«Llévame hasta el cielo» en Teatro Galileo
A veces tenemos la sensación de que si no nos lanzamos al abismo no resolveremos los problemas que nos rodean y que nos hacen la vida difícil y Lolita ha decidido lanzarse a producir teatro en estos tiempos tan inciertos. Después, pequeños seres luminosos nos guían para no acabar cayendo en ese agujero… «Llévame hasta el cielo» plantea estos pequeños agujeros negros que nos quieren tragar y de los cuales, a veces nos salvan seres que aparecen por casualidad en nuestras vidas. Hacer una comedia de nuestras pequeñas tragedias no es fácil, producir obras de teatro y mojarse tampoco… pero siempre mejor con amigos como Juan Carlos Rubio o Luis Mottola. Fresca, rápida y divertida, la pieza y la protagonista, para pasar el verano en el patio del Galileo, esta pequeña pieza nos ameniza el verano caluroso y asfixiante de Madrid.
Luis Mª García
«Obscenum» en el Teatro Galileo
Una propuesta a medio camino entre el cabaret y el monólogo existencial cuyo resultado está cerca del anti-musical, con un discurso explícito en el lenguaje y el cuerpo.
Adolfo Simón
Eterno Creón en el Teatro Galileo
Eterno Creón es una adaptación contemporánea del texto del Siglo de Oro Francés La Tebaida (Jean Racine) dirigida por Manuel De. En esta revisión del legado de Edipo a sus hijos, se exponen los engranajes políticos que, a través de los tiempos, han generado y generarán lucha de poder, odio, ambición desmedida y, consecuentemente, terribles vertidos en la naturaleza del ser humano. Cuatro actores desarrollan esta tragedia griega sobre un suelo en espiral en blanco y negro en paralelo con un discurso audiovisual sobre la situación de conflicto global que vivimos.
Por desgracia, el valor humano siempre es el justo que paga por todos. Yocasta como madre por igual de dos hijos enfrentados hasta la muerte y, por su parte, Polínice y Etéocles como hermanos que, confiesan, necesitan sentir el odio del otro para poder odiar también, puesto que pervive en ellos aún un amor fraternal que se escurre entre sus ansias de poder. En la sombra, aguarda expectante Creón, a la espera de que sus sobrinos acaben el uno con el otro y le dejen a él la vía libre…
Como he oído y compartido tantas veces, hacer teatro es hacer política. El otro ingrediente de esta propuesta es el recordarnos con metateatro que la política está premeditada, está estructurada, está ensayada… Es decir, está interpretada. Hacer política se acerca peligrosamente a hacer teatro. El discurso que se usa es uno y no otro por necesidad y la escena que viene a continuación se prevé con todo detalle. O casi todo, puesto que en escena, como en la vida, también surgen cambios inesperados. Quizás es ese “casi” el margen de maniobra y sorpresa que tenemos como pueblo, la bolsa de aire que nos queda cuando estamos de puntillas con el agua al cuello.
Quique Rojas
Encuentro con el autor Lukas Bärfuss
En paralelo a las representaciones de Las neurosis sexuales de nuestros padres de Lukas Bärfuss en el Teatro Galileo, se han desarrollado unos encuentros dramatúrgicos con el autor en Madrid. En ellos ha tratado de compartir con los asistentes aquellas premisas que para él son importantes a la hora de escribir un texto o pensar en qué teatro hay que hacer en una sociedad como la de hoy. Preguntas como…
¿Qué se necesita para que haya drama?…
¿Hace falta confianza para que se genere un acto social?…
¿Influye el estatus que tengas en la sociedad para que sea un arma de poder?…
¿Es necesario aceptar las reglas de la convención teatral para que exista el acto de ficción?…
Estas y otras preguntas quedaron suspendidas en el aire…para que cada uno de los asistentes encuentre su personal respuesta.
QRLA
«Las neurosis sexuales de nuestros padres» en el Teatro Galileo
Aitana Galán, la directora de esta obra opina que vivimos momentos de un retroceso social inusitado, en el que se cuestionan todas nuestras libertades a través del miedo y la «mordaza» y por eso poner en escena «Las neurosis…» es un acto de liberación y subversión. Y tiene toda la razón. Vivimos encerrados en millones de leyes no escritas, estamos limitados por prejuicios y por la pacatería de la mayor parte de la población. La elección de la obra de Lukas Bärfuss, autor suizo contemporáneo, es más que acertada para protestar contra esta vuelta atrás de la sociedad y de sus convencionalismos. Bärfuss visitará el montaje en estos días y vendrá a compartir sus opiniones y creencias con el público, lo que supone toda una oportunidad de sumergirnos de lleno en su obra, bastante importante y en concreto en esta pequeña joya que nos hace remover nuestro culo de los asientos cuando contemplamos varias escenas con incredulidad, escrúpulo y sorpresa.
Así que es una suerte ver de nuevo repuesta, tras pasar por Cuarta Pared, «Las neurosis…» porque a través de una puesta en escena muy sencilla y de una interpretación comprometida y de calidad de los actores se nos golpea en lo más hondo de nuestra psique.
Luis Mª García Grande
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Dora sufre una extraña enfermedad mental que le ha obligado a vivir medicada durante toda su infancia. Una vez adulta, su madre, apoyada por el médico, decide retirarle la medicación para que recupere la conexión consigo misma y con la vida. Libre del adormecimiento de las pastillas, Dora se enfrentará de manera brutal al despertar sexual, provocando en su entorno un desconcierto inusitado que destapará los tabúes y las hipócritas contradicciones en las que se mueve la sociedad europea actual.
El sexo, la libertad, la salud y los límites, son los temas en los que ahonda este perturbador texto de Lukas Bärfuss, referente imprescindible en la dramaturgia europea contemporánea
Las neurosis sexuales de nuestros padres habla de sexualidad, salud, libertad y límites. En la sexualidad, la pasión hace que nos distanciemos de un núcleo social. En realidad, buscamos expandir nuestros límites para ir a algún lugar donde no estamos, buscamos saltar los condicionamientos sociales; y a través de la confianza que nosotros construimos en la sexualidad, tenemos la posibilidad de abandonar esta pequeña cárcel que nos hemos construido. A mí me interesaba saber qué pasa cuando un ser se para en los límites como, por ejemplo, Dora (una retrasada mental en pleno descubrimiento de su sexualidad) que quiere ir más allá. Nosotros generalmente estamos en el centro, cuando tenemos un sexo fabuloso nos alejamos un poco de ese núcleo, cuando tenemos aún mejor sexo estamos aún más lejos, y cuando nos perdemos totalmente –sólo unas pocas veces- estamos exactamente en el borde, y entonces después volvemos corriendo al centro. Pero Dora está siempre en la periferia. Eso quiere decir que tiene algunos aspectos que le impiden estar en el centro. Y ¿adónde va? Ella, en realidad, debería normalizarse en la sexualidad, pero eso no es posible. Y por eso la idea de la sociedad liberal de encontrar una expresión a través de la sexualidad funciona solamente cuando hay límites muy precisos, y cuando alguien busca correr esos límites recibe la violencia de la sociedad, como es el caso de los homosexuales y de tantos otros, porque esos límites no fueron siempre los mismos. En Tolstoi es Ana Karenina, en Flaubert es Madame Bovary, y en esta obra es Dora. Aunque Dora, aparentemente, tiene una discapacidad, aquí no se trata de cómo afrontar la sexualidad de estas personas. Lo que vive Dora es el descubrimiento de que no puede disponer total y libremente de sí misma y este descubrimiento lo hacemos todos los seres humanos en algún momento de la vida. Tenemos que aceptar nuestra propia falta de libertad. Y eso no puede enseñarse. Dora es una alumna demasiado buena, lo que la convierte en monstruo y en escándalo. A ella le gusta lo que le están haciendo. Y no tiene ningún problema en verse a sí misma como víctima. Gracias a eso consigue libertad, pero una libertad, por supuesto, terrible. Lukas Bärfuss
«Banqueros vs. Zombis» en el Teatro Galileo
El teatro interactivo ha llegado al público madrileño con este montaje de La Pitbull. Ustedes pensarán que eso ya existía… que romper la cuarta pared lo han hecho ya muchos artistas… pero romperla a través de una APP en el móvil del público, que es el que decide en parte, cómo va a transcurrir la historia que están viendo en directo y ver los resultados inmediatamente en el escenario… pues es innovador y la experiencia merece la pena experimentarlo en las propias carnes.
Pero les cuento un poco más… imaginen que se encuentra la solución definitiva a la crisis económica que asola al mundo, que en el futuro todos los que adquieren una deuda con el banco y no lo pueden pagar acaban siendo esclavos del mismo a través de una zombificación… Una pequeña inyección y usted se convierte en un trabajador al servicio del banco para pagar su deuda. Esta es la trama principal de la obra que nos llevará a plantearnos muchas reflexiones mientras tecleamos insistentemente en nuestro móvil para intentar cambiar el mundo, para manejar esos hilos invisibles de la economía y de los movimientos sociales.
Esta idea, surgida de esta crisis actual y del movimiento 15M, ha sido elaborada concienzudamente para que todo cuadre dramatúrgicamente a través de las nuevas tecnologías y con la participación «virtual» de muchas caras conocidas que nos van a guiar a través de la historia satírica y demoledora sobre el actual sistema económico y social que vivimos a través de un montaje escénico con un fuerte componente audiovisual.
Luis Mª García Grande
Así que levántense del sofá y dejen de ver ya The Walking Dead para vivir una experiencia estremecedora de verdad… la que podría ocurrir con sus propias vidas en un futuro ¿lejano?
Función de teatro solidaria
Domingo 15 de febrero, Día Internacional del Cáncer Infantil
El musical Laura y el enigma se une a la lucha contra el cáncer infantil
– La recaudación de ese día será donada a la Fundación CRIS Contra el Cáncer
El próximo domingo 15 de febrero se cebra el Día Internacional del cáncer infantil y el único musical protagonizado exclusivamente por niños, Laura y el enigma de la música pérdida en el vagón de metro, que se representa en el Teatro Galileo (c/Galileo, 39) se une a esta jornada mundial destinando la recaudación de la función de ese día al proyecto Lydia de la Fundación Cris Contra el Cáncer. Además, las personas que no puedan asistir a la función pueden colaborar a través de la fila cero que se ha activado en la siguiente dirección: https://www.betternow.org/es/laura-enigma
La creación escénica a debate en el Teatro Galileo
Del 27 de octubre al 2 de noviembre
Más info en: http://www.madrid.es/UnidadWeb/Contenidos/EspecialInformativo/TemaCulturaYOcio/Cultura/PECAM/Proyectoparticipativo/MESA10.pdf
Ciclo «Andanzas» en el Teatro Galileo
Más info en: http://www.gruposmedia.com/cartelera/ciclo-andanzas-danza-contemporanea/
Ay! Carmela en el Teatro Galileo
Ay! Carmela de José Sanchís Sinisterra ya es un clásico. Recuerdo el primer estreno en el Figaro interpretado por José Luis Gómez y Verónica Forqué…¿Quién nos iba a decir que estábamos asistiendo a la que, seguramente, es la obra más representativa y representada de la transición española?. Desde aquella noche he visto múltiples versiones de la obra, aquí y fuera de España. Es incombustible, sigue sobreviviendo a montajes acertados o no…Al traslado al musical, al cine…Tiene algo en su estructura que no permite locuras al llevarla a escena. En esta ocasión, Pepe Bornás es fiel al texto, añadiendo tal vez, un toque de expresionismo en los personajes que les da un carácter sugerente. La instala en un escenario sin lugar reconocible, podría ser la realidad o la imaginación. Y Jacobo Dicenta y Elisa Matilla recrean de nuevo, con acierto, esos viejos amigos que son Paulino y Carmela. La memoria es frágil y como los seres del más allá, se va desfigurando poco a poco, es importante que este texto siga transitando por los escenarios, para que no se olvide que la historia es un bucle que vuelve a su lugar de origen.
Adolfo Simón
De dioses y simios
Hace años, en Semana Santa no se podía ver teatro porque era una falta de respeto ante el calvario y muerte de Jesucristo. Ahora, por suerte, no solo hay teatro programado en toda la ciudad de Madrid, si no que podemos encontrarnos funciones irreverentes que nos hacen pensar sobre los mitos y creencias.
En la Sala Lagrada se ha representado «Últimas palabras de copito de nieve» de Juan Mayorga en un montaje de la Compañía Arte de Urgencia dirigida por David Trueba. El texto de Mayorga sigue de rabiosa actualidad después de haber pasado años de la desaparición del emblemático simio. Y sigue de actualidad porque supo unir muy bien la anécdota frívola de subir a los altares a un mono blanco; por ser diferente al resto y porque su discurso se sustenta en reflexiones filosóficas que nos vienen muy bien tener en cuenta en estos tiempos donde es tan difícil diferenciar entre lo ético y lo ridículo. Plantear la puesta en escena en un salón que podría ser el establo que había en los pueblos tras las casas, es muy acertado. Y el toque burlesco del cuidador, ayuda a comprender mejor la dimensión entre el simio civilizado y el salvaje.
En el Teatro Galileo, Jesús se bajó de la cruz para hacer un acto de valentía y expresar todas aquellas dudas que muchas veces nos han asaltado ante una procesión o la estampa del crucificado. Eduardo Velasco, en El profeta loco, se enfrenta a la escena con entrega total y aprovecha cada detalle e idea para conseguir que el público se sienta cerca del «misterio» y al tiempo sea crítico con toda la parafernalia y negocio que siempre rodea a todo lo concerniente al gran mito de la historia que es Jesús de Nazaret. Sorprende que justo en estas fechas se pueda disfrutar de una propuesta tan diferente a las que habitualmente podemos acceder, algo debe estar pasando en nuestro país o tal vez es que los artistas ya están muy cansados de seguir haciendo la corte a un mundo lleno de injusticias y desigualdades.
Adolfo Simón
«Tokio dream» en Teatro Galileo
En «Tokio dream» nos encontramos una apuesta por la utopía y por alcanzar los sueños. Mey-Ling Bisogno, coreógrafa venezolana, ha soñado con un Tokio futuro y virtual, un Tokio imaginado, y ha conseguido una vez más crear un ambiente especial que nos sumerge en ese sueño: Una gran ciudad contada a partir de siete bailarines, que viven situaciones dentro de ella como nosotros las vivimos a diario. En la ciudad experimentamos sensaciones, agobios, estreses, alegrías, libertades, represiones, … Para representar todo esto se necesita imaginación y un hilo conductor que se crea a través de la música en vivo creada por Martín Ghersa y por una escenografía casi virtual y muy acertada que nos sumerge de pleno en la obra experimentando las mismas pulsiones que los bailarines. La dramaturgia está bien pensada y cada escena está unida gracias a un personaje ataviado a la manera japonesa, que nos va llevando por diversas situaciones imaginadas dentro de una gran ciudad.
Mey-Ling Bisogno cuenta con un repertorio de 25 piezas, muchas de ellas bastante conocidas, como Hermosura, Peep Box, Chik y Freak, etc…
En Tokio Dream nos encontramos con una pieza que acaba con un final tranquilo y sorprendente que nos deja tiempo para reflexionar sobre lo que hemos visto como si estuviésemos en un viaje en tren.
Luis Mª García Grande.
La Phármaco estrena «Éxodo: Primer día» en el Galileo
Adaptar una tragedia de la entidad de «Edipo en Colono» al lenguaje de la danza es una tarea árdua y que muchas veces conlleva un gran trabajo de experimentación e investigación. Investigar lo que no cuenta Sófocles, lo que podría ser un cuerpo de baile en una tragedia de la antigua Grecia, sarcarle jugo al Corifeo de una manera minimalista pero eficaz y exprimir al máximo la expresividad que hemos logrado recuperar a través de vasijas, dibujos y descripciones sobre las costumbres y figuraciones griegas es un camino difícil de establecer y de andar.
Sin embargo Luz Arcas, entrevistada hace poco para nuestra web, ha sabido encauzar muy bien una propuesta arriesgada e innovadora que marca una línea en la danza contemporánea española y que rompe la barrera entre texto, gesto, danza y teatro, posicionando a la compañía con un repertorio de culto.
Una tragedia íntima y coreografiada de una manera sobria y con un minimalismo expresionista que se refuerza con la presencia de Regina Navarro y la música creada por Laura Fernández, Mariano Peyrou y Xosé Saqués y la aportación de un lied de Schubert que refuerza su sentido dramático de una manera casi perfecta.
Si bien es cierto que no todo tipo de público va a entender este espectáculo y que el nivel cultural que hay que tener para afrontar las escenas tiene que tener un mínimo aceptable, la verdad es que la expresividad que han logrado imprimirle a través de la dirección y dramaturgia de Abraham Gragera y la propia Arcas hace que esta obra se disfrute sin tener que haber leído a Sófocles ni haber visto una vasija con Hoplitas para sumergirse, a través de imágenes muy logradas, en toda una cultura comtemporánea.
Luis Mª García.
Luz Arcas nos habla de la trayectoria de La Phármaco aprovechando el estreno en Madrid de Éxodo: Primer día.
¿Cómo surge el proyecto Éxodo: primer día?…
Nace de la idea de bailar la tragedia antigua. Nace de imaginar la danza encarnando una tragedia de Sófocles. De imaginar cómo sería el cuerpo trágico, la danza trágica (su temporalidad, su forma, sus dinámicas). Cómo sería bailar a Edipo y Antígona (su gestualidad, su plástica).
También nace de un interés por retomar el antiguo sentido del espectáculo escénico, y llevarlo a la danza: por un lado, recuperamos el concepto de repertorio, es decir, tramas y argumentos que forman parten de la cultura occidental, y que se ponen en escena no para contar historias nuevas, si no para ahondar en la manera de contarlas, en el cómo; por otro, profundizar en la danza contemporánea como un arte más amplio de cómo suele concebirse, como parte del espectáculo total, que pese a seguir siendo el centro de la obra, está al servicio del libreto que hemos construido y dialoga con la música que se interpreta en directo. La danza pretende disolverse en el todo, que es Éxodo: primer día.
El libreto se construye a partir de los silencios entre las tres obras del ciclo tebano: baila lo que Sófocles no cuenta, los espacios en blanco provocados por las unidades de espacio, tiempo y decoro clásicos. El camino (el éxodo) de Edipo ciego y desterrado después de su tragedia, acompañado por su hija Antígona al bosque de Colono; la muerte de Edipo, con la esperanza de que su muerte redima a los suyos de la condena trágica; y el regreso (el primer día) de Antígona ya a solas a la ciudad de Tebas, cuando intuye que la muerte de su padre no la librará de su propia tragedia.
La música y la coreografía se inspiran en la época arcaica griega, para buscar un resultado contemporáneo, propio, que hable de nuestro tiempo.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los bailarines aportasen ideas en la dramaturgia y en la puesta en escena?…
Coreográficamente, trabajo con la particularidad del cuerpo del intérprete (su cuerpo como encarnación de todo lo que es como persona, por supuesto). El personaje de Edipo está creado para y con Regina Navarro. Todos los movimientos nacen del diálogo entre su visión de la danza y la mía, y en la visión que uno tiene de la danza, está su visión del mundo. Así que como intérprete ha ido dirigiendo parte de la dramaturgia, pero desde dentro, como Edipo, o como el Edipo que ha construido Regina. Con otra intérprete habría resultado otra obra.
¿Hay algún referente técnico del que habéis partido para este espectáculo?…
Creo que no. Sabíamos que trabajaríamos con espacio vacío y que la luz (Jorge Colomer) iba a ser un personaje más, mejor dicho, el tiempo de la obra. Sabíamos que queríamos trabajar con ciclorama porque queríamos que la acción sucediese en un exterior (el camino al bosque y el bosque). También sabíamos desde el principio que la música iba a ser en directo. Pero todo esto iba surgiendo a medida que concebíamos la obra, no antes de concebirla. Son elementos que la propuesta requiere.
¿Cómo ha sido el proceso de creación? ¿Qué os ha inspirado?…
El proceso de creación ha sido lento porque hemos tenido que ir descubriendo el camino. Teníamos que encontrar, primero, el lenguaje del cuerpo, la danza trágica. Nos inspiramos en las kores, los frisos, las vasijas, rescatando algunos detalles gestuales y compositivos, como la simetría, la sobriedad, el esquematismo, la simbología de los elementos, pero no era un trabajo de reconstrucción, si no de búsqueda de un lenguaje nuevo, contemporáneo, pero que conservara el sentimiento trágico.
Con la música ha sucedido lo mismo. Hemos partido de recreaciones de la música griega arcaica, pero también de Scelsi, y por supuesto, de la visión musical de cada uno de los compositores e intérpretes (Mariano Peyrou, Xosé Saqués y Laura Fernández). Abraham Gragera y yo queríamos que la música fuese el espacio de la obra, no solamente temas que acompañan e intensifican la danza.
¿Qué balances hacéis de vuestros últimos trabajos?…
Estamos contentos porque vemos que el lenguaje de La Phármaco es cada vez más preciso. Tenemos cuatro obras en el repertorio, hemos hecho una obra por año prácticamente, y eso, además de porque el panorama actual exige estar más activo que antes ya que las obras tienen un período de difusión más corto (al menos para una compañía joven y sin mucha infraestructura como la nuestra), es porque hemos necesitado ir más lejos. Cada obra deja una gran satisfacción, que es la esperanza de la siguiente.
¿Cómo veis la programación de danza en España?…
Creo que hay un problema esencial que impide que exista una afición a la danza contemporánea, y es que ninguna institución asume el riesgo de que la danza contemporánea española llegue a los grandes teatros, no en la programación excepcional de un festival especializado, sino para hacer temporada. La danza contemporánea atraviesa un momento creativo especialmente fructífero, sólo necesita apoyo institucional: apoyo institucional no es dar subvenciones, a mi juicio, es apostar porque las obras de danza contemporánea estén tiempo en la cartelera de los teatros públicos. Es la única manera de sacarla de las élites alternativas y de la endogamia a la que se ve condenada.
¿Qué espectáculo de danza habéis visto? ¿Qué os pareció?…
He podido ver varias obras de Madrid en Danza. Una de las últimas fue La consagración de la primavera y La Anunciación de Preljocal. Iba con muchas ganas porque La consagración de la primavera es una pieza que me gusta mucho, y soy especialmente devota de la de Nijinsky.
La verdad es que la versión de Preljocaj no me pareció del todo lograda. Sentí que el coreógrafo no había entendido el mito. Había incongruencias en la dramaturgia. No contó el mito, pero tampoco consiguió la revisión irónica o posmoderna que parecía pretender.
La música de Stravinsky es demasiado poderosa, arrasa con todo. Me parece que solamente la de Nijinsky ha superado la prueba de crear una danza de las dimensiones de la partitura (incluso esto es puesto en duda por una parte de la crítica especializada).
El movimiento tampoco me pareció muy interesante. Me extrañó descubrir esto, porque hemos estudiado parte de la coreografía en el conservatorio, y la sensación al bailarlo es mucho más poderosa que al verla como espectadora.
Sin embargo La Anunciación me pareció muy interesante. La puesta escena, la propuesta de iluminación, el movimiento y la visión del autor sobre el tema, parecían el resultado de una investigación profunda, original, sorprendente y de una gran belleza.
¿Cómo veis la danza contemporánea en estos momentos?…
En España existe una gran contradicción entre la producción de obras, el número de coreógrafos y de bailarines y la recepción, el número de espectadores: casi hay más gente que necesita bailar que la que necesita ver danza, como algo habitual en su vida. Es un arte que tiene poco público, por desagracia no es solamente un tópico.
Creo que la culpa es tanto de los creadores como de los que programan o conciben los planes para apoyar este arte. La danza contemporánea ha nacido en España como un arte elitista, consolidado en los márgenes de la oficialidad, no tanto por su pureza, como muchos quieren creer, sino, más bien por la desconexión de los creadores con las necesidades reales de la gente.
Quiero pensar que ha llegado el momento de que ambas partes, creadores y programadores, den un paso más, que en los primeros consiste en pensar más en el público, y en los segundos en favorecer que la danza sea algo oficial, asequible y necesario para la vida de las personas. Y esto sólo se consigue programando danza, única manera de que el público se familiarice con este lenguaje.
Por eso las representaciones en el Teatro Galileo pueden ser una oportunidad no sólo para nosotros, sino para la danza, ya que si funciona, probablemente programen danza de forma habitual.
¿Proyectos?…
Pues estamos dedicados a la difusión del repertorio de la compañía y con algunos proyectos para que salga también fuera de España. Y preparando la siguiente obra, que nos gustaría estrenar, si va todo bien, a finales de 2014 o a principios del 15.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en vuestros trabajos?…
Como hemos tenido la mala suerte de nacer como compañía en tiempos de crisis, todo ha sido muy difícil desde el principio. El público ha bajado mucho, y ya no hay subvenciones, y han desaparecido teatros especializados en danza, y festivales. Por desgracia nos hemos criado en este ambiente. Así que la sorpresa vendrá cuando todo sea más fácil. Lo malo es que volver a lo de antes no va a ser tan fácil, porque como dice Stanislaw Jerzy Lec “construimos para siglos, destruimos para siempre”.
La tigresa y otras historias de Dario Fo en el Sol de York
Hace más de dos décadas se presentó esta propuesta en los escenarios madrileños, todavía tengo imágenes en mi memoria de Manel Barceló sobre las tablas del Teatro Galileo. También el propio Dario Fo ha contado estas historias en alguna de sus incursiones como actor en la escena. El contenido de estas narraciones es espléndido, cautiva desde el primer hasta el último momento. La historia con la que arranca el espectáculo es La tigresa, una bella metáfora de lo que nos diferencia de los animales; en la historia salen ganando ellos, no podía ser de otro modo. Las dos narraciones que continúan tras una breve pausa tienen también su magia…Desmitificar la idea de Dios y mostrar la debilidad de los hombres. Todo actor que ame la escena debería enfrentarse a este espectáculo, solo cuando se está maduro para subirse a un escenario, se puede realizar el tour corporal y emocional que se precisa…Julián Ortega pone corazón, emoción y cuerpo para darle matices y contundencia a este trabajo.
Adolfo Simón
Manuel Canseco nos habla de su extensa carrera teatral
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Como muchos otros de mi generación comencé con el gusanillo del teatro durante mi tiempo de estudiante en la universidad. El TEU de aeronáuticos y luego el TEU del Distrito Universitario de Madrid fueron mis primeros puntos de enganche. Con este último se puso en marcha mi primera versión de los clásicos: “La Celestina”, que no llegó a ver la luz. Luego me inscribí en el TEM, que entonces estaba en la calle Barquillo. Allí me dieron clases: Maruja López, Ítalo Ricardi, William Layton y Miguel Narros, entre otros. Coincidimos en las clases profesionales Jose Carlos Plaza, Juan Francisco Margallo, Paca Ojea, etc.
Más tarde apareció la oportunidad de ser ayudante de dirección con José Luis Alonso Mañes y eso marcó definitivamente mi carrera. Fue una etapa maravillosa en el Teatro Nacional María Guerrero que duró más de siete años.
¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Me dediqué desde el primer momento a la dirección, aunque participara como actor en diferentes ocasiones e incluso como extra en diferentes películas.
¿Tu labor en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Tan sólo al principio, luego, desde que salí del María Guerrero me dediqué exclusivamente a las Artes Escénicas como director y productor, con un dilatado periodo de paso por TVE en las labores de dirección y realización, que dejé para dedicarme únicamente al teatro.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Cuando miro hacia atrás, que lo hago pocas veces, suelo estar satisfecho de la labor realizada. Fueron tiempos difíciles, en los que creamos la primera compañía privada dedicada exclusivamente a los clásicos y en los que la falta de medios originaba tu principal censura artística. Algunos de aquellos montajes, hoy posiblemente caídos en el olvido al que tan proclive es nuestra profesión, tuvieron una gran repercusión y marcaron una línea de la que estoy satisfecho: La Paz, celebración grotesca sobre Aristófanes, de Francisco Nieva; El Cerco de Numancia, de Cervantes; La Orestiada, Medea, Troyanas, Casa con dos puertas mala es de guardar, Miau…
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Una diferencia abismal en cuanto a la forma de producción. Entonces el productor o las compañías privadas eran el sostén del teatro que se veía en el país, nombres propios que de año en año producían y giraban. Los teatros estaban también en manos privadas, habían de ser rentables y eso hacía que si tenías un buen producto te mejoraran fechas para la siguiente temporada. Esa forma de producción ya queda reducida a unos cuantos productores o empresas y gran parte de los empeños teatrales surgen de iniciativas grupales o esfuerzos cooperativos. Pero seguramente la mayor diferencia estribe en la falta de continuidad de esas compañías o grupos, la escasez de representaciones que obtienen la mayoría de los proyectos. Hoy nos conformamos, en el mejor de los casos, con los bolos de fin de semana. Recuerdo haber tenido que preparar maletas para dos meses porque no pasábamos por casa en ese tiempo. Ello también influía en la preparación de los actores. Los jóvenes que entraban en esas compañías tenían la oportunidad de observar día tras día a primeras figuras y de tener la posibilidad de dar el salto a papeles mayores dentro del elenco. El teatro era también escuela de práctica. Eso, desgraciadamente, se nota hoy día. En cuanto a la importancia de los montajes que se hacían creo andamos más o menos, pues si entonces había directores y empresarios con gran ambición artística también éramos sufrientes de los más burdos vodeviles. Hoy es de alabar, sin duda, el esfuerzo de esos pequeños teatros que han dado en proliferar acogiendo compañías jóvenes de gran talento.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno se enamora de un texto que cae en tus manos y que te pide a gritos que lo pongas en pie, que le des vida a tu manera y te empeñas, a veces en el sentido económico de la palabra, hasta que lo sacas adelante. Creo que es una cuestión de amor… de amor y de necesidad de comunicación.
Me han llegado proyectos de otros productores, siempre privados, que eran como un gran descanso pues te permitían olvidar por un tiempo al hombre orquesta que era en mis propias producciones (productor, director, diseñador, iluminador, etc) para concentrarte sólo en el montaje escénico, en la dirección. Emilio Romero, Enrique Cornejo, Pedro Osinaga y Laura Cepeda han sido algunos de ellos. Al margen de mis direcciones en el Centro Dramático de Extremadura.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Nunca pude tener un equipo fijo de trabajo hasta que estuvimos en el teatro Galileo, pero siempre procuré trabajar con un reducido número de actores a los que a fuerza de coincidir ibas conociendo y por tanto formando un amplio equipo. Es verdad que lo echas de menos porque te facilitan las cosas y saben lo que quieres, pero también es verdad que la variedad enriquece. Ahora ya me rodeo de la gente con la que me entiendo bien.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Jubilado ya de la práctica activa me dediqué a escribir. Estrené una versión, por encargo, de la novela de Calvo Poyatos, El manuscrito de Calderón, y estoy embarcado en una pieza original sobre María Estuardo e Isabel de Inglaterra. Pero como la práctica escénica no se puede dejar, me lió mi querido amigo Antonio Serrano para que pusiéramos en pie una dramatización suya sobre el Libro de Buen Amor y, en unión de dos maravillosos actores y dos músicos no menos maravillosos nos embarcamos en esa aventura que ha resultado una joya escénica que está teniendo un gran éxito bajo el nombre de Coplas de Buen Amor.
Háblanos de la experiencia de Fuenteovejuna…
Apenas acabado el trabajo de las Coplas me propuso la alcaldesa de Fuente Obejuna que hiciera el montaje de la Fuenteovejuna de Lope de Vega con gente del pueblo, un montaje que se hace periódicamente con diferentes directores; me ilusionó la idea y he dedicado a ello estos tres últimos meses.
Ha sido una experiencia humana y artística maravillosa y, seguramente, el trabajo más difícil de toda mi carrera, no tanto por no ser profesionales los actores (que algunos de ellos no los cambiaría si tuviera que hacerlo en Madrid) como por las dificultades que planteaba hacerlo en el mismo lugar donde se produjeron los hechos y en una enorme plaza en la que había que ubicar escenarios múltiples y dar continuidad y espectacularidad al importantísimo texto de Lope. La grandiosidad del espectáculo ha colmado con creces las expectativas, y las modificaciones aportadas para conseguir esa plasmación de la herencia que consideran como suya los vecinos dieron un magnífico resultado. Allí quedan un montón de amigos.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Si las cosas no se tuercen tal como están los tiempos, una coproducción con el CDN y el Festival de Mérida para remontar un espectáculo emblemático en mi carrera: La Paz, en homenaje a Francisco Nieva y también, desgraciadamente, a Julia Trujillo, que acaba de abandonarnos y tuvo un gran éxito junto a Carlos Lemos con esa obra.
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Siempre los hay, pero de forma especial dos: Electra Jonda, un texto de Juan Guerrero Zamora que está conformado no solo por la palabra sino también por el cante y el baile, es decir, un espectáculo total y para el que estamos buscando patrocinio o financiación, y un texto clásico, La gallega Mari Hernández, de Tirso de Molina, amén de un musical sobre el Tenorio en el que trabajé durante años. Son empeños caros y arriesgados…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Muy negativamente. La cultura no ha de ser por necesidad económicamente rentable; ha de serlo socialmente. En una sociedad en la que la preparación cultural se va debilitando y el teatro no ha calado en los hábitos de ocio de los ciudadanos como en otros países, cualquier traba de tipo económico que nos afecte sólo puede empeorar la situación. Es difícil entender que el precio de la butaca se grave mucho más que una localidad de un evento deportivo de masas. Cuando esto sucede algo va mal en los políticos y dice mucho por su falta de interés hacia la cultura.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
No es uno solo, y muchas veces en teatros pequeños, pero tal vez el que recuerdo ahora con más gusto es Follies, el último montaje de Mario Gas en el Teatro Español, por ver ese plantel de actores desenvolverse con soltura en escena cantando y bailando, y como lo consiguió Mario de manera tan “natural”.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Si alguien la tiene, por favor, que nos la diga…
Roma Calderón en verano…
¿Qué balance artístico haces de este año?…
Si te refieres a lo que llevamos de 2013 puedo decir que está siendo un buen año para mi, por un lado «The Lovers» (Nu-cabaret en espacios no teatrales) no ha parado de funcionar, ha entrado en circuitos de café-teatro, ha pasado por Matadero, ha sido seleccionado por el único festival internacional de cabaret (México DF), he estado actuando sola ante 1500 personas (subidón), y tras ajustarlo va a estar en otoño en la sala Alfil…esto para una producción propia sin grandes pretensiones es un gran logro.
Por otro lado mi participación en «La Esmeralda de Kapurthala» (Smedia) como actriz, cantante, bailarina y coreógrafa está siendo muy enrriquecedora.
Y además estoy grabando un disco con mi grupo de electrónica «Scud Hero» y formo parte del elenco de la web serie «Gentejuelas»…como ves, un espectro de esperimentación artística bien amplio, como a mi me gusta.
¿Cómo estás pasando el verano?…
Pues a función diaria con «La Esmeralde de Kapurthala» en los jardines del Teatro Galileo, y compatibilizando con actuaciones de «The Lovers», grabaciones de «Gentejuelas» y del disco…vaya, cansada y feliz jajaja.
¿Has visto algún espectáculo interesante?…
¿Cuándo?, !no me queda tiempo!, ya me pondré al día después del verano.
¿Qué libro estás leyendo?…
Releyendo una biografía: «Bob Fosse, vida y muerte» de Martín Gottfried, muy interesante para cuanquier profesional del medio con proyectos propios, de los grandes se aprende mucho.
¿Proyectos para el otoño?…
Pues a parte de un par de proyectos audiovisuales que están por firmar (cruzo los dedos), estoy adaptando «The Lovers» para ponerlo en espacios teatrales, para otoño estreno la nueva versión en la sala Alfil y se queda una temporadita. Tengo a la espera de fechas el Teatre Nou en BCN para este mismo espectáculo y quien sabe si después de pasar por DF me haga «Las Américas» como las folclóricas jajaja.
Si me dá tiempo también quería viajar…pero empiezo a pensar en clonarme para cubrir planes…
«La vida es una fiesta y yo conozco al portero» by Roma Calderón.
DER ZEIT IHRE KUNST… por Pablo Huetos
DER ZEIT IHRE KUNST…
por Pablo Huetos (compañía Teatro defondo)
Verano y crisis: dos condicionantes que hacen que el teatro florezca en Madrid de formas muy variadas. Un paseo por el panorama teatral madrileño en esta situación nos permite ver la cantidad de sinergias que se están movilizando para luchar contra la parálisis que parece querer imponer un Gobierno insensible y estrecho de miras.
Me encanta el lema de la Secesión vienesa: “Der zeit ihre kunst, der kunst ihre freiheit” (“A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”). Parece que la cultura y el arte lo han revisado recientemente, están despertando de un letargo producido por la comodidad de años anteriores y se están poniendo manos a la obra (valga la expresión) para generar públicos, interesar a todos los sectores de la sociedad y dar un servicio social a todo aquel que se siente perdido, ahogado o enrabietado por el crujido de nuestros huesos aplastados por la enorme rueda del sistema, parafraseando a Herman Hesse (aunque ponerse demasiado germanófilo no parece lo más adecuado en estas horas).
La efervescencia de las artes escénicas en Madrid es, según algunos amigos argentinos, lejanamente comparable con el Buenos Aires del Corralito. El fenómeno, sin embargo, es extraordinario: se multiplican los lugares de muy diverso formato donde mostrar distintas expresiones escénicas. En los últimos meses, por ejemplo, se ha abierto La Neomudéjar de Atocha, un espacio maravilloso (antiguos almacenes de RENFE) dedicado a la videocreación, el arte y la performance que trata de paliar un inmenso vacío; se ha abierto también Nave 73 en Embajadores, donde he tenido la fortuna de trabajar con Escriba su nombre aquí frente a un público deseoso de recibir historias sobre lo que le está pasando ahora mismo; también en Embajadores acaba de abrir La Belloch; se reafirma en el panorama la Kubik Fabrik, una sala en pleno barrio de Usera levantada con muchísimo esfuerzo y disgustos y contra la aplastante burocracia que, parece, sí va a conseguir acabar con otro precioso sueño, el de Garaje Lumiere; prosperan los lugares de investigación, formación y ensayo; los microteatros (dentro de poco se abren nuevas salas en la plaza de Luna), teatros “S” (la Sala Tú, Nudo Teatro, Estudio 2…), cafeterías que ofrecen espectáculos, teatro en lugares inhabituales (como la experiencia hecha en el Hotel Intercontinental por los compañeros de Metatarso), teatros “M”, como El Sol de York que se está haciendo un estupendo hueco en el barrio de Chamberí con programación tan interesante como Muda, de Pablo Messiez, Cuando fuimos dos, de Cría Cuervos… todo ello para complementar la oferta, bien distinta, que ofrecen los teatros talla “L” y “XL”. Todo esto está enriqueciendo y dotando de densidad al tejido teatral madrileño, algo muy necesario tras los recortes y los abusos impositivos.
Ahora mismo la sensación es que hay programación para todos los tipos de público. Ahí van algunos ejemplos:
El estreno de Maribel y la extraña familia, con dirección de Gerardo Vera, en el Teatro Infanta Isabel nos remite a los teatros de mayor capacidad. El espectáculo es una buena forma de conocer o revisitar a Mihura y tiene un reparto encabezado por una estupenda Lucía Quintana. Es un espectáculo sin pretensiones ni mensajes, una comedia entretenida para pasar una tarde de verano. Seguro que va a hacer una gira muy extensa. En ella pueden encontrar satisfacción, especialmente, aquellos espectadores que buscan un teatro conocido y sin sorpresas.
En un sentido parecido (que no igual) se estrenó en el patio del Teatro Galileo La esmeralda de Kapurtala, que continuará allí durante todo el verano como parte de la programación de Veranos de la Villa. En este caso el espectáculo tiene una propuesta basada en la comedia, la interacción con el público y el cabaret, que funciona muy bien en un ambiente distendido en el que la gente cena mientras ve el espectáculo. Es una buena ocasión, además, para conocer a parte del equipo de Teatro de Malta que ganó el Premio MAX a Mejor Espectáculo Infantil en la última edición hasta la fecha, con Alegría (palabra de Gloria Fuertes).
También en un contexto puramente veraniego se celebra el Festival Fringe en Matadero Madrid (y en algunas salas asociadas como Lagrada o La Cervantina). Se trata de una propuesta que prima los lenguajes escénicos contemporáneos. Allí hemos visto Las amistades peligrosas, de Metatarso Producciones, un espectáculo arriesgado y redondo que espero que dé mucho de qué hablar porque está hecho con calidad, imaginación, trabajo, talento, frescura… Es ésta una propuesta de teatro a la italiana, pero también se pueden ver propuestas en espacios inhabituales (a veces inverosímiles) como el tejado, un callejón… a esto se une una actividad de mesas redondas y conciertos gratuitos que atraen a mucho público (como en el caso de María Betania) o a no tanto (en el caso de propuestas más “ambient”), pero que siempre han conseguido que haya mucha circulación de gente en la zona de Arganzuela. Por lo que nos comenta alguno de los participantes en el Fringe 13 la asistencia de público teatral también ha sido irregular: en general las compañías madrileñas han sido capaces de movilizar a mucha gente, pero varias compañías “foráneas” han visto que la promoción para dar visibilidad a sus propuestas no ha sido la más adecuada. Recordemos, en cualquier caso, que se trata de un Festival con una media de actuaciones de 8 por día, aproximadamente.
En salas de aforo mediano, como Cuarta Pared, hemos visto La fiebre, dirigida por Carlos Aladro. Es otro caso de teatro que la gente necesita ver hoy en día. Igual que en el caso de Escriba su nombre aquí, en Nave 73, o de Allí, en la Sala Nudo, el público está deseando ver en escena un reflejo, sea realista o más poético, de la tormenta de ideas, sensaciones y sentimientos que nuestras almas están experimentando en los últimos años.
Este análisis, evidentemente, se queda cortísimo, pero permite sacar una conclusión: que el teatro en Madrid, lejos de agonizar, está más vivo que nunca. Las condiciones laborales y salariales no son siempre las más adecuadas, los ingresos de taquilla han bajado en los grandes espacios y el 21% de IVA hace que las cuentas no cuadren ni comiendo arroz para desayuno, comida y cena, pero hay un gran sector de la profesión que necesita expresarse y dar voz a sus conciudadanos y que está generando nuevos ámbitos y posibilidades para que el teatro sea viable y accesible. Y hay mucha gente que se está acercando al teatro para encontrar un sentido de comunidad, un sentido de energía colectiva que, quizá, sea una de las mejores herramientas que tengamos para enfrentarnos a la bomba de succión del neoliberalismo.
La Esmeralda de Kapurthala en el Teatro Galileo
En una época que no corresponde a ningún tiempo en concreto y sobre un tablado que bebe de la iconografía fantástica de todas las épocas, del art Nouveau, del teatro chino de Manolita Chen y de todas aquellas carretas ambulantes que desde el siglo XVI han recorrido los caminos al servicio de los cómicos de la legua, allí, unos seres maravillosos, maestros de las ciencias ocultas de la supervivencia a las que ellos llaman magia y psicomúsica… encarnados por cinco actores que se convierten en multitud a lo largo de la función, invitan al público a que…»Pasen, pasen y vean, pasen y admiren…». Y a los espectadores que se atreven a entrar, les deleitan con historias de Oriente, cargadas de pasión y misterio…que se parecen, casualmente, a historias que estamos viviendo hoy. Mucho disparate y aire camp en esta propuesta musical para disfrutar al aire libre, degustando un sabroso pincho de tortilla.
Adolfo Simón
Flamenco Festival 2013 llenará Madrid de “flamenco con alma” durante el mes de agosto
La segunda edición se celebra del 1 al 26 de agosto en el Teatro Gran Vía, el Pequeño Gran Vía y el Teatro Galileo · 70 artistas del flamenco actual participan en 30 funciones.
Más info en: http://www.originalflamencofestival.com
Romeo de Teatro Meridional en el Teatro Galileo.
Julio Salvatierra como dramaturgo y Álvaro Lavín como director han realizado múltiples proyectos para Meridional, muchos textos originales y alguna adaptación. En este caso han querido realizar una versión de Romeo y Julieta centrándose en los personajes protagonistas masculinos y Julieta. Es una idea que entronca perfectamente con la manera de interpretar en los tiempos de Shakespeare; en aquella época, solo se podían subir hombres al escenario y ellos tenían que hacer todos los personajes. Aquí, un actor es Romeo y los otros dos se desdoblan en casi todos los demás, incluyendo a Julieta, con la peculiaridad de que no se le da feminidad afectada si no total naturalidad. Hay un recorrido por la obra narrativamente para que puedan encajar las secuencias elegidas y pequeños toques de contemporaneidad. La puesta en escena despojada obliga al público a imaginar lugares y situaciones, algo que se agradece desde el patio de butacas. El reparto tiene la edad y el aplomo de algunos personajes pero recurre en algún momento a la farsa para componer, por ejemplo, a los frailes, creando un constraste extraño con los demás.
Simón Ribes
Que Revienten los Artistas 
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