Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “«Las heridas del Viento»

Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena

poveda¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.

Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.

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¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.

¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …

¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….

¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.

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Adrián Daumas nos habla de su trayectoria en el teatro

daumas¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro para mí es donde desarrollo mis aptitudes libremente. Es una herramienta de reflexión e investigación de los grandes y pequeños debates humanos. De sus contradicciones, de sus virtudes y miserias, más allá del «homo politicus».

¿Por qué haces teatro?…
Es una historia muy larga ya que arranca a los siete años de haber nacido y empezar a ejercer como «marionetista oficial en el cole». Lo demás desde mi formación como actor a la de autor y luego decantarme y profundizar en la dirección escénica son hechos que han transcurrido de manera natural sin imposiciones internas o artificiales. Lo hago porque siempre ha sido parte de mi vida de alguna manera u otra.

¿Qué balance haces de tu trayectoria teatral?…
Al haber empezado muy joven a dirigir (con veinti pocos años) y hacerlo desde el teatro físico, de instinto, de creación colectiva, para ir evolucionando a otras necesidades de contar historias de otras formas puedo decir que he tenido una evolución natural hacia el teatro de texto sin olvidar lo físico.
He tenido una trayectoria muy movida durante los años de «vino y rosas» donde dirigía dos y a veces tres montajes anuales. Ya digo que eran años especiales «los de la burbuja en todos los ámbitos». Luego, como casi todos partir del 2008 el ritmo de trabajo baja considerablemente debido a la coyuntura general, y dejo de producir y empiezo a aceptar encargos ajenos (que son más espaciados en tiempo), por lo tanto el tiempo extra que tengo lo dedico a dar clases, reciclarme profesionalmente, aprender otras actividades para las cuales nunca tenía tiempo, etc.. tiempo que me viene muy bien para tomar cierta distancia y ver las cosas desde otra perspectiva. Luego cuando surge este proyecto siento que recupero la ilusión y la pasión de volver a trabajar desde,se podría decir, recuperar cierta inocencia.

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Háblanos de tus últimos trabajos…
Mis últimos trabajos han sido encargos más espaciados en el tiempo, tales como El color del agua (maxi rodriguez) o El príncipe travestido, de Marivaux. Y han sido en Canarias.

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¿Cómo surge el proyecto de El huésped se divierte?…Háblanos del montaje…
Surge de la necesidad de trabajar en otro tipo de procesos creativos; con tiempo y reuniendo colaboradores afines a tal proceso, no sólo creativo sino también de producción y es ahí donde me embarco en el sistema de cooperativa poniendo como prioridad el que no existan presiones de las del tipo que se viven en un proceso convencional con fechas y presiones ajenas, o habiendo tomado decisiones anteriores con respecto al diseño del espacio u otros, sino que el mismo proceso fuese gestando sus prioridades en la creación, y no como algo impuesto a priori donde a veces quedamos encajados en decisiones que luego a la hora de ensayar podían haber sido más interesantes.
A veces olvidamos que muchas cosas que suceden en los ensayos nos hablan más de lo que en ese momento y con esa obra hacemos que lo que traemos como «ideas o conceptos» impuestos desde la teoría o la planificación. La obra ha tenido muchas vicisitudes, tres repartos diferentes y varias circunstancias ajenas que no merece la pena mencionar ya que al final la lección aprendida es tan gratificante que todo lo demás se queda en la sombra. Ya que la fórmula de la cooperativa no es apta para todo el mundo, aunque lo itenten.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?… ¿Cómo ha sido el proceso creativo?…
Esta es una obra hecha mano a mano con los actores todos aportaron al proceso creativo, no sólo de la obra sino también al trabajo de cada personaje, de cada actor. Es más, se trabajo desde la perspectiva de que los personajes no eran propiedad de los actores asignados. Existía una retroalimentación de grupo. Ya se sabe que cuatro ojos ven mejor que dos por no decir diez ojos. Yo siempre he creido y en la medida de lo posible lo he intentado aplicar con cierto trabajo de «creación colectiva», con sus pautas y su entorno. No es nada nuevo desde Brecht a Eugenio Barba, a Win vandekeybus o Pina Baush o Els Joglars, etc., con sus señas de identidad y su toque personal dejan huella. Un proceso creativo personal y de participación colectiva enriquece y tiene mejores posibilidades de enganchar al público. Lo que sucede, es que no todos los actores poseen una formación para tales procesos.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para la adaptación y la puesta en escena?…
La obra es un referente en la cultura anglosajona y se hace mucho. Consulté los montajes míticos, la película británica de los años 70 y otras fuentes que me sirvieron para decantarme por el fondo y el contenido aquí y ahora. Eliminamos los localismos y el barroquismo de salón y hemos minimizado el entorno para llevarlo a la abstracción y centrarnos en el contenido y su actualidad que es Un retrato de la amoralidad que se usa como espejo de la actualidad, donde “el todo vale” se impone en una sociedad que atraviesa una de sus peores crisis. Donde el deseo por alguien lo transforma en un objeto intercambiable o de valor «económico».

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
En una sociedad cada vez más hiperconectada a través de la tecnología y sus juguetes, es necesario ver y sentir un arte vivo sea teatro, conciertos u otras artes escénicas. Creo que el teatro tiene un futuro magnífico por delante si vemos la deshumanización a la que estamos sometidos por sus avances y contradicciones.

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
De manera nefasta y contundente. Es acoso y derribo por parte del gobierno hacia la cultura.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Las fórmulas consabidas ya no funcionan, hay que trabajar hombro con hombro y hacerlo desde la honestidad y la transparencia. Las buenas intenciones y la palabrería metódica o politizada no son suficientes. Hay que sudar la camiseta y hacerlo desde la creencia de que tenemos la suerte de desarrollar nuestra aptitudes en un trabajo apasionante, que no es poco. Y ser persistentes, creativos, y generosos.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?
Las heridas del viento con Kiti Manver y True West de Sam Shepard, dirigida por José Carlos Plaza, ambas propuestas diferentes pero muy atractivas y hechas desde la pasión y la humildad. El que todavía no las ha visto debe acercarse a verlas en el Teatro Lara, que a mi modo de entender está metido de lleno en buscar fórmulas donde la calidad y el riesgo atraigan espectadores, y lo está consiguiendo¡¡.

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¿Proyectos?…
Sí, algunos, aunque me he vuelto muy selectivo, ya estoy barajando dos obras: Un «psycho thriller» inspirado en un clásico de Shakespeare, y de clara creación colectiva enfocándolo a los visual y físico; y otra obra contemporánea muy perturbadora de abusos en el seno familiar y en la niñez, localizada en una dictadura, de un autor vivo muy interesante. Pero siempre desde el sosiego en los tiempos de la preparación o el el diseño del proyecto y las expectativas. Si algo he aprehendido de estos años de pausada producción es que no necesito cumplir las expectativas de otros. Y arriesgar en los procesos creativos con los actores, irnos de viaje a paraísos peligrosos. Ya que el teatro que se hace desde la complacencia siempre es un teatro muerto.

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Naim Thomas nos habla de sus últimos trabajos para la escena

naim¿Cómo surge el proyecto de Aladín?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
Pues el proyecto surge a raíz de una llamada del director que creyó en mis posibilidades para hacer el personaje, que de hecho, es una responsabilidad. La obra va sobre un ladrón, que roba para comer, y cómo su vida cambia al encontrarse con la princesa Jasmin en el bazar. No es una nueva versión, es una adaptación teatral muy fiel a la película y al cuento de las mil y una noches. Mi personaje es el archiconocido Aladín, cuyos valores son tan fuertes que incluso sin tener para comer, él roba para los demás.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Él lo tenía todo montado en su cabeza, lo único que tuvimos que hacer fue plasmar y encarnar o intentar acercarnos a lo que él tenía en mente. Creo que la compañía ha logrado, aunque al 100% es prácticamente imposible, acercarnos al ideal que Jose tenía en la cabeza.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Más que un balance que haga yo, creo que las nominaciones a los diversos premios como los Broadway World Spain 2011 (40 El musical) y Broadway World Spain 2013 (Esta noche no estoy para nadie) y mi nominación a los premios Gran Via y Chivas Telón en 2008 (El Rey de Bodas) todas como mejor actor protagonista, hablan por mi trabajo. Eso y los teatros llenos en los tiempos que corren, para mi son el mejor balance posible. Para mi el hecho de vivir de lo que me gusta, me paguen y encima me aplaudan me convierte en un afortunado.

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¿Cuál es tu método de trabajo?…
Pues, mi método de trabajo es acercarme al perfil psicológico del personaje para poder conocer sus características psicológicas y a raíz de ahí intentar hacer el personaje que fluya y lo más real posible, dentro del código de teatro, que es distinto al de cine.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Pues todas las posibles: Elemento de transmisión cultural, crítica (social, política…) y entretenimiento. Creo que hay cabida para todo tipo de teatro y todo tipo es no sólo interesante sino también necesario.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del I.V.A afecta a los de siempre : A los que no somos ricos, a ellos les bajan el I.V.A. del arte (pintura, escultura…) para que puedan adquirir arte a precios más razonables… Creo que la crítica que ejerce el artista/actor incomoda en este gobierno tan democrático, nótese la ironía.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo mejor que he visto últimamente ha sido «Las Heridas del Viento» de Juan Carlos Rubio con Kiti Mánver, actriz a la que adoro en todos los sentidos, y Dani Muriel, me parece que hace un trabajo espectacular. Me tuve que quedar diez minutos más, sentado en la butaca, en shock, por un trabajo tan bonito, tan bien escrito, tan bien actuado y tan maravilloso.

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¿Proyectos?… ¿Proyectos? Siempre, no soy alguien de quedarme parado mirando. Me gustan los nuevos retos, pero decirlos suele resultar un imán para la mala suerte.

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Las heridas del viento de Juan Carlos Rubio en el Teatro Lara

¿Qué hace falta para que haya teatro-teatro?…Pues muy sencillo, una buena historia y unos actores en la cuerda floja de la escena. En Las heridas del viento hay una historia interesante que sorprende a cada paso de la pieza, no hay un momento en el que la atención del espectador decaiga porque la sucesión de giros que da la trama obliga a que no pestañeemos. Y además, el autor vivo, lo es más que nunca en esta función, acompaña la acción durante todo el tiempo, siendo cómplice con los intérpretes de todo lo que va sucediendo, dando el relevo a la voz de ellos para que cuenten su historia. El director está aquí sutilmente, solo da ocasión a que el autor se encuentre con los actores en esa frontera entre realidad y ficción. La historia nos atrapa porque todos hemos vivido un amor al límite o hemos dejado que nos amasen sin cortapisas, aunque después hayamos tenido que lamernos las heridas que el viento deja a su paso. Solo unas sillas, unos focos y a Mina de fondo…Ah! no, me olvidaba de los más importante, dos actores en un combate emocional contundente: Dani Muriel dando réplica a Kiti Manver que aparece bajando una escalera desde otro tiempo, otra realidad y frente a los ojos del público se transforma, en un juego queer, en el hombre que guarda todos los secretos de la función. Kiti Manver alcanza en este trabajo un nivel interpretativo difícil de superar, a partir de ahora habrá que llamarla: La Manver.
Adolfo Simón

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Juan Carlos Rubio no habla de sus proyectos como autor y director.

rubio¿Cómo surge el proyecto de Las heridas del viento?…
Después de dirigir LA MONJA ALFÉREZ en el CDN, un montaje con 13 actores y un gran despliegue escenográfico y técnico, decidí embarcarme en algo mucho más intimo, personal, necesitaba volver a unas premisas más básicas y cercanas: dos actores y un texto. Y pensé que LAS HERIDAS DEL VIENTO era el texto ideal. Se ha estrenado en más de diez países, pero yo nunca la había dirigido. Y le tenía ganas.

¿De qué va la obra?…
Tras la muerte de su padre, David encuentra unas cartas de amor de otro hombre dirigidas a su progenitor. Sorprendido (y dolido) por el descubrimiento decide visitar a ese supuesto amante, Juan. Pero las cosas no son como parecían a primera vista. ¡Hasta ahí puedo contar!.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No, basé el texto en experiencias propias, sensaciones vividas. Tengo padre, en mi familia hay secretos, como en todas, he tenido amores no correspondidos y amores a los que no he correspondido. He escrito sobre un tema que me toca.

¿Cómo fue el proceso de escritura?…
La obra la escribí en dos meses en 1999. Después la he revisado varias veces, pero la fundamental sigue siendo lo que escribí entonces. Fue un proceso rápido, sabía lo que estaba escribiendo.

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¿Cómo ha sido el trabajo con los actores?…
Maravilloso. Kiti es mi alma gemela, nos entendemos con solo una mirada, hay una confianza y un respeto mutuo inmenso. Llevamos colaborando ocho años en cinco montajes ¡Y lo que nos queda! Cuando le planteé el reto de interpretar a un hombre no lo dudó, se lanzó de cabeza. Es una actriz descomunal. A Dani le pude dirigir en LA MONJA ALFÉREZ y le quería para interpretar a David. Es un actor increíble, con una sensibilidad y entrega especiales. Le adopto desde ya para mi troupe teatral. Hacen una pareja excepcional.

¿Cómo llevas a cabo el trabajo de puesta en escena al ser autor-director?…
Dejo a cada uno que haga su trabajo. Como autor propongo un texto, como director encuentro la manera de ponerlo en pie. Y si hay algún problema les pongo en contacto. Se llevan bien, hace tiempo que colaboran…

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¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
Creo que no hay formulas, depende del momento. He publicado antes de estrenar y después, no es algo que me preocupe. Es verdad que después de dirigir mis textos salen nuevas versiones. Quizá sea mejor publicar después.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como autor/director?…
Me siento muy afortunado de haber podido dirigir tanto y contar con equipos artísticos tan fabulosos. Y de que los productores hayan confiado en mí. es un balance totalmente positivo.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La que siempre ha tenido: mover sentimientos, conciencias, alegrar los malos momentos y poner el dedo en la llaga de las injusticias y realidades que nos han tocado vivir. El teatro es la esencia misma del ser humano, el más fiel retrato de sus miserias y grandezas.

¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
Me inspira todo. Un recuerdo, una noticia, una sensación, una mirada, un atardecer… Estoy abierto a cualquier estimulo. De hecho mi teatro es muy plural, paso de un tema a otro sin ningún reparo, de un tono a uno de un plumazo. Me interesa todo. Y me motiva una necesidad vital de contar historias.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Es un hecho lamentable, una vergüenza que habla muy mal de nuestros dirigentes. La cultura no es un artículo de lujo. El teatro ha sufrido un golpe muy duro. Pero seguiremos adelante de una u otra manera.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Fui a ver MASTER CLASS, con Norma Aleandro. Me pareció sencillamente magistral. Una master class de teatro.

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¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?…
Mejor que hace años, al menos por la cantidad de obras que suben a los escenarios. Estoy feliz de ver obras que no he leído ni visto antes escritas por gente que vive aquí. Es lo normal ¿no?. Al menos es lo que ocurre en otro países que tenemos como referente: Francia, Reino Unido…

¿Proyectos?…
Muchos. Pero mi realidad ahora se llama LAS HERIDAS DEL VIENTO, cada lunes en el hall del Teatro Lara. Estoy volcado en ello en cuerpo y alma. Y merece la pena la dedicación. El público nos está acogiendo con entusiasmo.

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Núria González nos habla de sus proyectos teatrales

nuriagon¿Cómo surge el proyecto de Taitantos?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
A mi me llega el texto de Olga Iglesias, lo leo y me río. Es la única manera que conozco de empezar bien con una comedia.
El asunto que aborda, el paso del tiempo y cómo lo enfrentamos cada uno, es universal: a todo el mundo le afecta, sea o no consciente de ello. Y me interesa, claro!
Y por fin está el flechazo con Susana Duarte: una mujer madura que hasta el momento se consideraba un ejemplo a seguir y de repente se siente excluída en el reino que creía haber conquistado. Con Susana todo es un «sube y baja y sube…»un rato te enfadas con ella, otro rato te ríes, otro empatizas con su vulnerabilidad…No te permite instalarte en nada…no deja respirar al espectador, ni a la actriz!.

¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con el director?…
Ha sido muy interesante buscar con él a una Susana contradictoria, perdida como una amnésica en un mundo conocido, revolviéndose contra lo inevitable: con prepotencia ahora, luego con desesperación. Cómicamente desquiciada. Coté ha construido un recorrido emocional sólido por el que transita el tren Susana siempre a punto de descarrilar.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
El balance es muy positivo para mi:»Tres» escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio fue un gran éxito, y disfruté con Kitti Manver, Aurora Sánchez y Octavi Pujades de muchas funciones en todas partes.
Luego repetimos con «La monja Alférez» en el María Guerrero: una aventura completamente distinta: un texto de Domingo Miras, un personaje histórico… Bueno varios: aparte de la Catalina vital y seductora, interpretaba a la monja Catalina de Aliri y al Papa Urbano VIII. Trece actores… Magia, espadas, malabares, juegos de equilibrio….todo condensado, comprimido, una locura! Precioso espectáculo, muy especial.
Y ahora TAITANTOS una comedia de Olga Iglesias Durán a la que no conocía, dirigida por Cote Soler por primera vez y por primera vez sola en el escenario…Pues otra locura!!! Mayor, creo yo!
Afortunadamente las ganas le pudieron a los miedos y por si quedaba alguna duda, el público nos llena el teatro y se engancha a la peripecia de Susana Duarte desde el minuto uno haciendo las delicias de esta actriz que no puede estar más agradecida por esta respuesta.

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¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
Mi trabajo es buscar una persona en una montaña de palabras. Eso va primero siempre, si no la encuentro… Ni cine ni teatro ni tele, sin eso no hago «na». Mucho más tarde que eso vienen las peculiaridades del medio, las directrices…Podemos hablar de diferencias si queremos(aquí hay que proyectar la voz, aquí llevas un micrófono…) pero lo básico es lo mismo: que haya personaje.
Mi método no existe, al menos de momento. Cada vez me siento impelida a abordar las cosas de forma diferente. Pero todo el mundo tiene que empezar revolviendo entre las palabras, es lo único que tienes al principio.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Muchas…Emocionar, hoy y siempre. Excitar nuestras mentes, hacernos pensar por nosotros mismos. Hacer que nos juntemos para disfrutar un viaje diferente.
En el caso de Taitantos ayudar a reírse de las pesadillas.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Hablando de pesadillas!!
Yo no sabría darte cifras. Pero cada vez es todo más complicado. Hay que hacer grandes esfuerzos, desde dentro y desde fuera, para que algo salga adelante. Nosotros empujando los proyectos, los teatros tratando de facilitar el acceso y el público que no nos abandona a pesar de todo. El otro día me enteré por un compañero de que un espectáculo tan lucrativo como el fútbol no paga su 21 por ciento. Un dato más de que la cosa es una maniobra indecente y dirigida a la cultura.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vi el «manual de la buena esposa» dirigida por Quino Falero, hicieron un gran trabajo, estuvieron fantásticas las actrices. Ahora estoy pendiente del estreno de «Las heridas del Viento» en el Lara. Deseando ver a Kitti y Daniel.

¿Proyectos?…
Que Taitantos esté mucho tiempo en cartel, y eso sólo se consigue si venís a verme, así que mi primer proyecto es convenceros de qué lo hagáis: hasta el 13 de octubre en el Teatro Lara todos los fines de semana, y a partir del 15 de octubre, todos los martes en el Alcázar Cofidis. Nos mudamos, pero no muy lejos, a la calle de Alcalá. Seguidnos, os vais a reír tengáis la edad que tengáis.

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