Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Madrid en Danza

«Mr. Gaga» en Teatros del Canal proyectada dentro de «Madrid en Danza»

Ohad Naharin, director artístico de la Compañía de Danza Batsheva, está considerado como uno de los coreógrafos más importantes del mundo. Al encontrarse con él en un punto de inflexión crítico en su vida personal, este documental enérgico y perspicaz le presentará a un hombre de gran integridad artística y visión extraordinaria.

En este documental, que se grabó durante un período de ocho años, el director Tomer Heymann mezcla imágenes de ensayos íntimos con un extenso archivo invisible e impresionantes secuencias de baile. El resultado es la historia de un genio artístico que está garantizado para hacer que tu corazón se detenga.

«Las semillas de esta película se plantaron hace unos 20 años, cuando vi por primera vez al grupo de danza Batsheva de Naharin en el escenario. Mi cabeza y mi corazón experimentaron un gran trastorno, como un magnífico cóctel de alcohol y drogas, pero sin alcohol y sin drogas. Un continuo de movimiento, música, energía, sexualidad, sensualidad y bailarinas de las que podrías enamorarte sin saber por qué. A partir de esa noche, me convertí en un consumidor obsesivo del arte de la danza de Batsheva. Naharin es un hueso duro de roer, un personaje muy complejo y contradictorio, lo que lo convierte en un tema fascinante para la imagen de un documental». Tomer Heymann, director de Mr. Gaga.

Naharin fue nombrado Director Artístico de la Compañía de Danza Batsheva en 1990 y ha mantenido desde entonces ese cargo, excepto en el Temporada 2003–4, cuando ostentó el título de Coreógrafo de la casa. Durante su mandato en la compañía, Naharin ha coreografiado cerca de 30 obras para Batsheva y su división junior, Batsheva – The Young Ensemble.

La fascinante habilidad coreográfica de Naharin y su ingenioso vocabulario de movimiento de textura suprema lo han convertido en uno de los artistas invitados favoritos de las compañías de danza de todo el mundo. Sus obras han sido realizadas por destacadas empresas y ha recibido muchos premios y honores por sus ricas contribuciones al campo de la danza.

Además de su trabajo para el escenario, Naharin ha sido pionero en Gaga, un lenguaje de movimiento innovador. Gaga, que enfatiza la exploración de la sensación y la disponibilidad para el movimiento, es ahora el método de entrenamiento principal para los bailarines de Batsheva. Gaga también ha atraído a muchos seguidores entre los bailarines de todo el mundo y ha atraído al público en general en Israel, EE. UU., Europa y Australia, donde se ofrecen clases abiertas con regularidad.


«Olvido de hilo blanco» o la poesía de la vida

Necesitamos encontrar ese filamento brillante que nos lleve a la felicidad, ese pequeño asidero al que agarrarnos con todas las fuerzas en medio de un kaos negro que nos arrastra hacia el abismo. Mónica Runde y 10&10 danza, a partir de la semilla del CDR, logran elevarnos  para alcanzar ese extremo de hilo en el que todo lo negro queda atrás. Ayudada por un demiurgo maravilloso, Inés Narváez, Mónica sale de su caparazón sanguinolento, de sus heridas más profundas y cual gusano de seda, encuentra sus alas para olvidar el horror, la barbarie y la desubicación en la que nos encontramos sumidos. La naturaleza, el piar de un pájaro, el ladrido de un perro pueden ayudarnos a encontrar una pequeña parte de nuestro ser que palpita entre los estertores más profundos de nuestra miseria… pero…¿qué hacemos aquí, en medio de nada abatidos por un físico pesado y negro? Vivir, vivir con lo que más amamos: la danza, la blancura, las personas queridas y la levedad de nuestro ser. Busquemos esa pequeña asa poética a la que aferrarnos, ese hilo blanco. Adiós al miedo, hola LIBERTAD.

Luis Mª García Grande

 


Nacho Duato abre Madrid en Danza

La 31 edición de Madrid en Danza ha recuperado con un merecido homenaje a uno de los mayores exponentes de este arte en nuestro país. Y como piensa Aída Gómez, directora del festival, los homenajes deben hacerse en vida. Nacho Duato ha regresado para demostrar que las coreografías creadas durante los veinte años que estuvo al frente de la Compañía Nacional de Danza siguen vigentes aunque pertenezcan a diferentes estilos dentro del contemporáneo. Recuperando a gran parte de los bailarines que trabajaron con él durante esas dos décadas y que no han perdido ni un ápice de su técnica y perfección, nos ha mostrado un recorrido por sus creaciones, desde las más mediterráneas y rememorando a Kyliàn hasta las más vanguardistas como Cobalto. Duato salió para reivindicar, sin nostalgia, sus creaciones y para agradecer a los bailarines que participaban su gran labor y amor hacia la danza. En los Teatros del Canal pudimos disfrutar de una gran velada y una celebración de la creatividad y plasticidad del gran director, que no tiene ganas de decir adiós, sino hasta dentro de muy poco…

Luis Mª García Grande

 


Danza despojada

Este fin de semana han coincidido en Madrid una serie de espectáculos de danza que tenían como denominador común, la esencialidad, el despojamiento absoluto de cualquier detalle superfluo que distrajese sobre lo que se quería contar y como.
Dentro de Madrid en danza, tres propuestas a cuál más radical y sugerente. En el Teatro de la Abadía se presentó “Tsura” que se traduce como “rostro” o “superficie”. Con esta pieza, que se ha visto por primera vez en España, la compañía OrganWorks se adentró en el concepto de identidad recurriendo al arte y la literatura, en un proyecto que une a la artista visual Midori Harima y a los músicos Masayuki Kagei y Kazunari Abe, maestro del shinobue (flauta japonesa). Sobre el escenario ocho intérpretes desplegaban una hipnótica coreografía que giraba alrededor del elemento simbólico de la máscara, descubriendo un sutil universo de poesía contenida y una fuerte vinculación con las artes escénicas tradicionales japonesas, como el teatro Noh. En la sala roja de los Teatros del Canal, Tragédie, a través de la cual, Olivier Dubois nos enfrentó a un “sentimiento del mundo”. Sobreexpuestos en su desnudez, nueve mujeres y nueve hombres se fundían, produciendo, con el roce de sus acciones y movimientos, un estrépito. Conjurando una forma corporal única y distinta que les despojaba no solo del vestido, sino también de todo su bagaje histórico, sociológico y psicológico. Y en Cuarta Pared, una experiencia única e inolvidable: MatchAtria, una instalación coreográfica multimedia que nos invitaba, a los exclusivos espectadores, a establecer un contacto íntimo con el corazón de la bailarina. El título combina las palabras “matcha” (“té”), en alusión a la ceremonia japonesa del té, y “atria”, el término anatómico para la aurícula, el atrio del corazón. En colaboración con el internacionalmente reconocido artista visual y director de cine Yoshimasa Ishibasi, la bailarina y coreógrafa japonesa Yui Kawaguchi ha diseñado “una ceremonia del corazón”. Sobre el escenario, la artista interaccionaba con proyecciones de vídeo en 3D que configuran paisajes oníricos. Mientras, una herramienta diseñada al efecto permitía a los espectadores sentir los latidos de Kawaguchi en directo, conectando con ella en una experiencia única. MatchAtria permite ver, oír, tocar y experimentar los mundos vibrantes que contiene nuestro cuerpo; más que nunca, es imposible contar lo que se sentía en el patio de butacas.
Y en Teatro Pradillo, un programa doble performático, en la primera pieza, Magdalena Leite & Aníbal Conde nos ofrecieron una sesión de dance sin ningún tipo de elemento externo añadido, los cuerpos desnudos se movían inspirados por una música que solo escuchaban ellos, una deconstrucción músico corporal curiosa y como cierre, en la segunda pieza, Luis Moreno Zamorano empieza su trabajo cuando está saludando al público al final de una supuesta pieza, lo que ocurre a partir de ese momento es el laberinto en el que el artista se sumerge para entender qué ha realizado sobre el escenario, intentando descubrir si sus miedos han sido más poderosos que el deseo de comunicar.
Adolfo Simónmatch


Danza apocalíptica en Madrid

Este fin de semana en el que se inicia Madrid en Danza se han podido disfrutar de varios espectáculos de baile apocalíptico, en la primera, Introducing The Star de Pablo Esbert y Federico Vladimir en Cuarta Pared no se usa este término en ningún momento, pero, tanto su estética, música, iluminación y proyecciones, parece que aluden a un tiempo futuro donde los seres estarán mutando hacia otra dimensión mental y corporal…Una paranoia enloquecida de principio a fin.
Y en La Casa Encendida, fuera del ciclo de Madrid en danza, la artista Sonia Gómez ha invitado a Amalia Fernández para trabajar juntas en «Bailarina III» donde hay un momento apocalíptico…Una experiencia en proceso a través de la cual, Sonia va invitando a diferentes performers para que reinterpreten su pieza de danza. En esta ocasión, en la Terraza de la Casa, hemos disfrutado de una mañana soleada con baile y juego imaginativo por parte de las intérpretes.
Adolfo Simónescenicas_casa_noviembre_2015_th


Free fall de la Compañía Sharon Fridman en Madrid en Danza

Free fall de la Compañía Sharon Fridman ha sido el broche final del Certamen de este año de Madrid en Danza. Una edición muy equilibrada en todos los sentidos, no hay casi ningún trabajo que haya llamado la atención por tener poco nivel, todo ha sido interesante y potente en gran media. Trabajos de artistas consagrados con emergentes se han dado la mano a lo largo de la fiesta del baile en la ciudad de Madrid. Free fall ha sido una experiencia más que un espectáculo, una posibilidad de juntarse varios creadores y contagiar su energía a un nutrido grupo de intérpretes que llenaron el escenario de la sala grande de los Teatros del Canal con energía suspendida en el vacio del cuerpo y el espacio. Un buen cierre para la edición de este año.
Adolfo Simónfreefall


Las 4 Estaciones de Victoria de ELEPHANT IN THE BLACK BOX COMPANY en Madrid en Danza

Elegancia, precisión y fluidez son el sello de Elephant in the Black Box. Tras su presentación el pasado año y girar por Nueva York, Houston, Seúl o Bangkok, Jean-Philippe Dury estrena una obra que le afianza como uno de los más interesantes coreógrafos actuales tras su etapa como intérprete en prestigiosas compañías como la Ópera de París, el Ballet de Montecarlo y la Compañía Nacional de Danza. Aquí, muestra una pieza de baile muy teatralizada que por momentos redunda y nos recuerda a los trabajos de Pina Bausch, aún así, se intuye a un creador con futuro.
Adolfo Simón

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Maquillage de Vincent Bozek en Kubik Fabrik dentro de Madrid en Danza

No es de extrañar que aparezca la palabra performance en el programa de mano al describir esta propuesta. Durante cuarenta minutos, un intérprete ejecuta de manera minimalista una secuencia que se repite en bucle…Su cintura gira al ritmo de la música de un violoncelo que también repite el mismo ritmo constantemente, esos giros de cintura y cadera modifican algunos gestos de sus articulaciones. El público observa la secuencia sentado en cojines. Realmente, esa espiral músico-corporal podría haber durado cuarenta minutos o cuarenta horas, bueno, no sé si lo habría aguantado el bailarín o el público.
Adolfo Simón

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Ruhr-Ort de SUSAN LINKE RENEGADE IN RESIDENCE (Am Schauspielhaus Bochum) en Madrid en Danza

Susanne Linke es una de las pioneras de la Tanztheater alemana. Alumna de Mary Wigman y coetánea de Pina Bausch y Reinhild Hoffmann, su investigación coreográfica está guiada por la transparencia y por cuestionar permanentemente la motivación del movimiento. Su legendaria pieza Ruhr-Ort adquiere nueva vida junto a la compañía Renegade en esta presentación en los Teatros del Canal. Linke lleva el duro trabajo de las minas al escenario, con un grupo de hombres que en el siglo XXI aportan otro ritmo, otro lenguaje y una complicidad intergeneracional que asume los cambios y busca un nuevo futuro. Un espectáculo atípico a la hora de crear la musicalidad con objetos y materiales distribuidos por la escena y que generaban una corporeidad sorprendente en esos cuerpos de bailarines que podrían haber salido de la mina para subirse a un escenario. Una plasticidad oscura y asfixiante generaba una belleza muy particular.
Adolfo Simón

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Madrid en Danza con duende flamenco

En esta edición de Madrid en Danza en la que ha habido todo tipo de técnicas dancísticas, con un nivel muy potente, ha habido dos propuestas de flamenco que dan luz sobre las amplias posibilidades que tiene hoy en día este arte. Por un lado, ciñéndose al clasicismo de los palos flamencos pero con atrevimiento en la puesta en escena, Manuel Liñán ha presentado «Nómada», un recorrido vital y entusiasta sobre las diferentes maneras de bailar en nuestro país pero con una mirada esteta y una ejecución de entrega total, a cuerpo abierto. Un montaje que debería volver pronto a nuestra cartelera para hacer el deleite del público que acude al teatro al encuentro del duende. Antes, Rocío Molina presentó Bosque Ardora en el que nos introdujo en un bosque mágico donde todo estaba al revés… los árboles, la música, los cuerpos. La artista indaga sobre técnicas contemporáneas de la escena y el baile para hacer que el flamenco prolongue su sombra más allá del tópico. Un espectáculo para el que, seguramente, muchos espectadores no estaban preparados todavía para disfrutar de un viaje creativo diferente, en el que se busca el derribo de los muros inamovibles del arte flamenco.
Adolfo Simón

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Lo orgánico y lo tecnológico en Madrid en Danza

En el ecuador de Madrid en Danza, se han presentado dos propuestas similares por contrarias. Por un lado hemos disfrutado de la suma de lo tecnológico con el cuerpo humano en Moving in this World de Marie Brassard y Sarah Williams en Cuarta Pared, en la que, en un espacio virtual creado con proyecciones, la intérprete ejecutaba secuencias coreográficas fundiéndose con la luz y las formas proyectadas a su alrededor. Una muestra más de lo que puede llegar a ser la creación audiovisual sumada al latido corporal. Virtuosismo en estado puro. Y en Nave 73, Marina Mascarell presentó The Unreality of Time, un espectáculo compuesto de imágenes sensoriales donde casa secuencia nos remite a pasajes desérticos creados con los cuerpos de los bailarines en contacto con un suelo de tierra. Belleza inquietante a la que acompañó musicalmente el compositor neoyorquino Chris Lancaster.
Adolfo Simón

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Episodios (Temporada 25) de 10 & 10 DANZA / MONICA RUNDE dentro de Madrid en Danza

Mónica Runde convocó a cinco creadores para armar una obra conmemorativa…25 años en la brecha. Cada autor ha desarrollado una fantasía propia usando el cuerpo de la creadora, ella se sumergió en esos cinco universos para recopilar el tiempo y mirar al futuro. Cuatro creaciones…
Laféeverte de Pedro Berdäyes, La hora del Té de Carmen Werner, No quiero olvidar de Luis Luque y Oro de Daniel Abreu. Claudia Faci ha creado los eslabones que aglutinan este material al dirigir la obra. Mónica, de nuevo, arriesga y esta vez sola. Cuando otros creadores conmemoran haciendo balance y recuperando las piezas que mejor funcionaron, ella se propone un doble salto mortal…Trabajar sola y dejarse en manos de artistas de diferentes procedencias, para contaminarse, para nutrirse de otros imaginarios. Y sale airosa con esta decisión, consigue un trabajo complejo y austero, duro y libre…Una manera honesta de decir…Hasta aquí hemos llegado y todavía queda mucho camino por andar.
Adolfo Simón

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Sol Picó en Madrid en Danza

«Da igual. Prueba otra vez. Fracasa otra vez. Fracasa mejor.» Samuel Beckettsolpico

Inaugurando el Festival Madrid en Danza, la Sala Cuarta Pared acoge el nuevo espectáculo de Sol Picó, que celebra el 20 aniversario de su compañía con un collage de fragmentos de algunas de sus piezas más representativas: D.V.A (Dudoso valor artístico), 1999; Bésame el cactus, 2000; Paella Mixta, 2004; El Llac de les Mosques, 2009; y Memòries d’una puça, 2012.
Todo lo que sube tiene que bajar, y Sol Picó, que ha estado en lo alto, no habla de la caída, del miedo, del fracaso; nos pide que fracasemos con ella, que nos quememos con ella, pero todo con un gran sentido del humor que atraviesa el montaje de principio a fin, con diferentes lenguajes y recursos escénicos.
La coreógrafa y bailarina alicantina es una superviviente que, a pesar de la situación actual de la Danza en nuestro país, sigue luchando, llenando teatros y arrancando ovaciones del público. Y es que, aunque a veces pesen las alas, con turbulencias también se puede volar.

Jorge Azcona

 


«Territorio Danza» inaugurado en la sala Cuarta Pared con «Bailar, Volar»

Esta pieza coral, culminación del taller realizado por la coreógrafa Carmen Werner, inaugura Territorio Danza. Werner, reconocida con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Danza 2007. Los alumnos del taller llenaron el escenario de la sala con sus movimientos y energía en un intento de volar bailando, de despegarse del suelo y flotar por unos segundos, de superar la fuerza de la gravedad e imponerse a ella. Esa es la idea de Wermer, superar los retos: ya sea el reto de volar o el reto de crear arte a través de la Danza. Un espectáculo optimista que abre con buen pie este festival.

Luis Mª García Grande.

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Luz Arcas nos habla de la trayectoria de La Phármaco aprovechando el estreno en Madrid de Éxodo: Primer día.

luz¿Cómo surge el proyecto Éxodo: primer día?…
Nace de la idea de bailar la tragedia antigua. Nace de imaginar la danza encarnando una tragedia de Sófocles. De imaginar cómo sería el cuerpo trágico, la danza trágica (su temporalidad, su forma, sus dinámicas). Cómo sería bailar a Edipo y Antígona (su gestualidad, su plástica).
También nace de un interés por retomar el antiguo sentido del espectáculo escénico, y llevarlo a la danza: por un lado, recuperamos el concepto de repertorio, es decir, tramas y argumentos que forman parten de la cultura occidental, y que se ponen en escena no para contar historias nuevas, si no para ahondar en la manera de contarlas, en el cómo; por otro, profundizar en la danza contemporánea como un arte más amplio de cómo suele concebirse, como parte del espectáculo total, que pese a seguir siendo el centro de la obra, está al servicio del libreto que hemos construido y dialoga con la música que se interpreta en directo. La danza pretende disolverse en el todo, que es Éxodo: primer día.
El libreto se construye a partir de los silencios entre las tres obras del ciclo tebano: baila lo que Sófocles no cuenta, los espacios en blanco provocados por las unidades de espacio, tiempo y decoro clásicos. El camino (el éxodo) de Edipo ciego y desterrado después de su tragedia, acompañado por su hija Antígona al bosque de Colono; la muerte de Edipo, con la esperanza de que su muerte redima a los suyos de la condena trágica; y el regreso (el primer día) de Antígona ya a solas a la ciudad de Tebas, cuando intuye que la muerte de su padre no la librará de su propia tragedia.
La música y la coreografía se inspiran en la época arcaica griega, para buscar un resultado contemporáneo, propio, que hable de nuestro tiempo.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los bailarines aportasen ideas en la dramaturgia y en la puesta en escena?…
Coreográficamente, trabajo con la particularidad del cuerpo del intérprete (su cuerpo como encarnación de todo lo que es como persona, por supuesto). El personaje de Edipo está creado para y con Regina Navarro. Todos los movimientos nacen del diálogo entre su visión de la danza y la mía, y en la visión que uno tiene de la danza, está su visión del mundo. Así que como intérprete ha ido dirigiendo parte de la dramaturgia, pero desde dentro, como Edipo, o como el Edipo que ha construido Regina. Con otra intérprete habría resultado otra obra.

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¿Hay algún referente técnico del que habéis partido para este espectáculo?…
Creo que no. Sabíamos que trabajaríamos con espacio vacío y que la luz (Jorge Colomer) iba a ser un personaje más, mejor dicho, el tiempo de la obra. Sabíamos que queríamos trabajar con ciclorama porque queríamos que la acción sucediese en un exterior (el camino al bosque y el bosque). También sabíamos desde el principio que la música iba a ser en directo. Pero todo esto iba surgiendo a medida que concebíamos la obra, no antes de concebirla. Son elementos que la propuesta requiere.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación? ¿Qué os ha inspirado?…
El proceso de creación ha sido lento porque hemos tenido que ir descubriendo el camino. Teníamos que encontrar, primero, el lenguaje del cuerpo, la danza trágica. Nos inspiramos en las kores, los frisos, las vasijas, rescatando algunos detalles gestuales y compositivos, como la simetría, la sobriedad, el esquematismo, la simbología de los elementos, pero no era un trabajo de reconstrucción, si no de búsqueda de un lenguaje nuevo, contemporáneo, pero que conservara el sentimiento trágico.
Con la música ha sucedido lo mismo. Hemos partido de recreaciones de la música griega arcaica, pero también de Scelsi, y por supuesto, de la visión musical de cada uno de los compositores e intérpretes (Mariano Peyrou, Xosé Saqués y Laura Fernández). Abraham Gragera y yo queríamos que la música fuese el espacio de la obra, no solamente temas que acompañan e intensifican la danza.

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¿Qué balances hacéis de vuestros últimos trabajos?…
Estamos contentos porque vemos que el lenguaje de La Phármaco es cada vez más preciso. Tenemos cuatro obras en el repertorio, hemos hecho una obra por año prácticamente, y eso, además de porque el panorama actual exige estar más activo que antes ya que las obras tienen un período de difusión más corto (al menos para una compañía joven y sin mucha infraestructura como la nuestra), es porque hemos necesitado ir más lejos. Cada obra deja una gran satisfacción, que es la esperanza de la siguiente.

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¿Cómo veis la programación de danza en España?…
Creo que hay un problema esencial que impide que exista una afición a la danza contemporánea, y es que ninguna institución asume el riesgo de que la danza contemporánea española llegue a los grandes teatros, no en la programación excepcional de un festival especializado, sino para hacer temporada. La danza contemporánea atraviesa un momento creativo especialmente fructífero, sólo necesita apoyo institucional: apoyo institucional no es dar subvenciones, a mi juicio, es apostar porque las obras de danza contemporánea estén tiempo en la cartelera de los teatros públicos. Es la única manera de sacarla de las élites alternativas y de la endogamia a la que se ve condenada.

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¿Qué espectáculo de danza habéis visto? ¿Qué os pareció?…
He podido ver varias obras de Madrid en Danza. Una de las últimas fue La consagración de la primavera y La Anunciación de Preljocal. Iba con muchas ganas porque La consagración de la primavera es una pieza que me gusta mucho, y soy especialmente devota de la de Nijinsky.
La verdad es que la versión de Preljocaj no me pareció del todo lograda. Sentí que el coreógrafo no había entendido el mito. Había incongruencias en la dramaturgia. No contó el mito, pero tampoco consiguió la revisión irónica o posmoderna que parecía pretender.
La música de Stravinsky es demasiado poderosa, arrasa con todo. Me parece que solamente la de Nijinsky ha superado la prueba de crear una danza de las dimensiones de la partitura (incluso esto es puesto en duda por una parte de la crítica especializada).
El movimiento tampoco me pareció muy interesante. Me extrañó descubrir esto, porque hemos estudiado parte de la coreografía en el conservatorio, y la sensación al bailarlo es mucho más poderosa que al verla como espectadora.
Sin embargo La Anunciación me pareció muy interesante. La puesta escena, la propuesta de iluminación, el movimiento y la visión del autor sobre el tema, parecían el resultado de una investigación profunda, original, sorprendente y de una gran belleza.

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¿Cómo veis la danza contemporánea en estos momentos?…
En España existe una gran contradicción entre la producción de obras, el número de coreógrafos y de bailarines y la recepción, el número de espectadores: casi hay más gente que necesita bailar que la que necesita ver danza, como algo habitual en su vida. Es un arte que tiene poco público, por desagracia no es solamente un tópico.
Creo que la culpa es tanto de los creadores como de los que programan o conciben los planes para apoyar este arte. La danza contemporánea ha nacido en España como un arte elitista, consolidado en los márgenes de la oficialidad, no tanto por su pureza, como muchos quieren creer, sino, más bien por la desconexión de los creadores con las necesidades reales de la gente.
Quiero pensar que ha llegado el momento de que ambas partes, creadores y programadores, den un paso más, que en los primeros consiste en pensar más en el público, y en los segundos en favorecer que la danza sea algo oficial, asequible y necesario para la vida de las personas. Y esto sólo se consigue programando danza, única manera de que el público se familiarice con este lenguaje.
Por eso las representaciones en el Teatro Galileo pueden ser una oportunidad no sólo para nosotros, sino para la danza, ya que si funciona, probablemente programen danza de forma habitual.

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¿Proyectos?…
Pues estamos dedicados a la difusión del repertorio de la compañía y con algunos proyectos para que salga también fuera de España. Y preparando la siguiente obra, que nos gustaría estrenar, si va todo bien, a finales de 2014 o a principios del 15.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en vuestros trabajos?…
Como hemos tenido la mala suerte de nacer como compañía en tiempos de crisis, todo ha sido muy difícil desde el principio. El público ha bajado mucho, y ya no hay subvenciones, y han desaparecido teatros especializados en danza, y festivales. Por desgracia nos hemos criado en este ambiente. Así que la sorpresa vendrá cuando todo sea más fácil. Lo malo es que volver a lo de antes no va a ser tan fácil, porque como dice Stanislaw Jerzy Lec “construimos para siglos, destruimos para siempre”.

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Tríptico de cierre en Madrid en danza

Madrid en danza ha llegado al final de la edición de este año. Hay que valorar el esfuerzo por parte de la dirección para que, en tiempos de crisis, se pueda realizar un Festival de este tipo, con un nivel bastante aceptable. En la última semana, se han presentado en Madrid tres espectáculos de muy distinto formato.
La Compañía Tao Dance Theater mostró las piezas 4 y 5 en la sala verde del Teatro del Canal. En la obra 4, cuatro bailarines parecen moverse al compás de una onda magnética que a veces les aparta y otras les reúne sin ni siquiera tocarse. Les acompaña la música del aclamado compositor chino de Indie-folk-rock Xiao He, que también ha colaborado en la obra 5. En 5, los cinco intérpretes bailan pegados los unos a los otros; no se separan en ningún momento y se mueven como una masa indescriptible. Con estos dos trabajos – de una larga serie de coreografía numeradas – Tao Ye sigue sus experimentos minimalistas: la exploración del cuerpo humano como elemento visual desprovisto de narración o de representación. Hay referencias constantes a la animalidad y la tensión-relajación en estas dos propuestas, la primera nos recuerda a roedores frenéticos y la segunda a larvas viscosas. Un trabajo técnico excelente.
Brutal Love Poems es la última creación de Thomas Noone, que se ofrece en un mismo programa junto a Sin de Joan Clevillé y Watch me también de Noone. Tres piezas que sin tener una conexión aparente, conectan en los espacios donde los bailarines abandonan la técnica para entrar en relaciones y comportamientos más emocionales, ahí, las propuestas vuelan y atrapan al espectador.
Y el broche de oro al Festival lo puso Akram Khan con su espectáculo DESH, que significa «Tierra Natal» en bengalí y en el que dibuja una multitud de cuentos sobre el país, la nación y la resistencia, conceptos que convergen en el cuerpo y la voz de un hombre que intenta encontrar su equilibrio en un mundo estable. DESH es el nuevo solo de danza contemporánea y el trabajo más personal hasta la fecha del aclamado coreógrafo e intérprete que va más allá de la danza o el teatro ya que nos sumerge en una poética fascinante, llena de momentos en los que la realidad y los sueños se funden para crear mundos inesperados en los que el eco de la infancia y la madurez se dan la mano para sugerirnos que tras la lucha por la identidad hay un posible paisaje de vida.
Adolfo Simón

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Thomas Noone nos habla de sus proyectos en la danza

noone¿Cómo surge el proyecto que presentas en la edición de este año de Madrid en Danza?¿De qué va la obra?…
Brutal Love Poems es mi última creación, una pieza para cuatro bailarines. Se ofrece en un mismo programa con Watch Me, que es un duo también creado por mi, y junto a SIN de Joan Clevillé, un joven coreógrafo catalán que lleva muchos años trabajando fuera. Las tres coreografías comparten como hilo conductor el amor y las relaciones personales, aunque cada una desde una perspectiva. Brutal Love Poems es una investigación abstracta que evoca un estado emocional mientras que en Watch Me el acento lo pongo en la mirada y la percepción que tiene el espectador (el estreno es en Madrid). Me interesa representar las relaciones de pareja y examinar las cosas más paradójicas que se pueden dar dentro de ellas, sensaciones, sentimientos, frustraciones, odios, conflictos,…

¿Cómo fue el proceso de creación de la misma?…
Ha sido bastante metódico y ágil y, como siempre, también muy fisico, ha habido unos cuantos golpes y lesiones por el camino. Hemos hecho un album en el facebook con fotos de todo ello, hasta el punto de que he recibido un email de mi madre preguntandome qué estaba haciendo con los bailarines…

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¿Qué opinas de la programación de este año de Madrid en Danza?…
Es muy interesante, aunque nosotros coincidimos con Akram Khan y no voy a poder ir a verlo, una lástima.

¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que es esencial para nuestro bienestar que exista la creacion, que vayamos a ver lo que otros presentan. Nuestra capacidad de reflexionar sobre quienes somos, y por qué hacemos las cosas que hacemos es imprescindible, porque si no dejamos de pensar y solo funcionamos, consumimos, destruimos.

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¿Qué te motiva o inspira para poner en marcha tus proyectos?…
No lo se, es una necesidad. Es como una ligera obsesión de presentar cosas a traves de la danza a la gente. Creo en la capacidad comunicativa de la danza a través de la fisicalidad y lo quiero compartir.

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¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
No ha sido últimamente, pero aun retengo un espectáculo de Israel Galván de hace un par de años. También me encanta la facilidad de crear movimiento de Hofesh Sechter, la capacidad creativa y constructiva de Lloyd Newson y más recientemente Lali Aiguadé me ha impresionado por su fisicalidad y capacidad como bailarina en un solo hecho para ella por Marcos Morau.

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¿Cómo ves las nuevas generaciones de bailarines y creadores en nuestro país?…
Hay mucha calidad.

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¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
No lo hagas si no lo crees, no es momento para vacilar!.

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¿Proyectos?…
Mil, y espero poder llevar a cabo un par. Estamos con una Medea ya en marcha, y con una Alice bastante surrealista para todo la familia, un entorno relativamente nuevo para nosotros. Cuando entramos por primera vez en este campo nos daba un poco de miedo, pero nos gusta el público joven porque es honesto, y de verdad que el contenido dancistico de los espectáculos familiares es el mismo que en los de adultos en nuestro caso; a veces los niños captan cosas mas abstractas que los adultos…

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El ajuar de Teresa Nieto en Compañía dentro de Madrid en danza

Sensibilidad, belleza…un poema en movimiento es el último trabajo presentado por Teresa Nieto en el Teatro de La Abadía. La creadora dice en varias ocasiones que ya no baila grande, que ahora lo hace pequeño…y que suerte para los que la hemos visto bailar en grande y seguimos disfrutando de su trabajo ahora, pequeño pero hondo. Lo pequeño no hay que confundirlo con el ínfimo, no tiene nada que ver…un haiku es un poema inmenso atrapado en pocas palabras y este tipo de poesía solo la pueden realizar los grandes, los que ya han viajado mucho por la vida y por la escena. Teresa Nieto está en un momento espléndido, no le afectan los premios ni el ruido de estos tiempos, ella sigue fiel a su lenguaje, a ese mestizaje entre flamenco y contemporáneo que tantos bellos momentos ha producido. Y además lo hace cuidando cada detalle, la música, el vestuario que, en esta ocasión es una pieza escenográfica, la luz y los precisos objetos para crear un mundo de sueños y memoria donde todos nos reconocemos de algún modo, porque este ajuar es el de todos, el que alguna vez hemos deseado tener. Y se acompaña de Sara Cano que da el contrapunto perfecto al momento maduro y de aplomo que vive Teresa Nieto. El ajuar es una exquisita pieza como hacía tiempo no se veía en nuestros escenarios.
Adolfo Simón

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Anunciación – La Consagración de la primavera del Ballet Preljocaj en Madrid en danza

Ya en el ecuador de la edición del Festival y con un balance bastante positivo de momento, salvo alguna propuesta fuera de contexto, llegó a los Teatros del Canal la Compañía Preljocaj con un programa doble donde se presentaba, con mirada nueva la idea de la Anunciación. Aquí se huye de todo referente religioso para mostrarnos lo que podría ser un momento de intimidad en la que una mujer se sumerge en su mundo interior para descubrir la otra cara de su ser. El trabajo de sincronía, precisión y dominio de la técnica por parte de las dos intérpretes junto a la atmósfera espacial de la pieza creaban un espectáculo muy sugerente. En la segunda parte, una propuesta de conjunto donde un grupo de mujeres y hombres, en un jardín conceptual consiguen llevarnos a un viaje lleno de situaciones cotidianas que desembocan en una batalla física llena de tensión y dolor. El equipo de bailarines no tuvo ninguna fisura en su trabajo dancístico, sin duda, uno de los mejores momentos del Festival.
Adolfo Simón

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Nova galega de danza con Dez en Madrid en danza

Nova galega de danza cumple diez años, de ahí el título de este espectáculo: Dez. Y lo ha presentado en Madrid, en el Real Coliseo de Carlos III del Escorial, dentro del ciclo Bailando para familias del Festival Madrid en Danza. La propuesta se ajusta espléndidamente al bello teatro del Escorial y su escenario fue ocupado por toda la compañía, compuesta de una orquesta en directo y del grupo de bailarines, todo un lujo para los tiempos que corren…danza y música en directo!. Además, aprovechando que era una matinal, hicieron hincapié en la parte pedagógica del montaje, entre baile y canción, un integrante de la orquesta fue introduciendo las peculiaridades de instrumentos, bailes y modernización del folklore por parte de esta Compañía a la que auguramos mucho más tiempo en activo ya que realiza una labor artística y documental importante sobre nuestra cultura popular.
Adolfo Simón

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¿La ciudad baila?

Noviembre se ha convertido en el espacio para la danza, parece que no molesta a nadie que el mes se llene de propuestas para el público afín a esta arte. Otros festivales han sido desplazados de la cartelera por molestar al resto de las programaciones, por suerte, el baile parece que no compite con otras disciplinas artísticas. Madrid en danza se convierte en el aliciente de los escenarios, hay danza y performance casi cada día de la semana durante el tiempo que dura la muestra. Los recortes y dificultades del momento hacen que quien diseña y selecciona los proyectos tenga que hacer malabares, aún así, el nivel y diversidad no ha bajado en las últimas ediciones. Pero me llama la atención que en una misma semana, coincida una propuesta de danza bastante ingenua dentro del Festival en Cuarta Pared como fue la presentada por Janet Novás donde un par de anécdotas se estiran creando momentos catárticos solo para la performer y en cambio, se quede fuera de la programación un trabajo como En partes de Mónica Runde que se está mostrando en la Sala Mirador. Un espectáculo que además ha sido apoyado por la Comunidad de Madrid y que ha sido posible gracias al encuentro de La Runde con la creadora mejicana Marcela Aguilar, de esta colaboración ha surgido una propuesta muy sugerente en poética y movimiento. Son los misterios de nuestros teatros y programadores, nunca se sabe bien qué razones les mueven a decidir su gestión pero no lo duden, si han de ir este fin de semana a ver danza, vayan a la Mirador.
Adolfo Simón

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Érection en Madrid en danza

Érection de la Compagnie dernière minute / Pierre Rigal se ha presentado en la edición de este año de Madrid en danza. En la sala verde de los Teatros del Canal, la breve pieza inquieta y seduce por estar bordeando todo el tiempo otros lenguajes más allá de la danza. La primera imagen, un cuadrado de luz intensa inunda nuestros ojos y ya da muestra de lo que ocurrirá durante los cuarenta y cinco minutos de propuesta que ejecuta Pierre Rigal con vultuosidad. El cuerpo del intérprete realiza movimientos y traslaciones que por momentos son puras acrobacias musculares mientras la luz evoluciona con cada una de sus reacciones. Cuando la música llega a la escena se crea una atmósfera hipnótica entre el desarrollo corporal-lumínico-sonoro-espacial. Un espectáculo performático que dejó muy buen sabor de boca en el estreno.
Adolfo Simón

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Silencio de Daniel Abreu en Madrid en danza

Hay espectáculos de danza contemporánea que nos dejan clavados en la butaca por la excelente técnica de los bailarines y los hay que nos hacen flotar por la atmósfera poética que nos crean desde el escenario. Pocas veces se unen ambas cuestiones, una fantástica técnica de ejecución con un aroma sensorial lleno de imágenes que nos evocan sensaciones o referencias que antes no habíamos tenido. En Silencio, uno de los trabajos más maduros y contundentes de Daniel Abreu, donde realiza un discurso personal que bebe de sus creaciones anteriores para ir más allá, abriendo puertas a universos secretos de intimidad y soledad. Los personajes se deshojan en la escena como aves con alas tronchadas. Una experiencia inusual para el espectador que sale del teatro con una carga emocional importante y sin poder dejar de hacerse preguntas sin respuesta.
Adolfo Simón

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Diario de una crucifixión de L’EXPLOSE en Madrid en Danza

No solo hay referencia a Bacon en esta propuesta, en ese tránsito que hace el performer de la realidad a un estado casi místico, trascendente, también vemos el eco de Louise Bourgeois en esa celda que encontramos en medio del escenario y que contiene el sillón y el fantasma religioso. El intérprete acude a proscenio para despojarse de sus ropas actuales e introducirse a continuación en el cubículo de cristal donde mutará en ser religioso al ponerse la indumentaria pertinente. A partir de aquí, tras verbalizar palabras inaudibles entra en trance y nos lleva a un universo poético de terror donde el cuerpo se convierte en una masa que evoluciona y se transforma ante nuestros ojos. Al final, el sudor es depositado en un tubo que queda expuesto al público. Y se cierra el círculo del ritual.
Adolfo Simón

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