Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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La fábrica de textos, teatro del Astillero

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Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo

benet¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.

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¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.benet8

¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.

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Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.

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¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.

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¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.

¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.


Dostoievsky va a la playa de Marco Antonio de la Parra en Iberdrama-La casa del Lector

El pasado 3 de noviembre comenzó una nueva edición del festival IBERDRAMA, que este año se dedica al vigésimo aniversario de la creación de Teatro del Astillero. De homenaje en homenaje, el ciclo comenzó con una rendición de cuentas a Marco Antonio de la Parra, autor chileno que durante los años 90 impartió talleres míticos y seminarios en Madrid mientras fue agregado de cultura de la Embajada de Chile en España. De esos talleres se alimentó toda una generación de dramaturgos, entre ellos, los autores que luego formaron el Astillero.
Dostoievsky va a la playa es una obra que Marco Antonio de la Parra estrenó en el Théâtre de la Colline de París durante esa época y que nunca fue estrenada en España. Editada en la propia colección de Teatro del Astillero, revisita un universo poblado de referencias literarias europeas y realidades podridas contemporáneas. En una playa poco concurrida, los vagabundos desaparecen a la vez que un inversor extranjero quiere industrializar el puerto. Los personajes se multiplican y entrecruzan en una trama detectivesca que nunca logra constituirse como tal y se deshace en la enfermedad de la incapacidad de construir un mito. Dostoievsky, un detective privado que investiga esas desapariciones, se enfrenta a la pesadilla de la conversión de las dictaduras, en concreto la chilena, en locuras disfrazadas de aparente legalidad, de progreso, de negocio.
Adolfo Simón, en una muestra más de sus pesquisas a la hora de poner en escena lecturas dramatizadas, se aleja de toda trama en una especie de salmodia religiosa y se zambulle en un laberinto de máscaras que ocultan otras máscaras que, a su vez, ocultan personajes que llevan otras máscaras para no ilustrar el texto con acciones que repitan lo que ya dice el propio texto. Huyendo de simples lecturas sin dramatizar, pero también de interesantes puestas en escena cercanas a los semimontados, Adolfo Simón decide poner en escena no sólo una obra, sino un formato diferente para cada obra pone en pie en forma de lectura dramatizada. De esta manera, su propuesta se aleja de cualquier idea de la posible puesta en escena del texto para, así, escuchar con mayor atención el propio texto.
En el Auditorio de la Casa del Lector, Adolfo Simón aprovecha la gran pantalla de este centro para proponer el decorado de la playa a la que cita De la Parra en el título, pero también para proponer otros discursos que no sólo conectan con el universo del creador de Crimen y castigo al que alude el autor, sino también con otros discursos que corren paralelos a la propia obra, como el de El gabinete del doctor Caligari, una película que prefiguraba una enfermedad de la Europa de la modernidad: el fascismo.
Iberdrama continúa todos los miércoles de noviembre y diciembre revisitando textos poco conocidos del colectivo Teatro del Astillero en La Casa del Lector hasta el 9 de diciembre.
Luis Miguel González Cruzdosto

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Pasión contenida en el silencio, antología de teatro contemporáneo finlandés

Antología de teatro contemporáneo finlandés
Traducción de Luisa Gutiérrez Ruiz
El 13 de abril, el Instituto Iberoamericano de Finlandia publicó una antología de teatro finlandés dentro de la colección Teatro 3 del Teatro del Astillero que, bajo el título Pasión contenida en el silencio, presenta cinco obras escritas en los últimos diez años, que han sido elegidas específicamente para el público hispanohablante.
Los textos seleccionados son dramas actuales que hablan de la identidad femenina: Broken Heart Story de Saara Turunen, Los juegos de reina de Antti Mikkola, o Caos de Mika Myllyaho, director del Teatro Nacional de Finlandia. También tratan de las relaciones padre e hija, como es el caso de ¡Es niña! de Otso Kautto, o de la religión y su papel en la sociedad: Fundamentalista de Juha Jokela. Para este gran proyecto, la directora del Centro de Información Teatral de Finlandia, Hanna Helavuori, ha escrito la introducción.
Una interesante oportunidad para conocer la escritura dramática que se realiza en estos momentos en Finlandia. Temáticas actuales con un tratamiento dramatúrgico novedoso.
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Eurodrama 2015 – Teatro del Astillero

Teatro del Astillero cumple en 2015 sus veinte años de vida y comenzamos con la última edición de Eurodrama, dedicado este año a la última dramaturgia finlandesa contemporánea.

La tercera edición del festival Europa de los Teatros, que se celebra en la Casa del Lector de Madrid del 28 de mayo al 24 de junio, ha elegido la exótica dramaturgia finlandesa contemporánea como invitada especial de este año.

Durante un mes se presentan lecturas dramatizadas de las obras ¡Es niña!, Fundamentalista, Broken Heart Story y Los juegos de reina, textos todos ellos incluidos en el volumen Pasión contenida en el silencio, editado en abril 2015 por Teatro del Astillero.

Las dramatizaciones están dirigidas e interpretadas por profesionales de la escena españoles por lo que el intercambio de visiones norte y sur será uno de los puntos fuertes de este festival cuyo objetivo es la promoción de la traducción teatral en Europa y en las regiones próximas.

Europa de los Teatros es liderado por EURODRAM, red europea de traducción teatral, coordinada por la Maison d’Europe et de l’Orient. En la edición de este año colaboran la Embajada de Finlandia, el Instituto Iberoamericano de Finlandia, la agencia Nordic Drama Corner y Teatro del Astillero.

Jueves, 28 de mayo a las 19h. ¡Es niña! – Otso Kautto
Director: Adolfo Simón. Dante Teatro

Miércoles, 10 de junio a las 19h. Fundamentalista – Juha Jokela
Director: Daniel Martos.

Miércoles, 17 de junio a las 19h. Broken Heart Story – Saara Turunen
Director: Luis Crespo. Teatro del Zurdo.

Miércoles, 24 de junio a las 19h. Los juegos de reina – Antti Mikkola
Director: Luis Miguel González. Teatro del Astillero.

Entrada libre y gratuita hasta completar el aforo.

http://madrid.fi/teatro-finlandes-pasion-contenida-en-el-silencio/

http://madrid.fi/es-el-momento-de-llevar-teatro-finlandes-a-espana/astillero


Pasión y muerte de Ana de Éboli de Jesús Ferrero en La casa del lector

Dentro de las lecturas dramatizadas programadas en La casa del lector, hoy se ha escenificado el texto de Pasión y muerte de Ana de Éboli un texto inédito del novelista Jesús Ferrero. Gracias al ciclo titulado Al teatro con pasión que dirige Ignacio Amestoy hemos podido disfrutar de este texto que recorre la pasión y declive de este personaje histórico. La lectura ha sido llevada a cabo por Joaquín Notario, Anahí de la Fuente, Fernando Escudero y Daniel Martos bajo la dirección de Francisco Vidal y la producción de Teatro del Astillero, el jueves 29 a las 19 horas se repite la lectura y la próxima cita del ciclo será la lectura de un texto de Antonio Garrigues Walker: Esplendor estético.
Más info en: http://casalector.fundaciongsr.com/
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Raúl Hernández Garrido nos habla de su trayectoría como autor en vísperas de presentar dos textos suyos en Surge Madrid

raul¿Cómo surgen las propuestas que se presentan de tus textos en Surge Madrid?
EL PROCEDIMIENTO arranca inspirado en unos hechos que tuvieron lugar en la empresa en la que trabajo, TVE. En ella, hace 5 años, se dio una curiosa caza de brujas, que realmente era una maniobra de distracción ejecutada por las directivas para desviar la atención sobre un hecho de manipulación muy burdo durante la transmisión de un partido de Final de Copa del Rey. La final reunía al Athletic de Bilbao y el Barça… Y la afición, tanto la vasca como la catalana, abucheó el himno nacional ante el mismo rey en el comienzo del partido. En TVE en el directo no se emitió ese momento, y luego, cuando se recuperó, se presentó con un sonido en el que apenas se apreciaba ese pitido. Ante la posible acusación de manipulación informativa, en pleno gobierno de Zapatero, RTVE decidió emprender una persecución contra los trabajadores que habían trabajado en la transmisión, acusándoles de obedecer las órdenes recibidas… Fue el comienzo de esta locura política que llega a las barbaridades que estamos viendo en estos momentos y en los que nos jugamos de forma muy temeraria valores ganados a pulso desde hace dos siglos… Tras una andadura primera en la que he visto como se rechazaba este texto, el año pasado recibió un premio de dramaturgia y este año ha sido presentado en Nueva York. Ahora, en montaje de Teatro del Astillero y dirección de Luis Miguel González Cruz se estrena en la Cuarta Pared, esperando volver pronto a Madrid por una larga temporada.
En cuanto a SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, es un reencuentro con Adolfo Simón tras una muy fructífera serie de trabajos en común. Él quería trabajar conmigo de forma abierta en una propuesta que pudiera ser presentada ante el CDN. Me lanzó dos ideas que fructificaron en el proyecto de “Un bosque en el que perderse”, el proyecto del cual SEGUNDA ESTRELLA es una primera o segunda fase. Por una parte, la idea de alguien que lucha por definir su identidad más allá de un sexo natural que no siente como propio. Y luego, la de las identidades forzadas de estos casos de niños robados que tan bien exploró una pieza que admiro, “Potestad”, de Tato Pavlovski y que yo había tratado en dos textos, “Si un día me olvidaras” y “Todos los que quedan” (este último texto, parte de otra propuesta de Adolfo Simón.) “Un bosque en el que perderse” quizá nunca sea producida por el CDN pero Adolfo, tras mil proyectos estupendos, ha encontrado hueco para dar su versión de lo que no es un texto, sino un borrador, y así ofrece en esta SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA un ensayo escénico sobre una posible obra aún por escribir. Es su versión escénica frente a la mía textual, dos borradores enfrentados que espero que acaben dando lugar por una parte a un texto literario-dramático y por otra a un texto poético-escénico, ya sea en el CDN o en otro ámbito favorable.

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Háblanos de los dos textos…
¿De qué referentes estéticos o temáticos te has nutrido para su escritura?…
Los textos son muy diferentes. EL PROCEDIMIENTO está diseñado como un trozo de actualidad, servido con premura, con lo que me interesaba un dibujo naturalista, que actuara como reflejo de una realidad inmediata. Pero además, en la obra, el tema del reflejo está jugado también en los personajes y en las intenciones. Cada uno de los personajes es una contrafigura del otro. Un reflejo invertido del otro. Y entre medias, se juega el porvenir de cientos de seres anónimos que pasaran por el prisma formado por estos dos espejos contrapuestos. Lo resultante, un juego minimalista de estrofas, antistrofas, repeticiones, variaciones, series, etc. Lo que se expresa con esto, las maniobras del poder que tuercen una y otra vez el sentido de la lógica para siempre tener razón incluso en la contradicción, con lo cual la verdad es algo que deja de tener sentido.
En cuanto al trabajo entregado para SEGUNDA ESTRELLA A LA IZQUIERDA, tiene otros referentes. En este caso, partiendo de referentes de la realidad, queríamos crear una fantasía metafórica, grotesca y deformada, para hablar de la pérdida de la identidad, de su búsqueda, de la soledad. Aquí los referentes son por una parte los cuentos de hadas y también la llamada por Bataille Literatura del mal. Se dan cita J. M. Barrie con su Peter Pan, Perrault y los hermanos Grimm con Maeterlinck, Sade, Koltés, el mismo Bataille.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Hay ideas y proyectos que surgen en mí, por el impacto de una noticia, una visión, una lectura, un sueño, una vivencia… Que surgen en la soledad tan transitada de la individualidad… Mientras que otras veces nacen de un trabajo en equipo; trabajando, más habitualmente, con directores, y otras veces, con otros dramaturgos, con actores…
Desde luego, cada proyecto debe tener algo que me enganche. Si no, no hay manera de que ese proyecto llegue a desarrollarse en mi interior y dé lugar a nada. ¿Qué es eso que me debe enganchar, concretamente? Pues lo mismo que me puede interesar y que busco en una obra individual.

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¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…
No lo sé. Eso lo tendrá que decir otro, no yo. Yo sobrevivo. Y sigo sin venderme. Eso para mí es lo más importante, aunque me haya llevado a una situación de aislamiento, de invisibilidad. Pero sigo buscando, eso es lo importante para mí.

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¿Crees que se puede aprender a escribir teatro?…
¿Aprender a escribir teatro? Cézanne, con 70 años, se iba como copista al Louvre para descubrir nuevas formas de expresión aprendiendo de antiguos maestros. Otro pintor, Goya, titula uno de sus últimos dibujos, de cuando estaba en el exilio en Burdeos, “Aún aprendo”. Vivimos. Cada día, si permanecemos atentos y no nos dejamos imbuir por la televisión, el whatsapp y las formas de comunicación y manipulación masiva, podemos aprender algo nuevo. Y debemos aprenderlo.
¿Aprender a escribir teatro? Continuamente. Porque escribir teatro es vivir, y siempre estamos aprendiendo a vivir.

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¿Hay que esperar a que un texto se haya estrenado para publicarlo?…
Un texto puede tener muchas vicisitudes, el estreno es una de ellas. Los textos en cierto momento te avisan cuando están maduros. Y cuando quieren cambiar o no. El estreno es una vicisitud importante, pero es solo una de ellas. De hecho, un texto teatral debe ser escrito no para su montaje de estreno, sino para ese otro que lo espera cuando nadie se acuerde ya de él y lo desempolve, cuando quizá el autor ya no esté vivo para intentar influir en ese hipotético montaje.

¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Sí, y estoy contento con aquellos con los que he compartido este camino, que ya empieza a ser largo.

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¿Has realizado otras tareas en teatro además de la escritura?…
Trabajé al principio en producción. Dirigir, he dirigido poco en teatro, aunque sí lo he hecho en cine y televisión. Y aparte de escribir, realizar dramaturgias, adaptaciones y talleres de escritura.

¿Se puede vivir hoy de escribir teatro?…
No lo sé. Nunca lo he intentado. Para bien y para mal, tengo otro trabajo, remunerado con un salario, que si bien me permite vivir, me roba tiempo para el teatro de una forma que, últimamente, realmente es agobiante. Pros y contras…

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¿Qué te parece la iniciativa de Surge Madrid?…
Que toda iniciativa para apoyar los pequeños centros de exhibición son positivas, pero me duele que desaparezcan puntos de encuentro como fueron Escena Contemporánea o que el Festival de Otoño se diluya como está ocurriendo ahora.

¿Cómo ves la situación teatral en estos momentos en nuestra ciudad?…¿En nuestro país?…
Como dije antes, uno de los inconvenientes del trabajo es que me roba tiempo, para escribir y para ir al teatro. La crisis ha mandado al paro a media población, mientras que las medidas de este gobierno han duplicado o triplicado el trabajo de los que aún tenemos un empleo, al tiempo que los salarios han mermado… Lo cual hace que ir al teatro sea algo casi inviable para mí.
Veo que en Madrid hay un rabioso resurgimiento teatral. Que aparecen (y también, desaparecen) salas de una forma vertiginosa, adoptando formas nuevas, algunas insospechadas. Me parece positivo, estimulante. También hay una nueva generación de autores (sobre todo, de mujeres) muy interesante. Pero en todo esto, quizá por la necesidad de sobrevivir, veo que tanto ese movimiento como esa nueva generación de dramaturgos corren un peligro de ir a lo fácil, de estancarse. Ojalá no sea así.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ver teatro me es difícil, por tiempo y por dinero. Me quedo, aunque tenemos que ir a dos años atrás, con las experiencias escénicas de tgStan, que señalan nuevas formas de interpretar el texto… O quizá, no tan nuevas, pero muy vigentes y que señalan un camino para no caer en lo fácil.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Eso mismo te iba a preguntar… Cuando la vida empieza a apretar, crear se hace más difícil y se convierte en una forma de supervivencia… quizá letal, pero imprescindible.

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IBERDRAMA, Teatro en español

Iberdrama es una plataforma para la difusión del teatro de texto contemporáneo que busca la creación y el desarrollo de públicos para el drama escrito en español.
Iberdrama es un festival creado por Teatro del Astillero en el año 2013 como festival gemelo a Europa de los teatros que, en colaboración con la Maison de l’Europe et d’Orient, lleva a cabo con el programa Eurodram enfocando la escena desde el texto contemporáneo. Teatro del Astillero, después de casi dos décadas persiguiendo el desarrollo y la invención de pluralidad en los discursos teatrales, busca nuevas vías para la divulgación del texto dramático en la actualidad.
Por otro lado, gracias a la colaboración de la Casa del Lector, IBERDRAMA penetra con el texto teatral en los dominios de la literatura y de la industria editorial, donde el teatro ha quedado últimamente relegado.
Iberdrama está dirigido no sólo a un público joven y a la comunidad teatral, sino también a la creación de nuevos públicos y a la interacción con otras disciplinas artísticas y sectores de la cultura como pueden ser el informativo, el universitario y el artístico. Iberdrama busca esos nuevos espacios escénicos para el teatro contemporáneo territorios tradicionales o en el vídeo, la radio y las redes sociales. No sólo el drama se ve en el teatro, sino también en las aulas, la televisión o las salas de exposiciones o internet.
IBERDRAMA, además de un espacio de exhibición de nuevas propuestas, es también un laboratorio de búsquedas de ecosistemas para el texto teatral, como las ediciones en libro digital. Es por eso que acogeremos la presentación de la nueva colección de textos teatrales de la editorial Literaturas.com que, celebrando la publicación del número 100 de su colección, abre una línea de textos teatrales en su catálogo.
Las actividades se desarrollarán entre noviembre y diciembre de 2013 en la Casa del Lector de Matadero Madrid.
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Lecturas dramatizadas y montajes
26 nov. 6 oficios, a saber… de Maritza Wilde. (Bolivia.) 19 h.
3 dic. Instrucciones para contradecir a Dios, Claudia Hidalgo. (Chile.) 19 h.
4 dic. El procedimiento, de Raúl Hernández Garrido. (España.) 19 h.
12 dic. Bóxer, de Daniel González Gómez-Acebo y Darita Betsabé Patrón. (Bolivia – España) 19 h.
17 dic. Aquí hay una mano. (España), de Juanma Romero Gárriz. 19 h.

Presentación de publicaciones
11-12-2013 Presentación de publicaciones teatrales. Literaturas.com. Desayuno con la prensa. 10,30 h.
Más info en: http://www.teatrodelastillero.es

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EUROPA DE LOS TEATROS – FESTIVAL EUROPEO DE TRADUCCIÓN TEATRAL

EUROPA DE LOS TEATROS – FESTIVAL EUROPEO DE TRADUCCIÓN TEATRAL
DEL 3 al 10 DE JUNIO DE 2013
Centro Cultural El Torito
Lanzado por primera vez en 2011, Europa de los Teatros tiene como objetivo la promoción de la traducción teatral en Europa y en las regiones próximas, por medio de la organización de lecturas públicas de piezas de teatro contemporáneo de autores europeos, acompañadas por encuentros con autores y traductores. Armenia, Dinamarca, España, Georgia, Grecia, Kosovo, Marruecos, Moldavia, Polonia, la República Checa, Suiza, Turquía, Ucrania acogen estas lecturas dramatizadas en el marco de este festival desde hace 2 años. Este festival es liderado por EURODRAM, red europea de traducción teatral, coordinada por la Maison d’Europe et de l’Orient. Multilateral, internacional, organizado en una cuarentena de comités lingüísticos interconectados, la labor de la red consiste en ensanchar y hacer fluir los canales de circulación de las obras dramáticas a escala continental, ejerciendo la vigilancia permanente y prestando una atención particular en la producción emergente e innovadora. Teatro del Astillero se suma a la red Eurodram desarrollando la larga tradición europea de traducción teatral entre las diferentes lenguas del continente, ensanchando el campo de visión del público y de los profesionales, favoreciendo los encuentros e intercambios entre autores, traductores y público, objetivos que persigue este festival, único en su género, y que son comunes a los que siempre constituyeron la razón de ser de Teatro del Astillero.

3 de junio de 2013
El Mirapiedras, de János Hay
Dirigida por Carlos de Matteis
Traducción: Gabriela Zombory
4 de junio de 2013
La fortaleza Europa, de Tom Lanoye.
Dirigida por Luis Miguel González Cruz
Traducción: Ronald Brouwer
10 de junio de 2013
Orquesta Titanic, de Hristo Boychev.
Dirigida por Daniel Martos
Traducción: Maia Guenova
19 h.
Centro Cultural El Torito.
Avda. de Moratalaz 130, 28030 Madrid
Entrada gratuita

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