Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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“Karenina Express” los martes en Microteatro

Los tiempos modernos nos empujan al estrés, a la rapidez, al consumo inmediato… ya casi nadie se pone a leer un libro de quinientas hojas para saborear lo más profundo del pensamiento del autor, para tener sensaciones que de otra manera no se consiguen. Ya nadie lee críticas largas, ni se introduce en labores de investigación árduas a la hora de crear una dramaturgia a través de los objetos.

Buscamos vivir rápido y a tope, resumirlo todo o buscarlo en la wikipedia, ver obras de teatro en diez minutos, comerse una hamburguesa basura en otros diez y coger rápidamente el metro para llegar cuanto antes a nuestro hogar.

Pero hay personas que todavía saben sacar partido a esta vorágine y crear poesía en quince minutos con la basura que los demás desprecian, hay gente que puede darte una visión personal de lo que León Tolstói nos proponía y estimularnos para que volvamos a sentarnos en un sofá a leer Ana Karenina y si no… que disfrutemos con la propuesta express al menos. Hay mentes que pueden sacar la esencia más pura de entre la paja y trasmitirla de manera muy asequible, para todos los públicos, con sencillez y naturalidad, después de todo un proceso de investigación dramatúrgica.

Simón Ribes ha creado esta pequeña pieza de tearo de objetos que podemos disfrutar en Microteatro todos los martes de abril y que nos sumerge en el mundo de los libros-arte a través de Karenina Express. En un paisaje siberiano encontramos sepultado un ejemplar muy especial de la obra de Tolstói. Un ejemplar que guarda las sorpresas no sólo en sus letras… sino en la dramaturgia que va a desarrollar a través de los objetos que Adolfo Simón, gran  experto en esta materia, manipula con precisión y armonía como si fuese el dios que elige el destino, aunque en este caso, ese destino ya está escrito por el autor y el dios se dedica a ponerlo todo en su sitio, a manipular el amor, la pasión, el odio,la muerte,… pero a su manera.

En definitiva, una micro-obra-poética-artensana-conceptual para disfrutar detenidamente, pausadamente, en otro espacio y tiempo dentro de Microteatro en el que nos sumergimos placenteramente.

Luis Mª García Grande.


Nuria Benet: El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo

benet¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Cuando era adolescente me debatía entre dedicarme a la interpretación o a la música. Shakespeare y el hecho de que en mi casa ya había muchos músicos me hizo inclinarme hacia el teatro. Mi debut profesional se produjo en Londres, donde fui a continuar formándome tras acabar la licenciatura de arte dramático en la RESAD. Al final, estuve formándome y trabajando en el Reino Unido como actriz durante doce años. Regresé cuando Jordi Milán, director de La Cubana, con quien había trabajado en una producción en inglés, me hizo una oferta que no pude rechazar y entré en el elenco de Cómeme el Coco, Negro.

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¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?
El teatro es el arte en el que el contacto con el público es más directo. Es un arte, cuya obra está en continuo cambio y evolución, que necesita al espectador para poder alcanzar su forma final y que, dada su naturaleza efímera, sufre la paradoja de que cada momento que vive es momento que muere y esto le confiere una valía añadida.
Al disfrutar de esta íntima relación con la platea el teatro puede ejercer un efecto directo en los espectadores, puede despertar conciencias, movilizar, emocionar y, por qué no, entretener y divertir.
Si a todos esos elementos se le añade el placer que esa comunión entre escenario y auditorio me produce, será fácil comprender por qué he elegido el teatro como modo de vida y, efectivamente, eso es en lo que se convierte: tu vida.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
He tenido mucha suerte a lo largo de mi carrera. Es cierto que uno solo puede subir al tren de la suerte si está en la estación, preparado y dispuesto para poder cogerlo. Es decir, creo firmemente en la formación, y estoy convencida de que parte de la razón por la que nunca me ha faltado el trabajo es por mi versatilidad; y esa versatilidad, aunque tenga algo de innata, es fundamentalmente resultado de mi afán por educarme y seguir formándome como artista.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
El teatro, para poder sobrevivir, ha de entretener con productos de calidad que motiven a productores, compañías y púbico por igual a continuar manteniéndolo vivo. Tiene que haber montajes dirigidos a diferentes públicos, pero siempre intentando alcanzar la excelencia, tanto si es un producto meramente comercial, como si es un infantil o una obra más intelectual. No hay que educar al público, ni ser condescendientes con él, hay que movilizarlo, hacerle reír, llorar, pensar, analizar, olvidar, provocar… cualquier emoción es buena, pero ha de producir algún tipo de marca en el espectador para que salga tocado y quiera volver.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos
Llevo un par de años de mucho trabajo (¡toca madera!). Dada la precariedad laboral que existe acepto prácticamente todos los proyectos que me ofrecen e interesan; las compañías son conscientes de la situación actual y ofrecen cierta flexibilidad con las fechas, aunque también se está convirtiendo en algo habitual el compartir personajes.
Este último año he participado en: La Ópera del Malandro, de Chico Buarque, estreno absoluto en España del musical brasileño basado en la Ópera de los Tres Peniques de Brecht. Con él gané el Premio Garnacha a la Mejor Actriz de Reparto. Junto a Teatro Defondo, la compañía que produjo este musical, dirigida por Vanessa Martínez y producida por Pablo Huetos, estoy en otros dos montajes: Los Atroces, una creación colectiva basada en el mito de los de Átridas y en El Sueño de una Noche de Verano, una versión familiar del clásico de Shakespeare. También actúo en El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, dirigida por Luis Crespo y producida por Teatro del Zurdo, compañía en la que también soy asidua y por cuyo montaje, La Ventana de Chygrinskiy, de José Ramón Fernández, obtuve el Premio Arcipreste de Hita a la Mejor Actriz. Además interpreto el papel de Maestra de Ceremonias en NOC, Un Auténtico Vodevil, dirigido por David Quintana, un cabaré original y muy divertido con el que llevamos tres temporadas en la cartelera madrileña. Por último, participo en el montaje celebración del vigésimo aniversario de Teatro del Astillero, dirigido por Luis Miguel González, titulado Los Charlatanes, una sátira de humor negro sobre el panorama social contemporáneo.benet8

¿Cómo surgió tu participación en las obras que tienes ahora en cartel en Madrid?
Para La Ópera del Malandro hice cásting y a raíz de allí me convertí en miembro asiduo de Teatro Defondo.
Como he dicho, El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo, es mi segundo montaje con Teatro del Zurdo, la primera vez que trabajé con ellos, bajo la dirección de Luis Bermejo, fue gracias a que este vio mi trabajo en Cómeme el Coco, Negro y pensó en mí para su próximo montaje.
Para NOC fui recomendada por alguien que había visto mi trabajo en La Ventana de Chygrynskiy.
Y para Los Charlatanes también los miembros de Teatro del Astillero habían seguido mi trayectoria con Teatro del Zurdo.

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Háblanos de estos trabajos…¿Cómo han sido los procesos?
Muy variados.
Con La Ópera del Malandro, al ser un musical con música brasileira, nos sumergimos en la cultura de este país – hasta tuvimos coaching in fonética brasileña.
En Los Atroces, la tarea titánica de adaptar en una hora y media una saga que comprendía una miríada de personajes e historias entrelazadas, hizo que el trabajo de mesa fuera intenso y extenso. Una vez que tuvimos el esquema narrativo comenzamos a improvisar cada escena, estas eran grabadas y la directora, Vanessa Martínez, las transcribía y daba forma.
El Extraño Caso de la Marquesa de Vadillo tuvo un proceso más “tradicional”. Al partir de un texto ya escrito, los ensayos se desarrollaron con normalidad, aunque la dramaturgia fue cambiando y evolucionando a medida que el espectáculo iba tomando forma.
Los Charlatanes también ha tenido un extenso periodo dedicado al trabajo de mesa. La obra es un amalgama de escenas que tocan diversos temas actuales y a lo largo del proceso hemos ido seleccionando las que mejor funcionaban, o bien a nivel teatral, o bien a nivel de coherencia de contenido.

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¿Cómo creas tus personajes? ¿Tienes un método?
No tengo un método establecido, este va cambiando dependiendo del tipo de montaje y proceso de ensayos. Algo que sí que necesito tener claro es la imagen del personaje. Esta puede aparecer (aun a riesgo de que suene manido) en un sueño, o puedo ver al personaje sentado en frente de mí en un vagón de metro, o reflejado en las páginas de una novela, o en un cuadro, o simplemente me viene un flash visual o una sensación física y a partir de ahí se va construyendo. Sin embargo, creo fervientemente en que, tanto si se trabaja de dentro a fuera como de fuera a dentro, el personaje tiene que respirar, tiene que retorcérsele las tripas, tiene que acelerársele el corazón, en resumen, tiene que tener verdad.

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¿Cómo crees está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?
Muy negativamente. Si ya antes era difícil movilizar al público para que viniera al teatro, ahora el factor psicológico de la subida del IVA va totalmente en contra de nuestra industria. España es un país donde el ir al teatro todavía no forma parte intrínseca de la cultura, como ocurre en el Reino Unido. Ponerle más trabas a que esto ocurra es contraproducente para la cultura de nuestro país.
Es cierto que, en contraposición, los teatreros hemos sabido movilizarnos para sobrevivir; se han creado nuevos espacios (como La Casa de la Portera) y nuevos géneros (como el Microteatro) que son un grito de rebeldía ante lo establecido. Pero existe la multiprogramación a la que están avocadas las salas y el demasiado frecuente “a taquilla” que proponen las compañías está teniendo un doble efecto. Por un lado, la amateurización de la profesión: cualquiera puede hacer teatro con muy poco dinero y sin pagar a nadie, teatro que las salas contratan porque tienen que llenar todos sus horarios – en general, no existe un filtro de calidad o coherencia artística a la hora de programar. Y por otro lado, poca gente puede vivir del teatro, con lo que, o, haces como yo, y estás en tropecientos proyectos, o tienes un trabajo paralelo que te dé de comer y te impida comprometerte plenamente a los proyectos teatrales, o eres una niña bien a la que su familia le subvenciona cual mecenas florentino. Es absolutamente necesario introducir la ley del mecenazgo cultural para que con la introducción de capitales privados se pueda reavivar y dar a la cultura la importancia y lugar predominante en la sociedad que se merece.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?
La paradoja del actor es que cuando trabaja no puede acudir al teatro e interesarse por lo que está en cartel. Así que, por desgracia, últimamente no he podido acudir mucho al teatro. Lo último que vi y que me interesó profundamente fue Trilogía de la Ceguera de Maeterlinck en el CDN. Cada obra corta era dirigida por un director joven y, aunque mantenían una coherencia formal, eran muy diferentes entre sí. Me pareció una idea muy positiva para dar a conocer repertorio clásico y mostrar el trabajo de jóvenes artistas.

¿Proyectos?
Ya sabes lo que se dice de los proyectos… que si se habla de ellos se truncan… así que hago mutis elegantemente.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?
Estrujarse la mente y la imaginación para seguir creando espectáculos de calidad que reten e interesen al público; reivindicar unos mínimos para que nuestro gremio no sufra; plantarse ante una industria que cada vez exige más y da menos, sin perder de vista los enormes esfuerzos que hacen las compañías para llevar un montaje adelante; y no olvidar que el teatro embellece y mejora la vida, la sociedad y la cultura.


Microteatro en el Museo Thyssen-Bornemisza

El Microteatro ha llegado al Museo. Desde que surgió esta forma de hacer teatro, han presentado sus trabajos en múltiples espacios no convencionales, en esta ocasión, es en los Jardines del Museo Thyssen-Bornemisza, durante varios viernes; quedan el 10 y 17 de julio, con entrada libre hasta completar aforo, se puede disfrutar de una pieza conectada con la exposición de Zurbarán que se puede disfrutar en el interior del Museo… El cinturón del rey Gaspar, escrita y dirigida por Antonio Ponce nos muestra el momento en que el pintor tuvo que enfrentarse al poder para tratar de liberar su genio del oscurantismo de la época. Una pieza breve muy bien resuelta.
Adolfo Simónzurbari


La mentira en micro

La escapada de este mes a Microteatro ha sido por una mentira, no por la que me hayan dicho si no porque el tema era este. Siguen fieles a la idea de mantener un nexo común entre las piezas que se presentan. No obstante, cada lema siempre es susceptible de ser tratado de múltiples maneras y esa es la gracia del asunto. No es el mismo tono el que se usa para las funciones de tarde que para las golfas…
Entre lo programado, he podido asistir a Me quedo muerta de Máxim Huerta, dirigida por Quino Farelo e interpretada por Josele Román y Fran Antón…La muerte es siempre una posibilidad de descubrir cosas ocultas en vida, aquí, los asistentes al velatorio se enteraron de lo que nunca habían sospechado.
Terapia de choque de Rafael Ruíz Pleguezuelos, Los machos te quieren puta en la cama de Alex Aguilá, El topógrafo del pánico de Alberto García y Very much thank you please de Michael Raphan subieron el tono de las mentiras transitando por mundos en los que la usurpación de la personalidad, el chantaje laboral, la sumisión sexual o el tráfico de intereses nos mostraban seres sin escrúpulos a la hora de conseguir sus fines.
Cada vez hay mejor ambiente en Microteatro, se ha convertido en un lugar de encuentro para charlar y tomar algo antes o después de cada pieza.
Adolfo Simón

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Adentro de Carolina Román en el CDN

Carolina Román está realizando una carrera como autora, directora y actriz muy coherente. La primera vez que la vi fue en Microteatro, esa pieza que ahí representó, creció y fue mostrada en el Teatro del Arte y ahí estrenó hace unos meses la obra Luciérnagas. Es como si fuese tejiendo de a poco su poética, sin sobre saltos, enlazando un eslabón con otro. Ahora, con el mismo equipo artístico que ha realizado las experiencias anteriores, presenta Adentro en la Sala de la Princesa del CDN. Y ahí nos sigue hablando al oído, susurrando historias pequeñas llenas de vida o deseo. La vida a veces se tropieza con el deseo y este hace que nuestros sueños descarrilen. También es cierto que no siempre están en nuestras manos las riendas del trayecto, los otros, esos que están a nuestro alrededor, ahora o siempre, nos obligan muchas veces a ver la vida como una foto desenfocada. Creo que están agotadas todas las localidades, animo a que se vuelva a reponer esta obra y pueda disfrutarla más gente.
Adolfo Simónadentromarcosgpunto_3


AIXA VILLAGRÁN: El teatro ha de tener la función de emocionar y hacer que te olvides por un momento de la realidad

aixa¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Tuve claro desde niña que quería dedicarme a esto. Estudié en Sevilla en un colegio muy progre en los 70 y teníamos una asignatura obligatoria que era Dramatización, actuábamos a Lorca y recitábamos en clase el Romancero Gitano. Contaba los días para que llegara esa asignatura, era feliz, me evadía de todo, siempre he sido muy imaginativa. Luego estudié en la escuela de Juan Carlos Corazza y empecé a hacer obras de teatro aquí en Madrid y luego en México donde viví durante un año. Siempre me concentré, me preparé y me formé para ser actriz y nunca desarrollé otra faceta hasta hace un año que escribí mi primer texto en Microteatro con el cual hemos vuelto y nos han programado también en Segovia, Sevilla y Almería…Me gustaría profundizar más en el mundo de la dramaturgia…hay tantas historias qué contar.

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mi el teatro es mi vida, aunque suene intenso es así ya que no lo vivo como una profesión sino como una vocación, cuando no actuó me deprimo y cuando actuó soy feliz y me como el mundo. Estar en el escenario expresando y transmitiendo, hacer reír y hacer llorar, que la gente sienta cosas viéndote es uno de los mayores placeres que pueden existir y ser capaz de crear un personaje y darle vida cuando ha nacido del alma de un autor ajeno a tí es realmente grato.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Es una profesión difícil y es una carrera de fondo, no es un camino de rosas el que hay que recorrer hasta llegar a poder vivir de esto. He pasado por todos los estados, he tenido trabajo y he estado también en el paro, rachas buenas de no parar y rachas de pensar que debía tirar la toalla, he trabajado con Gerard Jugnot haciendo cine francés por todo lo alto y he puesto cañas cuatrocientas pero siempre he resistido porque siempre he deseado dedicarme a esto y no me arrepiento. Ahora tengo la oportunidad poder estar en las tablas y sólo puedo decir que me siento pletórica.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
La función de emocionar y de olvidarte por un momento de la realidad, la función de transmitir y hacerte participe de una historia, como cuando lees un libro o ves una película o escuchas una canción, si te atrapa no existe la realidad. Depende del tipo de teatro que se haga, algunas obras te hacen reír hasta la extenuación y se te olvidan los problemas, otras tienen carga social y te hacen cuestionarte y plantearte cosas, otras te abren en canal y afloran todas tus emociones. No se está apoyando hoy en día la cultura y es
tristísimo porque a través de ella la humanidad se ve mucho más hermosa, la música, el teatro, el cine, el arte en general te hace ser alguien que te gusta ser, no sé si me explico. En definitiva creo que debería tener la función de abrir los cerebros, los corazones y los ojos de los seres humanos.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de
ellos…
He estado trabajando en En el TDA con luciérnagas, una obra de Carolina Román y en Microteatro.

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¿Cómo surgió tu participación en LUCIÉRNAGAS…?…Háblanos de este
trabajo…
Me llamó su autora y directora y no puedo estar más agradecida, trabajar con Carolina ha sido revelador, he encontrado muchas cosas dentro de mí en el proceso de este proyecto. Es una persona con un universo muy especial. Soy muy fan de como trabajan los argentinos, siempre con tanta verdad, pueden estar diciendo un texto complicadísimo pero jamás con solemnidad, te crees
lo que hacen y Carolina me ha llevado por esos derroteros hasta el fondo y puedo decir que me he encontrado bastante en este montaje con la actriz que me gustaría llegar a ser algún día. Estudié también con argentinos ya que Juan Carlos lo es así que entiendo el trabajo como el texto cargado de verdad.

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¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Microteatro…?…Háblanos de
este trabajo…
Escribí en una tarde una historia que me salió del alma, empecé a darle a las teclas del ordenador y durante cuatro horas no pude parar y sin querer me salió una pieza muy personal con un humor muy negro, se lo envié a Alfonsa Rosso para que interpretará a la protagonista pensando que me mandaría a hacer puñetas y me dijo que había escrito un “dimantito” así que lo envié a Microteatro y la seleccionaron, desde entonces la hemos hecho ya tres veces y ahora una cuarta y una quinta.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Sí, me encierro en casa a cal y canto y repito mil veces el texto hasta que lo tengo tan integrado que soy capaz de jugarlo sin pensar en él cuando voy al ensayo. En realidad uno siempre llega verde a un estreno por mucho que se haya ensayado y creo que el personaje realmente lo encuentras totalmente una vez pasan las funciones. En el trabajo previo al estreno, durante el proceso de ensayo hago análisis de texto, intento entender qué quiere decir el personaje y qué cosas le mueven, cuales son sus acciones en la escena y desde ahí trabajo con experiencias personales, imágenes, sensaciones y hechos reales, pregunto mucho al director y necesito su apoyo y ayuda.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Pues están haciendo un daño que va a costar mucho reparar, hoy en día la cultura es un privilegio de pocos, la industria del cine está sufriendo más que nunca lo cual hace que los proyectos escaseen por lo tanto no hay trabajo, las producciones de teatro son pocas y últimamente se trabaja mucho a taquilla y no a caché, es decir, ganas en función de lo que se llene la sala porque no todo el mundo puede permitirse el lujo de afrontar una producción. Esto hace
además que los actores tengamos que reinventarnos constantemente y luchar por estar en un escenario sin ninguna producción que nos ampare, cobrando mal y sin recursos con lo cual los de arriba tienen la absurda idea de “ellos se apañan solos para que vamos a dar ayudas”, en fin, este país está muy atrasado.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En este caso voy a hablar por muy raro que parezca de un montaje que aún no he visto y me muero de ganas de ver, aún no lo he visto porque no se ha estrenado, “Adentro”, se estrena en abril en el CDN y creo que va a ser una barbaridad en el buen sentido de la palabra porque el equipo es bárbaro e intuyo que van a dar mucho de que hablar.

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¿Proyectos?…Una cosa que prefiero no decir no se vaya a gafar y seguimos con segunda temporada de “Luciérnagas” todos los sábados y domingos a las 19:30 en el TDA, de momento febrero. En abril hacemos de nuevo mi obra “Mejunjes” en el Microteatro de Sevilla.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No perder la esperanza y seguir apostando y creando.


Convocatoria para autores

ANESVAD Y MICROTEATRO abren convocatoria por 2º año para la recepción de
textos sobre el tema POR LOS DEMÁS.

A través de la presentación de varios temas relacionados con la dificultad o
imposibilidad de acceso a la salud queremos trasmitir de manera positiva que
está en las manos de cualquier persona tomar acciones por los demás que
ayuden a cambiar, incluso a salvar vidas.

Ante realidades y necesidades de aquellos más vulnerables siempre existe una
opción de hacer algo por ellos y ellas.

Más información en:

http://microteatromadrid.es/anesvad-y-microteatro-abren-convocatoria-por-2o-ano-para-recepcion-de-textos-sobre-el-tema-por-los-demas/#more-6203

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Estefanía de los Santos: Una virtud que tiene el Teatro es la multifunción

estefania0¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
La primera primerísima actuación en el salón de mi casa para familiares y amigos, eso ya era hacer teatro!! y profesionalmente en la Sala Mirador con “Los viernes del Hotel Luna Caribe” obra dirigida por Fermín Cabal y escrita por Alberto de Casso. Fui feliz!!

¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Por supuesto…la profesión que acompaña siempre a la actuación; camarera! Bueno y mil cosas más pero esa la que más.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Algo inevitablemente necesario, me identifico como persona teatral. En muchos sentidos…menos mal que siempre tendré salones donde poder saciarme!!.

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¿Por qué haces teatro?…
Para ser feliz, haciéndolo me aseguro un ratito de felicidad.

¿Qué balance harías sobre tu  trayectoria?…
De montaña rusa.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?
Las que ha tenido y tendrá siempre; mostrar realidades, ensoñar, entretener, divertir…Es una virtud que tiene el Teatro; la multifunción.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?Háblanos de ello…
En teatro: ”Las Plantas(la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” , “Las palabras(una historia de amor) ambas de Pablo Messiez, dos maravillas para mi corazón por muchas razones…y “Normal” de Chiqui Carabante para Microteatro un loco divertimento. En cine: ”Hablar” de Joaquín Oristrel un proyecto muy interesante ya que es una película de un sólo plano secuencia y “Chica busca chica” de Sonia Sebastián una divertidísima película de enredo. Se estrenan este año. Y he participado en tres cortos también: ”Quiero conocer a Brad Pitt” de Esteban Garrido y “Más sabe el diablo” de Benja de la Rosa, dos cortos que son dos chaladuras muy locas!. Y ”Hermano” escrito y dirigido por Javier Roldán, una hermosura…

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje Las plantas?…Háblanos de este trabajo
Fue un regalo de Pablo Messiez por Reyes. Siempre lo digo; ¡Yo no creo en los Reyes pero sí en Pablo!!. Es uno de los mejores regalos de mi vida.
De los trabajos más satisfactorios, me está dando muchas alegrías, muchas reflexiones…

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¿Cómo ha sido el trabajo con Pablo Messiez?…
Fácil, fluido, lleno de amor, trabajar con Pablo es una bendición, una suerte caída del cielo. Te hace sentir bien todo el rato. Es pura generosidad.

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Pues yo a mis personajes los pienso mucho; sobre todo, y después los siento y los quiero y como por arte de magia sus expresiones van apareciendo, se van encarnando en mi cuerpo… Y, cosa rara!! el hecho de como van peinados me los termina de colocar!… Ya ves…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Cuál salmones…luchando contra corriente! Los recortes y el 21% i.v.a son actos satánicos. Pero aquí estamos bieeen ricos de espíritu!.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Comento un par, aunque me han interesado más; “La piedra oscura” es una joya! quien la haya visto sabe los tantos porqués y quien no la haya visto que corra, vuele para conseguir entradas para la próxima temporada.
Y “A vueltas con la vida” la gran Beatriz Carvajal está espectacular. Adoro a esta mujer.
Recomiendo “Killing Paquito”, ”A-creedores”, ”Como si pasara un tren”…aaah! ¡tanto buen teatro!…

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¿Proyectos?…
Estoy en pleno rodaje de “La Tama”(título provisional) de Martín Costa. Esta película va a sorprender. En breve empiezo ensayos para un Microteatro dirigido por Sonia Sebastián que me apetece muchísimo entre otras cosas,trabajo por primera vez con mi hermano Guillermo de los Santos y es un sueño cumplido!. Y seguiremos regando “Las plantas(la carne,la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana)” ¡qué me llena de felicidad!…Bueno y algunas cosas que están por cerrar y ya se sabe…
Y el proyecto de los proyectazos seguir viviendo con alegría y estusiasmo!.


Antonio Domínguez y Rosel Murillo nos hablan del proceso a dos que han experimentado con la producción de “Adela”

roselantonioadelaSobre ADELA…
¿Cómo surgió el proyecto de ADELA?…¿Qué evolución ha tenido durante el tiempo que lo lleváis representando?…
Adela surge tras una invitación de Bilbao Eszena para investigar lenguajes teatrales, en el marco de espacio privilegiado debido a que los artistas contamos realmente con plena libertad fuera de el circuito comercial, y sobre todo, porque cuentas con el tiempo necesario que estimes conveniente para dar profundidad a tu obra.

Rosel: Ha requerido de un proceso de escenificación natural, su valor no está en cómo se ha organizado el trabajo, quizá en esto no haya nada de original, sino en la valentía y la profundidad con la que se encara este montaje. El montaje ahora mismo continúa creciendo y evolucionando, porque a su llegada al Centro Cultural de la Villa, debido a la configuración de su espacio, su disposición a tres bandas, y su especial cercanía con el público, nos hacen leer las situaciones de una manera que antes no habíamos sentido.

Antonio: Tanto yo como Rosel somos directores que nos preocupa la evolución de la obra, la cual reescribimos, reescuchamos, pensamos en ella cuando han pasado unos días, la modificamos continuamente. Cada vez más conviven el cuerpo con la palabra y encontramos una totalidad del actor que nos está resultando muy enriquecedora para nosotros como artitas y para el propio lenguaje del espectáculo en sí.

Y de momento, se acaba de estrenar en el Teatro Fernán Gómez de Madrid, donde va a hacer su temporada madrileña. Este mes Adela también participa en el encuentro La incubadora, que realiza el Corral de Comedias de Alcalá junto al Teatro de La Abadía. Y ahora se está empezando a programar la gira, que empezará en UNIA Baeza en julio. Todo esto conlleva un riesgo especialmente duro, puesto que toda la producción es íntegra de Barluk, es decir, no hemos contado con subvención del INAEM ni de ningún organismo público.

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¿Cómo fue el proceso de creación al participar juntos en la dirección?…
Rosel: Maravilloso, y no es algo que se diga, porque esto va a ser publicado. Mis ideas, iban modificándose a ideas mayores, porque con Antonio somos dos cabezas pensando, influyéndonos en ver las distintas maneras de ver lo mismo, encontrado sumas, y sumas y sumas a tus propias percepciones.

Antonio: Para mí Adela ha sido mi primera codirección y tengo que decir que con Rosel ha sido un trabajo muy sencillo, porque además es la autora del texto, y convivir con un autor que dirige, y que está montando su propio universo, pudo ser peligroso, y sin embargo no ha sido nada restrictivo, sino todo lo contrario. A Rosel creo que le gustaba ver incluso como los actores y yo íbamos soñando su texto. Se divierte viendo lo que se hace con las situaciones que ella ha imaginado, da libertad, y su texto te guía seguro, porque realmente tiene mucha, mucha fuerza.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que habéis partido para crear este trabajo?… ¿Se escribió el texto y después se montó o se ha transformado durante los ensayos?…
Antonio: Adela es además un texto dramático que se escribe necesariamente para nuestro encuentro, buscando los límites de la convivencia entre lo gestual, lo textual, lo rítmico y lo poética de la imagen.

Rosel: He escrito este texto para que sirviera como gran continente de un sentido específico, y que versa sobre la necesidad de los seres humanos de unirse y de separarse, de necesitarse y de permanecer unidos.
De la invitación de Bilbao a la investigación, de la investigación al cuerpo, y del cuerpo a la palabra, y de la unión de todo ello a la puesta de dirección. Cada aliento ha influido en el texto, que se ha reescrito, que se ha buscado, que se ha vaciado de sentido, que se ha colocado como una capa superficial, pero maravillosamente expresiva, de las corriente internas de la obra.

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¿Cuál es el planteamiento de futuro para la Compañía?…
Antonio: Pues estamos bastante centrados en Adela y queremos girar con ella y cubrir todas las plazas a donde podamos llevar. Este verano se empieza la preproducción del siguiente montaje que se empezará a ensayar en Septiembre, aunque con la inestabilidad en la que los políticos han dejado el teatro, todo depende de múltiples factores en la que solo nuestro amor por el teatro está asegurado para que este viaje continúe.

¿Qué balance hacéis de vuestros trabajos para la escena?…
Antonio: Pues considero que está en una constante revisión. Desde el paso por la RESAD siempre he pensado que a los directores buscaban colocarnos en una cierta manera de hacer, una poética propia… todo esto me resulta muy aburrido. Yo veo mucho esfuerzo y millones de horas entregadas al teatro. En mis trabajos están múltiples experiencias personales y de artistas que he seguido como público o que he trabajado con ellos y que han dejado en mí influencias, como es el caso de Miguel del Arco. Mirando hacia atrás desde aquí veo que mis trabajos abordados desde la interpretación, la escritura o la dirección siguen el común denominador de un trabajo inmenso sobre la palabra en acción, y sobre la imagen escénica. Lo que más me interesa del teatro es el actor y creo que está en todos mis trabajos de dirección. Y veo mis obras muy pegadas a mí mismo, cada uno de ellas están muy ligados a la situación en la que estaba en ese momento y también que me han hecho crecer a mí personal y profesionalmente. Le tengo un cariño inmenso a Nuestra Ciudad que dirigí hace apenas medio año. Digo, en voz muy alta, y a riesgo de que suene pretencioso, que me siento muy orgulloso de todas mis obras.

Rosel: Es necesario para mi encontrar la conexión del trabajo con la piel, necesito ponerle el corazón para vivir en un proceso tan intenso como es una puesta en escena. En cada trabajo estoy yo, mis pensamientos, emociones y cicatrices. No podría vivir en el teatro de otra manera. Igualmente quienes me acompañan en este viaje están implicados de la misma manera. Cada uno de mis trabajos habla del momento personal en que me encontraba, porque en cada uno de ellos me he desnudado para dar lo mejor de mí. Me reconozco y veo como los actores y el público pueden reconocerse en él. Mostrar de la forma más bella y extraordinaria lo que todos hablan.

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¿Qué os mueve a poner en marcha un proyecto teatral?…
Antonio: La necesidad de contar, de comunicarme, de buscar la belleza del ser humano en comunidad con más gente, más artistas, más público. Hablar, sobre todo tener voz, me gusta pensar que amo este mundo y las personas que estamos en él a través del teatro y que desde ahí, entrego mi granito de arena.

Rosel: La necesidad de expresarme de una manera distinta, de poder contar lo que en particular me preocupa a mí pero que veo compartido a mi alrededor. El momento de trabajar con los actores, vivir la magia del teatro.

¿Qué función creéis que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Antonio: La de la revisión. Se acabó el pensar en el discurso único y que las cosas solo pueden ser de una determinada manera. Admiro a la gente que con su fuerza y su convicción pueden llegar a otros. Creo que un teatro de divertimento no tiene sentido para nuestra sociedad, aunque creo que uno puede divertirse inmensamente encontrando dentro de sí la fuerza de lo verdadero. También últimamente pienso, y debido a lo desolado que me deja cuando pienso en nuestro entorno, que como decía el gran Lorca: “en la sociedad en la que vivo sólo se puede abrazar la tragedia”

Rosel: Creo que estamos volviendo de hace un tiempo a esta parte a un teatro social comprometido con los ojos que vienen a verlo. No podemos hacer oídos sordos a lo que nos está pasando, bajar la cabeza y seguir. El teatro debe contestar y lo está haciendo. Anteriormente decía que contaba en mis trabajos mis preocupaciones, pero que eran las mismas que las de mi vecino, y el teatro está para que mi vecino también tenga voz. Un claro ejemplo de esto es el maravilloso Sergio Peris-Mencheta.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Antonio: Pues está haciendo un daño inmenso, porque el teatro tiene una naturaleza que no se está teniendo en cuenta: se trabaja con el prototipo. Esto conlleva un altísimo nivel de riesgo, por lo que puede ser que un espectáculo sea un éxito o un fracaso en una delgada línea. Cuando tienes un éxito, como artista buscas crecer, una función en la que puedas dirigir a más de dos actores, que puedas llegar a público un poco más lejano de la comunidad de producción… continuamente volverás a enfrentarte al prototipo. Lo que hacían las ayudas a la producción y el IVA redudido era dar una mínima estabilidad a la vida del artista y a la del empresario de teatro. Ahora todo esto se ha destruido. Es gravísimo como lo están pasando los profesionales, jóvenes, posicionados, actores mayores… es una vergüenza inmensa la que siento. El estado se ha comido el mínimo beneficio empresarial que había en las artes escénicas, lo que da la posibilidad de crecer y nos ha abandonado al riesgo que podamos tomar cada uno por cuenta propia, por lo que cada vez más artistas llegan a la penuria con tal de sacar su obra adelante. Todo esto unido a que seis millones de personas las pasan putas y no pueden ni soñar con ir al teatro, pues deja la situación bastante desolada. Espero de verdad que aproveche el 21% de nada que ha desfomentado tanto al teatro y que está causando tantos crímenes en todo nuestro entorno.

Rosel: Que más puedo añadir a la gran reflexión de Antonio Domínguez. Creo que lo estamos viendo, y sufriendo, todos los días. Es un acto de valentía proponerte simplemente el hecho de hacer teatro. Nunca tienes un mínimo de seguridad y todo son dificultades, no estamos ayudando al teatro, lo estamos ahogando. Nuestros políticos han decidido que el pueblo no necesita de la cultura, que no necesita pensar. Y así nos va. “¿No te asusta la idea de un mar con todos los peces atados con cadenitas a un solo punto sin conciencia?” Federico García Lorca.

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¿Qué obra habéis visto últimamente que os haya interesado?¿Por qué?…
Antonio: Hay muchísimo que ver: La joven con La cortesía de España, Misántropo, pero he visto un montaje que me dejó bastante impactado en la RESAD, y fue La visita de la vieja dama. Espero que a los compañeros que terminan la escuela con este montaje les vaya muy bien, porque realmente vi mucho talento y mucha profundidad en el trabajo que hacían.
Rosel: Este mes de mayo está cargado de mucho teatro, y eso es una alegría. Lo último que vi fue la propuesta escénica de La casa de Bernarda Alba de Hugo Pérez, de quien anteriormente había visto Por los ojos de Raquel Meller. Como siempre no me decepcionó, me encanta la estética y la maestría con la que resuelve acciones escénicas complicadas. Un maestro que se lo merecía hace mucho tiempo estar donde está.

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¿Proyectos?…
Antonio: Esta semana también se estrena Como gustéis en el CDN, donde he sido ayudante de dirección de Marco Carniti. Esto junto con Adela me han pasado como un ciclón por el cuerpo. Ahora empiezo estos días a dirigir a Ana Marzoa para la Maratón de Monólogos de la AAT. Después de esto, el proyecto es descansar, leer, estar un poco en el día a día y luego preparar la siguiente temporada.

Rosel: No paramos. Como explicaba Antonio estamos pendiente de comenzar el próximo proyecto de Barluk teatro en septiembre. En junio estaré junto a Víctor Algra en Microteatro con una propuesta escrita y dirigida por mí. Este año me quedo sin verano pues estaré en PENTACION preparando las nuevas producciones para la temporada de septiembre. Mientras esto llega viviremos el momento que Adela nos ha regalado.


Ignacio Tofé nos habla de “El tesorero”

tofe¿Cómo surge el proyecto de El tesorero?…
El proyecto surge del estupor que me han producido algunas de las noticias sobre la corrupción política en España. Especialmente los detalles más terrenales y ridículos: las transcripciones de los pinchazos telefónicos en las que se puede ver como hablan y como se relacionan los corruptos, las exigencias de los corruptos cuando recibían algún regalo, o las explicaciones absurdas que han dado los políticos para intentar justificar cobros irregulares.
Todo esto me parecía un material estupendo para construir una comedia de tono berlanguiano. Pero no quería hacer algo que dejase al espectador deprimido, me apetecía más burlarme de los políticos, devolverles la pelota, darle al espectador la oportunidad de reírse de los mismos políticos que se ríen de él todos los días.

¿De qué va la obra?…
Basada libremente en el Caso Bárcenas, la obra cuenta el primer día en el gobierno de un nuevo ministro de Cultura, cuyo mayor interés es usar su puesto para hacer negocios, y buscarse un buen enchufe para cuando deje el gobierno.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla y dirigirla?…
Leí el libro “El Caso Bárcenas” de Ernesto Ekaizer, y también me resultó bastante útil el programa de Salvados en el que Jordi Évole entrevista a Pablo Crespo. Aparte de esto llevamos años desayunando comiendo y cenando con corrupción. Todo lo que he leído en los periódicos, o he visto en los telediarios, en los últimos años ha servido para alimentar el montaje.

¿Cómo ha sido el proceso de puesta en escena?…¿Con los actores?…
La ventaja de estrenar en “La casa de la portera” es que hace que te concentres en lo importante de una obra: los actores y el texto. Ensayábamos en el salón de mi casa y yo tenía claro que lo que no nos divirtiera a nosotros no iba a divertir al público. Así que el proceso con los actores: Mario Tardón y José Navar ha sido el de construir la comedia buscando pasarlo bien y reírnos en los ensayos. Muchos de los chistes que surgieron durante el proceso se han incorporado a la obra.

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¿Qué balance haces de tus últimos trabajos como director?…
Este año me he lanzado a dirigir mis textos y estoy muy contento con el resultado. Por vocación soy más escritor que director, pero llegó un momento en el que me di cuenta de que si quería que mis textos llegaran al público me tenía que convertir en productor y director. Esta era una posibilidad que me asustaba un poco, pero que al final ha resultado ser más fácil de lo que yo pensaba y que me ha dado mucha libertad creativa.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Entretener, divertir, emocionar, hacer pensar, formar, ofrecer nuevas perspectivas, etc. Creo que lo ideal es que el espectador, cuando decide ir al teatro, pueda elegir entre un abanico de posibilidades lo más amplio posible.

¿Qué te motiva para llevar a cabo un proyecto teatral?…
Sinceramente: el dinero. Ahora mismo vivo sólo del teatro así que necesito que mis proyectos además de que me gusten y me interesen, sean rentables.
Yo no creo que ganar dinero y hacer buen teatro, sean cosas incompatibles, tampoco creo que para ganar dinero haya que bajar el listón. El público es más inteligente de lo que muchos creen.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Se han cargado la clase media del teatro. Ahora puedes estar en montajes grandes donde las condiciones laborales son, más o menos, las de antes de la crisis, o en montajes pequeños donde todo es un poco precario y vives bastante al día. Lo que era la clase media, las compañías independientes que hacían sus bolos pagados por los ayuntamientos, o los actores que vivían con puntuales sesiones de publicidad o de televisión, por poner dos ejemplos, ha desaparecido casi totalmente.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
De lo que he visto últimamente me ha gustado: “El viaje a Ninguna Parte” en el CDN, “Intimidad” de Iván Ruiz Flores y “Las heridas del viento” de Juan Carlos Rubio.

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¿Cómo ves el teatro en nuestro país, en Madrid?…
En Madrid el off está más activo que nunca. Cada semana te enteras de que ha abierto una sala nueva, y todo el mundo está estrenando nuevos espectáculos. La crisis ha hecho que todo el mundo se vea obligado a salir de su “zona de confort” y tenga que ponerse a hacer cosas nuevas.

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¿Proyectos?…
Acabo de enviar una obra titulada: ¿Tienes un minuto? para Microteatro y estoy preparando una obra para estrenar en el Fringe. Aparte de esto, me gustaría irme de vacaciones pero no sé si lo conseguiré.

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Nancho Novo nos habla de sus proyectos creativos

nancho¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Mis inicios fueron muy divertidos, aunque pasaba más hambre que el perro de un yonki. Hacía teatro por la calle, en bares y discotecas, animaciones infantiles, era payaso…
Y nunca hice otra cosa que no fuese ésta, porque para ninguna otra cosa valgo.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi alimento, mi forma de vivir, es mi mujer, el púlpito desde el que puedo soltar mis pobres arengas. Hago teatro porque nací para ello, así de sencillo.

¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Con la tele, el cine, el rock and roll y la escritura… siempre contar historias. Soy un cuentista.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Pienso que aún estoy comenzando, me queda un largo camino en el que aprender muchas cosas y hacer muchas cosas.

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Hay más variedad, tanto de estilos como de formatos: lo digo por las múltiples salas alternativas que se han creado. Y en general los actores están mejor formados.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ser espejo, denuncia, conciencia… todas esas cosas, sin olvidar el objetivo primordial: entretener, divertir.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Aparte de mis representaciones del Cavernícola, acabo de dirigir el espectáculo Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, he participado en una película brasileña sobre la vida de Paulo Coelho, he dirigido el Cavernícola en Miami, estoy a punto de publicar una compilación de obras cortas que he estrenado en Microteatro estos dos últimos años y espero la salida de la segunda edición de mi novela DESPERTAR.

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¿Cómo surgió “El cavernícola”?…¿Cuál ha sido su evolución a lo largo de estos años?…
Fue un proyecto que me ofrecieron hace once años, estuve haciéndolo durante tres. Lo dejé y al cabo de cinco años volvieron a proponérmelo. Fue un boomerang. Y claro que ha ido evolucionando, de hecho lo que hago y digo hoy en día difiere mucho de lo que hacía cuando estrené.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Como actor seguiré con el Cavernícola mientras dure. Y tengo un par de ofertas para dirigir más teatro.

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Muchas cosas. Pero poco a poco voy cumpliendo sueños y espero que así siga siendo.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
En que plantearse hacer una producción de teatro es casi un suicidio, en que los actores cada vez trabajan y cobran menos, que a los creadores se les quita la gana de crear…

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El Rey Lear en el teatro del Globo en Londres, en función matinal. Sin artificios escénicos, ni luces. Una maravilla.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
No creo que haga falta. El que tenga el impulso de crear lo hará por malos que sean los tiempos. Esperemos que éstos cambien.

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Iván Ugalde en verano…

ugalde¿Qué balance artístico haces de este año?…
Bastante bueno. Con TheZombieCompany(TZC) hemos presentado dos nuevos proyectos: “Muere, Numancia, Muere” en el Festival Fringe del año pasado y “Elepé” en La Casa de la Portera (aparte de continuar con “Peceras” y “Exhumación”) con bastante éxito por parte del público y un puñado de buenas, y algunas excelentes, críticas. También he tenido la oportunidad de participar en el montaje que hizo el Real del “Cosi Fan Tutte” dirigido por Michael Haneke, uno de mis directores fetiche, pudiendo ver cómo trabajaba y participando de su nervio creativo. Otra buena sorpresa fue la emisión de la serie “Mitos y Leyendas” en la2 de RTVE, en la que hice de Ulises, con una muy buena dirección y creativa puesta en escena de Eulogio Romero. Todo esto aderezado el verano pasado con una gira por Colombia con “Familia” de Factoría Teatro (¡inolvidable, Salva y Gonzala!).

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¿Cómo estás pasando el verano?…
Trabajando. Durante principios de agosto participé en la producción de “Llueven Vacas” de TZC, una miniserie sobre la obra de Carlos Be dirigida por Fran Arráez, con un reparto de lujo entre las que se encuentran Gemma Charines, Mónica Regueiro y Carmen Mayordomo. Espero que en breve tendremos la oportunidad de verla. Ahora estoy haciendo una pequeña pieza para MicroTeatro llamada “Ayer”, con un texto redondo y necesario de Helena Tornero, una dramaturga catalana que realmente espero comencemos a escuchar por aquí con más asiduidad. La dirección, geométrica y contundente es de Pilar Massa y de nuevo acompañado de la Mayordomo… qué decir, me gustan las mujeres que hay en mi vida! A finales de mes, el día 30, sustituiré en la SalaTú a Gabriel Moreno en “La Otra Voz”, bello y catártico montaje de Manuel De(¡gracias, Gabi!) Ah! y acabo de participar en un videoclip de Biznaga, un grupo punkie con gracia, dirigido por David Iñurrieta (todavía tengo las manos rojas de toda la sangre que hemos utilizado..)

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¿Has visto algún espectáculo interesante?…
Si te refieres a este año, te intento hacer un repaso rápido de algunos imprescindibles (y seguro que se me pasan unos cuantos): “Los Iluminados” de Julián Fuentes Reta, “Antonio Remachado” de KolectivoMonstrenko, “Pepita Jiménez” de Calixto Bieito, “Las Huérfanas” de Miguel Albadalejo (de La Casa de la Portera también he oído hablar maravillas de “La Visita” de Antonio Muñoz de Mesa, vuelven en Septiembre), la ópera “Woyzeck“ por Marthaler, y para finalizar, “Sexpeareamente” de Sexpeare. (Uno de los espectáculos que más tristeza me da haberme perdido es “El Régimen del Pienso”, de los imprescindibles y necesarios La Zaranda, pero volverán… )

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¿Qué libro estás leyendo?
Acabo de terminar “La Maravillosa Vida Breve de Oscar Wao”, de Junot Díaz. Me ha encantado. Este Junot Díaz es un escritor fantástico. De origen dominicano y residente en EEUU, si no me equivoco ésta es su primera novela. Relata la vida de Oscar, un “nerd” emigrado a EEUU y su complicada relación con el mundo, pasando por su familia y abuelos en la Republica Dominicana durante los años del “Trujillato”. Una prosa ágil y con buen ojo combinada con una terminología freakie de lo más divertida; aparte, una crítica tremenda al reinado de Trujillo y a la política estadounidense. Más que recomendable.(Simplemente comentar que mirando posteriormente información sobre ese bastardo llamado Rafael Leónidas Trujillo, me enteré de que está enterrado nada más y nada menos… que en el Pardo de Madrid! Saquen sus propias conclusiones…).

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¿Proyectos para otoño?…
En Septiembre, la TZC se traslada a Barcelona, al TantarantanaTeatre, con “Peceras”, “Elepé” y “Exhumación”. ¡Todo un mes “zombie” en la Ciudad Condal! ¡Gracias, Julio! Durante el resto de temporada estaremos con “Elepé” (en coproducción con la Tantarantana) de gira por España (Valencia, Sevilla, Zaragoza…) y a finales de año recalaremos de nuevo en el Hall del Lara con “Peceras”, Exhumación” y la nueva producción de la Zombie, “Autostop” (esta vez con Mentxu Romero y Juan Caballero en la interpretación). También andamos con un proyecto entre manos, junto con Germán Torres, para llevar “Ayer” de Helena Tornero, a audiovisual… pero de esto, ¡chitón!, que ya sabemos que trae mala suerte hablar de nuestros futuros planes…

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Tres obras de Microteatro en agosto

Las noches de Madrid en agosto todavía son calurosas, a veces demasiado… y qué mejor que hacerse una sesión en el sótano de  Microteatro por dinero para pasar este bochorno como en una bodeguilla…

El leitmotiv de este mes es “Por arte de magia”, así que no se esperen tres obras muy realistas:

“No sé tú, pero yo…” nos sugiere que pensemos dos veces lo que deseamos no se vaya a cumplir y nos veamos en una situación como la de los protagonistas…un “enredo” empresarial y familiar al estilo de “Embrujada” interpretado con mucho arte por Germán Torres y Aixa Villagrán.

“El sueño de una noche de quince veranos” parte de la magia de las estrellas…como las de Esperanza Gracia…esas estrellas que pueden hacer que tu futuro cambie, así que si te sientes perturbado, si quieres saber qué puede pasar después de 15 años esperando que pase una estrella que no aparece…entra en la micro-sala y deja de ver anuncios de videntes. Por cierto, Antonio Ponce y Marian Degás (o Ana Santos) nos hacen sentir como verdaderos campistas debajo de una constelación muy especial…

“Ayer” nos propone un tema actual en el que la magia es de lo más real…una manifestación multitudinaria de esas que se oyen últimamente, una obsesión amorosa y… un desencuentro entre dos personas…una perfecta tensión dramatúrgica que hilan Iván Ugalde y Carmen Mayordomo  de una manera muy fina.

Además, si todavía no tienen suficiente, ni plan para esas largas y calurosas noches de verano…pueden quedarse a la sesión golfa.

Luis Mª García.


Tristán Ulloa nos habla de la experiencia de dirigir en la obra: En construcción

tristán ulloa¿Cómo surge el proyecto de EN CONSTRUCCIÓN?…
Esta obra se gestó en la milonga que regentaban Carolina Román y Nelson Dante, los dos autores del texto y actores. Se propusieron escribir algo para que yo les dirigiera, para montar algo de teatro entre un número y otro de baile. Se plantearon escribir sobre algo que conociesen bien, ficcionándolo: la llegada a España de una pareja de argentinos, con una niña, huyendo del corralito, y cómo, con el paso del tiempo, no encuentran aquí lo que ellos esperaban sino todo lo contrario, incluso algo parecido a lo que provocó su huida. Y se plantean, al menos ella, volver a su país, a su cultura, con sus seres queridos, a sus raíces. Primero era solo una escena de 20 minutos, pero invité a amigos y compañeros de la profesión a un pase, y nos dimos cuenta de que era una historia que conseguía emocionar. La hicimos en Microteatro, en la cárcel de Segovia, con una ONG, el CEAR, el Comité Español de Ayuda al Refugiado, y vimos que teníamos un material delicado, bonito, importante, que emocionaba, y ya nos planteamos montar una obra larga. Nos juntamos a escribirla y ensayarla. El texto era una especie de arcilla que se iba amoldando a los actores. Mi intención era que no se apreciase interpretación, que fuera muy natural. Es un texto que hemos ido adaptando según iba pasando el tiempo. Presenté el proyecto a teatros públicos, lo desestimaron. Y al final hemos venido a esta maravillosa sala en Lavapiés.

¿Hubo ocasión durante el proceso para que se modificase la dramaturgia al realizar la puesta en escena en El Teatro del Arte ya que tuvo funciones anteriores en Microteatro?…
Por supuesto. El texto ha estado en continuo cambio incluso hasta el día antes del estreno.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
Muy orgánico y colectivo. Muchos ensayos y conversaciones. Algo muy parecido a un laboratorio. Hay muchas cosas que aunque finalmente hayan sido descartadas del montaje final no dejan de estar ahí porque han servido para encontrar otras que sí mostramos.

Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…
Los tres formatos lo son, pero el teatro requiere de una entrega que absorbe mucha energía y al mismo tiempo te la devuelve multiplicada. Es un salto al vacío en tiempo real.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Estoy satisfecho pero soy consciente de lo mucho que me queda por aprender.

¿Cómo ha sido la experiencia de dirigir?…
Muy fácil con este equipo. El truco está en rodearse de una tripulación que sepa más que uno y en escuchar. Luego el barco lo llevas hacia un lado u otro.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad actual?…
Además de entretenimiento tendría que ser una invitación a la reflexión sobre determinados temas. A plantear más preguntas que respuestas para posibilitar cambios.

¿Crees que afectarán los recortes al teatro en lo que veremos durante los próximos meses en los escenarios?…
Creo que se está causando un daño irreversible por un buen tiempo a la cultura y la educación en este país. Tardaremos más de una generación en superarlo. Ya lo hemos visto en otros países y así ha sido.

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¿Te preparas de manera distinta un personaje para tv, cine o teatro?…
En esencia no. En todo caso cambia la energía: no es lo mismo hablar para una platea de 900 espectadores que hacer un primer plano con una cámara a un metro de ti.

¿Cómo preparas los personajes?…¿Te ha servido ser actor para dirigir?…
Depende del personaje. Lo más difícil es encontrar el cabo del que tirar. Tiene que ver con muchas variables: imaginación, texto, documentación…
Escribir dirigir e interpretar son tres disciplinas que se retroalimentan. Tres lugares distintos que deben interactuar.

¿Qué espectáculo de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Leo en el Circo Price. Fantástico. Arrasó en el Festival de Edimburgo. Me parece algo muy complejo a pesar de su aparente sencillez. Una belleza.

¿Proyectos?…
Girar con “En construcción” y con “Julio César” donde interpreto a Bruto. En agosto una peli en Francia.

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Alicia Blas nos habla de su trayectoria como escenógrafa y pedagoga

Ablas¿Cómo fueron tus inicios en el diseño escenográfico?…
Me resulta muy extraño oír esta pregunta formalizada en pasado. Los años pasan para tod@s, pero, creo que afortunadamente, sigo considerándome una principiante. Alguien que está “empezando”; aunque lleve más de 20 años en la profesión… Bromas aparte, lo que atrajo a la frustrada alumna de arquitectura que era entonces, fue precisamente el carácter efímero del diseño escenográfico; y la posibilidad que brindaba de realizar un trabajo conceptual que, de alguna forma, “siempre queda inacabado”, pero que al mismo tiempo, y paradójicamente, es muy concreto, artesanal y definido por plazos estrictos.
En plena crisis personal, toparme con el Curso experimental de Escenografía que se ofertaba en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid fue providencial. Los compañeros de un Taller de Maquinaría Teatral en el que participaba en la Sala Cuarta Pared, me informaron de la existencia de la convocatoria de sus primeras pruebas de acceso. Sin mucho pensarlo, me presenté al examen, y entré en la RESAD. Allí pronto tuve oportunidad de explorar, y de diseñar escenografías, con y para mis compañeros y profesores. Fue en el año 92. No he salido de allí: Primero como alumna de Escenografía, luego de la carrera de Dirección de escena, y más tarde como docente, siento mi trayectoria como parte de un contínuum fluido.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?
Claro. Sobre todo he dado clases de espacio escénico. Pienso que mi verdadera vocación es la investigación. Tampoco veo mucha diferencia entre la enseñanza y diseñar: son sólo formas de “hacerse preguntas” y de trabajar con “gente”… Me acerco a los distintos medios con igual curiosidad y respeto, e intento integrarme en las estructuras de producción en las que he tenido la suerte de participar, con idéntico compromiso personal: Siempre abierta. La experiencia en el medio teatral, por ejemplo, me ha sido muy útil en mis incursiones en el diseño publicitario, e incluso en el interiorismo. Y a la inversa… Así se aprende mucho.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?
Creo que soy afortunada, y más en los tiempos que corren, por encontrar un campo tan mutante en el que desarrollar mi creatividad, y mi vida… Un medio que exige una reinvención constante, y que ayuda a prepararse para los cambios y las crisis que llegan con el tiempo… Quizás en su momento, parecía una locura dedicarse a la experimentación pedagógica y al diseño teatral. Sin embargo, su inestabilidad me ha instruido para las “no muy favorables” condiciones de hoy, y me permite mantener la esperanza de seguir adelante también ahora; apoyándome en la satisfacción de hacer algo con lo que disfruto. Más allá de reconocimientos externos.

¿Cómo surgió tu participación en La Rendición? ¿Qué has querido proponer desde el espacio?
Trabajar en el espacio escénico de La Rendición ha sido una muestra de esas oportunidades de disfrute que se pueden obtener en las ocasiones imprevistas. Un verdadero regalo que empezó como un encargo, casi un reto: el lanzado por el CDN al proponerme diseñar una escenografía sostenible para las tres obras programadas como parte del Ciclo de la novela al teatro, en la pequeña Sala de la Princesa del María Guerrero. Creo que no se había hecho algo similar antes, y ha sido un privilegio que se acordaran de mí.
Incluir La Rendición en esa propuesta global parecía complejo: Una puesta en escena ya estrenada exitosamente en el Microteatro, y que partía de un proyecto muy personal impulsado por la adaptadora del texto, Isabelle Stoffel, que también lo interpretaba. Había un importante cambio de escala y la dificultad de integrarse en un equipo ya constituido; sin embargo, la relación con Isabelle y con su director, Sigfrid Monleón, fue desde el primer momento muy fluida, y pronto encontramos, tanto Pilar Velasco, la iluminadora de todo el ciclo, como yo, nexos a partir de los cuales desarrollar el aspecto espiritual, casi místico, de una temática aparentemente muy profana. Remitir a un “espacio sagrado”, íntimo y público al mismo tiempo, fue la propuesta principal del espacio.

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¿Cómo te surgieron las ideas para este proyecto? ¿Cuánto margen tuviste para crear durante el proceso?
A lo largo de todo el Ciclo, medio en serio, medio en broma, hablamos de “milagros” y “sincronías”: Las distintas influencias se conectaban con una sencillez que a veces asustaba. Como el punto de partida era aprovechar “a favor” las características de la Sala de la Princesa, y las condiciones materiales del proyecto, nunca sentí que se coartara mi libertad creativa. Además, contábamos con el apoyo del gran equipo técnico del María Guerrero, y la forma casi circular de La Princesa y la cercanía al espectador ayudaban a crear la atmósfera buscada: envolvente e inmersiva. Similar a la de los teatros anatómicos del Renacimiento italiano, y dotada de la cualidad casi táctil y sensorial característica de la arquitectura oriental, que lo emparentaba con un “espacio sagrado”.
Incluso las columnas con las que está salpicada la sala eran perfectas para remitir en esta ocasión, al ábside de un templo cristiano o al interior de una estupa budista. Rodeadas de nuestros biombos-bastidores traslúcidos, sólo tuvimos que pintarlas de los colores “adecuados”. Y estos aparecieron en una de las primeras reuniones con Sigfrid e Isabelle: En ella me contaron como Toni Benley, la autora del libro en el que está basada la obra, tenía su dormitorio enteramente pintado de dorado por el misterioso amante protagonista. Me pareció que usar el tópico del oro y el rojo púrpura podía ser interesante para crear una “sala relicario”, contenedora de memorias y recuerdos fetichizados; materializables gracias a sombras. A ambos le encantó la idea. Que Toni se emocionara cuando asistió al estreno fue un honor añadido, pero para conseguir el ambiente buscado fue decisivo que la iluminadora no sólo no se asustara ante la propuesta, sino que muy al contrario la alentara, e insistiera en las posibilidades de experimentar con la luz sobre dichas texturas. Busqué el material adecuado, e hice muchas pruebas y experimentos: añadir pan de oro al washi (papel tradicional japonés) fue un gran hallazgo… Bajo la delicada iluminación de Pilar Velasco tiene un comportamiento casi mágico.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?
Desde mis tiempos como estudiante de escenografía, no había tenido una actividad escénica tan frenética y estimulante como la de este año. A pesar de la crisis, o quizás precisamente por ella, se están haciendo cosas… Por supuesto, no todas llegan al público, y muchas cuentan con muy pocos recursos económicos. Pero la implicación y las ganas que ponen los equipos, a veces consiguen compensar lo exiguo de las partidas presupuestarias.
Entre los que llegaron a puerto, además del espacio para La Rendición, he diseñado para el mismo ciclo del CDN, la escenografía de Atlas de geografía humana de Almudena Grandes, dirigida por Juafra Rodríguez; he colaborado con la creación de las marionetas para los audiovisuales de Los cuentos enchufados que Christina Rosenvinge presentó en la programación infantil del Día de la música del Matadero, y he participado como coordinadora del diseño del espacio escénico del Don Juan Tenorio dirigido por César Barló en el Campo de Cebada de la Plaza de la Latina.

¿Qué proyectos tienes entre manos?
Ahora estamos sumergidos en los ensayos de la última obra del ciclo del CDN: Kafka enamorado. Está siendo muy interesante, porque José Pascual, su director, lo está planteando como un trabajo en proceso, con todo el equipo implicado en los ensayos. Incluyendo el autor del texto, Luis Araujo… Se estrena a mediados de marzo.
Para después, estoy involucrada en un par de proyectos promovidos por jóvenes directores. Casualmente, ambos parten de ideas de creación y autoría colectiva; así que, de distinta forma, seguiré en la misma línea. No puedo adelantar mucho, porque aún no están del todo en marcha, y no quiero gafarlos.
Lo que si he hecho ya, es matricularme en un Máster en Redes Sociales y Aprendizaje Digital. Me gustaría, gracias a él, relacionar las estructuras horizontales de aprendizaje cooperativo que se desarrollan en las redes sociales, con mis clases de Pedagogía Teatral en la RESAD y con la práctica creativa en el teatro. Investigar sobre esto, es mi próximo gran proyecto personal. A ver si consigo encauzarlo…

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?
Los recortes y la subida del I.V.A. no sólo afectarán, sino que ya están afectando al teatro… Como el resto de las consecuencias de la crisis sistémica que nos asola. Lo hacen a la sociedad en su conjunto y a los proyectos vitales de todos sus ciudadanos, así que no podemos pretender permanecer en una isla. El teatro, como el resto de la cultura, forma, y debe formar parte, de la colectividad. En lo bueno y en lo malo… Únicamente espero que no sólo lleguen los aspectos más negativos. Quiero ser optimista, y tengo fe en que las transformaciones también pueden traer cosas buenas: Nuevas formas de trabajar, de vivir y de desarrollar la creatividad… Algo se atisba en las redes sociales y en las asambleas ciudadanas. Desgraciadamente, como en tantos otros aspectos, parece que siempre son los más débiles los más perjudicados, y muchas de esas esperanzas están viéndose frustradas.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?
Como dije antes, creo que se están haciendo cosas interesantes y diversas. Me cuesta elegir; pero ya que tengo que hacerlo, voy a seleccionar dos que destacaron por la ambición de sus “dimensiones” y, cada una a su manera, por su riesgo. Sobre todo en el “espacio”. Ya que no se desarrollaron en ámbitos escénicos convencionales.
La primera, y aunque puede estar mal destacarlo aquí, porque participé de alguna manera en ella, es el Don Juan Tenorio 2012 del Campo de la Cebada. Pero mi colaboración como coordinadora de espacio, fue lo suficientemente despegada, como para poder valorarlo como espectadora… Me interesó la utilización de un lugar público y al aire libre, para contar una historia a través de un recorrido físico que lo vinculaba con la arquitectura pre-existente. El intento de recuperar un ritual de encuentro comunitario por medio de un texto muy popular y tradicionalmente asociado a un momento del año, la relación con el barrio en su fase de ensayos y construcción, y fundamentalmente la ilusión puesta por un equipo enorme que trabajó sin ningún tipo de contrapartida económica, pero con gran profesionalidad y dedicación. El propio proceso fue un ejemplo de cómo se puede trabajar en red, en comunidad, y ejemplifica que, como decía su director César Barló, repartiendo el trabajo y aunando voluntades, pueden hacerse grandes cosas con pocos medios económicos.
La otra propuesta está en las antípodas como producción; ya que fue una de las más costosas del año: aproximadamente un millón de euros. También se pensó para una estructura espacial poco frecuente: circular completa. Juego de cartas 1: Picas, de Robert Lepage, en el Teatro Circo Price de Madrid, fue muy criticada desde ciertos sectores. En general, puede ser comprensible no “ver bien” que, en una época como la actual, se inviertan tantos recursos en una obra que para su estreno mundial, llevado a cabo en España, ni siquiera estaba “acabada”… Sin embargo, si lo analizamos como parte de una producción en proceso, en la que salas de más de 13 países de todo el mundo, se han unido para fomentar la experimentación teatral y crear la Red de espacios circulares 360º, adquiere otra perspectiva. Esa es la mía.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Bueno te diré lo que suelo recomendar a mis alumnos: Creo que no hay que perder la esperanza y las ilusiones. No hay que ser impaciente, ni dejarse llevar por el desaliento. Me parece que romper la mediocridad gris de la depresión social y resistir a la tiranía de los apremios es una forma de rebeldía.
Pero es difícil: Las cambios importantes llevan su tiempo, y ahora podemos estar en uno de dimensiones enormes. Mientras ocurren, “hay que seguir comiendo”, así que la mayoría estamos abocados a hacer un arte de trincheras y resistencia… Supongo que hay que cambiar de prioridades. Estoy muy orgullosa de que muchos de mis antiguos y nuevos alumnos, ahora convertidos en compañeros y maestros, sean mis guías para este viaje. El punto de vista de la gente más joven, me está ayudando a asumir las difíciles transformaciones que el nuevo paradigma cultural obliga a hacer; con su capacidad de adaptación y flexibilidad, su generosidad y su sentido del colectivo y la comunidad… Sólo instalados en la cultura de lo que está por venir y evolucionar, se puede valorar positivamente lo que nos está tocando vivir: la crisis, la decadencia, lo inacabado, lo mudable e incompleto; y podremos encontrar la belleza y el disfrute en las cosas no convencionales, sencillas, algo toscas e imperfectas. Ya que sólo dando importancia lo que tenemos cerca y dentro, podremos alcanzar las cotas más altas y lejanas; personales y profesionales. Como dice David Lynch en Atrapa el pez dorado: Las ideas son como peces. Si quieres pescar pececitos, puedes permanecer en aguas poco profundas. Pero si quieres pescar un gran pez dorado, tienes que adentrarte en aguas más profundas. En las profundidades, los peces son más poderosos y puros. Son enormes y abstractos. Y muy bellos.
Desgraciada, o afortunadamente, nos hemos quedado casi sin “pececitos”… Así que no nos queda otro remedio que buscar nuevos caladeros, aún por explorar. Para mí, la sistematización de un trabajo procesual, la búsqueda de una metodología que te permita trabajar en equipo y la aceptación de lo inevitable, sólo es una forma de ayudar a zambullirnos más al fondo, en busca de ese gran pez. Esperemos no ahogarnos en el camino.

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“Por la Cara” de Moisés Fernández Acosta en Microteatro

“Por la Cara”
En esta exposición, titulada “Por la Cara”, muestro una recopilación de 40 retratos de actores y actrices, todos amigos. Este matiz es importante, el de la amistad, porque de ello surge todo. Son retratos que no proceden de trabajos comerciales, sino de encuentros repletos de creatividad con buenos amigos. No hay un momento más mágico, que cuando detienes una mirada en tu objetivo, cuando ves que obtienes tanta sinceridad de modo altruista, POR LA CARA…