Quique y Yeray Bazo…»Nada que perder» en Cuarta Pared
¿Cómo fueron vuestros inicios en el teatro?
Fue nuestro tío, el director de escena Eduardo Bazo, quién nos inoculó el virus
del teatro. Fue él quien nos puso en contacto con el teatro desde niños, cuando
íbamos a ver los montajes que hacía para compañías canarias como para la
emblemática Delirium Teatro. Sin embargo, no se nos había pasado por la
cabeza la idea de dedicarnos profesionalmente a la escritura dramática hasta
que, nuestro propio tío, nos animó a escribir la dramaturgia para una nueva
puesta en escena de la ópera infantil Brundibar. Se trataba de un proyecto que
estaba llevando para el Teatro Real, el Coro de la Escolanía del Orfeón
Pamplonés, ABAO y Ópera de Cámara de Madrid. Nos lanzamos de cabeza
con esa imprudencia que sólo puede dar la ignorancia. Escribimos, nos
equivocamos, volvimos a escribir… y quedamos enganchados. Decidimos que
queríamos formarnos y volver a visitar las tablas. Así comenzó este camino de
aprendizaje en el que seguimos.
¿Cómo surgió vuestra participación en Nada que perder?
Todo empezó en los Laboratorios de escritura dramática que convoca Espacio
de Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared. Allí formamos parte de un
proceso de investigación y escritura en el que conocimos a Juanma Romero y
a Javier G. Yagüe (co-autores de Nada que perder). Fue una experiencia de
aprendizaje compartida y de trabajo en equipo que sentó las bases para que,
posteriormente, Javier nos reuniese de nuevo para escribir la nueva producción
de la Compañía Cuarta Pared.
Habladnos del proceso de escritura…
Desde el principio Javier tenía claro que quería apostar por un proceso largo y
reflexivo, donde tuviésemos libertad para investigar todas las posibilidades de
la trama, los personajes, el estilo… ¡De hecho la escritura llevó más de año y
medio! Cada semana nos reuníamos para comentar los materiales escritos,
aportar nuevos elementos, replantear puntos de vista. El tramo final de la
escritura se hizo con los actores, haciendo crecer las escenas e incorporando
los hallazgos que Marina Herranz, Pedro Ángel Roca y Javier Pérez-Acebrón
encontraban en sus improvisaciones.
¿De qué referentes estéticos o temáticos os habéis nutrido para este proyecto?
Nada que perder es una obra muy heterogénea en cuanto a sus referentes.
Formalmente parte del requisito de que todas las escenas debían de
construirse a partir de la fórmula del interrogatorio. Esto nos llevó a tomar como
punto de partida el género del thriller y la serie negra; en este sentido los
referentes iban desde la narrativa (Connolly, Pelecanos, Price, Markaris,
Simenon, etc.), series de televisión (The Wire, Better Call Saul, The Closer…
pero también otros referentes como The Good Wife, Breaking Bad o, aunque
parezca extraño, The Walking Dead) y, por supuesto, teatro (Paradivino,
Corman y Rebeldías posibles, producción anterior de la Cia. Cuarta Pared, que
nos ayudó a entender el paso siguiente que teníamos que dar). A nivel
temático, el referente fundamental era el periódico. Partimos de una
recolección de artículos periodísticos que Javier había rescatado desde 2006
hasta la actualidad. De estos artículos seleccionamos las noticias que más nos
impactaban y las usamos como trampolín para decidir la trama. Más allá de los
artículos, resultaron cruciales las cartas al director. Ese otro material nos ayudó
a dar voz a el tercero, personaje que participa en las escenas como una suerte
de conciencia que se hace y hace preguntas continuamente.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que os embarcáis? ¿Qué os
anima a participar en ellos?
Nosotros tenemos la suerte de ser dos que escriben juntos. Eso hace que se
pongan más temas sobre la mesa. Las ideas surgen de cosas que leemos, que
vemos, que suceden y nos remueven de alguna manera. A veces es por
curiosidad: encontramos un tema que nos “pica”, nos ponemos a leer y
documentarnos hasta que nos decidimos a escribir sobre él. Otras veces es
como una forma de reacción a algo que nos afecta; una manera que tenemos
de “negociar” con la realidad en que vivimos.
¿Cuál ha sido vuestra evolución como autores?
Nosotros empezamos en esto de escribir teatro de una forma muy intuitiva, un
poco “callejera”. Luego tuvimos la enorme suerte de conocer a quien se ha
convertido en nuestro maestro, José Sanchis Sinisterra, que nos invitó a
participar en ese maravilloso proyecto que es el Nuevo Teatro Fronterizo.
Gracias a José, y acompañados por un nutrido grupo de escritores, iniciamos
un proceso de aprendizaje en el NTF: haciendo talleres, escribiendo y leyendo
mucho teatro. La otra pata clave en nuestra formación y evolución ha sido la
Sala Cuarta Pared, que nos seleccionó para participar en dos ediciones de sus
laboratorios de escritura en ETC. De hecho, nos gusta decir que la Cuarta
Pared ha sido nuestra “mili”. Sus procesos de investigación tienen un alto nivel
de exigencia y su apuesta por la innovación y el riesgo, nos han hecho dar un
paso más en nuestra escritura.
¿Creéis que se puede aprender a escribir teatro?
Cuando uno se sienta a escribir teatro sin tener formación, te das cuenta de
que es un género complejo con unas reglas propias. Eso quiere decir que hay
una técnica que puedes aprender. Hay algo que privilegia al escritor de teatro y
es que tiene la oportunidad de aprender de los mejores autores de su país.
Dramaturgos como Juan Mayorga, Alfredo Sanzol, Alberto Conejero, José
Sanchis Sinisterra, María Velasco, y muchos otros, dan talleres que se
convierten en verdaderos revulsivos para los autores que asistimos.
¿Tenéis un método para escribir?
Antes de escribir una sola letra dedicamos mucho tiempo a hablar sobre lo que
queremos escribir; primero en nuestra oficina hasta que nos bloqueamos; y
después dando un paseo por lo que llamamos “la otra oficina”: la calle. Este
proceso nos suele llevar mucho tiempo. Luego nos enfrentamos a la página en
blanco con una sola regla: si algo de lo escrito no convence a uno de los dos,
va fuera (previa deliberación, claro; a veces hay que vender cara la derrota).
¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?
¡Por supuesto que no! Como defiende el dramaturgo César López Llera “el
teatro también se lee”. Es cierto que el teatro es un género literario pensado
para terminar de completarse sobre las tablas. Pero también puede, y se debe,
disfrutar como lectura, sin importar que haya sido estrenada o no. De lo
contrario, numerosas obras valiosísimas quedarían en el olvido sólo porque no
tuvieron la difícil suerte de ser estrenadas.
¿Por qué escribís teatro?
La respuesta a esa pregunta tiene bastante que ver con el motor de Nada que
perder. Al igual que le ocurre al personaje de el tercero en la obra, nosotros
escribimos porque no sabemos… y queremos saber, o al menos intentarlo.
Para nosotros la escritura teatral es la forma que tenemos de hacernos
preguntas que nos inquietan.
¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?
En nuestro caso no. Pero podemos decir que tenemos la suerte de que nos
ganamos la vida escribiendo. Eso es gracias a que trabajamos como creativos
y guionistas en el mundo de la publicidad y los eventos. También es una
escritura muy exigente, con sus propias reglas, unos plazos frenéticos y un
condicionante fundamental: supeditarse a la tiranía del cliente. Pero, a cambio,
es un oficio del que nunca te aburres, muy cambiante, en el que siempre estás
buscando formas de reinventarte y hacer cosas nuevas. No en vano, tiene una
regla de oro: “eres tan bueno como tu último trabajo”.
¿Habéis realizado otras tareas en teatro además de la escritura?
Respetamos demasiado el oficio de dirección o interpretación como para
intentar inmiscuirnos en él.
¿Cómo veis la situación teatral en estos momentos?
Vivimos un momento muy interesante. Contamos con una de las generaciones
más preparadas y activas del teatro español. Autores, directores y actores se
unen en proyectos creativos de lo más variopinto e innovador. Las salas del off
se han convertido en espacios donde han podido mostrar sus obras, donde las
han testado y reevaluado. Esto ha generado mucho conocimiento en los
equipos y ha permitido que no pocos de ellos se asomen a los grandes teatros
de nuestro país. Es cierto, que esto se ha hecho gracias a un gran voluntarismo
que no siempre ha ayudado al resultado artístico. Sin embargo, ahora
empezamos a ver un esfuerzo por profesionalizar la actividad, apostando por
establecer unas condiciones dignas de trabajo. Avanzar por este camino
enriquecerá enormemente nuestro panorama teatral.
¿Es diferente en Canarias?
En Canarias vivimos un gran momento, algo que queda claro si pensamos en
las trayectorias que tienen en marcha dramaturgos como Antonio Tabares o
José Padilla. Pero, además, es una Comunidad que está haciendo un trabajo
muy importante para formar a sus autores gracias al impulso de compañías
como 2RC Teatro, que han creado Canarias escribe teatro, una iniciativa con
actividades de formación (han hecho talleres con autores de la talla como
Antonio Tabares, Borja Ortiz de Gondra, José Ramón Fernández o Sergi
Belbel), y les da la oportunidad de testar los trabajos surgidos en esos talleres
ante un público y nada menos que en una sala del prestigioso Teatro Cuyás.
De este trabajo está resultando la creación de un grupo de autores que ya
están cosechando éxitos.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente os ha interesado? ¿Por qué?
(Q) Rinconete y Cortadillo de Alberto Conejero, dirigido por Salva Bolta. Un
hermoso homenaje a la palabra de Cervantes y a la habilidad que tuvo para
retratar a este país. Conejero convoca a los dos pícaros lendrosos, ya
maduros, para congelarnos la sonrisa en la cara al hacer que nos demos
cuenta de que las miserias de las que nos reímos siguen siendo las mismas
desde hace siglos.
(Y) Muñeca de porcelana de David Mamet, dirigido por Juan Carlos Rubio. He
de reconocer que el texto me decepcionó un poco. Aunque da igual, porque
sale de José Sacristán.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de
crisis?
Pensar lo que pensara Negrín, aunque a él no le sirviera de mucho: “resistir es
vencer”.
¿Proyectos?
Ahora estamos embarcados en dos proyectos que nos tienen muy ilusionados.
El primero lo estamos llevando a cabo con nuestros compañeros de
Nuevenovenos (www.nuevenovenos.com), un colectivo de creadores del
mundo de las artes escénicas y el audiovisual del que formamos parte. Se
llama Contexto Teatral y es un portal sobre nuevas dramaturgias que vamos a
lanzar esta primavera. Se trata de una herramienta on line con la que
queremos dar a conocer la obra y los autores que conforman el rico panorama
actual de la dramaturgia española (y que poco a poco también abriremos al
panorama internacional). El otro proyecto es el montaje de nuestra obra Tres
días sin Charlie, un texto que fue reconocido con la Mención de Honor en la
última edición del Premio Lope de Vega. Es una obra que recorre los tres días
que duraron los atentados al Charlie Hebdo, narrados desde un prisma muy
particular: el de los comentarios y las reacciones que esos ataques provocaron
en la ciudadanía, expresados conforme sucedían, a través de Internet y las
Redes Sociales.
“Cuerpos”, proyecto de Nuevo Teatro Fronterizo para La Casa Encendida
¿Deseas ser puta? Mmmm… No, no lo deseo.
¿Deseas ser prostituta? No, no lo deseo.
¿Deseas ser una ramera, una zorra,…? No, no lo deseo.
¿Y una trabajadora del sexo?
¡No insistas! Tu única pregunta, tiene una única respuesta: No, no lo deseo.
Dime: ¿acaso ese es tu deseo?
¿Acaso crees que siento desprecio por quienes están en prostitución?
La lectura dramatizada En riesgo: “Cuerpos”, proyecto de Nuevo Teatro Fronterizo, para La Casa Encendida y Le Monde diplomatique español, dirigida por José Sanchis Sinisterra, con dramaturgia de Lucía Villanova, me ha arrojado a los pies de mi propio corazón, un corazón ávido de Verdad.
La respuesta es ¡No! Yo amo a las mujeres. Somos lo que amamos, no lo que hacemos, y mi amor por ellas, por todas ellas hagan lo que hagan, define mi identidad.
¿Tal vez sienta repugnancia por el sexo? ¿Quizás la violenta, húmeda, fría y rebosante de atávicas soledades, transgresión de mi cuerpo y con ella, el brutal desgarro de mi alma, me hayan condenado al destierro del gozo?
O acaso solo sea que, liberada de tanto condicionamiento heredado haya decidido, dando rienda suelta a mi verdadero “yo”, no volver a responsabilizarme nunca más de la sexualidad masculinizada y masculina, de su acientífica y totalitaria necesidad biológica, ni de la utilidad social del mi vulva.
Mi tardía, hermosa y prístina vulva, tan sagrada como el sagrado espacio entre esas tres paredes, que hoy en vez de revolucionar mentes y agitar corazones, han escupido tierra en mis cansados ojos, al perpetuar en la alta línea de proscenio una injusta, desigual y viejuna institución: la prostitución. Elevada a los altares, cual ninfa…
¿Trabajo dices Ninfa?
Iris dice establecer una mera relación mercantil con las personas:
paga antes de saber mi nombre.
Es la ley del más fuerte: “aquello por lo que pago me pertenece,
puedo usarlo como me de la gana”.
Ella quiere… ¡No importa lo que quiera!
Esconde tus cadenas.
Yo pago, soy yo quien ha de tener aquello que desea.
¡Chúpamela! ¡Más rápido, vamos! ¡Bájate las medias! ¡Quítate las bragas! ¡Ponte a cuatro patas! ¡Voy a metértela hasta romperte la matriz! ¡No chilles zorra!… ¿Te gusta, ehhh?
¡BASTA!
Sexualidad es placer, y yo amo el placer, y yo siento un infinito placer con la fragancia de una rosa, con una insinuada caricia rozando cualquier parte de mi piel, con el leve susurro de las páginas de un libro acabado al anochecer, cuando el sol se esconde y una mimosa sonrisa de luna adormece mis miedos.
El placer ocupa todo mi Ser, no se encuentra del otro lado de mis bragas.
¡No te atrevas nunca más a arrancarlas en nombre de tu idea de sexo, de tus fabricadas fantasías, o de tu propio placer!
¡No te atrevas a prostituir la verdad desde el poder que te confiere ser hombre.
Antes de ti, antes de mí, antes de ellas, la Verdad ya era.
Era antes del rayo y la luz, antes que todo, la Verdad era.
La verdadera libertad reside en ser la mejor versión de una misma, la más elevada…
En conocerse, aceptarse, respetarse, cuidarse y amarse.
¿Satisfacer el deseo sexual de las otras personas es verdadera libertad sexual?
Ninguna persona es lo suficientemente malvada como para ser juzgada.
Ninguna persona es lo suficientemente buena como para juzgarte.
¡Atrévete a conquistar tus sueños! Somos tan iguales: deseamos amar y ser amadas.
¡Mírame a los ojos!… mejor, mira dentro de tu corazón…
La sexualidad es persona a persona, dignidad a dignidad, no cuerpo a cuerpo.
Paloma Martín Torpedo
Premios ADE en el Teatro Español
Esta noche, en una ceremonia sencilla y emotiva, se han entregado los premios ADE 2014…Las Medallas de la Ade han sido otorgadas a Iago Pericot, Frederic Roda y Ernesto Caballero entre otros…
La Tarasca a Lucila Maquieira por su aportación a la relación cultural entre Uruguay y España.
El Premio José Luis Alonso ha recaido en Ricardo Campelo.
El Premio a la mejor Traducción teatral a… Denis Rafter y Manuel Vieites.
El de Estudios Teatrales ha sido para Blanca Baltés.
El de Mejor Iluminación para Juan Gómez Cornejo.
El de Figurinismo teatral para Ana Rodrigo.
y el de Escenografía se ha otorgado a Juan Sanz y Miguel Ángel Coso.
El Premio de Honor para Iago Pericot y el Premio Adolfo Marsillach a una labor cultural significativa a José Sanchís Sinisterra.
Premio ADE 2014 a la mejor dirección ha recaido en Javier Hernández-Simón por Los Justos.
QRLA
Sueños y visiones del rey RICARDO III De William Shakespeare en el Teatro Español
¿Es posible encontrar la emoción sanadora, allí donde residen las palabras más dolorosas y terribles? ¿Nos sentimos transportados, fascinados, al contemplar la devastación total? ¿Qué hay allí, en la frontera entre la razón y el desvarío? ¿A qué desoladas playas del misterio nos arroja? ¿Por qué el dolor está tan cargado de hermosas palabras? ¿Es posible que, en lo más profundo de la tragedia, allí donde el ser humano ha sido arrastrado por el caos, el miedo, la angustia, la turbación máxima, sople una brisa depurativa y se escuche una catártica y embriagadora letanía de mujeres bañadas en duelo? ¿Queda algo tras la destrucción brutal, tras el paso del más feroz huracán emocional? ¿Es posible encontrar respuesta allí, donde algo se rompió en nuestras entrañas, allí, donde habita la enfermedad, el más desgarrador trauma, la deformación? ¿Es posible encontrar allí, un momento de conciencia total y definitiva?. Todas estas preguntas se ha hecho el director de escena Carlos Martín para abordar este clásico de Shakespeare en versión de José Sanchís Sinisterra, creando una propuesta de atmósfera opresiva y desasosegante.
Adolfo Simón
Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos puesto en marcha por el Teatro de la Ciudad
Durante cuatro jornadas se ha llevado a cabo el Taller de Dramaturgia sobre la visión contemporánea de los mitos, centrando el estudio sobre Medea / Edipo / Antígona. Teatro de la Ciudad ha puesto en marcha esta iniciativa para lo que terminará siendo una fiesta teatral en la primavera de 2015 en el Teatro de la Abadía y en el corazón de este evento se representará Edipo dirigida por Alfredo Sanzol, Medea dirigida por Andrés Lima y Antígona dirigida por Miguel del Arco. En estas jornadas de indagación dramatúrgica se ha contado con la reflexión y experiencia de creadores y estudiosos como José Sanchís Sinisterra, Juan Mayorga, Bernardo Souvirón, José Padilla y Juan Cavestany. De nuevo, una ocasión para seguir documentándome y creciendo en el conocimiento del origen del teatro.
Adolfo Simón
Lecturas y encuentros en la escena
Lectura dramatizada: “Mujeres de papel, mujeres de Macondo”
Desde la mamá grande a sus putas tristes, pasando por la Cándida Eréndida, Úrsula Iguarán o Ángela Vicario, entre tantas otras, el mundo literario de Gabriel García Márquez despliega una deslumbrante galería de personajes femeninos difíciles de olvidar. Pero recordarlas a todas juntas –o al menos a una amplia selección– puede constituir una ocasión especial de afianzar, si hiciera falta, la memoria de Gabo. Escogidos por la dramaturga y profesora Gracia Morales y encarnados por los actores y actrices del Colaboratorio de Dramaturgia Actoral del Nuevo Teatro Fronterizo. Coordinado por José Sanchis Sinisterra. Una experiencia particular para encontrarse con los personajes de García Márquez en la escena.
Creando para la inclusión (Los lunes con voz) en el CDN
Encuentro con los participantes del taller de Alfredo Sanzol en el que compartieron con el público asistente la experiencia durante el proceso de investigación con dramaturgos, actores y directores con y sin discapacidad. Mostraron también las conclusiones del trabajo realizado durante el taller «Creación de estructuras dramáticas a partir de improvisaciones». Antes vimos el documental ¡IMPROVISA! que recogía la experiencia de este interesante taller.
QRLA
Últimos golpes de José Sanchis Sinisterra en el Teatro del Barrio
Y, de pronto, un buen día, un día cualquiera, el cuerpo vulnerado de una mujer dice: basta. No más golpes. Con esta línea de texto tan sugerente se presenta, en el programa de mano, la obra Últimos golpes de José Sanchis Sinisterra. Una pieza que aborda la violencia de género desde una perspectiva diferente, nos muestra a la víctima a solas, en el tiempo previo al momento en que abandone el lugar donde ha sufrido todo tipo de violencia. Cuando se marcha, quedan allí los golpes encerrados, tal vez son solo los que corresponden al recuerdo o puede que la mano violenta haya sido encerrada. El personaje de la mujer transita entre los recuerdos y el dolor que le supone cada sonido o imagen que aparecen en su memoria. Como un animal herido y encerrado, recorre el espacio escénico en busca de la salida. Marta Poveda da verdad y vida a cada instante, consiguiendo que en muchos momentos, nuestra respiración se quede interrumpida, un trabajo excelente, resulta difícil navegar a solas por el escenario, peleando con fantasmas y monstruos.
Adolfo Simón
Marta Poveda nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo surge la propuesta que se presentáis en Surge Madrid?…
Fue un precioso ofrecimiento de Vanessa Espín… ella conoció el texto en un taller de José Sanchís Sinisterra, y nos ofreció las tablas del Teatro del Barrio. Nos hace mucha ilusión estrenar este texto en esta sala.
Háblanos de la obra…De tu personaje…Del montaje…
Una mujer que un día dice: “hasta aquí”. No más golpes. Ha decidido defenderse de la bestia, encerrarla, poder con ella. Mónica es una mujer “socialmente elaborada” que ha decidido recuperar su instinto, su cuerpo, su naturaleza, su pasado, su yo. El espectáculo lo trata desde una concepción del espacio muy esencial con un par de referencias que son más que suficientes para llegar muy lejos. El espectador habita la casa de esta mujer, que acaba de ser un campo de batalla y la acompaña en el tránsito de su reinvención, en la toma de su decisión… vivirá una duda emocional y moral muy radical. Sería interesante descubrir qué hubiera hecho cada uno de los espectadores que vengan a ver la función.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?…
Supongo el camino que elige cada actor le va llevando cada vez con más certeza a trabajos que tienen que ver con sus inquietudes artísticas. Con José simplemente sería imposible no embarcarme. Es mi maestro, mi amigo, mi ejemplo, mi referente. Lo admiro a todos los niveles. Es un científico del teatro, un investigador en constante evolución a quien no le importan lo más mínimo ofrecer resultados comerciales ni la imagen. Una no se puede perder cualquier posibilidad de trabajar a su lado. José y yo tenemos mucha química como director/actriz.
¿Qué te anima a participar en ellos?…
Me anima el equipo artístico principalmente. Si se genera un grupo de creación con objetivos creativos, el proceso sin duda será jugoso… a partir de ahí se puede hacer cualquier cosa. Lo más maravilloso del teatro es que es un trabajo de equipo… al menos así lo entiendo yo.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Después de asomarme un poquito en el instituto, comencé a estudiar en la Cuarta Pared. Tuve la suerte de que mi primer maestro, Juan Pedro Enrile, me condujo directamente a amar el teatro. Fue un primer año increíble, lleno de descubrimientos. Mis labios tocaron aterrados las palabras de Brecht y de Delibes. Caí en las riendas. Seguí estudiando en la Cuarta Pared, donde me enseñaron que el actor, ante todo es un creador. Y allí mismo pude conocer a Sinisterra con quien empecé a trabajar en Barcelona, en la Beckett. Estudié también en el Teatro de la Danza, y con ellos estuve dos años haciendo Las bicicletas son para el verano, que dirigió Luis Olmos con Gloria Muñoz, Gerardo Maya, David Lorente, Lucía Quintana, Pedro G. De las Heras, Enriqueta Carballeira, Charo Soriano… Eso es como hacer un master. Una verdadera gira de cómicos como las que cuenta Fernán Gómez.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Hasta el momento el recorrido está siendo vibrante, cañero, divertido, inmenso, duro, fácil, difícil, frágil, emocionante… cada día comprendo que cada día me queda más por aprender. El teatro es infinito.
¿Cómo creas los personajes? ¿Tienes un método?…
Cada proceso para mí es completamente diferente ya que cada historia, cada texto y todo lo que los rodea es diferente. A veces, hago un trabajo de mesa muy exhaustivo, otras me lanzo directamente al charco, otras es algo que nace del físico, otras es más cerebral… Cada equipo, cada director y elenco es un planeta… uf… difícil de contestar.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Con la CNTC hemos estado embarcados en dos espectáculos: La vida es sueño y en La verdad sospechosa, drama y comedia. Hemos hecho temporada en Madrid y giras con muchas y bonitas plazas. También intentando impulsar proyectos que espero tarde o temprano vean la luz.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Estrenar en Almagro una comedia de Rojas Zorrilla, Donde hay agravios no hay celos. Un reparto llenos de bicharracos de la escena: Oscar Zafra, Mónica Buiza, David Lorente, Clara Sánchis, Fernando Sansegundo, Natalia Millán, Rafa Castejón y Jesús Noguero. De nuevo dirige Helena Pimenta. ¡Con muchas ganas! Almagro es un festival increíble, el ambiente que se respira allí como de “vacaciones teatrales”.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
La subida del IVA provoca un alejamiento entre la sociedad y la cultura. La cultura es un arma contra la ignorancia. La ignorancia es un arma de destrucción masiva …
¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Cualquier iniciativa artística, si es buena para la gente, si hace “feliz”, me parece positiva.
¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…
Tremendamente viva. Un hervidero de ideas que afloran en respuesta a la represión en muchos casos, lo cual es esperanzador….
¿En nuestro país?…
Me parece que hay muchas carencias. Hay ciudades en las que apenas se puede acudir al teatro, a conciertos, a danza, no hay suficiente oferta… Y desde luego no es por falta de ella, sino por el “no uso” de ella. En todos los lugares de este país hay artistas, grupos de artistas, proyectos, espectáculos, compañías con mucho que ofrecer. Si por mí fuera, en cada pueblo debería haber un teatro explotado al máximo, para todas las edades, y con participación por parte de todos, talleres, grupos, cursos… Es una utopía con la que me gusta soñar.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto un montón de cosas que me han encantado pero te digo un par. Las heridas del viento: Kiti Mánver y Dani Muriel han elaborado una composición de personaje que los pone “en pelotas” a nivel emocional, con unos matices deliciosos. El texto me traspasó la piel y el espacio siempre me cautiva, el hall de Lara. Hace meses vi un espectáculo que me emocionó muchísimo, El viaje a ninguna parte.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?… Seguir creando y hacer teatro en tiempos de crisis. Quizá te suene ingenuo, pero eso no nos lo quita nadie. Eso lo podemos hacer siempre, en las circunstancias que sea. Sólo hace falta hacerlo, y a partir de ahí cualquier cosa es posible.
Ay! Carmela en el Teatro Galileo
Ay! Carmela de José Sanchís Sinisterra ya es un clásico. Recuerdo el primer estreno en el Figaro interpretado por José Luis Gómez y Verónica Forqué…¿Quién nos iba a decir que estábamos asistiendo a la que, seguramente, es la obra más representativa y representada de la transición española?. Desde aquella noche he visto múltiples versiones de la obra, aquí y fuera de España. Es incombustible, sigue sobreviviendo a montajes acertados o no…Al traslado al musical, al cine…Tiene algo en su estructura que no permite locuras al llevarla a escena. En esta ocasión, Pepe Bornás es fiel al texto, añadiendo tal vez, un toque de expresionismo en los personajes que les da un carácter sugerente. La instala en un escenario sin lugar reconocible, podría ser la realidad o la imaginación. Y Jacobo Dicenta y Elisa Matilla recrean de nuevo, con acierto, esos viejos amigos que son Paulino y Carmela. La memoria es frágil y como los seres del más allá, se va desfigurando poco a poco, es importante que este texto siga transitando por los escenarios, para que no se olvide que la historia es un bucle que vuelve a su lugar de origen.
Adolfo Simón
Éramos tres hermanas de José Sanchis Sinisterra en el Teatro de la Abadía
Uno va al teatro a recuperar la memoria y las emociones de otro tiempo…
Uno va al teatro para que le acaricien y le acunen…
Uno va al teatro para sentirse niño en un cuerpo viejo…
Uno va al teatro para saber que siempre hay que soñar con ir a Moscú.
Es complicado tratar de seguir los pasos dramáticos de las grandes obras de la literatura dramática…¿Quién no ha tenido la tentación de especular sobre lo qué habría pasado tras el portazo que dio Nora en Casa de Muñecas o si las Tres hermanas llegarían algún día a Moscú?… José Sanchis Sinisterra arriesga mucho más en su propuesta y traslada a los personajes a un espacio sin tiempo en el que las protagonistas de la obra de Chejov se han quedado atrapadas en aquella noche en la que desean ir a Moscú…pero sus cuerpos han seguido latiendo y esas jóvenes laten dentro de unas pieles marchitas que siguen soñando con huir de la casa-cárcel en la que vivieron los mejores años de su vida. Y como huéspedes de otra A puerta cerrada, conviven con sus fantasmas y les dan voz. Así transcurre un tiempo de sueños cruzados de pesadillas. Un material dramático muy sugerente que Carles Alfaro ha dirigido sutilmente, dejando a las tres espléndidas actrices: Julieta Serrano, Mariana Cordero y Mamen García, jugar en la escena como niñas que sueñan un futuro escrito ya en la geografía de sus cuerpos. Delicioso espectáculo para paladares exquisitos.
Uno sale del teatro tarareando esa canción final a tres voces, teniendo la sensación que al dar la vuelta de la esquina…aparecerá Moscú.
Adolfo Simón
Lectura dramatizada en La Casa Encendida
Mujeres de papel bajo la dirección de José Sanchís Sinisterra.
Lunes 23 de septiembre a las 19´30 horas.
Más info en: https://www.lacasaencendida.es
Ay! Carmela, el musical en el Teatro Reina Victoria
Innovadora versión musical de la exitosa trágicomedia ¡Ay,Carmela! protagonizada por Inma Cuesta, Javier Gutiérrez y Marta Ribera Con temas originales de Víctor Manuel, Vanesa Martín, Pedro Guerra y el cancionero popular español, dirigida por Andrés Lima. No es de extrañar que el teatro estuviese lleno cuando fui a ver la función, seguro que el boca a boca hará que el público siga acudiendo de forma masiva para ver este musical español…Por fin se ha conseguido crear un espectáculo que no es la reproducción de un musical extranjero si no algo genuinamente español en el buen sentido de la palabra. La historia que se cuenta nos concierne y para ello se han elegido aquellos pasajes esenciales de la obra de José Sanchís Sinisterra. Y a ellos se han intercalado canciones que parece fueron escritas para esta fábula. Además no es un espectáculo prepotente como suelen ser los que se programan en la Gran Vía, todo está a la medida precisa para contar las aventuras de este familiar dúo que son Carmela y Paulino. Tanto el espacio escénico como la luz, el vestuario, los audiovisuales o la música en directo, acompañan a un equipo fantástico de actores que llenan de emociones diversas el escenario del Reina Victoria.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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