Mis cosas preferidas en La pensión de las pulgas
Una actriz y cuatro personajes. Una buena excusa para demostrar la capacidad de interpretación del actor, de Valeria Giorcelli. Prueba superada: la actriz es camaleónica y perfecta para encarnar a su personaje y el de todas sus amigas.
Brenda recibe en su casa a sus amigas, unas amigas muy especiales, sus mejores amigas, para hablar de su vida después de un largo tiempo y revisar sus cosas preferidas, tal y como proponía la famosa canción de «Sonrisas y Lágrimas». Brenda no tiene la cabeza muy en su sitio, pero aún así sabe que no hay que saltarse las exquisitas reglas del protocolo del té, de la recepción y acogida del invitado y del planteamiento de esta reunión social informal, pero regida por todas esas normas protocolarias, esas reglas del juego entre las que se van intuyendo unos lazos eléctricos que se van tensando entre invitado e invitado y norma y norma. Es una cita casi a ciegas, una cita imaginada en la que la protagonista va entretejiendo las redes de sus relaciones y desmadejando toda una visión de su vida con desenlace inesperado… ya que muchas veces el protocolo es una mera capa de barniz para cubrir las relaciones tóxicas.
La propuesta es todo un caramelo para la actriz y para el público que forra las paredes del refinado saloncito de Brenda en La pensión de las pulgas y tenemos la oportunidad de verla de nuevo durante este mes.
Luis Mª García Grande
«Books» en La pensión de las pulgas
Seguro que alguna vez habrán experimentado la sensación de que todo fluye a su alrededor, de que sólo existe el instante en el que se encuentran, absortos por la actividad que están realizando y su concentración es máxima. Es un estado en el que se siente que su físico y su mente están en perfecta unión. Ese estado, en el que somos capaces de realizar casi cualquier cosa se llama “estado de flujo” o “estado de flow”. Por esta razón se le llama flow o fluír, porque no tienes conciencia de ti mismo, tan sólo existe la tarea que está realizando, no importa nada más, ni preocupaciones externas, ni cansancio, ni dolor… toda tu pericia se pone al servicio de la acción y das lo mejor de ti mismo por lo que al acabar sientes una inmensa satisfacción interior. Este estado es muy nombrado entre los deportistas sobre todo, cuando están en ese momento de concentración que les permite superar todos los records pero también podemos asimilarlo al estado en el que entramos cuando nos sumergimos en «Books».
Una concentración máxima no solo de la mano que ejecuta la acción a través de los objetos y libros de artista sino también de los pocos privilegiados que pueden observarlo en la sala de espejos de «La Pensión de las Pulgas». La mente se concentra en la pequeña Alice, que sale de su libro para juguetear en otras historias, para llevar su locura y ver lo que nadie ve en esos antiguos libros modificados por la mano del artista. Entrar en «Books» puede ser toda una experiencia, otra más de las muchas que ha producido la obra de Lewis Carrol, que hasta ha llegado a inspirar canciones de rock psicodélico como «White Rabbit», eso sí, a través de un LSD de aquella época… pero lo importante no es cómo se llega a ese mundo mágico en el que nuestra imaginación está en el estado único, lo importante es llegar y experimentarlo y eso lo pueden hacer tomándose un trippie o… viendo «Books»
Estará todos los sábados de abril en La Pensión de las Pulgas.
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“Books” es una propuesta de Teatro de objetos para disfrutar en la intimidad. “Books” es una experiencia sensorial que estimula la lectura y la imaginación. “Books” es un viaje de la mano de Alice que se ha escapado de su propio libro para, en vez de atravesar el espejo, abrir otros libros y viajar a través de sus historias e imágenes. “Books” hará descubrir a Alice y a los que asistan a esta singular idea, mundos sorprendentes que se verán reflejados en el imaginario propio.
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Luis Mª García Grande
En el desván de Café Müller
No quiero dejarme llevar por la emoción que me embarga saber que en unos meses se cerrarán las puertas de La pensión de las pulgas como ocurrió con La casa de la portera…no, como en ese momento ocurrió, todos sentimos que allí habíamos vivido unos momentos inolvidables y que cuando una puerta se cierra, otra se abre; estoy seguro que los responsables de estos espacios nos depararán nuevas y hermosas aventuras. De momento, quiero seguir disfrutando de las múltiples y diferentes propuestas con las que van a deleitarnos en estos meses. ¿Estaba todo visto en La pensión de las pulgas?, no…Todavía podían sorprendernos nuevamente, en esta ocasión, con una pieza de danza producida ni más ni menos que por la Compañía Nacional de Danza cuyo responsable, José Carlos Martínez ha tenido la brillante idea de dar espacio de creación a Agnès López y Elisabet Biosca para que llenen las habitaciones de La Pensión con aroma Home. De manera delicada, los personajes que aparecen entre visillos o de debajo de los muebles, nos llevan de un lugar a otro para suspendernos en esa atmósfera que nos recuerda a los personajes perdidos en tiempo y lugar en las piezas de la genial Pina Bausch. Es una propuesta diferente, en la que el público respira el latido de la piel de los bailarines a un centímetro de su mirada. Todo el mes de abril será una fiesta para bailar con los ojos en este particular teatro. Y este fin de semana hemos podido asistir a un evento performático de la mano de la Compañía Nitroglicerina Theatre…en Awakening se nos sumergió en un mundo de seres sin identidad a los que había que reprogramar para que recuperasen la capacidad sensorial.
Adolfo Simón
Carles Harillo Magnet: Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas.
¿Cómo surge Los Buitres? Hablanos del proyecto…
Escribí el texto cuando tenía 23 o 24 años en Barcelona (y originariamente en catalán) después de un empacho de lecturas de Strindberg y de Baudelaire (entre otros), autores que plantean situaciones e imágenes desde una cierta decadencia de las relaciones y de la visión del mundo. En ese momento, con todo por hacer, plantee un mundo (el mundo de ahí fuera) desde la incertidumbre y desde el desconocimiento. El texto escrito ha dormido en un cajón desde entonces. En medio terminé mis estudios de interpretación, estudié cine y entre otras cosas, me trasladé a Madrid. Una vez aquí, fue al descubrir espacios como La Casa de la Portera o La Pensión de las Pulgas que el texto dormido en el cajón (junto a otros) empezó a gritarme. Lo revisé, hice la traducción y de pronto me encontré que el texto escrito desde la incertidumbre se había transformado en una certeza. Ponía encima de la mesa unas situaciones en las que me siento extrañamente cómodo y descubrí que la fuerza de Los Buitres ahora reside en ese viaje desde la incertidumbre ante «el mundo de ahí fuera” a una certidumbre. Y desde la fuerza que te da el querer compartir tu punto de vista y arropado por un equipo estupendo, fue el momento de levantar la función. Después de todo, haber sido el último estreno en la ya mítica Casa de la Portera, es uno de esos regalos que te estimulan para seguir adelante. Y seguir en La Pensión de las Pulgas desde septiembre, un lujo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportasen ideas el resto del equipo en la puesta en escena? ¿Como ha sido el trabajo con ellos?…
Yo suelo trabajar desde un espacio muy colaborativo. Tener estudios de arte dramático me ayuda para empatizar con los procesos que viven los actores y me gusta ser exigente pero desde un terreno en el que mis actores sientan que ellos están contando la historia en sus parcelas particulares al mismo tiempo que mi labor es contarla en el global. También ayuda trabajar con Actores (en mayúsculas) como Mario Zorrilla que es un actor con la capacidad de hacer Vivir (también en mayúsculas) en cada función su personaje, Carmen Mayordomo, una de las actrices más nítidas, implicadas, juguetonas y generosas con las que he tenido el placer de trabajar (y con la que espero seguir trabajando en el futuro), Xabier Murua, actor de raza que ha hecho suya la premisa de “vivir una experiencia en cada función” con una fuerza, un control y una meticulosidad que facilita muchísimo el trabajo de dirección y Josi Cortés, con un personaje contrapunto, dotado de tal presencia y sensibilidad que se hace imprescindible para entender la función.
Haber estudiado cine y tener experiencia en el ámbito audiovisual, también te permite entender que cualquier colaborador en un proceso creativo es tan importante como el trabajo que tú puedas hacer o el trabajo de los actores. En esta ocasión, Los Buitres no serían los que son sin el apoyo de Zoilo Carrillo (mi ayudante de dirección que se ha ido a hacer las Américas), Gabriel Sánchez (el jefe de producción del proyecto y mi socio en Ojos de Sapo junto a Josi Cortés), Manuel De (producción ejecutiva y técnico de luces), el estupendo espacio sonoro de BobyLauren, la ya imprescindible directora de casting Mariam Grande – La Lunares y el vestuario y la dirección artística del gran Pier Paolo Álvaro con la colaboración de Roger Portal. Todos ellos han puesto su granito de arena para que no solamente hayamos levantado esta función sino que de pronto me haya visto rodeado de un grupo humano que han entendido a la perfección mis premisas (que no siempre son fáciles) y han podido dar lo mejor de sí cada uno en su terreno.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
A parte del empacho de Strindberg a la hora de escribir el texto, la verdad es que no me miro tanto en la obra de los otros sino en las impresiones que me han dejado las cosas que me apasionan de las obras de los otros. Es decir, obviamente hay referentes que me persiguen pero no como referentes directos. Procuro ser muy libre y dejarme llevar por lo que me pide el proyecto a medida que lo desarrollas (siguiendo unas premisas básicas) y supongo que las cosas que me han dejado huella por el camino, marcan el pulso de mi resultado final junto a las aportaciones de los colaboradores y los actores.
¿Por qué haces teatro?…
He nacido con la necesidad de expresarme. De mirar mi entorno siempre con ojos del que no sabe nada y de sacar conclusiones. Hacer teatro para mi tiene algo de ritual íntimo, de exponer a flor de piel impresiones de lo que pienso de las cosas. Al contrario de lo que sucede con lo audiovisual dónde debes tener una visión global objetiva sobre un trabajo previo subjetivo, el teatro sucede aquí y ahora. Es un acto vivo de relación directa entre lo que tú estás contado y el público. Es un acto que me sigue resultando fascinante. En Los Buitres, cuando alguien se me acerca y me dice que se ha sentido reconocido en esto o en aquello y que le ha hecho reflexionar, me doy cuenta que hago teatro para eso.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor de teatro? Hablar de los más recientes.
Mi última experiencia en la dirección de teatro fue el estupendo texto “Smartphones (una farsa de bolsillo)” de Emilio Williams, con dos temporadas en el Teatro Lara. Fue una experiencia muy interesante el tener que asumir la dirección de un texto que reformula el Teatro del Absurdo (un genero que me apasiona) situándolo en el mundo contemporáneo. Fue una experiencia muy enriquecedora de la que aprendí mucho. También participé con un texto mío en “Tres segundos” de Jesús Ortega dónde compartí cartel con autores a los que admiro.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Para mi, hablar del teatro (como representación cultural) es hablar de la identidad de un país. Cualquier creador es alguien que aquí y ahora dice lo que piensa/siente/entiende de la sociedad que lo rodea. En el momento en que el poder niega esas voces (algo, por otro lado, imposible) va más allá de un iva o de unas trabas administrativas, lo que está haciendo es callar las voces de las personas que utilizan el arte como altavoz. En ese sentido, me parece que el poder peca de iluso al poner el foco en otras prioridades ya que el teatro, les guste o no, va a seguir sirviendo para decir lo que tengan que decir sus ciudadanos. Y que esas voces enriquecen el tejido de la identidad de los países. Y creo que es de países inteligentes crear industrias firmes de todo lo relacionado con la cultura. Con eso queda todo dicho.
¿Como crees que está afectando la subida del iva y los recortes al teatro?…
Creo que a estas alturas no se puede decir nada que no se haya dicho ya. He trabajado en productoras y en una distribuidora y puedo asegurar que, a parte de la huída del público de las salas por el incremento del precio de las entradas, hay una asfixia a TODAS las profesiones relacionadas con la cultura que dice muy poco de las intenciones de los señores y señoras que nos gobiernan. Pero eso también se ha dicho ya muchas veces. Lo único que nos queda es esperar un poco a ver si definitivamente se ponen de acuerdo y alguien valora la cultura por lo que es: un bien común.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
La última obra de teatro que he visto fue el estreno en el Off del Lara de Si los ángeles disparan basada en Garrulos de Jorge Moreno bajo la dirección de Ivan Ugalde. Me pareció un texto fantástico muy bien defendido por los actores, con una puesta en escena muy evocadora y un gran trabajo por parte de Ivan Ugalde a la hora de generar la atmósfera apropiada para esos personajes tan oscuros y contundentes. Y por supuesto es remarcable el trabajo de Manuel De en las luces y de Pier Paolo Álvaro en el vestuario y en la escenografía.
¿Proyectos?
Bajo el sello de OJOS DE SAPO (junto a mis socios Josi Cortés y Gabriel Sánchez) estamos trabajando ya en una pieza de microteatro llamada TIRITAS que se estrena el 24 de Febrero en La Escalera de Jacob (una pieza-juego teatral muy divertido), estamos en plena creación de un espectáculo con música en directo del que no puedo hablar todavía mucho, hemos hecho ya algunas lecturas de un nuevo texto que vamos a intentar levantar este año y estamos buscando financiación para un cortometraje. Paralelamente, ya estamos trabajando en la gira de LOS BUITRES que arranca el 12 de Marzo en el Centro Niemeyer de Avilés. Proyectos no nos faltan, ¡lo que nos falta es que bajen el IVA!
Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.
¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.
¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.
¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.
Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.
¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.
¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.
¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.
David González: Que el porno pague menos IVA que el teatro es paranormal.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé haciendo teatro en la asociación de vecinos de mi barrio, Villa Rosa (Hortaleza) y en el grupo de teatro de mi instituto, el Conde de Orgaz.
¿Qué es el teatro para ti?…
Una de las cosas más importantes de mi vida.
¿Por qué haces teatro?…Porque lo amo, estoy enamorado del teatro.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Muy positivo. Me gusta mucho mi profesión y que después de tanto tiempo, gente muy diferente, quiera seguir contando conmigo para sus proyectos, es mi mejor recompensa.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que su función de hoy y de siempre ha sido y es, lúdica, social y pedagógica.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
La vuelta de «Iván-off» junto con la despedida y cierre de La casa de la portera, que tantas cosas buenas nos ha dado a tanta gente, gracias a José Martret y Alberto Puraenvidia. Y un par de espectáculos de bebés que forman parte de un proyecto personal mío.
¿Cómo surgió tu participación en Añicos…?
Pues gracias a Pablo Martínez Bravo, el director, que desde el principio pensó en mí para este proyecto….
Háblanos de este trabajo… Ha sido un trabajo intenso, apasionante, complejo, como trabajar en cualquier obra de Carlos Be, siempre es un reto… y eso me pone. Con unos compañeros maravillosos, Raquel Pérez, Carlos López y Sara Moraleda. Lo hicimos para el Frinje 2015 y que tenga continuidad en La pensión de las pulgas es estupendo.
¿Cómo creas tus personajes?…
Con trabajo y mucho amor…
¿Tienes un método?…
Supongo que todos los actores lo tenemos, cada uno el suyo, que se hace a lo largo de tu vida, con tus estudios, tus experiencias y en mi caso además, con mi querida Raquel Pérez, a la que siempre le consulto cosas, una de las actrices y coach a la que más admiro.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
De una manera terrible, sin sentido. Y lo más triste, destruyendo puestos de trabajo y creando subempleos… No entiendo que un país no cuide su cultura, el teatro es un bien de todos. Que el porno pague menos IVA que el teatro es paranormal.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?…
«Fluxus» de Jesús Amate
¿Por qué? por su estupendo texto, su humor absurdo, surrealista e inteligente… ah! y su maravillosa reflexión sobre el plano de metro.
¿Proyectos?…
Pues tengo varios, pero son proyectos, y ya sabemos que en esta profesión hasta que no se materialicen es mejor no contarlos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Pues tratar de no perder nunca el sentido del humor, las ganas de contar cosas, la ilusión por llegar a los demás… Todos somos únicos y especiales, y tenemos algo que nos diferencia de los demás sólo hay que saberlo o encontrarlo… y trabajar, creer en uno mismo, trabajar, mucho amor, trabajar, pasión y trabajar…
La brújula teatral de Madrid
Hace más de treinta años, cuando llegué a Madrid, conocí esta ciudad asociando las calles y los lugares a los teatros que iba descubriendo… Cada vez que me tenía que mover u orientarme para ir a algún sitio, me decía…»Esto está cerca o al lado de tal teatro». Así fui activando la brújula que me ha permitido orientarme en esta caótica ciudad que tan difícil es para situarse en ella y saber dónde está el norte y el sur. En aquellos tiempos, la cuadricula por la que dividía la piel de la capital del Reino era grande, ya que, por entonces solo había unos cuantos teatros comerciales y alguno con aspiración a centro nacional. Hace veinticinco años surgieron las salas alternativas y tuve que re sintonizar la brújula para incorporar esos espacios diferentes…Y hace tres años, apareció La casa de la portera y la brújula enloqueció porque a su sombra surgieron un montón de teatros diferentes, ahora, casi tengo una referencia teatral en cada esquina…Hoy he de modificar el código de búsqueda porque desaparece La casa de la portera; hay que seguir transformando el paisaje y tal vez han de desaparecer cosas para que otras aparezcan. Pero, para los que hemos estado en ese lugar muchas veces, dentro y fuera de sus salas verde y roja…No olvidaremos la inagotable creatividad que por allí ha desfilado, la gran cantidad de profesionales que hemos tenido la suerte de contar allí alguna historia y hacer historia de las fábulas que se inventaron entre sus paredes. La casa de la portera quedará como referente de un tiempo en crisis donde los artistas no aceptaron las restricciones ni los límites y allí encontraron la complicidad, el buen trato y disponibilidad de sus anfitriones: José Martret y Alberto Puraenvidia, apoyados por su equipo. En algún momento se hará recopilación de lo que allí ocurrió y se comprobará que se han descubierto y apoyado, en este tiempo, más autores, directores y actores que en otros estamentos cuyo cometido debería ser ese, sin La casa de la portera, tal vez no habrían tenido un lugar donde mostrar su trabajo. Hoy se cierra La casa de la portera pero cada vez que suba por la calle Embajadores hacia Cascorro no podré dejar de mirar hacia la derecha y pensar…»Ahí estaba»… y si he de ir a algún sitio por la zona, pensaré…»Esta cerca de La casa de la portera». Con el tiempo, habrá una placa en la fachada que dirá… «Aquí se creó La casa de la portera, otra forma de hacer teatro». Por suerte, nos queda su hermana mayor: La pensión de las pulgas, pero claro, ya se sabe, la madre siempre es la madre. Larga vida a La casa de la portera y a todos los bellos fantasmas que quedarán alojados entre sus paredes para siempre!!!.
Adolfo Simón
José Luis Sixto: Una sociedad madura es aquella que sabe entender el teatro como un instrumento de discusión a través del cual enfrentarse a su realidad.
¿Cómo surge el proyecto de “Excítame”?…
Hace algo más de dos años Alejandro de los Santos se reunió conmigo en una cafetería de Madrid y me dijo que estaba pensando en producir una obra y que quería que yo la dirigiese. Llevábamos tiempo queriendo trabajar juntos, pues sentíamos mucha afinidad, pero hasta el momento no había surgido la oportunidad. Mientras tomábamos algo me contó que durante el viaje que realizó a Londres con motivo de las pruebas de vestuario para “El rey león” había visto un musical de pequeño formato que le había encantado, “Thrill me”, que se había puesto en contacto con el autor, Stephen Dolginoff, y que tenía los derechos para producir la versión en castellano y estrenarlo en España. Me contó la trama de la función y enseguida vimos las posibilidades dramáticas y artísticas que ofrecía poder realizar una puesta en escena completamente original partiendo de cero, de nuestra propia creatividad. Simplemente viendo la ilusión, emoción y seguridad que transmitía Alejandro, no dudé ni un instante en decirle que podía contar conmigo.
Háblanos del montaje…
90 minutos de tensión ininterrumpida, diálogos inteligentes, canciones que narran una terrible historia sin florituras, una atmósfera opresiva de luces y sombras, y la actuación de dos grandes actores y un pianista de excepción (Aitor Arozamena). Esas son las bases de nuestro “Excítame”, un thriller musical nada habitual en nuestra escena. Partiendo de la premisa de que menos es siempre más, nuestro montaje tiene el sabor del mejor “teatro off” internacional, espacios y propuestas donde los actores se pueden poner a prueba e investigar sin el temor ni los condicionantes de las producciones comerciales. Alejandro de los Santos, como productor, ha reunido a un gran equipo de profesionales de primera línea (Pedro Villora, Juanjo Llorens, Sandra Vicente, Aday Rodríguez, Asier Sancho, Javier Naval, Fila Séptima, etc.) demostrando que el pequeño formato no tiene porque escatimar en calidad. Como se suele decir, muchas veces las mejores esencias se presentan en los frascos más pequeños.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…
Continuamente. Antes de comenzar el verano pasado los ensayos para estrenar la función en el Teatro Fernán Gómez realizamos un taller de investigación de dos meses en el que probamos diferentes propuestas mientras generábamos el espacio de acción y definíamos los personajes. Fue un trabajo de colaboración muy generoso por parte de todo el equipo creativo, en el que cada elemento que conforma el espectáculo se fue generando a partir de acciones y propuestas. Realizamos mucho trabajo de mesa y mantuvimos numerosas conversaciones debatiendo cada aspecto de la función, por lo que puedo decir con orgullo que el resultado final es fruto de un verdadero trabajo en equipo.
¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Magnifico y exigente; Plenamente satisfactorio en todos los sentidos. Los cuatro (Alejandro, Marc, David y Alberto) confiaron absolutamente en mí desde el principio comprometiéndose por completo con sus personajes. Al tratarse de una historia basada en un caso real lo primero que hicimos fue empaparnos de documentación buceando en fuentes y referentes, tanto históricos como artísticos. Una vez tuvimos clara nuestra concepción de los personajes, nos lanzamos a la oscuridad para entender su atracción por lo prohibido y su búsqueda constante de límites. Profundizar en dos mentes tan brillantes como malsanas no fue tarea fácil, pero una vez dejamos atrás prejuicios y lugares comunes todo encontró su lugar.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta propuesta?…
Desde el principio Alejandro y yo tuvimos claro que queríamos trabajar en un espacio a tres bandas, con un escenario a la alemana. Queríamos que el público rodease a los actores, que los personajes estuvieran “atrapados” siempre a vista del espectador para ayudar a generar la sensación de tensión que la obra necesita. Trabajamos movimientos y acciones dando mucho valor a los detalles en la cercanía, pues lo que en un escenario a la italiana se pierde a causa de la distancia natural entre la escena y el público aquí queda evidenciado y subrayado. El espectador es capaz de ver con claridad el sudor y el contenido de los bolsillos de los actores, siendo hasta el menor de los gestos importante para contar –y entender- nuestra historia. Y todo en un espacio único que se transforma gracias a los efectos de luz y sonido recreando en la mente del espectador los lugares donde sucedieron los hechos del espantoso crimen.
¿Por qué haces teatro?…
Siempre he tenido un espíritu inquieto y creativo. Me encanta jugar, contar historias y el trabajo en equipo. De niño me encantaba participar en obras de teatro y soñaba con trabajar en el mundo del cine. Cuando entré en la Universidad descubrí el teatro profesional gracias a la confianza de Jaime Azpilicueta, a quien no le puedo estar más agradecido. Tras realizar varios trabajos en televisión, radio, cine y prensa escrita, no tardé en decidir el sabor que más me gustaba era el teatral y que haría todo lo posible por dedicarme profesionalmente por completo a la creación escénica.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director de teatro?…
Cada proyecto me ha puesto a prueba de forma diferente, sintiéndolos todos como pasos importantes para crecer y fortalecerme, independientemente de su tamaño o características. En estos momento el balance no puede ser más satisfactorio. En el caso de “Excítame” acabamos de ganar 3 Premios del Teatro Musical 2015 en las categorías de Mejor Iluminación (Juanjo Llorens), Mejor Actor (Alejandro de los Santos) y Mejor Director.
Háblanos de los más recientes…
Un punto de inflexión en mi carrera fue dirigir la versión en castellano del salvaje monólogo de Ricky Gervais “Animales” que protagonizó en nuestro país Juanra Bonet. Fue una experiencia muy enriquecedora trabajar codo a codo con Juanra y con Sara Pérez, mi excepcional ayudante de dirección, buscando los límites del humor sin perder nunca la elegancia. A nivel de crecimiento personal destacaría también el taller de investigación que ha supuesto para mí desarrollar proyectos para Microteatro por dinero, donde en los últimos tres años he tenido la oportunidad de conocer a grandes guionistas (Marcelo Soto, Dani Llul o Miguel Castillo, entre otros) y dirigir a actores tan maravillosos como Nacho López, Begoña Álvarez, Enrique Asenjo, Mery Cabezuelo, Antonio Albella, Jazmín Abuín, Mariola Peña, Antonio M.M., Carolina Meijer, Paqui Horcajo o mi querido y admirado socio Juan Carlos Mestre.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es una maravillosa forma de expresión artística a través de la cual podemos contar historias, generar emociones y compartir mensajes. Históricamente, en toda sociedad siempre ha sido importante tanto la función del teatro comercial o de entretenimiento como la de propuestas más intelectuales o reflexivas. En una sociedad sana el teatro debe ser espejo de sí misma ayudándonos a conocernos y a empatizar con los demás. Hay espejos planos, espejos cóncavos, convexos, y curvos o deformantes, pero todos son útiles para mostrarnos la realidad desde diferentes puntos de vista, brindándonos sonrisas, regalándonos lágrimas y, sobretodo, haciéndonos pensar y ser más conscientes.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Tras la subida del I.V.A. muchas han sido las pequeñas productoras, distribuidoras y salas de teatro que han cerrado. Se han cancelado para siempre infinidad de proyectos mientras que otros se posponen en el tiempo irremediablemente. Lo peor de todo es que, con esta subida, muchas empresas han encontrado la excusa perfecta para terminar de recortar sus condiciones salariales dejando un panorama desolador: por norma general la profesión hoy en día cobra menos -y en peores condiciones- que hace quince años.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace no mucho vi en “La pensión de las pulgas” una joyita titulada “Yernos que aman”, escrita y dirigida por Abel Zamora. El verano pasado vi en “La casa de la portera” su anterior trabajo, “Pequeños dramas sobre arena azul”, y también salí fascinado. Sin duda es un autor a tener muy en cuenta y seguir de cerca.
¿Proyectos?…
Por suerte muchos y variados, con diferentes equipos de trabajo, tanto encargos como de creación propia, pero tienen que terminar de concretarse antes de poder hablar de ello. Mientras tanto, seguiremos cuidando de “Excítame” al tiempo que sigo con la gira de “The hole 2” en la que estoy de director residente.
¿Cómo ves la situación teatral en nuestro país?…
A nivel artístico, muy fortalecida en los últimos años, con un teatro comercial y de gran formato cada vez más asentado como opción de entretenimiento de masas. Si algo bueno nos está dejando la crisis económica es el renacimiento de un teatro alternativo “off”, abanderado por una nueva generación de creadores (dramaturgos, actores y directores) de voz original, contemporánea y sin prejuicios. Gente como Carlos Be, Pablo Messiez, Jordi Casanovas o José Padilla sabe que cuando se parte de cero y no se tiene nada, nada se puede perder. No les han regalado nada, y son conscientes de que apostando sin miedo tienen mucho para ganar. Y así lo están demostrando con paso sereno y firme.
¿Se pueden hacer propuestas combativas hoy en día?…
Yo soy más de “dialogar” que de “combatir”, pero sí, creo que a día de hoy las propuestas combativas son necesarias para ayudarnos a madurar como sociedad. En mi opinión, siempre será positivo para la salud de un país que sus artistas puedan expresarse social y políticamente desde las tablas, sean cuales sean sus colores o banderas. La libertad de expresión artística es la mayor virtud que una sociedad puede atesorar. Una sociedad madura es aquella que sabe entender el teatro como un instrumento de discusión a través del cual enfrentarse a su realidad. Para bien o para mal, aún nos queda camino por recorrer…
Elepé de Carlos Be en el Teatro Lara
Elepé ha crecido sin necesidad de convertirse en cd. Elepé surgió en las recoletas estancias de La casa de la portera y ahora, después de un largo periplo, ha recalado, para despedirse de los escenarios, en la sala OFF del Teatro Lara. En un país normal, que este no lo es, habría pasado a la Gran Vía y se habría convertido en un éxito, mayor que algunos musicales que solo contenían los grandes hits de ciertos grupos de los ochenta pero que se mostraban como un catalogo de videoclips, sin argumento de peso ni un trabajo comprometido por parte de los actores y el director. En Elepé hay, en apariencia, una historia pequeña que narra algunos de los grandes acontecimientos de aquella prodigiosa y extraña década. Pero Carlos Be no puede escribir una mera comedia, así que truca la estructura para mostrarnos lo que ni siquiera saben los personajes que vivirán en un futuro, un recurso muy bien utilizado en cine y que en teatro no suele funcionar bien. En la sala Off del Lara, la obra cobra otra dimensión, mantiene la intimidad y al tiempo da más perspectiva a los personajes y sus ámbitos personales. Solo quedan dos domingos, yo no me lo perdería, después oirán hablar de esta obra y ya no tendrán ocasión de ver el trabajo de tres deliciosos actores: Carmen Mayordomo, Fran Arráez e Iván Ugalde.
Adolfo Simón
Los buitres en La casa de la portera
Un hombre y una mujer celebran su décimo aniversario esperando a alguien. Una relación cimentada en el odio y en el desgaste que se verán reafirmada con la llegada de un amigo del pasado, cargado de secretos, que acaba envuelto en una lucha por la supervivencia moral hasta las últimas consecuencias. En la recta final para que se cierre este emblemático espacio, siguen aterrizando personajes inquietantes en sus salones. No sabemos si llegan de la realidad o de un paraíso donde el amor y las relaciones humanas se han mecanizado. En Los buitres encontramos unos seres desgastados por el tiempo y convertidos en alimañas. Un mundo oscuro y perverso.
Adolfo Simón
Ivan-off en La casa de la portera
Hace tres años…¿Hace tres años?, parece que hubiesen pasado tres décadas. Pues hace tres años, apareció un juego de palabras sobre el nombre de un personaje conocido por todos los teatreros… Ivanof, ese misántropo del siglo XX que no sabía gestionar su crisis existencial. El resultado del juego verbal lo convertía en Ivan-off gracias al ingenio de José Martret y Alberto Puraenvidia. Ambos habían imaginado esta visión contemporánea de un personaje atemporal…Pero, lo que no sabían es que, la dificultad de no tener un espacio donde estrenarlo, iba a convertirse en un hallazgo al abrir las puertas del lugar de ensayo, una antigua portería del barrio de La Latina, como espacio de representación, dando así un giro nuevo a la idea de escenarios íntimos de representación…Por sus salas, la roja y la verde, han pasado en estos tres años lo mejor de la creación escénica de vanguardia de este país, probándose en los límites de ese territorio tan singular. Muchas salas han abierto después bajo el paraguas estético de La Casa de la Portera, incluso le surgió una hermana pequeña, más lujosa y amplia: La pensión de las pulgas. Ivan-off ha estado descansando en su hacienda rusa durante un tiempo para volver a instalarse en la calle Abades; tras 300 funciones que ya quisieran, muchos espectáculos, hacerlas. Vuelve para cerrar el círculo, para decir adiós a esta exquisita versión y para cerrar las puerta de La casa…Ahí se quedarán, escondidos entre sus paredes tapizadas, los personajes que han habitado este lugar emblemático durante todo este tiempo. Ivan-off está en su mejor momento, durante estos meses, como los buenos vinos, se ha posado el líquido y ahora tiene un sabor que se instala en el paladar para no desaparecer durante horas. La propuesta escénica y la versión siguen siendo la misma pero los actores, le dan ahora un peso y naturalidad fantásticos, todos están en estado de gracia, ya no son actores que interpretan, son personajes de carne y hueso que uno podría pensar que siempre vivieron allí y que han aparecido para hacernos ver que no solo este tiempo que vivimos ahora es incierto, que siempre hubo angustia por no saber qué va a pasar en nuestras vidas… ¿Qué habrá después de La casa de la portera?…
Adolfo Simón
Los ricos también lloran y por supuesto…los pobres.
Había un culebrón que se llamaba así: Los ricos también lloran; supongo que, a aquellos que les cuesta llegar a fin de mes, les consolaba un poco pensar que no solo los dioses les castigan a ellos. Y había una serie que se llamaba Arriba y abajo, en esa tv movie, podíamos ver como los ricos, que vivían arriba, tenían, en el fondo, los mismos problemas y miserias que los pobres, que vivían abajo. Toda esta introducción es para situar dos piezas escénicas que hay en estos momentos en La casa de la portera y en La pensión de las pulgas…En la primera, podría estar el sótano en el que viven los personajes de Periodo de reflexión y en el ático de la segunda, estarían a punto de disfrutar de una fiesta fashion un grupo de seres de alta alcurnia, van a iniciar un viaje en La balsa de la Medusa.
Periodo de reflexión es un texto escrito por Sergio Martínez Vila a partir de documentación sobre la trata de mujeres con fines de explotación sexual. Una propuesta cruda y directa que nos introduce hasta el rincón más íntimo de los personajes. La puesta en escena de Camilo Vásquez acentúa la estética y mundo marginal en el que tienen que convivir estas mujeres, rayando la esclavitud. Hay algo en los personajes de la madame y de la policía que desconcierta porque no queda, del todo claro, si están a un lado u otro de la línea del horror.
La balsa de la Medusa es un texto de Antonio Escribano en el que nos muestra una situación que recuerda al texto de A puerta cerrada y a El sirviente, solo que aquí carga las tintas sobre la exposición de los instintos básicos que se desatan al encerrar, en un callejón sin salida, a un grupo de aparentes triunfadores. No empatizamos con ellos porque no hay razones para que esos seres nos hagan aliarnos con su pequeña tragedia y tal vez ese horror es el que busca el autor. El director, Manu Báñez calibra con pulso el paso del tiempo del placer al del dolor. Creando una atmósfera tensa y asfixiante.
Lo más sobresaliente en ambas propuestas son los actores y actrices que están implicados al límite, en un ejercicio vivencial intenso interpretativamente.
Adolfo Simón
Cerda en papel!!!
Cerda de Juan Mairena se asomó de puntillas a la cartelera de Madrid y se quedó a vivir en La casa de la portera…han pasado meses y ahí sigue, lamiendo el papel pintado de las paredes. Le ha salido una hija argentina y la cerda madrileña hace escapadas a Sevilla, por aquello de que tiene un color especial. Ahora le han robado las palabras y las has impreso, la cerda ahora es de papel y muy bien editada por Ediciones Antígona. Vamos a volvernos cerdas todos, el síndrome está acechando…desde la escena, el papel…Viva la cerda!!!…
Adolfo Simón
Rocío Marín: Hago teatro y doy clases de teatro porque no sé hacer otra cosa.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios en el teatro se remontan a mis 14 años (ósea hace 19 años ya!!). Interpreto mi primer papel protagonista, en un Certamen llamado Histrión en Jerez de la Frontera con mi grupo de teatro del colegio. Ni más ni menos que a Bernarda Alba..¡¡¡Hay que tener valor!!! Ya por entonces tenía fijación por los personajes fuertes. Eso me continúa hasta hoy.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
No. Soy teatrera de profesión. Aprobé con un 7,5 selectividad y mis padres no comprendían que me metiera a estudiar teatro en William Layton en Madrid sin que me pidieran nota para acceder…a todo esto yo tenía 17 años.. Mis padres vieron que no había otra y me apoyaron a muerte.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es el PROTAGONISTA en mi vida. La verdad es que a veces me vuelva loca pero adoro hacer teatro, soñarlo, gestarlo, pelearlo y por fin compartirlo.
¿Por qué haces teatro?…
Porque me divierte y me enseña mucho de mí misma y de los demás. Hago teatro y doy clases de teatro porque no sé hacer otra cosa.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Positivo aunque muy luchado la verdad, desde que terminé Layton en el 2002 no he parado de crear y de buscarme proyectos para vivir de mi profesión. Aunque no es fácil para nada, llevo un tiempo viviendo del teatro…sobreviviendo más bien. Ahora quiero que me contraten, para variar…jajajajaja.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La función que ha tenido desde sus inicios transformar. Hoy más que nunca necesitamos que nos muevan y nos meneen por dentro para espabilar de este letargo.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Ha sido un año muy muy movido, he estado en 5 proyectos:
“Barrocamiento” (texto y dirección de Fernando Sansegundo), primer montaje de Siosi Teatro(compañía que fundo con Alicia Lobo y Zaloa Zamarreño). A este proyecto le tengo un amor especial porque fue creado desde la nada total. Fernando fue nuestro profesor de texto hacía 15 años en Layton y confió en nosotras para lanzarse a escribir esta maravilla de texto. Le pusimos al proceso toda la ilusión del mundo. Ahí cambió algo para mí. Interpretar a la escritora María de Zayas me da y me enseña mucho. Además a día de hoy, después de 2 años, seguimos con bolos.
“Safronia “(Texto José Padilla, Juan Vinuesa y Antonio de Cos)dirigido por David Boceta que estuvo en La casa de la Portera.
“Ustedes Perdonen”(Dirigido por Salva Bolta)Judas Tadeo Producciones. Estuvimos también en La casa de la Portera.
“Ascensión y caída de Mónica Seles”(Texto de Antonio Rojano y dirección de Victor Velasco)Mi tercera vez en la Casa de la Portera.
“Un cuento de Invierno” William Shakespeare (Adaptación y dirección de Carlos Martínez-Abarca) Segunda producción de Siosi Teatro. Estrenado en Clásicos en Alcalá este verano pasado y que ahora retomamos . El re-estreno tuvo lugar el 31 de enero en Nave 73 y estaremos los sábados y domingos a las 19 horas hasta el 22 de febrero.
¿Cómo surgió tu participación en Cuento de invierno?…
La busqué yo. Deseaba trabajar un Shakespeare y como la llamada de ”otros” para contratarme no llegaba, sentía que era el momento como actriz de meterme en un texto así. Busqué a Carlos Martínez-Abarca, porque sabía que era la persona indicada, nos pusimos en marcha y hasta ahora que seguimos metidos en este cuento de invierno tan hermoso con el que disfrutamos y al que amamos cada día más.
Interpreto a dos personajes preciosos: Paulina, mujer ,con mucho carácter, de la corte de Sicilia que se enfrenta al iracundo y celoso rey Leontes y maga de la reina Hermíone. De esos personajes ,que como te comentaba antes, me chiflan por su fuerza. Y también interpreto a un chico (esto me hace especial ilusión) llamado gañán, un chico de pueblo bastante ingenuo, que sale en la segunda parte de la obra el Reino de Bohemia. Dos bombones.
¿Cómo creas tus personajes?…
Yo soy fiel al texto, para mí es la base. Creo los personajes desde lo que dicen para luego habitar lo que callan. También soy muy física y sé que tengo dentro un personaje cuando sé cómo anda.
¿Tienes un método?…
Tengo el mío que está siempre en continuo aprendizaje. He tenido y tengo grandes maestros pero finalmente creo que “el método o tu método” está en el oficio de seguir creando vida en el escenario. Se va haciendo en el camino. Cada personaje es un reto y el reto está en seguir trabajando y amando lo que hacemos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Ay madre pues terriblemente, es muy duro seguir adelante en condiciones de trabajo tan precarias. Esto debe cambiar ya.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Cuando deje de llover” dirección de Julián Fuentes que estuvo en el Matadero. Porque el texto es brutal y la dirección impecable.
¿Proyectos?…
Una nueva obra con Salva Bolta. Deseando volver con este hombre al que adoro y que con el equipo al completo de Judas Tadeo que son ya mi familia.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Que elijamos hacer lo que realmente necesitamos contar para darnos y dar luz.
De Madrid al infierno en La casa de la Portera
Hay una frase que se suele decir cuando se ha vivido en Madrid…»De Madrid al cielo»…Como si después de pisar las calles de esta ciudad solo quedase la posibilidad de subirse a las nubes y flotar. Pero todas las ciudades tienen espacios secretos…Cabarets donde acuden seres heridos a transformar sus máscaras, tanatorios donde el amor surge en medio del camino hacia la luz o azoteas a las que nunca se llega a subir porque el juego se queda atrapado en las habitaciones de la infancia.
El deseo…
Extremo de Benja de la Rosa nos muestra a niños que no pudieron crecer a tiempo y que fueron expulsados de la cárcel de los pueblos al asfalto de las ciudades. Allí, transitan como zombis por la sombra eterna que crean los rascacielos. En la jungla de ladrillos y carmín solo se puede atacar o defenderse y ante esto, hay que elegir entre convertirte en un monstruo más o decidir en el último momento, que tu vida puedes reescribirla de otro modo. El reparto es estupendo pero Paco Manzanedo hace una creación fascinante, le acompañan Jaime Reynolds y Pablo Vega en escena.
El amor…
Ojalá te hubiera conocido vivo es una obra escrita y dirigida por Sandra Marchena e interpretada por Carmen Mayordomo, Mercedes Lur y David Ordinas/Juan Dávila. Resulta triste que nos pasemos la vida buscando el amor y lo encontremos en la muerte…Menuda ironía. En esta pieza disparatada que recuerda a A puerta cerrada pero en clave de juego cuántico y enloquecido, somos los espectadores los que vivimos parte de esa ficción, situados en el umbral entre la vida y la muerte.
La amistad…
En la azotea es una obra escrita y dirigida por Marta Aledo, e interpretada por Iñaki Ardanaz, Antonio Galeano y Nacho Redondo. Jon, Xavi y Nacho son tres amigos de toda la vida. Les encanta jugar a juegos de mesa, de roll, de lo que sea. “En la azotea” es una obra que habla sobre los amigos, sus dinámicas, sus miedos, su relación, sus traiciones, sus secretos y sus sueños. Un viaje por ese juego que se empieza en la niñez…la amistad y que se trunca si se rompen las reglas de la partida. Aunque, siempre hay posibilidad de subirse a lo más alto de la casa y desde ahí contemplar la ciudad…El cielo de Madrid.
Adolfo Simón
Andrea Caltrán: El teatro ha de crear símbolos para leer la realidad de nuestros tiempos.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Qué facetas has realizado para la escena a lo largo de tu carrera?
Empecé con el teatro para niños: todas las mañanas…un gran ejercicio de disciplina y entrenamiento cotidiano. Tuve la suerte de trabajar muchos años con gente del mundo de la “Commedia dell’Arte”, aprendiendo a diario el arte de la improvisación.
He sido muy afortunado: nunca me encerré en un solo tipo de teatro y, hasta hoy, siempre he tenido las ganas de investigar y experimentar técnicas y lenguajes diferentes.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para un actor es como el agua para un pez…o como un vaso de whisky para un alcohólico: hago teatro porque no puedo no hacerlo.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Estoy muy agradecido porqué siempre la vida y el arte me sorprenden.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro tiene que ser VIVO: desvelar, contar, emocionar, celebrar, crear símbolos para leer la realidad de nuestros tiempos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Acaba de empezar este 2015 y ya he estrenado Edda en Madrid en una sala maravillosa….este año promete bien!.
¿Cómo surgió la propuesta que presentas en Selectos Puraenvidia?…Háblanos de este trabajo…
Una urgencia personal, una historia intima que me parecía al mismo tempo universal..como dice el personaje en la obra: “Todo el mundo, cariño, es un pañuelo”. Una historia hecha de mi pasado, de una tía que un poco es real y mucho no….una historia que nos cuenta de como la libertad es una necesidad por cada uno de nosotros.
Este espectáculo es un reto conmigo mismo. Intento mezclar el teatro y la danza a partir de la perspectiva del actor: puede existir un movimiento de danza que sea del actor y no del bailarín? ¿Como se diferencia? Es la primera vez que utilizo en el escenario el lenguaje de la danza que me ha acompañado, por muchos años, como herramienta de entrenamiento personal: me estimula investigar esta dimensión.
¿Cómo creas tus piezas escénicas?…¿Tienes un método?…
Dejamos los métodos a los Grandes…Amo la disciplina y el trabajo a diario del actor…un poco como los artesanos! Cada espectáculo es una aventura nueva y nace de manera distinta: la cosa importante, para mi, es saber siempre escuchar lo que las historias me cuentan y encontrar la manera más eficaz para darle vida en el escenario.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Vaya pregunta! Claro que el teatro se vende, se compra y los actores y directores comemos…pero lo que honestamente meno me gusta es pensar que los espectáculos son solo un producto…¿En serio pensamos que La Celestina y un paquete de café molido son lo mismo? Quizás tenemos que pensar una otra manera de hacer teatro, fuera de las lógicas del mercado: y salas como Selectos Puraenvidia o La Casa de la Portera son proyectos especiales que empujan nuevas energías.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Intento siempre ver cosas muy diferentes y he visto muchas cosas buenas en Madrid. Te digo solo los primeros títulos que se me ocurren: “¡Vaca!” de Alberto Velasco, un teatro hecho de cuerpo y emociones duras y fuertes con un lenguaje intenso y lírico … y absolutamente “ELEPÉ” de Carlos Be, una historia honesta, divertida y conmovedora hasta las lagrimas, dirigida con una visión clara y con actores capaces de emocionarse y emocionar al publico.
¿Proyectos?…
Quiero seguir investigando esta mezcla de danza y teatro: me parece un lugar indefinido que puede acoger muchas cosas.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creyendo en las historias que nos llaman…sin miedo a parecer soñadores.
Delicia de Triana Lorite en La casa de la Portera
Cuando entré en la sala verde de La casa de la portera tuve una visión, una regresión en el tiempo, de golpe me encontré frente a Lola Gaos que probaba delicias culinarias. Y de golpe, la visión se duplicó y vi entrar a la sala a Laly Soldevilla para una cena ceremonial con la Gaos. Madre mía!…¿Estaba viajando al pasado y me encontraba frente a estas insignes actrices de la historia de nuestro teatro en un ritual privado entre las dos?…¿Qué estaba pasando?, desgraciadamente, no creo que mucha gente que lea estas líneas recuerde quién fue Lola Gaos y Laly Soldevilla; así de cruel es lo efímero de esta profesión. En realidad, estaba en medio del ceremonial de visiones de la protagonista de Delicia, la última locura que se instala entre estas paredes. De nuevo, la protagonista es una portera que podría haber sido la que habitó ese lugar. Y de nuevo, asistimos a un teatro en el que se dan la mano el esperpento y el realismo, funcionando perfectamente. Hay una energía en ese espacio que facilita la creatividad y la locura, siempre en la dosis apropiada para que el espectador disfrute. Alberto Velasco presenta de nuevo un trabajo en este peculiar teatro, en esta ocasión dirige la pieza, dando juego y delirio a la parte del texto donde hay más pesadilla y dramatismo, cuando la realidad se instala de la mano de las citas bíblicas, el texto decae pero Velasco mantiene el pulso para que siga captando nuestro interés.
Adolfo Simón
“PETRA” a partir de LAS AMARGAS LÁGRIMAS de PETRA VON KANT de Rainer W. FASSBINDER en La casa de la portera
Rainer W. FASSBINDER es uno de los cineastas más importantes del siglo XX. Su obra que empezó marginal llegó a conseguir el beneplácito y admiración del gran público. El trágico final de su vida truncó lo que podría haber sido una obra extensa y compleja ya que sus últimas películas eran verdaderas exquisiteces fílmicas. Toda su obra está llena de personajes homosexuales, luchando por su visibilidad y supervivencia, tratando de conseguir un pequeño lugar bajo el sol. En Las amargas lágrimas de Petra Von Kant nos muestra el mundo lésbico en su intimidad, de una forma clara y descarnada, dejando que veamos que las relaciones de poder en el amor no son diferentes según como esté compuesta la pareja, son balas de poder que disparan al corazón y siempre suele haber una víctima. En Petra, la adaptación que ha hecho Estefanía CORTÉS para La Casa de la Portera se respeta los ejes fundamentales de la película que ya fue adaptada al teatro con anterioridad. En la versión íntima de Petra…vemos ese pulso emocional entre los personajes protagonistas, observados por el entorno social y familiar. Todos tienen realmente lo que buscan y cuando reciben lo que no esperan, huyen de esa cárcel de amor.
Adolfo Simón
Dario Paso: Me apasiona contar historias
¿Cómo surge el proyecto de Una extraña comedia?…Háblanos del texto y del montaje…
Surge del aburrimiento, del reto y de la necesidad. Hasta la fecha sólo había conseguido realizar cortometrajes, tanto en el guión como en la dirección. Esta es la primera obra de teatro que levanto (que no que escribo). Siempre me ha gustado la comedia absurda, surrealista, negra y dadaísta y me propuse el reto de hacer una comedia macabra y disparatada, que no tuviera ni pies ni cabeza, que no estuviera regida por normas ni pautas canónicas, sin censuras de ningún tipo. Simplemente me puse ante el teclado y dejé que saliera mi humor más enfermo y depravado, escribiendo lo que a mí me divertía y rezando porque hubiera gente tan enajenada como yo que pudiera disfrutarlo. Quería dar una vuelta de tuerca más al sinsentido, al absurdo. Además me propuse hacer una miscelánea de géneros que me encantan: la comedia, el misterio, lo siniestro y el goticismo. También llevaba mucho tiempo centrándome en la escritura de un guión de largometraje y quería descansar mi cabeza, liberarla, llevar a cabo un acto catártico, un pequeño exorcismo y de éste nació «Una extraña comedia». Tanto el texto como el montaje están realizados desde la perspectiva del «por qué no», del «porque sí», «porque me apetece». No ha habido ataduras ni autocensuras de ningún tipo. La verdad es que he tenido muchísima suerte de que En la casa de la portera hayan confiado en mí a la primera, de que les haya gustado y de que conectaran y comprendieran tan bien como lo han hecho tanto el texto como mis intenciones.
Creo que con respecto a «la necesidad» qué me llevó hacer la obra no hace falta que explique mucho: «comer».
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en el texto o en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
¡Por supuesto! He tenido una enorme suerte al poder contar con dos actores tan extraordinarios como Marta Eguilior y Tato Loché. Los actores siempre deben ser sagrados en cualquier proyecto, pero en uno de este tipo deben ser, directamente, dioses. Sin actores, y concretamente, sin estos dos actores, «Una extraña comedia» jamás hubiera existido. Un texto tan complejo y esquizofrénico requería de unas muy buenas interpretaciones. Durante el proceso de ensayos les di carta blanca para que aportaran y jugaran, para que se enfrentaran a la obra como lo harían dos niños enfermos jugando, como lo harían dos teleñecos psicópatas. Fueron tremendamente disciplinados y rigurosos y, la gran suerte para mí, es que comprendieron el código desde el principio. Un código muy personal y en el que se sumergieron sin ningún problema, casi como si la hubieran escrito ellos. Nos compenetramos de maravilla y eso ha ayudado muchísimo a poner en pie la obra.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
¡Buf! Tengo una enorme cantidad de referentes mezclados en mi cabeza. Ya no sólo mezclados, si no remezclados y revueltos, por eso me salen este tipo de historias. Es evidente que mi fuente máxima de inspiración ha sido el teatro del absurdo, podría citar desde Jardiel Poncela a Ionesco. También he bebido directamente de la novela y el relato gótico, autores como Edgar Alllan Poe o Lovecraft están muy presentes en la obra, eso sí, en clave de comedia, riéndome de ellos con la enorme admiración y respeto que les tengo. Pero es innegable que también me han influido mundos más pops, más cercanos, como películas, series o dibujos animados y, cómo no, mi venerado Lewis Carroll en la forma y en el fondo, maestro del Nonsense. A nivel estético (y también en su forma expresiva) me inspiré, básicamente, en las ilustraciones del dibujante «macabro» Edward Gorey, un auténtico genio.
¿Por qué haces teatro?…
Me apasiona contar historias. Tengo la pulsión, la necesidad de relatar y sobre todo de mostrar mi enfermo cerebro al resto del mundo (tal vez con la esperanza de encontrar a otros compañeros de viaje que estén tan mal de la cabeza como yo y sentirme un poco menos extraño). Y para llevarlo a cabo me gusta cualquier plataforma, desde el cine a la narrativa, pero el teatro es la madre de todas ellas. La cercanía del narrador (el actor) con el público, la espontaneidad, la autenticidad de estar viviendo durante un tiempo unos hechos aparentemente reales delante de ti, con elementos y personajes tangibles, con sentimientos y situaciones que casi puedes acariciar hacen del teatro el medio idóneo para llegar al receptor de una forma más directa, más impactante, más salvaje.
¿Qué balances haces de tus trabajos como director-autor de teatro?…
Como ya he comentado este es el primer proyecto de teatro que consigo poner en pie. Hasta la fecha sólo he escrito y dirigido cortometrajes, cosa que me apasiona. Mi corta y reciente experiencia escribiendo y dirigiendo teatro ha sido muy, muy satisfactoria y tengo más que claro que voy a repetir todas las veces que me dejen.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
A parte de las consabidas y básicas: culturizar, educar, sensibilizar, enseñar, entretener… Creo que el teatro debe de despertar conciencias, debe de convulsionar al espectador, no dejarlo jamás indiferente ante lo que vea y más en una época tan compleja y agitada como la que vivimos. El teatro debe ser un espejo de la sociedad y de la humanidad misma. Un lugar donde ver lo guapos o feos que podemos llegar a ser. Toda expresión artística tiene que hacernos pensar y retorcernos las entrañas ya sea para bien o para mal, ya sea de felicidad o de dolor.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Es evidente que muy negativamente. Es un homicidio en plena regla, frío, calculado, cometido con alevosía, premeditación y nocturnidad. En este país hay gente que tiene alergia a la cultura (el saber, el conocimiento) y al arte (la sensibilidad, el sentimiento) y van a hacer todo lo que esté en sus manos para destruirlos. Porque la cultura y la educación son «armas» muy potentes para el pueblo y a algunos les da mucho miedo que tengamos esas «armas».
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Hace poco pude disfrutar en La pensión de las pulgas del montaje de «Sótano» escrita por Josep María Benet i Jornet, dirigida por Israel Elejalde e interpretada por Víctor Clavijo y Juan Codina. Me encantó el texto, el montaje y las soberbias interpretaciones de esos dos enormes actores.
¿Proyectos?…
Ahora mismo, como autor y director, estoy muy centrado en levantar mi primer largometraje, una auténtica locura de género de terror que espero poder ejecutar cuanto antes. Como actor acabo de rodar bajo las órdenes de Jesús Ponce la Tvmovie para Canal Sur «Diamantino» y en teatro hemos estado representando hasta hace poco en el off del Lara «¡Es lunes!» de Almudena Ramírez-Pantanella junto a la maravillosa actriz Sara Martín y que con un poquito de suerte podremos volver a representar.
“UNA EXTRAÑA COMEDIA” de Darío Paso-Jardiel en La Casa de la Portera
¿Me quieren decir dónde vamos a encontrar, cuando cierre sus puertas La casa de la portera, esas exquisitas piezas que durante dos años han ido poniendo ante nuestros ojos?…¿Dónde van a descubrirse o reinventarse todos los autores, directores y actores que hemos tenido ocasión de ocupar esas inquietantes salas vestidas por un cúmulo fantástico de objetos kich?…Me voy a atar con cadenas a la puerta de este espacio para exigir que no se cierre…¿Alguien se apunta?. Todo esto viene a que este viernes pasado, he tenido la sorpresa y la suerte de descubrir a otro nuevo autor-director: Darío Paso-Jardiel, al menos para mí, con nombre de referencias teatrales apasionantes: Paso-Jardiel. No sé si es familia de estos dos insignes autores de la historia de nuestro teatro, si no es así, ha sabido beber de su mundo delirante. Y ha creado una pieza extraña, fantástica y absurda, no hay otra pieza así en la cartelera de Madrid. Tiene humor enloquecido y situaciones imposibles que disfrutarán al máximo si dejan al entrar todos los tópicos sobre lo que ha de ser o no teatro. Ah! y hay dos actores, deliciososssssssssssssssssssssss: Martha Eguilior y Tato Loché que interpretan el absurdo con una soltura y locura, que se agradece desde ese peculiar patio de butacas. Ay! cuando los popes del teatro dejarán sus sillones y bajarán a los pequeños espacios para descubrir el futuro de nuestro teatro. Dejen de mirar el pasado y miren el presente, por favor.
Adolfo Simón
Antonio Rojano: «Pienso que los mejores autores apenas se conocen y que los mejores textos siguen estando en el interior de muchos cajones»
¿Cómo surge el proyecto de Ascensión y caída de Mónica Seles?…
El origen de este trabajo está en el encuentro que a comienzos de año tuve con Rocío Marín. Ella me contactó tras haber leído algunas de mis obras y expresó el deseo de trabajar como actriz en uno de mis textos. Pero buscaba un texto singular, para dos actrices y que se pudiera estrenar en un espacio como La Casa de la Portera. Mis textos suelen exceder estos límites, son obras de múltiples espacios y personajes, así que por la seriedad de su propuesta y por las ganas que me transmitió decidí escribir algo expresamente con estas condiciones. Un texto que entonces estaba germinando en mi cabeza.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
No realicé una búsqueda concreta. El texto es sencillo en cuanto a su concepción. Recoge el espíritu del tiempo en el que vivimos. El goteo constante de informaciones trágicas que está dejando la crisis es un hecho que ya hemos interiorizado todos. Sólo tenía que dejar salir esos discursos, el del rico y el del pobre, los poderosos contra los necesitados…
¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Yo considero que hay tantos tipos de textos como procesos de escritura. En este caso, ha sido un texto que he enfrentado sabiendo a ciencia cierta cuál era el reparto, el director e incluso el espacio en que sería estrenado. Esto no suele ser lo habitual. Ha sido un texto que recoge parte de mi oficio como autor pero también tiene en cuenta quién encarnará las palabras o los lugares en que serán dichas. Es un texto que me pertenece y a la vez no, porque desde el comienzo tiene en cuenta al otro. Incluso al espectador. Normalmente no suelo trabajar así. Suelo escribir en la soledad de mi escritorio, trabajando en textos y mundos que exceden lo teatral, en muchos casos. Me gusta escribir sin tantos límites, pero también la libertad, a la larga, resulta agotadora. Cuando me enfrenté a este texto venía de escribir una obra muy compleja, llamada La ciudad oscura, y necesitaba airearme. Volver a enfrentarme a los límites del teatro. Enfrentarme a la realidad del escenario y divertirme. El proceso ha estado marcado también por las percepciones del director y las actrices. Tras cada lectura que hacíamos, tras cada ensayo, hemos seguido trabajando en él y cambiándolo a nuestro gusto. Cuando esto pasa, uno descubre que el texto es algo vivo que puede ir cambiando y mutando para mantener su autonomía, más allá del autor. La lectura de Víctor a la hora de dirigir el texto es complementaria al sentido que tiene lo escrito, sumando nuevos significados y matices que yo ni siquiera me había planteado desde la escritura. Esto es lo bello del teatro. Ha sido un proceso muy revelador e interesante.
Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado…
Pienso que los textos teatrales son organismos vivos y nunca definitivos. El texto mejorará tras una puesta en escena, pero depende mucho también de quién sea el director. Antes y después de ser estrenado será un texto diferente, pero cada puesta en escena, del mismo modo, también lo será. Me gusta tanto publicar antes o después. Un texto teatral leído funciona a un nivel diferente al de una puesta en escena y puede conservar y disfrutar de ciertas «taras» literarias que en cambio no funcionan sobre el escenario.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor en teatro?…
El año 2014 está siendo muy positivo. Tras un par de años fuera, he vuelto a Madrid con ganas de enrolarme en varios proyectos a la vez. Algunos de escritura y otros de textos ya escritos que han podido estrenarse. Katiuskas, recientemente, ha podido verse en Fringe14 y es un work-in-progress que está desarrollando Paco Montes con las actrices de su laboratorio de interpretación. Lo que vimos no es más que la punta del iceberg de algo que posiblemente en otoño se muestre definitivamente como un montaje. Ascensión y caída… ha sido un ejercicio de trabajo de compañía y estoy muy contento porque el público está reaccionando muy bien. Creo que la conclusión que saco tras cada estreno es que, sea como sea, cada una de estas experiencias cerca del escenario me harán mejor autor.
¿Cómo ves la autoría teatral en estos momentos en nuestro país?…
Creo, como muchos, que se está viviendo una especie de edad dorada de la escritura. Desde hace unos tres años hay una explosión de creadores y de compañías que, ante la negativa de lo establecido, están desarrollando sus propios trabajos libremente. Esto da una riqueza enorme a «lo que vemos». Aunque no podemos quedarnos sólo ahí, en lo que llega, porque también creo, sinceramente, que lo que llega a los escenarios es, en muchos casos, lo más sencillo. O lo más «estrenable». Adoro leer teatro. Compartir textos con mis compañeros. Pienso que los mejores autores apenas se conocen y que los mejores textos siguen estando en el interior de muchos cajones.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Está afectando y es una pésima noticia. Las entradas de teatro alcanzan un coste enorme. El público desciende. Las compañías trabajan en condiciones precarias y por amor al arte. Hacemos teatro porque es lo que nos gusta, pero si pensamos en la realidad de nuestra profesión y en el abandono de las instituciones, cada día hacer teatro es más difícil. Tal vez eso es lo que desean.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
El mismo sentido de siempre. Comunicarse y entrar en debate con tu tiempo. El teatro es el lugar para que las cuestiones y dificultades de una época entren en discusión, con la ayuda del público. Para eso lo hacemos. Además, si nos divertimos, mucho mejor. No hay que renunciar al entretenimiento.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
No pensar. No razonar. Si pensamos con la lógica del burócrata, estamos perdidos. Hay que dejarse arrastrar por el amor a lo que uno hace y por la sinrazón. Hay algo de soñar despiertos, de creernos más de lo que somos, de imaginar que habrá alguien, al menos una persona entre esa audiencia, a la que le emocionará aquello que queremos contar.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última obra que he visto se llama Refugio. Es una obra muy interesante que juega con los terrores de tres mujeres que se reencuentran años después de la muerte de una amiga. El texto ha partido del imaginario de sus actrices y, además de divertida, guarda un misterio que se irá desvelando lentamente. Estarán hasta final de julio en La puerta estrecha. También me gustaría recordar dos obras que he visto estos últimos meses: Un hombre con gafas de pasta de Jordi Casanovas es un montaje enorme que pervierte los géneros con la maestría ya conocida en su autor. También, un monólogo, Veranillo de un minuto de Leyre Abadía, un viaje emocionante a través de la vida de tres mujeres para no perderse. Creo que ambas volverán tras el mes de agosto.
¿Proyectos?…
Por ahora no se pueden revelar, pero espero que estos montajes que han comenzado su viaje antes del verano sigan teniendo vida después de él. Además, en cuanto a escritura, debo entregar el texto definitivo de Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE que se llamará Hombres que escriben en habitaciones pequeñas.
Fantasmas en verano
El verano no parece la época más propicia para que se llene la casa de fantasmas, siempre nos imaginamos que estos seres aparecen en noches de invierno, de luna llena y con mucha niebla. Pero los tiempos cambian y ahora hay fantasmas a cualquier hora y en todas partes; debe estar lleno el otro lado y no hacen más que visitarnos con cualquier excusa. La otra noche tomé ración doble de fantasmas y me provocaron risas, emoción y algo de vértigo…los lugares donde hicieron acto de presencia fueron La casa de la portera y La pensión de las pulgas, sitios emblemáticos llenos de energías peculiares…
Ascensión y caída de Mónica Seles de Antonio Rojano es un partido paranormal en el que la pelota de tenis nos lleva al esplendor del personaje y también a su declive. La pieza está estructurada como si fuesen los tiempos donde realizan el pulso los personajes para ver quién gana cada set-escena, las palabras del árbitro en off nos vamos indicando el cambio de lugar para sumergirnos en la mente de la tenista antes de dar un golpe a la pelota o en otros momentos donde nos encontramos espejismos fruto de la fiebre del éxito o fracaso de Mónica Seles. Víctor Velasco dirige de manera sencilla y efectiva esta peculiar mirada a la privacidad de un personaje que captó la atención mundial durante un tiempo y para narrar esos retazos de vida y memoria, hay dos actrices: Nerea Moreno y Rocío Marín que juegan a los cambios interpretativos con destreza y efectividad, haciéndonos creer así en las múltiples realidades que pueden existir en nuestro mundo.
Yernos que aman de Abel Zamora en La Pensión de las pulgas es un collage enloquecido en el que las mujeres están atrapadas en un mundo donde la emoción se ha quedado en pause. Da la impresión de que mueven los hilos de un guiñol roto y a pesar de esto, intentan una y otra vez dar al play de su corazón pero no consiguen que los hombres cambien la figura que necesitan sea proyectada sobre el día a día que comparten. Hay una madre que quiere volver a ser niña y un muerto que quiere volver a bailar…y un hada que no está dispuesta a conceder deseos banales. Esta obra arranca con cierta perplejidad porque no queda claro a dónde nos conducen los pasillos del lugar, pero poco a poco, las piezas empezarán a encajar y al final uno se reconoce en alguna vieja foto del álbum que hay escondido al fondo del armario. El reparto es de lujo…Marta Belenguer, Juan Caballero, Manolo Caro, Mamen García, Emilio Gavira, María Maroto, David Matarín, Mentxu Romero, Ramón Villegas y el propio Abel Zamora.
Adolfo Simón
José Martret: La respuesta del público ha sido esencial, pero también la de los artístas que han querido experimentar la sensación de estar tan expuestos al público
¿Qué balance haces de la etapa de La casa de la portera?…
En menos de dos años desde que abrimos las puertas hemos ofrecido al público experiencias teatrales únicas, que solo pueden vivirse de manera tan inmersiva en La CASA de la PORTERA o en La PENSIÓN de las PULGAS. El publico, la crítica y los profesionales del medio nos han apoyado, así que el balance no puede ser más positivo.
¿Han cambiado los proyectos y condiciones desde los orígenes hasta hoy en La casa de la portera?…
Desde el principio hemos apostado por el conjunto de los equipos que nos ofrecen sus proyectos. Abrimos las puertas de nuestra casa a los dramaturgos emergentes a los que los teatros institucionales o el circuito comercial no se las abre. También apoyamos las primeras obras de jóvenes dramaturgos o directores que llegan con proyectos interesantísimos. Siempre buscamos equipos que trabajen con rigor y cuidamos mucho la calidad de los proyectos que se estrenan en nuestros espacios.
¿Qué ha sido lo que más ayudó al éxito de vuestro proyecto…La respuesta del público, de los artistas…los medios de comunicación?…
Creo que fue un compendio de todo eso que has enumerado. La respuesta del público ha sido esencial, pero también la de los artístas que han querido experimentar la sensación de estar tan expuestos al público y la de los medios de comunicación que desde un primer momento se interesaron por el proyecto y se volcaron con la propuesta.
¿Qué os ha movido a emprender un nuevo proyecto?…
Hemos abierto La PENSIÓN de las PULGAS, porque queríamos seguir investigando en el mismo sentido, pero dando un paso más allá. En La PENSIÓN se amplía el recorrido a tres habitaciones (una más que La CASA de la PORTERA) y está técnicamente mejor equipada que La CASA de la PORTERA.
Y también por la necesidad de seguir trabajando, de seguir interviniendo nuevos espacios, de seguir investigando y porque no sabemos estar parados…
Háblanos de cómo surge La pensión de las pulgas…
Yo había escrito una primera versión de Macbeth y lo había escrito para un espacio más grande. Si nos quedábamos en La CASA de la PORTERA había que desmanterlala por completo y volver a decorarla… y hay algo en eso que nos parecía una especie de sacrilegio. Lo que ha construido Alberto PURAENVIDIA en ese espacio, los ambientes que ha creado, para mi ya es algo “sagrado”, no somos capaces de destruirlo… es como si la casa hubiera encontrado su identidad… Así que decidimos buscar otro lugar.
¿Por qué con un Shakespeare?…
Por lo mismo que elegí a Chejov, porque siento que es un regalo para el publico poder ver obras tan potentes a solo unos centímetros del espectador. Porque el arco sentimental que recorren los personajes de estos dos dioses de la dramaturgia son tan ricos en matices y en vivencias que hacen que el publico viva una experiencia brutal. Compartir habitación con los personajes de Chejov o de Shakespeare es un lujo… olerlos, sentirlos respirar, que te rocen… O eso por lo menos es lo que yo creía y por eso los he puesto en pie.
Háblanos de esta peculiar versión de Macbeth…
Elegí Macbeth porque estamos en un momento en que la ambición desmesurada de algunos hombres muy poderosos de nuestro país han puesto en jaque al gobierno y a la monarquía. La ambición, la pérdida del honor, la culpa o el fracaso, siguen formando parte muy importante de nuestra día a día. Y quería hablar de todo ello y llevarlo al mundo de la empresa, porque como dice Marc Creuet en su obra “El rey tuerto”: “Ya no existen los países, existen las empresas”.
¿Por qué hay una función de matinal en domingo?…
Porque durante todos estos años hemos hecho previas los domingos a la mañana de espectáculos que se iban a representar en nuestros espacios y nos dimos cuenta que era un horario estupendo para sacarle partido. Los británicos ya lo tienen asimilado hace mucho tiempo. Además no hay que madrugar para ir al teatro porque la función es a las 13h, te da tiempo a dar un paseo por El Rastro, o por El Barrio de las Letras, después ver una obra de teatro y luego salir a tapear… Y todavía te queda toda la tarde/noche libre!!! Nos parece un plan fantástico.
¿Seguirán funcionando los dos espacios La casa y La pensión?…
Por ahora van a seguir funcionando los dos.
Sugerencias para seguir trabajando y creando en tiempos de crisis…
No perder la ilusión y la pasión y así, poder derrumbar cualquier muro que se ponga frente a nosotros.
Antonio Canales: «El duende es el orgasmo de Dios»
¿Cómo surge el proyecto que presentas en Suma Flamenca?…Háblanos de él…
Bueno , llevo ya unos años trabajando con Rojas, y hace muy poquito vi el último trabajo de La Lupi: Cartas a Pastora, y en ese momento comprendí que debíamos hacer algo juntos…Ya Miguel andaba detrás de ello y a él le debemos este encuentro….
¿Qué balance haces de tu trayectoria?…
Uffffff, es difícil hacer un balance, pues durante una tan larga carrera se pasa por muchas pistas, carreteras y caminos pecuarios…. Pero yo diría fructífera ….
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
Duende con Miguel… Plata y Oro en Japón, y mi última creación: Una Moneda de de dos Caras…
¿Qué te parece la programación de SUMA FLAMENCA?…
Siempre es interesante la Suma… Ya es un Festival muy consolidado.. En el que se apuesta por lo añejo y por las nuevas tendencias… Y en el que siempre hay exposiciones, novedades, y cosas variadas… Como en estos últimos años se han alargado los brazos hacia los tablaos y salas flamencas… Faltan cosas para niños y talleres de flamenco docentes…
¿Cómo ves el panorama del flamenco en nuestro país hoy?…
Esta un poco anémico en cuanto a ayudas y demás sarandongas tan necesarias para avanzar y evolucionar… En cuanto a talento, España es el país más talentoso del universo… Y el Flamenco es un bicho que siempre esta vivo y coleando…
¿Están surgiendo bailarines mejor preparados en estos momentos?…
Pues claroooo, jajajja, se alimentan mejor y tienen más recursos y posibilidades de elegir… Eso no es que hagan el Flamenco mejor que antes noooo, sólo que están más preparados; no hay que confundir…
¿Qué es el duende para ti?…
El orgasmo de Dios…
¿Qué proyectos tienes en preparación?…
Debo crear en Japón «A ti Maestro» y por supuesto continuar de Gira con «Una Moneda de dos Caras» que es lo más importante para mi en estos momentos…También voy a crear para la compañía americana de Hijastros, el Hombre deshabitado de Rafael Alberti…y ante todo no perder la ilusión…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de danza?…
No, no esta afectando: Los incapaces de este gobierno están hundiendo la cultura… No hay derecho, con tanto despropósito acabaremos muy mal…
¿Qué espectáculo has visto últimamente que te haya interesado?¿Por qué?…
TITANIUM por lo novedoso y la fusión de estilos y el virtuosismo de sus intérpretes… Cartas a Pastora… Por lo magistral de la dirección de Rojas y los grandes intérpretes de la misma y por supuesto la Lupi única… Y un enconado y un magistral trabajo de Alberto Velasco y Chevi Muraday en La Casa de la Portera para no olvidarlo jamás: CENIZAS…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Hecha le guindas al pago, que yo le hechare a la pava, azuquita canela y clavo… Un besote amigos…
Que Revienten los Artistas 
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