Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena

poveda¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.

Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.

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¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.

¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …

¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….

¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.

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Jorge Eines nos habla de su larga trayectoria en el teatro.

eines¿Como fueron tus inicios en el teatro?…Realizaste otras facetas
además de la dirección?
De estudios de Medicina hacia la Filosofía y de ahí al Teatro. Entre
Medicina y Filosofía elaboro sin darme cuenta muy bien, un equipaje donde
se me mezcla el humanismo con algo de trascendencia mística y se ve que la
salida mas fácil fue el Arte del Actor. No exactamente el Teatro como
totalidad. El Actor como inspiración y problema. Creo que por eso llevo 6
libros sobre el tema.

¿Tu trabajo en el teatro y lo has compatibilizado con otros
cometidos?…Háblanos de ello.
He vivido y comido de la pedagogía. No hubiera subsistido sin la Cátedra
en la RESAD y mis clases privadas. Ha sido complementario e integrador,
por suerte. Nunca viví una clase como un mal menor.

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¿Que balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Hice lo único que podía y debía hacer con respecto a mi deseo y mis
principios. He batallado contra añejas tendencias. Ahí donde se unen la
tradición y la copia de la vida. Me ha ido bien desde el 76 en esta tierra
pero he sido un aguafiestas. Muchas veces he dicho y sigo diciendo, lo que
no me preguntan y lo que no quieren escuchar. Tanto en mis libros, como en
mis clases como en mis espectáculos. Como dice Sanchis Sinisterra, un toca
pelotas.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios
al que se hace hoy en día?…
Entiendo que el teatro interesante ha pasado de la palabra o del problema
de lo teatral como hecho lingüístico al problema del actor como generador
de vida y signo escénico. Cada vez hay menos actores ocultos detrás de lo
que dicen y cada vez hay menos directores que se ocultan detrás de la
escenografía, la música o las luces.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Que te anima a participar en ellos?…
Los últimos tres montajes de Tejido Abierto, Beckett, Shakespeare, Lorca,
eran deudas conmigo que tenía que pagar. Yo comencé a dirigir en los 70 y
me enseñaron que los artistas debían hacer lo que les gustaba o inspiraba
y si eso le gustaba al público tanto mejor. Eso me facilita las
elecciones, porque no se trata de cuanto dinero puedo ganar sino de lo que
me pasa cuando ensayo.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Imposible sin ellos. Soy la consecuencia mas que nada de un grupo de
actores con los cuales me resulta imposible no querer trabajar. Si uno se
siente solo en el Arte es porque ha construido muros y no puentes.

¿En qué proyectos has participado durante el ultimo año?…Hablamos de
tu versión de Bodas de Sangre…
Ningún proyecto del cual pueda hablar. Solo Bodas de Sangre. Por fin Lorca
nos ha inspirado. Tenía mucho miedo que no fuera así o que una vez mas no
me gustara ese tercer acto que tantas veces he visto y que siempre me
pareció tan imposible como hermoso. Han explotado tantas cosas ahí dentro.
Nada existía antes de los ensayos o muy poco y eso es muy bueno aunque uno
nunca sabe si a la gente le va a gustar lo que hacemos.

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Peer Gynt de Ibsen. Despertar de Primavera de Wedekind…Turgueniev…En
fin…proyectos imposibles.

¿Como crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
A la Empresa en general supongo que bastante. En mi caso me he alimentado
de las carencias. Aprendí a resolver como pude y durante muchos años puse
dinero todos los meses para sostener una sala como fue Ensayo 100. Estoy
entrenado. Sigo tratando de creer en el Arte para que la verdad no me
mate. La verdad también es el IVA.

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¿Que montaje que hayas visto Últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
El Régimen del Pienso de La Zaranda. Como siempre no son una ventana. Una
manera de entrar al trabajo creador y a lo que exponen al público. Su
equilibrio entre lo ético y su poética, es el alimento esencial del
Teatro.
Kafka Enamorado. Por la historia de ese hombre muy bien reinventada por
Araújo para la escena y por el trabajo de Jesus Noguero.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crear como se pueda. Donde se pueda. Con quien aguante el tirón del sin
sentido y se ponga a construir algo para salvarnos de la muerte. ¿Para
qué? Para recordar una vez más que ser un poco feliz es hacer lo que uno
quiere con la gente que uno quiere.

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Kafka enamorado de Luis Araujo en el CDN

Kafka enamorado presenta una historia real y compleja que terminó de forma dramática ante la imposibilidad de realización del amor que sentían Franz Kafka y Felice Bauer. Felice, una mujer muy moderna en su época, directiva de una firma comercial de Berlín, en continuo viaje de negocios, económicamente independiente, conoció a Franz en casa de Max Brod, amigo común que daría a conocer a Kafka al mundo. Franz, bajo la influencia traumática de la autoridad paterna e incapaz de liberarse del influjo familiar y de su trabajo de funcionario, buscaba desentrañar los enigmas de la existencia humana a través de la escritura literaria. Y a pesar de que ambos estaban de verdad enamorados, su relación se convirtió en un constante malentendido en el que, insatisfechos ambos, se hicieron sufrir hasta abandonar sus planes de matrimonio, tras tres sucesivos compromisos y rupturas. Kafka llegó a la conclusión de que una vida matrimonial, burguesa, familiar y ordenada era incompatible con su anhelo artístico, y acabó sacrificándola –sacrificándose él mismo– para legarnos su obra, ese monumento literario que inaugura la modernidad y define de modo exhaustivo la sensibilidad existencial del hombre contemporáneo. Este texto escrito por el autor para el programa de mano nos situa ante la posibilidad de indagar sobre la biografía personal e íntima de Kafka. Hay muchos elementos interesantes y sugerentes en esta tercera y última pieza presentada dentro del ciclo de la novela al teatro. En primer lugar, el texto escrito por Luis Araujo nos sumerge no solo en la cotidianeidad del escritor si no también en su mundo obsesivo de manera precisa, José Pascual ha sabido leer muy bien el material dramático y lo ha instalado atmosféricamente en el espacio escénico propuesto para el ciclo, que aquí está muy bien utilizado y con grandes resultados plásticos al sumársele una inquietante luz. La música de Luis Delgado crea el acompañamiento perfecto a la trama y por último, hay tres actores…Beatríz Argüello, Chema Ruíz y un soberbio Jesús Noguero que dan vida con gran emoción y verosimilitud a cada retazo del diario del amor imposible de Kafka.

Adolfo Simón

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