o un suceso o una circunstancia personal o social que me indigna, que me inquieta, que me duele, algo sobre lo que sé que me gustaría hablar; esta motivación, que suele ser un tanto etérea y abstracta, de pronto, en un momento de “lucidez”, se materializa en una idea concreta: una imagen escénica, un fragmento de un diálogo…, y ese es ya el acicate para empezar a investigar, a buscar, y finalmente, a escribir.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
No es que “afectará”, es que YA está afectando. Y mucho sí. No quiero ser catastrofista: confío en que siga habiendo un público que continúe queriendo ver teatro crítico y que esté dispuesto a (y pueda permitirse) afrontar la subida del precio de una entrada, sabiendo el momento por el que se está pasando. Ahora bien, no nos lo están poniendo nada fácil. Sobre todo a los productores de teatro que queremos seguir haciendo un trabajo que no sea de mero entretenimiento… Me parece que las compañías de teatro tendremos que seguir inventado fórmulas que nos permitan sobrevivir (¿hemos dejado de hacerlo alguna vez?); habrá, como siempre, que agudizar el ingenio, que buscar espacios de exhibición alternativos, etc… Pero ciertamente vamos a vivir un retroceso en lo conseguido en este país a nivel cultural. Un retroceso importante.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Bueno, lo cierto es que tengo un bebé de algo más de un año… y en estos últimos trece meses he tenido pocas oportunidades de ir al teatro. Creo que lo último que he visto ha sido Teatro para pájaros, montaje de la compañía granadina Histrión, escrito y dirigido por Daniel Veronese. Me pareció un espectáculo muy interesante, sobre todo por el ritmo, por la tensión conseguida, por la labor con los actores: ya es el segundo trabajo de Veronese con la gente de Histrión y se nota cómo han ido asimilando esa forma tan ágil, dinámica y llena de resonancias y subtextos del teatro que se está haciendo ahora en Argentina.

¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Pues veo mucha variedad de voces. Con algunas me identifico más que con otras, pero agradezco esta diversidad. Además, ahora mismo conviven, en la escena española, autores de distintas generaciones y eso también me resulta enriquecedor. Desde mediados de los ochenta y durante los noventa, se dio un impulso muy importante a la joven dramaturgia, y fruto de ello han surgido figuras tan prestigiosas a nivel nacional e internacional como Juan Mayorga o Lluisa Cunillé; no obstante, me parece que en la última década se ha ido produciendo un ligero decaimiento en este apoyo a la creación dramatúrgica. Por lo menos estoy segura de que esto ha ocurrido en Andalucía. Cuando Emilio Hernández comenzó a dirigir el CAT se gestaron muchas iniciativas que favorecieron el surgimiento de un grupo de autores, entre los que yo misma me encuentro (talleres, encuentros, premios, lecturas dramatizadas…). Pero luego este tipo de proyectos fueron desapareciendo y hoy hay mucho menos apoyo para que los jóvenes se decidan a escribir el teatro.Deaventuras

¿Proyectos?…
Tengo dos proyectos de escritura abiertos.
Por un lado, estoy queriendo abordar una obra que se titulará “Mal olor”. Se trata de una visión bastante metafórica de la situación actual, con este sistema social nuestro derrumbándose por momentos y con el poder “pidiéndonos” que hagamos “sacrificios” para mantenerlo a flote… Se trata de una propuesta dramática que entronca bastante con las estrategias del llamado “teatro del absurdo” (uso este término, aunque no me gusta nada): sensación de encierro, estatismo y circularidad, personajes sin casi antecedentes, presencia del silencio y el subtexto… Es una idea cuyo desarrollo me está produciendo bastantes dolores de cabeza, pero que, a su vez, también me entusiasma.
El otro proyecto es escribir en colaboración con Juan Alberto Salvatierra una serie de capítulos para una webserie, producida aquí en Granada, que se empezaría a emitir en 2013. También sobre el tema de la crisis, pero desde otra perspectiva más plural, más multiforme. ¡Todo un reto!