El festival «EsZenit» estrena el cielo de Madrid con «Alumbramiento» de La Phármaco
El nuevo festival que pretende subirse a las azoteas de Madrid para mostrarnos el panorama emergente de las artes vivas se llama EsZenit. Para su inauguración, denominada «Alumbramiento», ha contado con el trabajo de La Phármaco.
La azotea del Palacio Cibeles fue el escenario para celebrar el equinoccio de otoño. Allí pudimos disfrutar de Embodying what was hidden, una pieza compuesta de dos partes en la que la compañía experimenta con el concepto de ceremonia, sacrificio y folclore a través de la inspiración poética de los versos de Abraham Gragera, que anteceden a la ceremonia de ese alumbramiento de las artes en las azoteas y esa conjunción de astros que nos muestran a una embarazadísima Luz Arcas invocando a sus dioses particulares, a través de su conocida forma de creación de danza, para conseguir que este parto escénico sea único.
Luis Mª García Grande
Ensayo de Pascal Rambert en el Teatro Pavón Kamikaze
Cuatro amigos –dos parejas– se citan para ensayar una nueva obra. Trabajan juntos desde hace tiempo, tienen un pasado lleno de vivencias y de deseos que les une, les confiere una identidad. Son un grupo, una “estructura”, una familia que se ha elegido a sí misma. Pero este pequeño grupo explota inexorablemente ante nosotros. El primero en tomar la palabra activará una máquina implacable que nos asoma a todos los abismos por los que caemos cotidianamente. Hace unos meses se estrenó en el mismo escenario La noche de las tríbadas y en el principio de la aventura Kamikaze estuvo La función por hacer, las tres tienen un denomiador común, mirar la vida a tavés del teatro. Observar los misterios de las relaciones de la mano de personajes o situaciones meta teatrales que nos enseñan, de manera profunda…”Qué somos y qué deseamos”. En esta ocasión, en Ensayo, los personajes no tienen máscara, se llaman como los actores que los interpretan y les dan su fisonomía, se vuelven transparentes. Un ejercicio de exposición salvaje de los miedos y deseos que todos ocultamos en el teatro de la vida.
Adolfo Simón
Dúos+1 de CienfuegosDanza en Abierto en Canal
CienfuegosDanza ha ofrecido Dúos+1, un programa triple que incluía un solo, titulado Sharp, y dos duetos, La Reina Madre y Anónimos. Un tríptico personal con personajes expresionistas, alejados de la realidad que con su aspecto y comportamiento nos remiten a seres que habitan pesadillas o que muestran mundos imposibles; danza conceptual, cargada de imagenes transgresoras.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/abierto-en-canal/
Cosa negra en IDEM de la Casa Encendida
De animalia, luz y sonido va esta pieza a la que puedes acercarte mucho, casi tocarla, diluirte en ella, sentir tu pulso con el suyo y viajar al origen de un ser silbante. Es una experiencia performática en la oscuridad, un viaje sensorial a los sonidos de la memoria, una pieza inquietante que devuelve la respiración dramática a la escena.
Adolfo Simón
Lucio Silla de Mozart en el Teatro Real
El Teatro Real comienza una temporada especial, la que conmemora el Bicentenario de su fundación y el vigésimo aniversario de su reapertura. Una ocasión para representar importantes títulos de la historia de la ópera que no han llegado a verse en su escenario y recuperar otros que ya pasaron por él. Es el caso de Lucio Silla, de W. A. Mozart, por primera vez en el escenario madrileño, que abrió temporada el 13 de septiembre. Lucio Silla cuenta con la participación del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton, experto mozartiano, y del director de escena Claus Guth. Junto a ellos, la Orquesta Titular del Teatro Real y un doble reparto encabezado por Kurt Streit y Benjamin Bruns, alternándose en el papel del tirano Sila, y las voces de Patricia Petibon, Julie Fuchs, Silvia Tro Santafé o María José Moreno. Cuando salí del teatro tras la representación tenía una pregunta todo el tiempo en mi cabeza. ¿Cómo puede un joven artista genial crear su primera obra como si fuese un hombre maduro?. Es increíble!. La maestría musical y literaria es fascinante y no solo porque la compusiese un adolescente, también por la profundidad del tratamiento del personaje protagonista y su tiempo que, curiosamente, en la puesta en escena que se puede disfrutar en el Teatro Real, la convirte en atemporal; ya no se reflexiona sobre una época pasada, se nos advierte de los peligros del poder fascista amaprándose en la legalidad del mismo. Y todo con un tratamiento musical y escénico de gran envergadura, con un despliegue estético y poético profundo, creando un plano paralelo a la música que fortalece el discurso drsamático.
Adolfo Simón
27 Flamenco en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía
27 FLAMENCO, es una propuesta escénica, musical y coreográfica que rinde homenaje desde el flamenco a una selección de autores de la prolija generación 27. Creada desde un esmerado tratamiento musical e interpretado por una selección de figuras emergentes del panorama flamenco capitaneados por Juan Carmona. Una alianza entre la poesía, la música y la danza, entre las artes audiovisuales y las miméticas, que es el heraldo de un flamenco más amplio aún por venir. Un collage surreal en el que conviven diferentes artes para acercarse a la poética de un tiempo donde la investigación y la vanguardia emergían constantemente.
Adolfo Simón
Gross Indecency en el Centro de Arte Fernán Gómez
Oscar Wilde, el irlandés de la sentencia fulgurante era, por encima de todo, un inigualable conversador que también escribía. En esta función “oímos” por primera vez su conversación con una fuerza dramática y retórica no atenuada por la literatura. Wilde despliega aquí toda su agudeza sin enredarla en los artificios de la ficción. Gross Indecency es una “tragedia legal” comparable al juicio de Sócrates narrado por Platón. Los juicios no suelen ser material interesante para la pantalla o la escena, se convierten en un partido de tenis vebal que rara vez mantiene la atención del público. Aquí, en cambio, en este doble juicio, se consigue una teatralidad paralela al discurso que atrapa al espectador, duplicando y complementando el dilema atemporal sobre la libertad del deseo y el arte. Una propuesta sugerente donde los actores se convierten en materia dramática que narra sin cesar.
Adolfo Simón
Russafa Escènica con aroma lorquiano
Dentro del apartado «Viveros» de Russafa Escènica; donde espectáculos de 25 minutos aproximadamente y en espacios privados para un aforo reducido de entre 25 y 35 espectadores, se pueden vivir experiencias diferentes como las que tuvímos ocasión de ver el fin de semana pasado. Ambas piezas tenian un elemento común, lo lorquiano como imposibilidad de hacer realidad los deseos presentes o futuros. En Ingravidez, una pareja experimenta la soledad en compañía y la maternidad como sentimiento trágico diario y como en Yerma, los hijos que existieron y los que nunca nacerán, hacen inmenso el precipicio emocional que les separa. Y en Bernarda, un drama cantado, la viuda Bernarda y la joven Bernarda en visperas de casarse, se encuentran en una ensoñación para advertirse sobre lo que el futuro les deparará. Otra forma y formato de ver teatro, piezas breves en la trastienda de un herbolario o en un taller artesanal. Vida y creación para un barrio singular: Russafa.
Adolfo Simón
Crece en el Circo Price
CRECE es un chorro de agua fresca sobre el circo, un arte milenario que busca incansablemente su modernidad. CRECE es un laboratorio de creación de circo contemporáneo. CRECE es un camino abierto, sin prejuicios, que quiere experimentar, jugar crear…CRECE quiere ofrecer a artistas emergentes un espacio y un momento para la investigación y para el encuentro, un escenario con todos los medios técnicos necesarios para realizar un trabajo arriesgado y actual. Y para los aficionados en circo de vanguardia es un placer encontrarse cada año con una nueva indagación sobre los lenguajes escénicos puestos al servicio de la pista circular del Price.
Adolfo Simón
«VeRo» de Deborah Colker en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía
Deborah Colker, la directora de baile de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Brasil 2016, nos visita con su montaje resumen de dos de las creaciones más exitosas de su compañía: Velox (1995) y Rota (1997).
En estos montajes se transparenta el sabor de la danza brasileña contemporánea, y resume de forma eficaz la trayectoria de Colker en la creación y actualización de la danza contemporánea. En Velox irradia fuerza, trabajo en equipo y frescura en la coreografía dedicada al deporte, introduciendo elementos escénicos nunca antes utilizados y jugando con la verticalidad escénica en la danza, mientras que Rota presenta más sosiego y poesía visual cuando los bailarines interactúan con elementos móviles entre los que se insertan y funden creando un juego de equilibrios entre la persona y la escenografía para su espectáculo.
Estas dos creaciones son un buen aperitivo para que Colker vuelva a España con más espectáculos y durante más tiempo, se lo merece.
Luis Mª García Grande
«La Calderona» en el Corral Cervantes
Dentro de los actos que la Fundación Siglo de Oro ha organizado este año para difundir a nuestros clásicos en «Fiesta Corral Cervantes», en la Cuesta de Moyano, se encuentra programada esta pequeña joya, La Calderona, dirigida por David Ottone, de Yllana.
La pieza pretende mostrarnos el verso clásico de una manera moderna y accesible a todos los públicos y, para ello, se ha montado a ritmo de Hip hop. Con un Dj que es el trazo de unión de la historia se va contando la peripecia vital de Maria Inés, más conocida como La Calderona, actriz reconocida durante el Siglo de Oro y amante de Felipe IV, con el que tuvo un hijo bastardo. Una historia fascinante que se va montando gracias a la musicalidad del verso sumergido en el Hip hop. Dos técnicas que se complementan y que nos dejan una original visión del teatro clásico y de su composición. Los actores se encuentran en su salsa y, mediante rápidas transformaciones de vestuario, disparatado y original, van soltando su repertorio de canciones como si estuvieran en una pista de baile en la que se interpreta la canción de sus vidas. Una propuesta interesante, que surge del método de trabajo de Yllana en equipo y a golpe de intuición que nos muestra un resultado fresco, entretenido y de calidad.
Luis Mª García Grande
Miserere de La Phármaco en los Teatros del Canal
El viernes 8 y sábado 9 de septiembre, La Phármaco abrió el Ciclo «Abierto en canal» con Miserere-Cuando la noche llegue se cubrirán con ella. Luz Arcas (Premio Ojo Crítico de Danza, 2015) dirige este trabajo coral, donde la danza, la música, los objetos y audiovisuales celebran una fiesta cuyo protagonista es la violencia. Una experiencia catártica para el público porque nos sumergen en ritmos ancestrales, músicas populares que son atravesadas por cuerpos en éxtasis, atravesados por luces tenebrosas, caballos enigmáticos y virgenes momificadas. Una pieza espectral que da un giro importante a la producción de esta compañía; tanto en el formato como en los contenidos. Un montaje de teatro danza donde todo el equipo es una pieza sin fisuras.
Adolfo Simón
El cíclope y otras rarezas de amor de Ignasi Vidal en los Teatros del Canal
El amor no es ese cuento de hadas que nos contaron cuando éramos pequeños. El Cíclope es una obra de vidas cruzadas en la que los personajes tienen que volver a aprender a amar. La desaparición fortuita de uno de ellos hará que el resto se replantee su forma de entender la vida y de experimentar el amor. A veces, el juego de la vida nos obliga a partidas donde el riesgo a perder está en la primera mano. A menudo, una mirada, un cruce inesperado cambia nuestro destino, da igual que estemos disponibles para jugar, la partida está en marcha. El cíclope plantea esa mirada frágil sobre la elección del amor o sobre la perdida del mismo. Aquí, los actores, como niños, escriben los lugares de sus recuerdos en pizarras con las que van tejiendo la escena. Una experiencia para descubrir los entesijos del amor y sus rarezas.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-ciclope-y-otras-rarezas-de-amor/
En la Ley en Cuarta Pared
Los Laboratorios ETC de Cuarta Pared facilitan que textos y propuestas escénicas arriesgadas llegen a la escena. Creo que En la ley de Sergio Martínez Vila, dirigida por Juan Ollero, no habría tenido una buenas condiciones de proceso de creación si no hubiese surgido de este proyecto de investigación. En una primera fase, en diciembre pasado, se mostró lo que podríamos llamar un boceto de la búsqueda entre la palabra y la escena. Ahora, es una realidad donde las atmósferas que se crean, la disposición del público y la sintonía de los actores, crean un universo hipotético que tal vez no está tan lejos, ese en el que todavía seamos más títeres de lo que ya somos. Un futuro que tal vez nos espera a la vuelta de la esquina y donde si no estamos prevenidos, puede que terminos atrapados en ritos ancestrales donde todo se defienda y se excuse bajo el lema de la ley…¿Y qué y para qué existe la ley?.
Adolfo Simón
«Carmen» de Víctor Ullate en los Teatros del Canal
Ullate nos acerca de nuevo al mito de Carmen a través de una visión contemporánea, actual y despojada de todo costumbrismo casposo que se representará en los Teatros del Canal hasta el 17 de septiembre.
La propuesta es arrojar una nueva luz sobre ese personaje estereotipado que ya se nos presenta como Carmen. Pero es que Carmen no es un personaje físico en sí, es una abstracción de nuestros deseos, sentimientos y condición humana volcados en un continente con nombre de mujer. Bizet creó en su época un «contendor» a la española, costumbrista, que ahora se reinterpreta de la mano de Eduardo Lao en imágenes que recuerdan a películas contemporáneas que todos tenemos en la retina como Matrix, Barbarella o Chicago, en diseñadores de moda como Thierry Mugler, Dior o Jean Paul Gaultier,… influencias estéticas que han sido reunidas en esta nueva versión, y conseguidas gracias a proyecciones futuristas como escenografía, a un vestuario inspirado y versátil y a la iluminación de Paco Azorín, que nos sumergen en el mundo de la moda, del cabaret, de los negocios,del underground…
Pero más allá de todo este continente, hay que atender a la actualización coreográfica que ha logrado Ullate de los caracteres de la obra, a su homogeneidad a la hora de proponer un continuum en la historia con un lenguaje coreográfico homogéneo que otorga,además, su propia personalidad a cada personaje. Ullate ha medido bien los tiempos de cada personaje, sus fraseos y la longitud que necesitan en cada momento del desarrollo, buscando en algunos casos el dinamismo con números de grupo cabareteros, transgresores y travestis , pero en otros recreándose en una visión más poética y pasional, sobre todo cuando aborda los solos y pas de deux de Don José, Carmen y Micaela.
Luis Mª García Grande
«Tartufo, el impostor» en el Teatro Infanta Isabel
Una nueva versión de Tartufo, el clásico de Molière, ha llegado al Teatro Infanta Isabel dirigida por José Gómez Friha y versionada por Pedro Víllora.
Hay cosas que no cambian a lo largo de los tiempos: la corrupción, la ambición, la manipulación de las personas y el tratamiento que se hace del poder. Una buena revisión de este texto, en la que Víllora limpia el final, concretando la ambigüedad de Molière, disipada por la censura y la presión social, se convierte en necesaria y acertada a la hora de abordar la corrupta naturaleza humana. Además se ha pulido el personaje de Tartufo, dándole una visión algo más mojigata, más interesada y soez que acentúa el propósito final de la obra, mostrando la hipocresía que nos rodea.
El montaje escénico es sencillo, actual, contemporáneo y basta para poner de relieve el texto y la magnífica actuación del equipo de actores de Venezia Teatro, entregados al texto, bien dirigidos y que muestran un buen trabajo coral a la hora de interpretar sus personajes.
Hay tiempo aún hasta el 1 de octubre para visitar el Infanta Isabel, para conocer a Tartufo, dejarse seducir y escuchar sus falsas adulaciones hasta que la bilis nos suba un poquito al cerebro y nos demos cuenta del amargor de su engaño.
Luis Mª García Grande
Mago Sun en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía
La magia entendida de forma «espectacular» ha llegado a Madrid de la mano del Mago Sun, Premio Nacional de Magia. En el espectáculo podemos disfrutar de números clásicos que ya hemos visto en muchas ocasiones a través de la televisión, pero que no es lo mismo verlos en directo. Mago Sun se ha inspirado en grandes y mediáticos magos como David Copperfield, Houdini, Harry Blackstone o el nacional Juan Tamariz para mostrarnos todo un repertorio de grandes éxitos. «Magic Spectacular» está pensado para toda la familia, para que disfruten también los más pequeños. Los números de magia van insertos en unas pequeñas coreografías ejecutadas junto con sus ayudantes femeninas que dinamizan el espectáculo y deja para el final la guinda con un número de escapismo dentro de un tanque de agua.
Aunque Iñaki Ruiz de Galarreta, el mago Sun, es aún bastante joven, el espectáculo tiene ciertos toques «a la antigua» que debería pulir, innovando en la política de igualdad de género, incluir ayudantes masculinos que no solo sean el mozo de carga, por ejemplo, y tratar de limpiar el encorsetamiento en su actuación, buscando más naturalidad a la hora de dirigirse al público.
Luis Mª García Grande
Imprescindible Antígona
Hace un año aproximadamente, un grupo de teatreros locos se planteó gestionar un teatro de manera privada pero haciendo el máximo de servicio público. A priori parecía un proyecto imposible, era difícil imaginar que desde la gestión privada se podría ofrecer, de manera continuada, producto de calidad en diferentes formatos para todo tipo de públicos. Además han realizado en el Teatro Pavón Kamikace, encuentros, cursos y múltiples actividades. Tal vez, unir diferentes experiencias con la escena en el equipo de dirección ha propiciado que se tenga un conocimiento profundo sobre la profesión y se han podido establecer estrategias múltiples para acercar al público al teatro. Muchos han sido los estrenos que han presentado durante esta primera temporada y también han vuelto a poner bajo el foco algunos de los espectáculos que ya tenían en repertorio. El verano es un tiempo complicado para el teatro, nunca se sabe qué oferta dar a los que pasan por Madrid y a los que se quedan en la ciudad, que cada vez son más. De nuevo han vuelto a arriesgar y han recuperado una propuesta que surgió en el Teatro de la Ciudad y que fue mostrada en el Teatro de la Abadía hace unos meses, como el público disfrutó con la pieza y se llenaron todas las representaciones han tenido, a buen criterio, la idea de recuperar la personal Antígona que dirigió Miguel del Arco. Una versión en la que el pasado y el presente se dan la mano en una especie de ensueño febril. La historia sigue vigente y más en estos tiempos de horror que vivimos. La puesta en escena no aligera nada el texto, va al corazón de la trama para provocar preguntas en nuestras conciencias. Y el reparto es excepcional donde, Carmen Machi, hace de nuevo un salto vertiginoso en la creación de un personaje que podría haberse quedado en un estereotipo y que, sin embargo, nos provoca una mayor reflexión sobre el poder, el bien, el mal…y la justicia. No se pierdan esta Antígona en agosto, una buena forma de soportar el calor de la ciudad y salir con el corazón helado.
Adolfo Simón
Karenina Express en Fóra do Mapa
A principios de junio se celebraba en Ferrol el Festival de Artes Escénicas Fóra do mapa, que se caracteriza por la realización de actividades y espectáculos en lugares descontextualizados, abandonados o en desuso. En este contexto pudimos asistir al espectáculo de Adolfo Simón.
Karenina Express tuvo lugar en La espuma, una de las tiendas más antiguas de la ciudad. Había gran expectativa, se hizo un pase a mayores, aún así tuvo que quedar público fuera y Adolfo no defraudó.
Nos adentramos en la oscuridad del viejo ultramarinos y allí, sobre el mostrador una leve luz ilumina lo que parece una montañita de nieve. Con las manos a los lados y dejando su rostro en la penumbra vemos Adolfo Simón, cual medium esperando a ser invadido por el espíritu de la historia que nos contaría a continuación, a través de los personajes y los símbolos de sus relaciones, que van emergiendo de entre la nieve y de ese maravilloso libro de artista. Como si de un sueño se tratase, arropados por la música, viajamos por las pasiones que arden en la nieve.
Quince minutos después acaba el espectáculo y allí estamos todos. Inmóviles, como niños esperando que no se haya acabado realmente. Queremos ver todo lo que se ha utilizado aún más de cerca, nos cuesta salir y lo hacemos de mala gana. Ya fuera, comprobamos que nuestras miradas tienen un aire común, una chispa que delataba que habíamos estado expuestos a alguna clase de extraña magia.
Cristina Mariño
foto: Juanpa Ameneiros
Grinder, el Musical en los Teatros Luchana
Una comedia provocativa y sin tapujos que viaja a través de nuestros tabúes sexuales dentro de la diversidad sexual en la que, afortunadamente, vivimos. Es un musical gay, pero no es sólo para público gay. Es un grito a la libertad sexual. Este disparate jugoso, de la mano de su fascinante maestra de ceremonias, nos conduce por los entresijos de los contactos a través de aplicaciones virtuales. En las diferentes situaciones, nos encontramos con múltiples fórmulas en las que se combinan personalidades y formas de entender el amor y las relaciones, todo bajo tintes de comedia lujuriosa y cabaret tórrido. Una buena propuesta para huir del calor de Madrid.
Adolfo Simón
Barro y masculinidad
Hace unos días, en Madrid, se presentaron dos experiencias escénicas no convencionales. En Conde Duque, se llevó a cabo una propuesta multidisciplinar para celebrar el solsticio de verano donde la danza, la videocreación y las artes plásticas se dieron la mano. Sharon Fridman, en Barro, concibió una experiencia sensorial donde la escena de convirtió en una construcción de volúmenes arquitectónicos de luz y sonido.
Y en Matadero Madrid, tras una serie de sesiones de investigación-workshop previo de una semana, conducidas por Sylvain Huc se llegó al resultado de Gameboy, realizado con intérpretes afincados en Madrid y bailarines provenientes de Toulouse y Barcelona, Gameboy ofreció la oportunidad de preguntarnos a nosotros mismos cómo pensamos la masculinidad, su carne, su piel y su presencia.
Adolfo Simón
De Sirenas, tormentas y naufragios en Fora do Mapa
“Lo barato sale caro”, dice el refrán popular. Cada vez que un espectáculo es gratis yo, francamente, desconfío. Acaso mis prejuícios se basan en que, como público, estoy harto de la buena voluntad, la improvisación sin contexto y las interpretaciones más o menos sesudas de acontecimientos escénicos irrelevantes.
Es por estas razones que me quedé muy sorprendido con el espectáculo “Jurni Jope”,
resultado del taller impartido por Adolfo Simón, dentro de la segunda eición del festival de artes escénicas de Ferrol Fóra do mapa.
El inicio fue un tanto inquietante: una larga cola de público esperaba su turno para
deambular por el interior ruinoso de un edificio decimonónico, sin más iluminación que velas y linternas. Por fuera el viejo cartel de la ferretería Santos, Suministros Navales, por dentro había de todo, máscaras de gas, cuentos infantiles, travestismo, fetichismo, bastante infancia, cantos de sirena y toda una colección de recuerdos propios y ajenos, que aparecían y desaparecían delante del público. Restos de un naufragio y de unos náufragos con los que era imposible no sentirse identificados.
La peculiar magia que tienen los universos privados, cerrados a nuestros ojos, pero
expuestos a la luz, donde cada quien y cada uno encuentra cuál es su posición exacta en ese cielo o infierno, que sin duda se merece. Deambular. Como en las catedrales, de imagen en imagen, de personaje a personaje o de altar en altar ya es sólo cuestión del público, que tiene que aportar el significado a esos enigmas vivientes que nos sugieren director y actores.
Sé que no es la primera vez que se realiza una instalación interactiva y viviente dentro del teatro contemporáneo, que a cada cual nos afecta, sorprende o disgusta un imaginario particular, pero éste era tan rico, oscuro y diverso, que pocos paladares podrían recorrerlo con indiferencia.
Al acabar el espectáculo, una brusca salida hacia la luz, donde todos somos muy listos y estamos acompañados de nuestras certezas y manías. Intentando definir lo que había visto, me quedé como un idiota leyendo el cartel, que afortunadamente rezaba “Muestra del curso Dramaturgia del espacio actoral, impartido por Adolfo Simón”. ¡Uf! ¡Qué alivio! Justo lo que había visto…
Volví contento a mi casa. Para mi, esa vieja ferretería ya siempre sería un nido de sirenas, tormentas y naufragios. Así lo recordaré…
Carlos Castrillón Doce
Fotos: Juanpa Ameneiros
Inconsolable de Javier Gomá en el CDN
Un hombre de cincuenta años comparece en escena y sin más preámbulos inicia una exposición íntima, lúcida y conmovedora. Explica que la muerte de su padre, todavía reciente, ha atravesado su vida como un acontecimiento. Asombrado ante la magnitud del suceso, que él no había podido ni imaginar, desea compartir públicamente el itinerario de sus primeros cuarenta días de duelo. Segismundo sobrevuela constantemente sobre el escenario del María Guerrero, como un Ariel Shakesperiano, espíritu alado y emotivo, se instala en la mente y el corazón de este personaje desconsolado que Fernando Cayo interpreta de manera sencilla y trascendente. Pocas veces, un intérprete a solas, en el escenario, se convierte en un domador de fantasmas ajenos, haciendo transmutar el dolor en poema privado. Un espectáculo donde la palabra y el actor son la esencia y así parece proponerlo Ernesto Caballero.
Adolfo Simón
Pieza plástica en los Teatros del Canal
“Pieza plástica” es la última propuesta del actor y director argentino Luciano Cáceres. En ella podemos encontrar la realidad absurda de la sociedad de hoy en día, una sociedad cargada de discriminación, prejuicios, hipocresía y sus múltiples descendientes, que hacen de estos seres humanos unos seres enfermos. A pesar de la cagar y dureza ética que se nos presenta, la obra abarca una propuesta fresca y ligera que cabalga entre la retranca y la sátira. Pasando por el modelo familiar actual, la sexualidad frustrada, la explotación y el consumo, no dejan títere con cabeza para servirnos un buen plato frío.
África Anamú
Que Revienten los Artistas 
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