MiraMiró de Baal en Cuarta Pared dentro de Teatralia 2020
MiraMiró es un espectáculo de danza y animación de vídeo que se inspira en el universo plástico de Joan Miró. Una selección de la obra pictórica del artista enmarca la pieza. Los pequeños de la casa disfrutaron de la combinación de proyecciones y trabajo corporal, una experiencia sorprendente ya que, ante sus ojos…la pantalla se fundía con los bailarines, creando plasticidad inspirada en la obra de Miró.
Adolfo Simón
«Pulcinella»en el Auditorio Nacional de Música con la colaboración de la CND y coreografía de Blanca Lí
La Orquesta Nacional de España y la Compañía Nacional de Danza han presentado «Pulcinella», ,dirigida por Jordi Francés, ballet de Igor Stravinsky basado en una obra de teatro del siglo XVIII en torno al personaje Pulcinella o Polichinela originario de la commedia dell’arte. El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía, y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev.
Ahora es Blanca Lí, actual directora de los Teatros del Canal, la encargada de crear un ballet adaptado para que público familiar que acude dentro del programa «En Familia» de la OCNE por encargo de Joaquín de Luz, director de la Compañía Nacional de Danza.
Lí ha querido atraer al público más joven creando tres espacios escénicos en los que muestra la historia principal con los solistas en primer plano, la orquesta en segundo plano y un coro en el tercero con el resto de bailarines en una propuesta innovadora para el Auditorio, diferente y arriesgada que permite concentrarse en cada plano, limpiando todo dramáticamente para concentrarse en el ballet. La alegría y el colorido de la música se transmiten a los bailarines con una coreografía expresiva, juguetona e incluso descarada que demuestra el desparpajo.
En definitiva, ha sido todo un acierto y una propuesta innovadora y de calidad para atraer al público más joven y, por qué no, a todo el mundo a abrirse al mundo de la música clásica y el ballet de la mano de grandes profesionales. Esperemos ver más propuestas de este tipo en un futuro.
Luis Mª García Grande.
Celui qui tombe (El que cae) de Yoann Bourgeois dentro de Teatralia en los Teatros del CANAL
En medio de un escenario oscuro, como si fuera el universo, una plataforma cuadrada con vida propia gira y se mueve con aparente autonomía siempre llevando encima a seis intérpretes-acróbatas que, como en la vida, intentarán mantenerse en pie, buscar el equilibrio en la inestabilidad, dividir las fuerzas y confiar los unos en los otros. Afectados por la fuerza centrífuga en aumento, sus cuerpos se inclinan cada vez en ángulos más agudos, como si lucharan contra un gran viento. Mientras, suena música de Beethoven o Frank Sinatra. Además de girar como un disco, la plataforma adquiere una inclinación vertiginosa, sube y baja como una balsa en una tormenta. La inauguración de este año en Teatralia ha sido fantástica con esta propuesta que rompe todos los moldes…No van dirigida a un público específico y al tiempo es para todos los paladares. No es circo, ni danza, ni teatro…y lo es todo al tiempo. Y sin caer en un discurso subrayado, nos habla de la esencia del ser humano, de las necesidades que tenemos todos, desde que llegamos a este mundo y hasta que nos vamos de él, de mantenernos firmes, de sobrevivir a los obstáculos, de superar los límites… Una obra compleja y sencilla a la vez. Una experiencia profunda para todo tipo de público. Una pieza para entendernos mejor y conocer nuestras debilidades y deseos.
Adolfo Simón
Rule of Three de Jan Martens/Nah en los Teatros del CANAL
A Jan Martens (Bélgica, 1984) le gusta decir que su creación Rule of Three es una colección de pequeñas historias escritas desde el cuerpo, la música, la iluminación, el vestuario y los textos, edificado todo a partir de contrastes: la quietud y la explosión, la precisión y la intuición, el corazón y la razón. Es la primera vez que el joven creador belga trabaja con un músico en directo. Sintió esta necesidad y creó alianza con el percusionista norteamericano Nah, que ha mezclado para él percusiones en directo con sonoridades programadas, samples manipulados y sonidos encontrados, que mantienen un diálogo con los tres bailarines de esta producción. Lo más llamativo de esta propuesta es la estructura de la pieza, durante más de una hora asistimos a un collage de secuencias fragmentadas donde los ritmos y los cuerpos generan partituras hipnóticas que no cesan en el vértigo sonoro y espacial que se crea ante nuestra mirada. Los tres bailarines son acróbatas emocionales que transitan por el escenario creando atmósferas muy sugerentes, llenas de tensión dramática. En la recta final de la pieza, todo queda suspendido al silencio y su piel se despoja del ruido de nuestro tiempo para entrar en un paisaje desconocido donde los cuerpos se reinventan.
Adolfo Simón
Espacio abierto-Quinta de los Molinos celebra el principio de la primavera
Espacio abierto, haciendo honor a su nombre, ha abierto las puertas de su espacio particular para trasladar el juego y la poética entre los árboles de la Quinta. En dos localizaciones, en diferentes pases, durante el fin de semana y ante un público sorprendido, Chevi Muraday con su compañía y un cuarteto musical, han realizado la proeza de bailar entre la naturaleza en explosión primaveral. De nuevo, el equipo de dirección del Espacio abierto ha acertado al fusionar creatividad en lugares no convencionales.
Adolfo Simón
Isadora en El Montacargas de Madrid
Este fin de semana termina la programación de El Montacargas con la última producción realizada allí: Isadora. Una creación de Aurora Navarro que, junto a su compañero, Manuel Fernández Nieves han venido desarrollando durante veintiséis años en la íntima sala al otro lado del Manzanares. El próximo mes de marzo se realizará allí un ciclo de teatro de creadoras actuales y el de clown que crearon hace tiempo. Se despiden de Madrid y dejan un poco huérfana la cartelera de la ciudad porque allí han pasado muchas experiencias curiosas en estos años. Algo no funciona bien en esta sociedad cuando un teatro ha de cerrar sus puertas. Isadora es una buena muestra de lo que se ha desarrollado allí durante este tiempo y tal vez por eso han presentado una pieza que mezcla muchos lenguajes para hablar de una artista que tuvo muchos contratiempos y zancadillas por mantener su libertad a toda costa. Espero que el espíritu de El Montacargas siga vivo.
Adolfo Simón
«Dos de GALA» en Teatro Pradillo
Inés Narváez, Mónica Runde y Elisa Sanz han pensado y creado una pieza en torno a la figura de Gala, mujer de Dalí en la que investigan y se preguntan a partir de las necesidades creativas de cada una. El Teatro Pradillo nos brinda la oportunidad de disfrutar de este proceso creativo gestado en el Centro Coreográfico Canal.
Inspiradas por la frase “Para Gala, Dalí encarna lo irracional, la inspiración para llevar a cabo una apremiante tarea creadora. Sin pensárselo, deja su vida parisiense por él”.
El resultado es un trabajo poético, que aúna la danza y la escenografía de una manera estética brillante mientras juega con elementos icónicos utilizados por Dalí para representar no solo a Gala, sino también sentimientos como el deseo, la nostalgia, el gozo, la ostentación, … todo ello a través de diferentes «pieles» y capas que se van descubriéndonos el surrealismo y la falta de fronteras en la creación. Así las artes del movimiento fluyen con las artes plásticas. Todo un goce para los sentidos.
Luis Mª García Grande
10000 gestes de CHARMATZ / TERRAIN en los Teatros del CANAL
Charmatz ha venido desarrollando su trabajo a contracorriente de los preceptos aceptados de lo que es danza, se ha movido en la periferia y sin salir de ella, se ha convertido en un autor de gran relevancia, destacando creaciones como enfants, 20 Dancers for the XX Century, manger, Levée des conflits para el MoMa de Nueva York, origen de 10.000 gestos, o el macro proyecto en Londres ¿Puede la Tate Gallery ser un Museo de la Danza?. En esta pieza, durante una hora, veinte bailarines de diferentes edades, procedencia y técnica transitan por el escenario vacío; solo iluminado por unas columnas de fluorescentes, mientras crean y repiten gestos mínimos que van evolucionando hasta pequeñas coreografías. Hay paisajes de cuerpos individuales y por momentos, se forman núcleos concentricos donde un gesto se transforma en una onda expansiva. Esta obra provoca una sensación de hipnosis conforme avanza, transladándonos del gesto privado al social…cuando el público está inmerso en la experiencia, los bailarines saltan al patio de butacas y cabalgan entre las butacas, generando gestos sobre los cuerpos que observan. Una obra performática por la esencialidad de lenguajes utilizados en la pieza.
Adolfo Simón
Âtman, el comiat de Ananda Dansa en los Teatros del CANAL
La compañía Ananda Dansa fue creada en Valencia el año 1982 por el director de escena Edison Valls y la bailarina y coreógrafa Rosángeles Valls, quienes pronto contaron con la complicidad del músico Pep Llopis, que ha compuesto la mayor parte de las bandas sonoras de sus espectáculos. A lo largo de sus 38 años de presencia ininterrumpida en los escenarios, Ananda Dansa se ha consolidado como una de las más importantes compañías de España en el repertorio de creación contemporánea. Ananda Dansa, tras haber resistido todos los embates artísticos y económicos que se han sucedido durante tan largo período, y convencida también de haber cubierto un ciclo, ha decidido dar fin a su presencia en los escenarios. Pero ha querido decir adiós de la única manera que sabe: ofreciendo un espectáculo de despedida. Âtman es alma en sánscrito. Y comiat en valenciano significa eso mismo, despedida. Y también licencia o permiso para irse. La coreógrafa Rosángeles Valls, recientemente galardonada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, directora y cofundadora de Ananda Dansa, ha anunciado el cierre definitivo de su compañía con el espectáculo Âtman, El Comiat (Âtman es alma en sánscrito y comiat en valenciano significa eso mismo, despedida. Y también licencia o permiso para irse). Pocas veces se ha generado la atmósfera de emoción y respeto durante una representación en la sala Roja de los Teatros del Canal, todos sabíamos que era una ocasión única para disfrutar de un pedazo de poesía en movimiento, acariciado de una música que nos acompañará en el recuerdo durante mucho tiempo. Al final, una gran ovación rindió homenaje y agradeció no solo la creación de esta noche de despedida si no todo el trabajo desarrollado durante décadas por esta compañía valenciana que ha llevado el aroma de su tierra por todo el mundo.
Adolfo Simón
«Zincalí» de Antonio Najarro en El Corral de la Morería
El Corral de la Moreria de Madrid ofrece desde el 23 de enero el espectáculo “Zincalí” bajo la dirección artística de Antonio Najarro y protagonizado por Miguel Fernández Rivas “El Yiyo”, sy estará en cartel en los próximos meses en el tablao más famoso del mundo.
En “Zincalí”, a “El Yiyo” le acompañarán al baile Belén López e Inmaculada Salomón (primer bailarina del Ballet Nacional de España) como artistas invitadas. La música compuesta por el guitarrista flamenco José Luis Montón. El diseño del vestuario ha sido realizado por Oteyza.
Antonio Najarro, ex-director del Ballet Nacional de España, ha ideado y dirigido “Zincalí” donde presenta la esencia del baile racial de “El Yiyo”. Una esencia que evoluciona hacia formas y estilos de danza más contemporáneas y que logran mostrar su gran talento y su enorme carisma. Con esta creación Najarro nos vuelve a demostrar su estilo propio, que está presente durante todo el espectáculo, el cual le ha llevado a lo más alto en la creación de la danza española y en el que destacan el virtuoso uso de las castañuelas, la elegancia en el braceo de los intérpretes, la raíz y la vanguardia en continua convivencia.
Oteyza, uno de los diseñadores de moda española que mejor muestran la evolución del traje tradicional, ayuda con su aportación a sumergirnos en un viaje hacia la raíz de arte flamenco dándose la mano con la vanguardia y la búsqueda de nuevas aportaciones estéticas. Innovando en el aspecto de la apariencia masculina del baile y en la mujer, a la que presta varios de los diseños más emblemáticos que en su día lució Blanca del Rey.
Una buena apuesta del Corral de la Morería que demuestra con esta nueva producción su ímpetu por liderar la vanguardia y la evolución del flamenco, contando con grandes directores, intérpretes y equipo y siendo uno de los centros de producción y creación coreográfica privados punteros en España.
Luis Mª García Grande
«PSYCHO» con Julián Pacomio y Ángela Millano en La Casa Encendida
PSYCHO es una pieza sobre dos secuencias cinematográficas casi iguales (la película “Psycho” de Alfred Hitchcock y el remake homónimo de Gus Van Sant realizado en 1998). ¿Qué es lo que aparece cuando se ven simultáneamente dos cosas diferentes entre sí pero prácticamente idénticas?. Un curioso y sugerente experimento escénico que atrapó nuestra atención porque el juego doble de descripción, generaba en el escenario una suerte de composición geométrica y auditiva que se convertía en una partitura exacta en nuestro cerebro. Estímulo imaginativo que, cuando desapareció y solo quedó el audio de las películas, nuestro imaginario siguió construyendo, imagen a imagen el resto de los films.
Adolfo Simón
Into the Little Hill de La Veronal en los Teatros del CANAL
Into the Little Hill es una coproducción entre el Teatro Real y los Teatros del Canal, que da oportunidad a La Veronal, compañía asociada al Teatro Canal, a explorar nuevos territorios en esta creación híbrida que contó con dirección musical de Tim Murray y la participación de la Orquesta Titular del Real junto a las voces de Jenny Daviet y Julia Riley. Si tuviera que describir con una palabra este espectáculo, sería: Hipnótico. A pesar de los tres planos que se generan en la escena…la construcción espacial de la escenografía, el nivel dancístico donde se crea un universo de extrañamiento sobre la historia y la narración cantada que se intercala entre estos otros niveles dramatúrgicos; sin olvidar la música en directo que ocupa toda nuestra atención auditiva, pues a pesar de tantos niveles de atención, hay una simbiosis perfecta entre todos los planos creativos que nos mantiene atentos a todos los detalles que van transformando la propuesta escénica, culminando en un final enigmático que nos atrapa definitivamente a nivel sensorial.
Adolfo Simón
Titans de LASKARIDIS / OSMOSIS en los Teatros del CANAL
Hace 10 años que la gente sufre el efecto Laskaridis, una especie de estado de hipnosis provocado por el ejercicio grotesco que despliega el creador griego en cada uno de sus trabajos desde que debutó con Osmosis en 2009, en plena crisis griega. Precisamente Osmosis pasó a ser el nombre de la compañía que comanda este transformista bizarro nacido en Atenas en 1975, que pronto mandó a paseo su carrera de actor convencional y el método Stanislavsky para meter cizaña con sus personajes en las calles de la capital griega, hasta profanar la mismísima Acrópolis. En esta pieza de cabaret performático, el intérprete, junto a otro actor que ejerce de sombra, generan un universo fantasmagórico fascinante. Por momentos parece que estamos sumergidos en una serie de dibujos animados surrealistas y de golpe, algo cambia a través de la luz, un movimiento o un gesto y entramos en una pesadilla grotesca, llena de imágenes inquietantes empapadas en sonidos de voces distorsionadas y ruidos de mundos futuristas. Una pena que esté todo agotado porque, seguro que se ha quedado mucho público sin poder disfrutar del universo personal y fascinante de Laskaridis en la que nos habla del vacío y la soledad a través de seres y situaciones delirantes.
Adolfo Simón
De neones, bichos y animales muertos en MADferia
En la recta final de MADferia hemos disfrutado hoy de una propuesta para público familiar cuyo título era NEÓN que, a partid de la luz y los malabares creaban una dramaturgia singular. A media tarde asistimos a Insecto primitivo, una peculiar pieza de danza en la que el cuerpo animalesco construía universos de extrañamiento muy inquietantes. Y para cerrar la jornada, Excalibur y otras historias de animales muertos…Este ha sido, hasta el momento, la propuesta más inteligente y compleja de la Feria. Proyecciones en vivo, teatro de objetos y manipulación… insertados en una dramaturgia inteligente que nos ha hecho viajar por todos tipo de emociones. Espero que el público de Madrid pueda disfrutar en breve de este trabajo tan interesante.
Adolfo Simón
Ciclo La Phármaco/Luz Arcas en Cuarta Pared
Luz Arcas lleva una década desarrollando un lenguaje propio, muy personal, que cada vez tiene mayor fuerza y nitidez. Cuando se hace una celebración, como lo es este ciclo, es un momento fantástico para constatar todo el viaje realizado por una artista, en este caso, Luz Arcas. En las dos piezas presentadas en Cuarta Pared, la coreografa recupera «Sed Erosiona» que también interpretó ella y «El monstruo de las dos espaldas» realizado por una pareja y que, sin estar la autora en escena, siguen presente en cada movimiento sus códigos coreúticos. Vistas juntas como hoy se podía en programa doble, se aprecia una conexión profunda entre ambas obras, en las dos hay una atmósfera lumínica y sonora que envuelve los cuerpos, creando un paisaje crepuscular e inquietante. La piel de los bailarines se vuelve elástica y porosa, los cuerpos dejan de ser para transformarse en objetos golpeados y trasladados como fantasmagorías. Nada es anecdotico, todo lo que se dibuja en la escena tiene trasfondo y poética. Luz Arcas está consiguiendo que cuerpo y discurso se engarcen y queden suspendidos en el aire.
Adolfo Simón
Teatro, circo, danza y títeres para público familiar en Navidad
*EL MAGO DE OZ en CONDE DUQUE
*MADRIONETAS en CENTRO CULTURAL FERNÁN GÓMEZ
*CIRCO DE HIELO 2 en IFEMA
*TITERESCENA en el CDN
*CIRCO DEL SOL en CASA DE CAMPO
*PLAY en los TEATROS del CANAL
*CIRCO PRICE en NAVIDAD
*NORA y el DRAGÓN en el TEATRO LARA
*THE MAJESTIC en el TEATRO INFANTA ISABEL
*EL BARBERO DE SEVILLA en el TEATRO BELLAS ARTES
*ELENA…¿SABÍAS QUÉ?…en el TEATRO REINA VICTORIA
*CUENTOS IRREPETIBLES en el TEATRO LUCHANA
*BILLY ELLIOT en el NUEVO TEATRO ALCALÁ
*PETER PAN, el musical en el TEATRO MARAVILLAS
*HEIDI, el musical en el TEATRO SAN POL
*HUBO en el TEATRO de la ABADÍA
*PICA PICA fiesta party en el TEATRO EDP GRAN VÍA
*TITÁNICAS en la SALA TARAMBANA
*EL SECRETO DE LA CALLE DE LA LLUVIA en LAGRADA teatro
*EL MAGO YUNKE en IFEMA
*CANCIONES PARA RETOMAR EL VUELO en el TEATRO COFIDIS ALCÁZAR
*MIRACOLUS en el PALACIO MUNICIPAL DE CONGRESOS
*LA PEQUEÑA CERILLERA en el TEATRO REAL
*EL ORIGEN DEL HIELO en el TEATRO ARLEQUÍN
*GIRASOLES en PLOT POINT
*HACIENDO EL MAGO en LA ESCALERA DE JACOB
*LA ISLA DEL TESORO en ESTUDIO 2-MANUEL GALIANA
*GENERACIÓN ESPINETE en LA LATINA
*MARY POMPAS en LA MIRADOR
*SATURNO O VOLAR en NAVE 73
*CHIQUI JAMMING en TEATRO PRINCIPE GRAN VÍA
*TEATRO DE TÍTERES DEL RETIRO
Dolorosa de Luz Arcas en Casa de América
Dentro del programa Enrédate del AECID que se presentó ayer en Madrid. Hoy hemos podido disfrutar de unos fragmentos de dos piezas realizadas por Luz Arcas en diferentes programas llevados a cabo en El Salvador y Mozambique. Fiel a su estilo, la creadora de La Pharmaco presentó dos piezas en las que el ritual y el compromiso del cuerpo en el espacio generaban una atmósfera de gran intensidad poético dramática. Una muestra excelente del trabajo de cooperación y sinergias que el AECID lleva a cabo año tras año entre creadores de la escena.
Adolfo Simón
The Look, de Sharon Eyal. George & Zalman y Black Milk, de Ohad Naharin. Batsheva – The Young Ensemble en Madrid en Danza/Teatros del Canal
The Look es una nueva pieza de la coreógrafa Sharon Eyal que se inspira en la filosofía pacifista de la no violencia de Gandhi bajo el enunciado “nadie puede hacerme daño sin mi permiso”. Tras representarla durante dos temporadas consecutivas en Israel, The Young Ensemble sale de gira con este nuevo trabajo que incluye además dos celebradas creaciones de Naharin, George & Zalman y Black Milk. Hay espectáculos que consiguen que el silencio se instale en el teatro y por momentos vivimos una experiencia mística, The Look es un viaje sensorial de extraña belleza.
Adolfo Simón
«Juana» en el Teatro Español
El Teatro Español acoge a «Juana» del 4 al 22 de diciembre en un montaje dirigido y coreografiado por Chevi Muraday y con la dramaturgia de Juan Carlos Rubio. Juana parte de una propuesta escénica que se basa en el papel de la mujer a lo largo de la historia y en la búsqueda de un destino femenino en la tierra a través de la excusa de un nombre: Juana, y de inspiraciones en las mujeres que han poseído el mismo y que lucharon fuertemente por ser ellas mismas imbulléndose en una actriz contemporánea, Aitana Sánchez-Gijón, capaz de contener y representar a través de la palabra y la danza su espíritu libre y luchador.
Sor Juana Inés de la Cruz, Juana «la loca», La Papisa Juana, Juana de Arco, Juana Doña… fueron mujeres adelantadas a su tiempo, comprometidas, condenadas desde su nacimiento solamente por el hecho de ser mujer. Chevy Muraday no ha intentado mezclarlas en un montaje danza-palabra sino que ha ido un paso más allá haciendo que convivan de forma orgánica el texto, la dramaturgia, el movimiento y la danza y destilen los motivos psíquicos que llevaron a estas mujeres a sacar su fortaleza para ser ellas mismas. Ayudado por Alberto Velasco, Maximiliano Sandford y Carlos Beluga, crea un halo de complementariedad al texto demostrando que ha llegado a un punto de perfección en su trabajo coreográfico que lo distingue del resto.
El resultado es un trabajo estéticamente muy potente, donde la propuesta escénográfica, a través de sus texturas y movilidad, también es importante y juega un papel fundamental en el discurso que los autores quieren transmitir. Aitana Sanchez-Gijón se adapta perfectamente al lenguaje coeográfico de Muraday y Losdedae, sumándole la magia y profesionalidad de su interpretación, tan medida, tan comprometida como las mujeres que representa.
Luis Mª García Grande
On Goldberg Variations / Variations de María Muñoz y Pep Ramis / Mal Pelo en el Festival de OTOÑO
La compañía de danza catalana Mal Pelo lleva 30 años investigando y creando un lenguaje propio. Su relación personal con la obra del compositor alemán Johann S. Bach comenzó con BACH, el espectáculo que en 2004 mostró por todo el mundo. Una primera piedra como parte de un proceso de inmersión completo y profundo -Bach Project- alrededor del genio barroco que la troupe prevé culminar en 2021. Entre medias, este 2019 estrenan On Goldberg Variations / Variations, donde Mal Pelo continúa dialogando con las diferentes vertientes de uno de los genios indiscutibles de la música clásica. En esta producción, Malpelo regresa al formato escénico grande y a un elenco numeroso para construir espacios atmosféricos que construyen y de construyen paisajes bucólicos llenos de formas geométricas, construidas en el espacio con los cuerpos de los bailarines.
Adolfo Simón
Banquete ético en el Festival de Otoño
De un tiempo a esta parte, el Festival de Otoño está realizando una tarea importante para la creación contemporánea de este país y es, incorporar a su programación las últimas producciones o trabajos de revisión de la trayectoria de compañías o creadores que han sido fundamentales en el último cuarto de siglo en un territorio áspero que nunca ha mirado ni respetado lo que se ha desarrollado aquí y que, las nuevas generaciones, tienen otros intereses gracias a ver que hubo quien no cayó en lo fácil ni lo convencional. Este año Sara Molina y El Canto de la Cabra son parte de este programa y sobre todo…Matarile Teatro/Ana Vallés. Tres propuestas se van a poder disfrutar a lo largo del Festival. Tres aristas éticas para conocer más a fondo las razones y el sentido de transitar por el filo de la navaja como funambulistas sin limites durante varias décadas. No ha sido un obstáculo no crear en Madrid si no en la periferia, no ha sido un obstáculo mantenerse firmes ante su visión del arte, no ha sido un obstáculo negar la tentación del éxito y la frivolidad…Ha sido difícil y complicado apostar por su idea del teatro, y ahí están, más fuertes que nunca, con el discurso más potente y firme. Los que hemos visto muchos de sus espectáculos a lo largo de estos años, podemos ver la evolución no solo técnica si no también de contenidos. No hace falta lanzar gritos al aire, es suficiente con susurrar el vacío del presente de nuestra sociedad. En Los limones, la nieve y todo lo demás hay una necesidad de expresar la dificultad de establecer un diálogo entre «materias» diferentes. En DAIMON y la jodida lógica asistimos a un banquete salvaje donde todo es deliciosamente brutal. Una experiencia importante la coincidencia de estos tres trabajos para conocer no solo su trayectoria de esta Compañía si no también, tomar conciencia de en qué país y tiempo nos ha tocado darle lugar a la cultura.
Adolfo Simón
The Door de Jo Strømgren Kompani / Lithuanian Natinal Drama Theatre en el Festival de Otoño
En Europa –una masa de tierra dividida por fronteras, idiomas, religiones y barreras geográficas– el fenómeno de la migración siempre ha existido. Es una forma de sobrevivir y una forma de rebelarse, una posibilidad de comenzar de nuevo, pero también de quemar los puentes y dejar todo atrás. Escrito, coreografiado y dirigido por el artista sueco Jo Strømgren, The Door viaja a través de diferentes períodos históricos y regiones europeas para descubrir, en una combinación de movimiento y danza, los patrones que han marcado los movimientos migratorios de nuestro continente, de nación a nación. Una propuesta sugerente en estos tiempos donde todo nos separa, casi retoman el «esperanto» teatral para romper el maleficio de la torre de Babel. Cuerpos en movimiento, diálogos mínimos para hablarnos de adentro y afuera, de lo posible y lo imposible. Otra pieza inquietante en la programación del Festival de Otoño.
Adolfo Simón
Canto a la muerte en el Festival de Otoño
¿Por qué solo hemos de hacer cantos a la vida?…Que diferente sería el mundo si nos enfrentásemos a la muerte como al encuentro festivo con una amiga…Hay espectáculos que tienen una perfección técnica que te deja buen sabor de boca al salir del teatro y hay otros que, además de ser excelentes en su construcción, tienen entre líneas o al fondo de la dramaturgia, un golpe para la cabeza del público. Requiem pour L. de Fabrizio Cassol y Alain Platel / les ballets C de la B nos sumerge en un viaje tolerante y respetuoso por la muerte digna, nos invitan a sonreír y movernos en la butaca al ritmo inquieto de la pieza y también nos mueve por dentro, haciendo nos reflexionar sobre si la muerte es algo más que la continuidad a cámara lenta con la mirada dulce y en éxtasis del último aliento… a la respiración mar del final de la vida de Lucie.
Adolfo Simón
Todo por un sueño!…
«Veinte años no son nada, que febril la mirada»…¿Cuál sería el tango para las tres décadas de viaje al misterio que ha realizado Mónica Runde, La Runde?. Cuando a alguien del mundo del arte se le llama por el apellido con el artículo delante…Es otra cosa. Hoy, a las 13 horas, en Cuarta Pared se ha cerrado el círculo de la semana de celebración de los 30 años de 10 @ 10 Danza. Se podría haber hecho una fiesta sin más complicación, unos vinos, unas risas y un brindis, pero no, La Runde no puede decir adiós mientras se pierde en el oscuro del escenario así como así. Ni corta ni perezosa ha creado una nuevo espectáculo viajando por toda su trayectoria y no es un collage ni un fragmento tras otro, no, es la relectura de cada pasaje, pasados por el filtro de lo que hoy es: Una mujer libre en escena. Supongo que después de tanto tiempo, uno puede sentir que el escenario es «su lugar» y no hay duda…Aunque es un tópico, el escenario es el lugar donde La Runde pisa por derecho. Feliz cumpleaños!… y a por los 40!.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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