Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “‘Surge Madrid’

Surge Madrid – III Edición

Esta semana empieza la nueva edición de esta muestra en la que se puede comprobar el estado de la creación contemporánea en la Comunidad de Madrid
Más info en: http://www.madrid.org/surgemadrid/index.htmltime


Ternura negra de Denise Despeyroux en Kubik dentro de Surge Madrid

Denise Despeyroux está creando una personal trayectoria como autora y directora. Su paisaje dramatúrgico transita entre historias de hoy que se cruzan con otras de tiempo y espacio diferente…y sus puestas en escena también juegan con planos superpuestos; la situación de algunos personajes ocurre en un aquí y ahora…y otros seres habitan en mundos paralelos o en espacios virtuales. Todas estas cuestiones crean una textura poética compleja a la que hay que estar atento en su transcurrir en escena, por momentos hay mucha información que paraliza la acción y después, toda esa materia se conecta con las situaciones y provoca en el imaginario del espectador el efecto que ella busca. En Ternura negra indaga sobre la hipótesis de lo que pudo ocurrir en un tiempo pretérito cuando se está tratando de convertirlo en ficción escénica actual y lo que esto obliga a que quienes protagonizan, esta indagación teatral, les descubrirá otros mundos que no conocían o a los que no querían enfrentarse. La puesta en escena es sencilla aunque dialogar con una pantalla obliga a los actores a realizar virtuosismo interpretativo.
Adolfo Simón

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Anónimas de Amaranta Osorio en el Teatro del Barrio dentro de Surge Madrid

Tres hermanas- una actriz, una guitarrista y una muñeca- en una habitación con suelo de ajedrez, se cuentan las historias de sus abuelas y de sus madres, mujeres queridas pero “anónimas”. Sus sonrisas son ingenuas y peligrosas. Se rien de Barbazul y dedican música, cantos y danzas a Susana Chávez, periodista mexicana que acuñó la frase “ni una muerta más” para rescatar el derecho a la vida de otras mujeres que se han vuelto sólo estadísticas. Las historias recuerdan tiempos de guerra y de paz, amores y astucias para mantener a la familia junta. Las tres hermanas recorren un camino de piedras hecho con la historia silenciosa de muchas mujeres en busca de sus nombres.
El espectáculo combina música y teatro en un espacio en blanco y negro. Las imágenes transportan al espectador, incitándolo a re descubrir su propia historia y a recordar a las mujeres “anónimas” que han forjado su existencia.
Las mujeres han sido siempre las más innovadoras y las más arriesgadas… ¿Cómo sería un mundo sin mujeres?. Por eso, probablemente, los hombres han tratado, a lo largo de la historia, de silenciarlas, de volverlas invisibles. Este espectáculo comprometido da fe de nuevo que las mujeres no están dispuestas a callarse y dejarse anular. Una propuesta sencilla pero muy bella plásticamente, las dos actrices mutan y se transforman en la narración endiablada de muchas historias de mujeres. La dirección corre a cargo de Julia Varley, una directora de prestigio.
Adolfo Simón

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Los muertos y los vivos viajan en Surge Madrid

Hay muchas maneras de viajar y a través del teatro se puede llegar a donde la imaginación desee. En la recta final de Surge Madrid 2015 siguen presentándose espectáculos personales a través de los que los artistas siguen reflexionando y viajando a destinos imposibles…
En Delirare, un texto de Cristina Redondo presentado en Cuarta Pared, la Compañía Último Baile nos muestra, dirigido por Fernando Soto, un viaje hacia paraísos soñados donde, como en Ítaca, el puerto nunca llega o el naufragio vital es un bucle del que no se puede escapar. Un cuarto de actores bailan, cantan y actúan en el borde de un precipicio submarino.

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En Wichita Falls de Angélica Briseño Ortega presentada en La Usina, los personajes instalados en una cena familiar absurda irán mostrando sus íntimas mezquindades que estallarán como una bomba espacial cuando, la abuela de esta familia, les hace saber que realizará su sueño imposible que, de algún modo, les dejará a todos frente a sus pequeñas miserias diarias.
Adolfo Simón

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Celestina y Don Juan again

De vez en cuando, vuelven a los escenarios los personajes clásicos con piel añeja o renovada… Suele inquietar a los jóvenes creadores la idea de cómo serían hoy aquellos mitos de la literatura y a menudo, encontramos que siguen conviviendo con nosotros reencarnándose constantemente. Sabido es de todos que Charo López es una gran actriz y que en los escenarios se encuentra como en el salón de su casa, en este caso no se sube a ellos a darnos lecciones de sexo si no a darnos guiños biográficos de ese personaje eterno que ya es: Celestina. En una propuesta muy sencilla e íntima, casi al oído del público nos va contando confidencias acompañada de música y canciones. La sala pequeña del Teatro Español, recién nombrada Margarita Xirgu, nos ha deparado grandes momentos con intérpretes geniales.
Y en otro espacio, cerca del Barrio de las Letras, en el Teatro del Arte, Auto(in)definido cuyo subtítulo es el Don de Juan se ha presentado dentro de Surge Madrid de la mano de los integrantes de Teatro Acción Candente y como se puede suponer por el título, es una mirada actual al mito de Don Juan, tratando de encontrar otro prisma del personaje que pocas veces se observa, la culpa del personaje y el arrepentimiento por todas sus tropelías realizadas y sus consecuencias.
Adolfo SimónOjos de agua Foto DAVID RUIZ (04br

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La piel de Maltrago Teatro y La Cabra Cia. en Surge Madrid

Surge Madrid es un escaparate para presentar propuestas no convencionales de los creadores que viven y trabajan en Madrid. Un espacio para la experimentación y la búsqueda, un lugar para tratar de reflexionar sobre qué se está creando hoy y para qué. El tono de este año es muy negativo, en muchos de los trabajos, los artistas plantean la desesperación o la asfixia que sienten al ver como su obra no tiene respuesta por parte del respetable…Sea público, instituciones, espacios de exhibición. En esta línea podría situarse La Piel, un espectáculo a medio camino entre el teatro y la performance donde el público asiste y participa del vértigo de una artista que se siente fuera del foco, al borde del suicidio artístico y ya que está ahí…Pues lo mejor que se puede hacer es: Representarlo.
Adolfo Simón

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Reflexiones de una disléxica de Inés Narváez Arróspide en la Sala DT dentro de Surge Madrid

Cuando ya hemos atravesado el ecuador de la edición de Surge de este año, creo que para próximas convocatorias, deberían dar más espacio o estimular más a los creadores de danza o danza-teatro a participar. Sin duda, de lo presentado hasta el momento, la danza ha sido de los más interesante, como el caso de estas Reflexiones de una disléxica de Inés Narváez Arróspide en la Sala DT. Un trabajo sobre el que la joven creadora lleva tiempo investigando y que está dando muy sugerentes resultados. Además, en esta ocasión, ha estado acompañada de Mónica Runde; un lujo ver a esta veterana creadora sudando y trabajando codo con codo junto a Inés, una ocasión perfecta para que dos trayectorias distintas se den la mano y compartan su mirada personal de la danza, un regalo para el público asistente.
Adolfo Simón

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Seres de otro mundo en el Teatro Alfil y La Usina

Las noches del fin de semana, en los escenarios madrileños, están llenas de personajes extraños y estrafalarios…Como los que poblarán este mundo dentro muuuuuuuuuuuuuuuuchos años, cuando el ser humano haya ¿evolucionado?…En el Teatro Alfil, hay un buen ramillete de situaciones de lo que está por venir en Futuro 10.0. Y en La Usina, dentro de Surge Madrid, una obra de crímenes e infidelidades con cambios de identidad en los personajes de D.E.P.(DEJADMEENPAZ), en esta corrala delirante, las mujeres son barbudas y los hombres…mujercitas sin carácter.
Adolfo Simón

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Disparando al público de Surge Madrid

La programación de la muestra madrileña sigue su curso…Los artistas disparan con pistolas cargadas de rabia por las injusticias desde una versión actualizada de Tio Vania-Descansaremos de Apata Teatro o lanzan bolas de papel como balas desde el escenario para que la poesía haga reaccionar al respetable en el Deseo de Elisa de Cia. Omosuno.
Adolfo Simón

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Hoy, 21 de marzo es el Día Mundial del Títeres

titere_de_varilla-282631Mensaje del Día Mundial del Títere 2011

(21 de marzo)

Heme aquí en la ciudad de Omsk en Siberia Occidental. Entro en el Museo etnográfico. De golpe mis ojos son atraídos por la gran vitrina donde se encuentran decenas de figuras -se trata de ídolos de tribus ugrófinas: los Menses y los Chantes- que parecen saludar a cada uno de los visitantes. Un impulso interior me empuja a responderles y les saludo igualmente. Son magnificas. Representan una huella permanente de la espiritualidad de generaciones humanas primitivas. Son ellas y su mundo imaginario, las que están en el origen de las primeras manifestaciones e imágenes teatrales, tanto sagradas como profanas.

Las colecciones de arte están llenas de ídolos y figuras sagradas que desaparecen poco a poco de nuestra memoria. Sin embargo en este museo, hay también marionetas, que guardan, la impronta de las manos de sus creadores y de sus manipuladores. Dicho de otra forma, esas manos guardan las huellas de la destreza, de la fantasía y de la espiritualidad humana. Colecciones de marionetas existen en todos los continentes y en casi todos los países. Son un orgullo para los coleccionistas. Constituyen lugares de investigación, que guardan la memoria viva aportando una importante prueba de la diversidad de nuestra disciplina.

El arte, como muchas otras actividades humanas, se somete a dos tendencias: la uniformidad y la diferenciación. Hoy vemos que las dos tendencias coexisten a nivel de actividades culturales. Podemos constatar que evidentemente la gran facilidad para viajar, tanto por aire como por la red, multiplican el número de contactos en los diferentes congresos y festivales, lo que conduce a una mayor uniformidad. Dentro de poco viviremos realmente en la ciudad global de Mc Luhan.

Este hecho no significa que hayamos perdido completamente el sentido de la diferenciación cultural sino más bien que un gran número de compañías de teatro utilizan de ahora en adelante medios de expresión similares. Estilos de marionetas tales como el ningyo joruri japonés o el wayang de Indonesia han sido asimilados en Europa y América. Al mismo tiempo, grupos ya sea asiáticos o africanos utilizan técnicas marionetísticas europeas.

Mis amigos me dicen que si un joven artista japonés puede ser un virtuoso interpretando obras de Chopin, un americano bien puede convertirse en un maestro de joruri o en un dalang tocando el wayang purva. Podría estar de acuerdo con ellos con la condición de que este marionetista asimile, no solo la técnica del bunraku sino también toda la cultura que lleva asociada.

Numerosos artistas se sienten satisfechos con la belleza exterior de la marioneta que sin embargo da a los espectadores la posibilidad de descubrir diferentes formas artísticas. De esta manera la marioneta invade nuevos territorios. Incluso en el seno del teatro de actor, se ha convertido en una fuente de metáforas variadas.

Esta gran expansión de la marioneta figurativa antigua está ligada a un movimiento inversamente proporcional al espacio que ocupaba anteriormente. Esto es debido a la gran invasión del objeto y, a mayor escala, a todo aquello que toca la materia. Porque todo objeto, toda materia, sometida a una animación, nos habla y exige su derecho a la vida teatral. Así, a partir de ahora, el objeto sustituye a la marioneta figurativa, abriendo a los artistas un camino hacia un nuevo lenguaje poético, hacia una creación que implica imágenes ricas y dinámicas.

La imaginería y las metáforas que, en otro tiempo, han sido características de cada tipo de marionetas, diferenciando las unas de las otras, se han convertido, hoy en día, en la fuente de expresión de cada marionetista individual. Así aparece un nuevo lenguaje poético singular que no depende de la tradición genérica sino del talento del artista., de su creatividad individual. La uniformización de los medios de expresión.

Ha engendrado su diferenciación. La ciudad global de Mc Luhan se ha convertido en sus antípodas. Los diferentes medios de expresión se han convertido en los instrumentos de la palabra individual que siempre prefiere soluciones originales. Queda claro que la tradición figurativa de la marioneta no ha desaparecido de nuestro horizonte. Y deseamos que permanezca siempre como punto de referencia de gran valor.

Profesor Henryk Jurkowski


“La cena de los idiotas” en el Teatro La Latina

La Latina lleno como en los mejores tiempos con una obra que ya va por la quinta temporada… esto me ha recordado a su anterior propietaria, Lina Morgan. Ahí estaba de nuevo el humor bien hecho, para todos los públicos, para ir acompañado al teatro y luego echarse unas risas recordando las escenas mientras te tomas una caña, llenando el teatro y con actores que sabían dar la talla…no descarto verla grabada en alguna televisión en futuras navidades, no descarto una edición en VHS de esas que se compraba mi abuela para ver a la Morgan repetidamente hacer esparajismos, aspavientos y tangos con la pierna torcida… eso sí, ahora en el moderno blurrey, que diría ella.

Josema Yuste ha conseguido adaptar al castellano una obra francesa que ya venía con avales pero para la que era necesario retocar todos los gags y “bocadillos” a nuestro sentir humorístico… y quién mejor que él, que de esto sabe y tiene una larga experiencia haciéndonos reír. Además le podemos ver sobre las tablas con sus gestos y manera de trabajar tan conocida que nos garantiza ya de por sí unas buenas risas, que falta nos hacen. Pero no sólo Josema nos hace soltar carcajadas…Félix Álvarez Felisuco y David Fernández hacen que la obra se convierta en hora y media delirante.

Y sí, tienen razón en que el mundo iría mucho mejor con buena gente, que hacen falta listillos y pícaros pero que los inocentes siempre permanecerán, porque aunque nos tomen por tontos… ya saben, con la que está cayendo a veces la mejor solución es la más simple, la menos pensada…y la más graciosa.

Y ahora, con su permiso, me voy a cenar.

Luis Mª García Grande.

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María Velasco: Detesto el entretenimiento.

maria¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.

¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.

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¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.

¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.

¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.

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¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.

¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).

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¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.

¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.

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¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.

¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.

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¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.

¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.

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¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.


Dentro y fuera en Azarte, dentro de Surge Madrid

No es fácil saber qué pasa en los camerinos de un teatro durante la representación, es un espacio privado que pertenece a los actores y a la construcción de los personajes. Allí nacen las creaciones para instalarse en el imaginario de los intérpretes antes de salir a escena. Pero también están allí las personas que son esos actores y sus relaciones emocionales. Y están sus miedos, sus traiciones, sus fantasmas…Como en la vida, uno va cargado de sí mismo y de lo que los otros meten en nuestras mochilas. Normalmente se conoce de Azarte la recoleta sala de la parte de arriba, pero para esta ocasión han abierto al público la parte de abajo, convirtiéndola en un camerino donde el espectador puede asistir a esos momentos íntimos en los que se preparan, se apoyan, discuten o se empujan al abismo. Hay dos trayectos posibles para el drama, los que asistimos nos dividimos en dos grupos, arriba y abajo o lo que será lo mismo…Dentro o fuera…y así experimentamos lo que pasa en escena que se completa cuando asistimos a lo que ocurre en el camerino…o al revés, dependiendo de en qué grupo hagas el viaje a la ficción y a la realidad de estos seres a los que, a veces, el personaje les come o la realidad es superior a lo que pasa en escena. Un juguete escénico interpretado por Pepe Ocio, Alicia Rubio, Alberto Jiménez y Paola Matienzo…la dramaturgia y dirección la ha realizado Víctor García León.
Adolfo Simón

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Las chicas son guerreras en la escena madrileña

No me cansaré nunca de repetir que las mujeres son más participativas, constantes e intrépidas que los hombres en todos los campos de la escena. Este fin de semana se han visto muestras de ello en diferentes espectáculos.

Femenino singular
En Cuarta Pared, dentro de Surge Madrid, hemos podido disfrutar de una propuesta creada a partir de las experiencias vitales de Marta Belenguer, Rosa Manteiga, Carolina Solas y María Vázquez…En este viaje han estado acompañadas por Jorge Muñoz y Emilio del Valle. La materia con la que han construido Femenino singular tiene que ver con ese problema que aparece cuando has de enfrentarte a ser persona, madre y actriz. La sociedad no suele permitir que puedas encontrar un espacio propio y tener las oportunidades que te mereces si no eres un cuerpo 10 y tienes una barita mágica con la que resolver los problemas cotidianos. La estructura de la obra es sencilla y efectiva, proponen sus reclamaciones desde el juego y la comicidad, haciendo las unas de espejo de las otras. Un trabajo que seguro va a encontrar un buen hueco en algún teatro la próxima temporada. Solo una duda…El monólogo final del hombre…¿No es de otra obra?.

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Si el mono no canta hay que matarlo
En Nave 73, también dentro de Surge Madrid se está presentando este trabajo del Colectivo Kong. Este grupo ha trabajado a partir de Teoría King Kong de Virginie Despentes. Su loable propósito ha sido que vea la luz toda aquella conducta y forma de entender la vida que no tiene visibilidad habitualmente. Hay un ser tiránico sin identidad concreta que está sobrevolando todo el tiempo la escena, mediatizando la libertad del ser. Y esa sombra terrible provoca que se busque constantemente la posibilidad de ser un héroe que resuelva las cosas con el chasquido de unos dedos. Pero, ante el terror, hay la posibilidad de la lucha en equipo y además, que el señalado, en este caso: La gorda, gane el pulso a las conductas dominantes descalificadoras. Una sugerencia, la propuesta es muy interesante pero chocan un par de escenas realistas que rompen el riesgo del discurso.

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Doblete en El Escondite: Bye Bye Mary Poppins y A tu imagen y semejanza
Otra razón más para ir al Rastro el domingo y de paso, ver teatro: El escondite. Este espacio tiene programación durante la semana pero también la tiene los domingos por la mañana. Allí he podido disfrutar de dos piezas que, si fuesen cine, entrarían en el campo del mediometraje. Dos historias de mujeres que tratan de luchar contra los tópicos que la sociedad les impone. A Mary Poppins se le pide que sea buena y abnegada con los demás, haciendo de amiga, madre, compañera, psicóloga, etc…Vamos, lo que se pide siempre a ese amig@ que parece está siempre de guardia para atender nuestras necesidades…¿Y cuándo se piensa en uno mismo?. Aquí Mary decide cambiar y ser María. Y en la otra pieza, una mujer joven trata, como si de teatro dentro de la vida se tratase, de buscar su personalidad a través de cambiar su aspecto externo, pero tendrá que aprender a quererse a sí misma y dejar de esperar la aprobación de los demás.
Adolfo Simón

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SIGFRID MONLEÓN nos habla de sus experiencias para la escena

sigfrid¿Cómo surge la propuesta que se presentas en Surge Madrid?…
“Un cielo” surge de la lectura de la obra de Genet, concretamente de algunos textos narrativos suyos, de un programa radiofónico y de algunas entrevistas donde el autor ha hablado de los orígenes de su pasado criminal y de las cárceles infantiles donde pasó su infancia y adolescencia.

Háblanos de Un cielo…Del texto, de la puesta en escena…
La obra pone el foco en las relaciones entre el testigo y el testimonio en la palabra poética, desde la sospecha de que uno ha suplantado a su prójimo y vive en lugar de él. ¿Qué significa hablar por aquellos que no pueden hacerlo? Se trata de responder a esta pregunta, no desde la perspectiva de los hundidos o de los salvados, sino desde lo que sobrevive a la misma posibilidad de hablar, un resto desde el que es posible testimoniar. La puesta en escena intenta explorar con la mayor sencillez este recorrido íntimo donde uno acaba siendo otro.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para este montaje?…
La referencia del montaje es Genet, pero más su narrativa que su literatura dramática. También está presente en la obra el “universo concentracionario” de autores como Primo Levi.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Este proyecto nace tras mi primera dirección teatral, que fue La rendición, un monólogo interpretado por la actriz Isabelle Stoffel. Como vengo del cine, quise a continuación plantearme otro monólogo, pero esta vez con un actor (Francesco Carril), para ir abriéndome las puertas del teatro poco a poco. Llevaba mucho tiempo deseando dar el salto a las tablas, pero quiero hacerlo paso a paso, sin caerme por un precipicio.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de dirigir?…
A la dirección teatral llego desde la dirección cinematográfica, pero tras atesorar como lector un largo idilio con la literatura dramática y, como espectador, con el teatro. Cine y teatro se han trenzado en mi carrera, de hecho mi próximo proyecto cinematográfico es una película documental sobre Alfonso Sastre.

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Es lo que hay, una exhibición de la precariedad imperante. Un clavo ardiendo.

| La rendición, makma.net

¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?
Hay una explosión de creatividad, con nuevas propuestas, nuevos espacios y nuevos públicos, pero creo que el voluntarismo, la precariedad y la sobrevivencia tienen un límite. Cuidado con desfallecer.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Me ha gustado Misántropo, más allá de sus valores como montaje, porque transmite la “joie de vivre” el teatro de una compañía estable, sostenida contra viento y marea en estos tiempos que corren. Es un verdadero acicate.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No me atrevería a dar ninguna sugerencia general, desde la certeza de que cada cual encuentra su propio camino cuando se trata de colmar la necesidad de expresión y comunicación que conlleva el teatro.

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Lo que no te digo dirigido por Cristina Rota en Surge Madrid

Cuando pase la tormenta de este torrente de propuestas que está resultado la Muestra Surge Madrid, quedará en la memoria de los que hemos seguido su programación, aquellas propuestas más sencillas y honestas, creadas con el afán de investigar sobre un material dramático que tal vez de otro modo no habría visto la luz en la cartelera. De este tipo es Lo que no te digo, escrito e interpretado por Nur Levi bajo la dirección de Cristina Rota. Un círculo en la escena donde se acumula material que está usando el personaje para realizar su tesis sobre la perversión del lenguaje, sirve para crear un mundo de obsesiones, miedos, dudas e impotencia sobre las palabras y su función para la comunicación. ¿Aprendemos antes a hablar o a mentir?. Un espectáculo sencillo y emocionante que nos permite seguir pensando, para dejar de ser piedras.
Adolfo Simón

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David Planell nos habla de su experiencia al dirigir su texto Bazar

planell¿Cómo surge la propuesta que se presentas en Surge Madrid?…
Alberto San Juan estaba interesado en una obra que tengo a medio escribir, y por medio se cruzó
el SURGE, así que le ofrecí BAZAR, que ya estaba escrita y llevaba tiempo queriendo atacar
como director. La leyó, le pareció apropiada para el TEATRO DEL BARRIO, y aquí estamos,
estrenando tras dieciocho sesiones de ensayos.

Háblanos de Bazar…Del texto, de la puesta en escena…
Obra antigua mía previamente dirigida por otros, me sirve para estrenarme con director de escena
después de mucho tiempo dedicado al cine. Una puesta sencilla, pero eficaz que, partiendo del
realismo, se ajusta muy bien poéticamente al frenesí de dos días muy agitados. Actores y texto son
la base de mi trabajo, y sacar el máximo provecho de ellos es mi obsesión.

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¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Mamet, Bekett, Azcona, Berlanga.

¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Vida real, prensa, literatura. La curiosidad por explorar zonas (temáticas o estilísticas) que
considero no exploradas antes, y que por tanto me pueden sorprender a mí o a cualquiera que las
vea.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Y la experiencia de dirigir?…
Guionista primero de cine y televisión, y después director. Ahora me estreno como director de
teatro con una obra propia, aunque estoy deseando romper el hielo con algún texto ajeno.

¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…
Claro. Otra cosa es el manual o el maestro que decidas seguir.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
No, a veces el libreto tiene valor propio y es interesante que vea la luz.

¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…
Aparte de producir esta versión de BAZAR, la he dirigido.

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¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
Hay gente que lo hace. Deduzco que sí.

¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Todo lo que sea apoyar el flujo creativo teatral de Madrid me parece muy acertado.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Económicamente rozando lo inviable, creativamente muy interesante.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Llevo dos meses tan enfrascado en la dirección de BAZAR que no he visto nada de teatro. Estoy
deseando reengancharme a la cartelera.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Ser honesto en la búsqueda lo que cada creador considera su mundo, y una vez localizado, ir por él
y trabajarlo sin tregua hasta llegar al meollo expresivo del asunto.

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Intimidad de Simbiontes Teatro dentro de Surge Madrid

Intimidad narra el encuentro entre un joven novelista de éxito y su ex mujer. Han pasado cuatro años sin verse y el encuentro se convierte en un enfrentamiento que evidencia las heridas abiertas de una relación irresuelta. Por suerte, Surge Madrid, más allá de las polémicas que le están acompañando, servirá para que algunas propuestas se hayan podido presentar ante el público y ver en qué otra ocasión podrán ser programadas. Hay espectáculos en proceso y otros de acabado definitivo. A estos últimos pertenece Intimidad, la puesta en escena y el trabajo dramatúrgico y actoral está en su punto. Una obra que genera varios planos temporales muy bien resueltos en la escena. Ante nosotros, los peligros de permitir que la imaginación entre a formar parte de nuestra vida diaria, se corre el riesgo de confundir lo que pensamos con lo que deseamos, lo que vivimos con lo que soñamos. Esperemos que haya nueva ocasión en la próxima temporada para que el público disfrute de este trabajo.
Adolfo Simón

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Extracción dirigida por Eva Varela Lasheras a partir de poemas de Alejandra Pizarnik

Hay obras, autores, que se hacen recurrentes en la memoria y el cuerpo a lo largo de la vida sin ser una muy consciente de la causa de este movimiento casi circular, espiral… Esto le sucede a Eva Varela con la obra de Alejandra Pizarnik. La obra de Pizarnik es para ella un ser vivo, que respira por sí solo en un tiempo/espacio que sólo la poesía habita. Eva lleva casi veinte años alimentándose en la escena independiente como actriz -y en paralelo escenógrafa, traductora, vestuarista y últimamente directora- de esta forma ha ido abriéndose en ella una vía nueva desde la que enfocar su trabajo. En Extracción realiza una creación depurada y austera, el texto se convierte en vacio, misterio, movimiento y caos. Sin duda, un ejercicio arriesgado como pocos se verá en Surge Madrid.
Adolfo Simón

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Fran Calvo nos habla de sus múltiples proyectos para la escena

fran¿Cómo surge la propuesta que presentáis en Surge Madrid?… Estábamos buscando un teatro para estrenar “Constelaciones” en Madrid y en cuanto se lo comentamos a Fernando Sánchez-Cabezudo nos abrió las puertas de Kubik Fabrik, sala que participa dentro del festival y presentamos la obra al festival a través de ellos.

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Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje… “Constelaciones” es un texto maravilloso. Su autor es Nick Payne, un joven dramaturgo inglés que estrenó en la sala pequeña el Royal Court (Londres) en 2012. La reacción de público y crítica fue excelente y la obra fue transferida a un gran teatro del West End.
Es una historia de amor entre una profesora de física cuántica de Universidad (Inma Cuevas) y un apicultor urbano. A partir de ahí el autor teje un entramado de universos paralelos y vemos las infinitas posibilidades que se pueden dar en esta relación. Es una dramaturgia ágil y con una estructura muy particular.
El personaje que interpreto es Roland, el apicultor urbanita. Es un jóven empresario que ha dejado el campo por la ciudad, y trabaja fabricando polen y miel.
El montaje está dirigido por Fernando Soto. Es una propuesta muy limpia, despojada de artificio y basada sobretodo en el trabajo de los actores, con el espacio escénico practicamente vacío. La luz juega también un papel muy importante en este espectáculo. Creo que Fernando nos ha facilitado mucho el trabajo con una propuesta liberadora pero exigente, que capta perfectamente la esencia del texto, y con un trabajo de movimiento escénico (a las órdenes de Antonio Gil) que ayuda a construir y apuntalar la obra, que tiene más de 50 transiciones. Es todo un viaje emocional.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?… Cada proyecto tiene un origen distinto. En algunos casos te llaman y te proponen algo concreto y cerrado, y en otros debe nacer de uno mismo. Considero que es nuestra responsabilidad como actores mantenernos activos y no parar en la búsqueda de nuevas historias y nuevas formas de contar las cosas.
Particularmente, lo que me anima a embarcarme en un nuevo proyecto (teatral) es un buen texto y el equipo de trabajo que lo forme. Hay por supuesto otras variables que afectan pero, sin duda, para mi esos son pilares fundamentales.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?… En Estados Unidos, en el año 2002, con un montaje de “Los cuentos de los Hermanos Grimm”.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?… La verdad es que nunca me paro a hacer balance. Intento siempre mirar hacia delante. Estoy en una etapa muy feliz de mi vida, personal y profesionalmente, y estoy muy ilusionado con todo lo recorrido en estos dos últimos años, pese a las circunstancias de nuestro sector y pese al enorme esfuerzo y desgaste que esto supone a veces.
“Constelaciones” es uno de los mayores retos en los que he podido trabajar en mi trayectoria profesional, y estoy disfrutándolo intensamente, pero creo que para llegar a este punto y con los matices y trabajo que requiere la obra ha sido de vital importancia pasar por un recorrido profesional y una experiencia vital de muchos años viajando, conociendo distintas culturas y observando lo que tenía alrededor.

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¿Cómo creas los personajes?¿Tienes un método?… Bueno, hay una mezcla de componentes. Para mi todo parte de un buen análisis del texto. Una vez tengo claro ese esqueleto textual, combino un trabajo de observación y documentación, para luego materializarlo en ensayos con propuestas concretas a nivel formal y con un trabajo de imágenes. Un profesor mío siempre nos decía que “oír es ver lo que se dice, hablar es extraer imágenes visuales”. Esas imágenes mentales crean un estado de ánimo que nos harán sentir.
Me gusta hacer también siempre un trabajo previo sobre el ritmo interno y la energía del personaje antes de darles vida y antes de confrontarlo con el resto. Y a partir de ahí, todo debería ser juego y exploración. Es muy rico llegar con ese trabajo previo a los ensayos y sorprenderte, y jugar y equivocarse, y “afinar al personaje” en el proceso.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Muchos, la verdad. Teatralmente ha sido un año de mucho trabajo y ahora que lo pienso, creo que necesito unas vacaciones jajaja
He trabajado con Gabriel Olivares en un vodevil francés que se llama “La caja”, de Clèment Michel y con el que hice 2 temporadas en el Teatro Lara el año pasado; también la pasada temporada estuve en una adaptación del clásico de Strindberg “La señorita Julia”, bajo versión y dirección de Miguel Angel Cárcano; “El feo”, una comedia ácida del alemán Marius von Mayenburg, que se presentó en Matadero Madrid dentro del festival Fringe 2013, dirigida por Paco Montes y que retomaremos este mismo verano; un nuevo proyecto de Teatro En Serie que se llama “La casa de huéspedes”, escrita por Luis López de Arriba, y que son obras de teatro por capítulos en espacios no convencionales; y las 2 obras que tengo actualmente en cartel: “Tape”, que llega a la sala grande del Teatro Lara el 22 de mayo, y “Constelaciones”, con la que tenemos de momento cerradas 6 únicas fechas entre mayo/junio en la Sala Kubik Fabrik, también en Madrid.
Como director he montado el año pasado “Secundario”, un monólogo que protagoniza Antonio Velasco y que acaba de volver a la cartelera madrileña, a El umbral de Primavera, todos los viernes de Mayo. Un emotivo homenaje a los cómicos y al teatro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
No me da mucho la cabeza para pensar en nuevos proyectos ahora. Me ha llegado algún texto que tengo pendiente leerme pero hasta otoño no me planteo nuevos proyectos. Creo que es bueno oxigenarse, dedicarme plenamente a todos los montajes en los que tengo la suerte de estar trabajando ahora y dejar que lleguen nuevos aires.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?… Terriblemente. A consecuencia de los recortes y de un IVA desproporcionado, cada vez existe más precariedad y el tejido profesional es difícilmente sostenible. Confío que las conversaciones que se llevan manteniendo desde hace tiempo para regular el tema del IVA cultural sean satisfactorias y que lo veamos pronto. No obstante, el daño está hecho y tristemente se ha perdido gran parte de un trabajo de muchos años y de muchas personas, no solo en las grandes ciudades, sino a nivel de giras y producción teatral en focos alejados de Madrid y Barcelona.

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?… Toda iniciativa que promocione el teatro me parece positiva. Con este festival en particular, y con el despliegue masivo de estrenos que anuncia me siento más escéptico. Me pregunto si realmente creará público para el teatro alternativo madrileño, es decir, si conectará con el público que habitualmente o el resto del año no es asiduo de las salas alternativas, o si solo hará que el público habitual se tenga que multiplicar para ver más obras en un mes. Para mí ahí radica el éxito de un festival con estas características. Que trascienda al público que de otra forma no iría a (o no conoce) las salas alternativas.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?… Muy fértil e ilusionante a nivel creativo pero preocupante en términos de sostenibilidad y apoyo Institucional.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?… Me vienen a la cabeza “Un buen día”, de Dennis Lumborg, un monólogo protagonizado por Bruno Ciordia que estuvo en El Sol de York y que me pareció un soberbio trabajo de construcción de personaje, de capas y de pincelada fina para un texto demoledor; la versión de “El caballero de Olmedo” que ha dirigido Lluís Pasqual, que tuve ocasión de verla en el Pavón hace un par de meses, por su minimalisto elegante, la musicalidad y la frescura en la propuesta; y por último “Entre Actos”, una historia de amor de dos mujeres que está en La casa de la portera, y que me pareció la definición perfecta de sutilidad y sensibilidad en el trabajo, con el público a un palmo de distancia. Muy recomendables las tres.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Mucho amor, paciencia, esfuerzo, sacrificio y deseo de seguir haciéndolo, le pese a quien le pese.


Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena

poveda¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.

Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.

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¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.

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¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.

¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …

¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.

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¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….

¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.

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Y ahora en La Usina dentro de Surge Madrid

“Y Ahora” es una selección de diez historias cortas que emergen del deseo de mostrar por parte de la Compañía Uh Shalalá Teatroo, en tono de comedia ácida, facetas que en la actualidad les inquietan sobre las relaciones humanas, como la “des-comunicación” con las nuevas tecnologías, o como se puede ser original y qué es original y qué es copia en estos días de “Copy-Paste”, la violencia camuflada de incomodidad de las situaciones embarazosas con extraños, las pequeñas humillaciones diarias a las que nos sometemos ya sea en el entorno laboral, social, familiar o amoroso con excusas como “Éxito” y amenazas como “Crisis”, “Paro”, “Soledad” y sobre todo de como todo esto está bien visto y se acepta con normalidad, impotencia y mucha hipocresía. Con esta inquietud, de no saber cómo cambiarlo, de la impotencia, y de darse cuenta que al ser conscientes solo queda reírnos de nosotros mismos y decirnos: Y ahora… Si Dios está jugando una partida de ajedrez con el diablo y las fichas somos sus criaturas, realmente, está perdiendo la apuesta…Esta idea junto a la de puzle que se compone y descompone espacialmente delante del espectador, es la premisa con la que se nos cuenta la tragedia del hombre moderno.
Adolfo Simón

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El procedimiento de El Astillero en Surge Madrid

El Teatro del Astillero es un colectivo formado fundamentalmente por autores de teatro que ha dado muchos frutos interesantes a lo largo de su existencia. En este encuentro de artistas se han desarrollado talleres, ciclos de teatro, lecturas dramatizadas, ediciones y por supuesto, escenificaciones. Dentro de Surge Madrid, Luis Miguel González Cruz dirige El Procedimiento, texto de Raúl Hernández Garrido. Desde el patio de butacas podemos contemplar el encuentro de dos personajes en un juego repugnante donde llevaran a cabo un pulso para conseguir encontrar la víctima oportuna que permita dejar tranquilas las conciencias de los que mueven los hilos, distrayendo así la atención del ciudadano de a pie para que no se incomode con aquellos gestos que ponen en evidencia las miserias del poder. Una anécdota es el desencadenante para que el autor nos muestre los laberintos terribles de los despachos donde se decide quién será el punto de mira en el centro de la diana. Hoy última función en Cuarta Pared.
Adolfo Simón

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“Segunda estrella a la izquierda” en la Sala DT

¿Cuántas veces nos hemos perdido intentando llegar a algún sitio? Tomar una estrella a la izquierda o a la derecha puede suponer que nunca lleguemos al País de Nunca Jamás. A pesar de todas las modernidades que existen hoy en día, nuestra vida no tiene un GPS que nos indique hacia dónde dirigirnos de manera correcta para llegar al sitio deseado y a veces nos equivocamos y no llegamos al destino que queríamos sino a otro muy diferente. Diferente, pero hay que afrontar adónde hemos llegado y tener el valor de adentrarnos en ese bosque.

El festival Surge Madrid, quiere instituirse como la máxima representación del teatro off en Madrid y para ello ha convocado a autores y directores que presentan obras no convencionales y técnicas experimentales para recrear un nuevo teatro y dentro de éste nos encontramos al autor, Raúl Hernández Garrido,  que ofreció a Adolfo Simón, director,  una serie de textos basados en la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio, imaginando las sensaciones y deseos que pudiera sentir la Wendy de Barrie. Ella sueña con un lobezno en una rara isla que parece combinar bosque y jungla. Partiendo de esta base, el director ha querido trabajar la escena ofreciéndonos la intimidad y los pensamientos de la protagonista, sus deseos más ocultos y sus anhelos y miedos. Y es que a Wendy le encantaba contar historias a sus hermanos pequeños y tenía un instinto maternal muy desarrollado que autor y director van a utilizar para recrear otras historias más oscuras de una manera muy poética y visual, esas que no les contaba a sus hermanos…

Para recrear este paisaje íntimo ha utilizado una escenografía mínima, una mesa cercana al público y técnicas de teatro de objetos que nos sumergen en ese bosque-selva y también dentro del personaje, que dialoga con otros a través de su imaginación. Los objetos pueden trasladarnos a otro mundo y transmitir sensaciones muy intensas. En un primer momento podríamos imaginar a una niña jugando sobre una mesa, imaginando historias con cuatro cosas que se ha encontrado, volando por otros mundos con una simple caja de música o jugando con un barco de papel…algo infantil, sin picardía, sin malicia, inocente… pero pronto nos damos cuenta de que esos objetos recrean el subconsciente de Wendy, su lado más salvaje e incontrolable que maneja esos objetos como un depredador.

Un reto bastante complicado que se resuelve con la presencia magnética de la actriz y bailaora Teresa Vallejo, con una gran experiencia sobre las tablas y una amplia trayectoria que le dotan de las características necesarias para interpretar el lado más oscuro de Wendy: sus pulsiones y miedos.  La actriz se sumerge en una cámara negra donde representa con su gesto y su voz el discurso de su pensamiento más profundo y lascivo. Teresa sabe transmitir y destila sensualidad, erotismo, rabia, delicadeza, agresividad,ternura en ocasiones, de una manera magistral que hace que quedemos absortos durante los 50 minutos que dura la representación. Nada más existe durante ese tiempo que su mirada, sus manos y su habla y eso significa que la actriz ha logrado su propósito: empaparnos con su interpretación.

Todavía pueden sumergirse en el bosque más oscuro que nunca imaginaron y en el que Peter Pan nunca estuvo.

Luis María García Grande.