EL JEFE DE TODO ESTO de Oscar Gómez Mata en Naves Matadero
La vida está hecha de cosas muy simples: el bien y el mal. Pero… ¿Qué es bien y que es mal?
El actor, autor, escenógrafo y director vasco Oscar Gomez Mata, llegó este fin de semana al matadero con su compañía suiza L´Alakran, representando la obra “El jefe de todo esto”, una divertida comedia extraída del cineasta y director danés Lars Von Trier, “Le Direktør for det hele”.
Si un hombre quiere vender su empresa, pero al fundar esta se inventó un presidente ficticio tras el cual poder ocultarse a la hora de tomar decisiones importantes, que mejor que contratar a un actor en paro para interpretar el papel del “jefe de todo esto” y así poder negociar con los posibles compradores.
Si algo le gusta a Oscar Gómez Mata es romper la cuarta pared para hablar con el público de lo que está pasando en la obra, estableciendo así una relación directa con este y obligando a posicionarse en base al tema que trate. En este caso la responsabilidad en base al mundo laboral. No todos los días tenemos la oportunidad de ver obras de este tipo, donde el teatro contemporáneo pasa a otra dimensión, viéndose reflejada la pelea mutua entre la persona y el personaje. Un trabajo excepcional donde los actores y actrices disfrutan y hacen disfrutar.
Cuando el trabajo empresarial se junta con el teatro, todo termina en comedia.
Aitor Satrustegui Iraola
«Como un guante» en el Teatro Lara
Como un guante es un melodrama de la compañía teatral Chandelier Teatro que se representa los martes en el Teatro Lara de Madrid. Aparentemente André es un joven más, dedicado al deporte durante el día y a poner copas por la noche.
De pronto Rulo, su duro entrenador, le propone dar el salto necesario para cumplir sus sueños. Pero hay otra forma de hacerlos realidad: la que le ofrece su amigo Moi, maestro de ceremonias de un cabaret. La vida es un cabaret y un cuadrilatero de boxeo, entre ambos lugares anda el juego. En el cabaret hay que encontrar cuál es nuestra máscara profunda y en un escenario de boxeo hay que descubrir los límites de nuestro cuerpo para alcanzar los sueños. Somos como muñecas rusas que escondemos una identidad dentro de otra, dentro de otra…lo importante es saber cuál es nuestra autentica piel y vivirla sin rencor, con una sonrisa, la vida así, es más agradecida y fácil.
Adolfo Simón
Llueven vacas de Carlos Be en Cuarta Pared, dentro de Surge 2018
“Llueven vacas” es el último estreno de Carlos Be, dentro de Surge Madrid en la sala Cuarta Pared. En este caso se nos introduce en la intimidad de la violencia de género. Se trata de una apuesta desde el oscuro lugar que ocupa este tema en nuestra sociedad. Aquello que puede estar tan ajenos a nosotros o no. Las palabras van creando una red de de múltiples lecturas, con una gran potencia en el subtexto que se ve reflejado en la apuesta escénica. Sin duda se trata de un viaje hacia el interior de los sentimientos que revolotean alrededor del amor-odio. Una historia que busca la grieta para enseñar lo que nadie quiere ver, bajo un texto que acabará de acariciar nuestros oídos con verdades como puños.
Patricia Jorge
“BONNEVILLE” de Miguel Ángel Altet en Teatro Pradillo, dentro de Surge 2018
“BONNEVILLE” por Miguel Ángel Altet, se presentó este fin de semana dentro de Surge Madrid, en el Teatro Pradillo. “¿Cómo sobrevivir a la catástrofe?” es lo primero que nos plantea esta pieza. Una reflexión sobre la muerte constante del ser, un juego macabro dónde los acontecimientos que nos envuelven nos van agonizando la existencia. Con diversos matices que marcan una dramaturgia rica en variedad, se adentra este monólogo introspectivo para hacernos difusas las líneas de la realidad y la ficción. A caballo entre el teatro y la performance, nos adentramos en una acción violenta y gustosa, que nos mantendrá a la expectativa.
Patricia Jorge
Tus otros hijos no te olvidan de Juan Vinuesa en Teatro del Barrio dentro de Surge 2018
¿Cómo sería la vida del pequeño de 26 hermanos en una realidad en la que el cariño se agota? Miguel, víctima de ese mundo distópico, decide visitar la lápida de su padre para rendir cuentas de lo que fue su niñez. «No me sale quererte, hijo, ha sido muy cansado amar a los otros 25». Un camposanto, poblado por recuerdos fantasmales, será el escenario de esta comedia negra. Lo sugerente de este espectáculo es el cruce dramatúrgico entre la confesión del hijo invisible a los ojos del padre con fogonazos delirantes que transforman la pieza en un extraño objeto donde el drama muta en comedia cuando está al borde del abismo denso. La puesta en escena es evocadora y permite visualizar un espacio a medio camino entre la realidad y lo imaginario que facilita el devenir de las situaciones hilarantes. Todo el peso está en el protagonista aunque la actriz que da las réplicas, asume el riesgo del contraste y enriquecimiento de las situaciones.
Adolfo Simón
De hombres y mujeres en Surge
Las relaciones entre hombres y mujeres pasan por un tiempo en el que hay un debate importante sobre los límites entre el amor y el mal amor. Entre como establecer complicidades sin que nadie tenga que someterse al otro. Lo complicado aparece cuando uno de los dos quiere establecer reglas de juego tramposas.
En Surge se han mostrado dos propuestas con este denominador común en ambas.
Llueven vacas de Carlos Be en Cuarta Pared aborda el tema candente de la violencia de género desde un ángulo muy inquietante, desde la posibilidad de que el público vea las estrategias perversas del maltratador para manipular a su víctima. La propuesta escénica, dirigida por el autor, es sencilla, austera, para centrarse en el trabajo de personajes que, en definitiva, serán el mejor vehículo para el discurso.
HusBand de La Cabra en Teatro del Barrio plantea una pieza in progress que poco a poco va cogiendo forma ante los ojos del espectador. En el transcurrir, no solo se construye la obra si no que se plantean opciones diferentes para establecer la creatividad en la relación afectiva de un hombre y una mujer. Valeria Alonso aborda la autoría y la dirección de un concierto-conferencia sobre la vida y la complejidad de establecer los límites sobre lo correcto y el deseo.
Adolfo Simón
Un idioma propio (Escritos en la escena II) de Minke Wang en el CDN
La voz se encarna en el espacio-tiempo-narración atravesando una textura musical mientras en escena se despliega un paisaje de cuerpos en repetición y diferencia. Una experiencia verbivocovisual que apela a diferentes canales de percepción y que expande el lenguaje hasta conformar un idioma extranjero dentro del propio idioma. La experiencia se puede vivir a través de una auriculares que sumergen al público en un estado hipnótico y extraño, como si el viaje fuese a la mente de un lenguaje perdido; una experiencia no convencional.
Adolfo Simón
3 MANERAS DE (NO) TENER HIJOS en Nave 73
Una lesbiana hipocondríaca cuya esposa no puede concebir, una okupa con un embarazo no deseado y un ligón empedernido sin perspectivas de sentar la cabeza reflexionan y ponen sobre la mesa muchas de las dudas, miedos y ansiedades derivadas de una de las decisiones más importantes que toda persona tiene que tomar en su vida. Como ha cambiado el cuento, hace años no habríamos imaginado historias así y ahora los escenarios las acogen y además, el público se sonríe con las dificiles decisiones del día a día.
Adolfo Simón
«La capilla de los niños» en Teatro del Barrio
En el loco mundo de los dramaturgos se mezcla la realidad con la ficción, en la cabeza de Javier Sahuquillo la actividad cerebral hace que broten historias a medio camino entre sus propias vivencias y el compromiso social, en este caso inspirado por los crímenes de las niñas de Alcàsser, denunciando hechos reales e imaginando situaciones casi policíacas, que este mes llegan al Teatro del Barrio. Es difícil sobrevivir como autor, siempre pensando en el retiro espiritual y rescatando su escritura gracias a buenos amigos que le proponen nuevas metas. Sus textos, generosos y contundentes son un reto para el actor.Laura Sanchís y Juan de Vera aprovechan estas letras para sacarles el máximo jugo y meterse en mundos e historias a la velocidad del rayo. Un montaje trepidante, como la vida del dramaturgo que quiere buscarse las castañas para comer entre concurso y concurso, y la del actor, que acepta apuestas arriesgadas en su carrera teatral, que, seguro, le producirán muchas satisfacciones.
Luis Mª García
«Donde el bosque se espesa» de Laila Ripoll y Mariano Llorente en el Teatro Español
Antonia e Isabel reciben el día de la muerte de sus madre una caja cerrada que la difunta había guardado durante años y cuya existencia desconocían. Esa caja contiene alguna carta, fotografías, postales, medallas, mapas, objetos, en fin, que vienen a cuestionar todo lo que Antonia creía acerca de su familia. Isabel se niega a mirar y no se hace preguntas. Antonia y su hija Ana, sin embargo, miran, preguntan, inquieren, reflexionan, dudan, se atormentan y persiguen al fantasma de un abuelo y un bisabuelo que no parece ser el que ellas creían. Todo ello para desazón de Zoran, el paciente y atento marido y padre yugoslavo de nuestras protagonistas. Esta breve sinópsis solo es el punto de partida de una inmensa tela de araña que se va construyendo ante los ojos del público, donde quedarán atrapados los personajes de un tiempo remoto donde hubo acontecimientos terribles muy parecidos a los que ocurrieron no hace mucho, en otro lugar pero la misma sangre fruto del horror. Como en las muñecas rusas que hay en la caja de metal, van apareciendo fantasmas que se evaporan cuando cambian de identidad. Un viaje vertiginoso donde la documentación es precisa y dolorosa que, al cruzarse con la fábula creada por los autores, construye un universo épico más allá de las circunstacias aparentes, un trayecto que va desde la mirada deslumbrada a la ceguera que conduce al otro lado de la verdad. Y si el texto es valiente y comprometido, la puesta en escena no da opción para el olvido, para mirar a otro lado, con toques performáticos y cabareteros, se van engarzando las líneas de la tela de araña donde todos quedaremos atrapados, en una catársis que nos ciega la mirada para ver el fondo de la naturaleza humana.
Adolfo Simón
“Julieta y Ofelia. Suicidas de toda la vida” en Nave 73 dentro de Surge 2018
“Julieta y Ofelia. Suicidas de toda la vida” es la segunda propuesta que presenta nave 73 dentro del Festival Surge. Es una propuesta a-temporal sobre estos dos clásicos personajes, atrapadas en un estado de pausa entre el tiempo y el espacio. Son mujeres, mujeres muertas y suicidas. Mujeres que luchan y parten la historia. Mujeres que aman la vida y la detestan. Mujeres que mueren y viven, en su historia y en la de todas. Todo esto revolotea por una pieza que nos recoge la risa y la pena, con una atmósfera cargada de actualidad.
Patricia Jorge
“How to disappear completely” en Nave 73 dentro de Surge 2018
“How to disappear completely” es la primera de las propuesta que se presenta este año, desde el Festival Surge, en la sala Nave 73. Se trata de una pieza creada a partir del acontecimiento sufrido por el Challenger de la NASA. Una historia que marco a todo una población, una crítica al progreso, al capitalismo, al sacrificio… Con una estética y propuesta escénica, de alto voltaje, vamos transitando por diferentes líneas y universos, que nos hace mantener en vilo la atención. Podríamos concluir como que el fracaso es una condición humana y una necesidad frenética de avance.
Patricia Jorge
«El Banquete» en el Teatro de la Comedia de la CNTC
El Banquete se inserta dentro del proyecto 3 jóvenes y clásicos 3 que consiste en unir tres intérpretes de La Joven con tres actores veteranos que se enfrentan a un gran desafío: pasar del escenario a la distancia corta, suprimir la cuarta pared y aprovechar la cercanía con el público para matizar cada personaje, cada conflicto y cada situación, en busca de una transmisión directa, sincera pero precisa y, muchas veces, tan arriesgada como emocionante. Para ello, la sala Tirso de Molina se transforma en un salón donde los intérpretes reciben a los espectadores y los invitan a asistir a un banquete de la mano de grandes personajes del teatro universal y crear una experiencia teatral diferente a través del symposium, que significa literalmente «beber en común».
Suena una campana y los actores nos invitan a brindar, es la hora del vino, de la charla, del placer y los personajes van apareciendo entre los convidados para estimular nuestra imaginación a través de caracteres clásicos por todos conocidos. Lola Bladrich, la primera anfitriona, acogedora, excelsa nos acoge en esta reunión, Gonzalo de Castro transita entre el público transformándose contínuamente, Jimmy Castro se hace preguntas universales mirando calaveras, Pablo Béjar nos trae la frescura de la lírica joven, Aleix Melé interfiere en nuestra reunión dinamizando el discurso y siendo la excusa del cambio de registro y Manuela Velasco sube a balcones para buscar romeos.
Helena Pimenta y Catherine Marnas dirigen este montaje de variados personajes teatrales clásicos, espejos de nuestra sociedad, presente o pasada. Ellas saben, debido a su experiencia y a su amor al teatro clásico, enlazar Julietas con avaros, Quijotes con Edipos y Segismundos con damas bobas.
Álvaro Tato firma la dramaturgia de esta borrachera perfecta y sin resaca de personajes que se entremezclan con nosotros y que nos trasladan mediante nuestra imaginación a otras épocas y lugares. Somos la especie fabuladora, según Nancy Huston, nuestra imaginación suple a nuestra fragilidad… tenemos ese don y tenemos que aprovecharlo.
Brindemos para que los personajes, el teatro y estos montajes sigan fluyendo en nuestras vidas.
Luis Mª García Grande
«Los Mariachis» de Pablo Remón en los Teatros del Canal
Somos como animales en cautividad, engordando para ser el gran festín de algún paladar poderoso. Y aunque tratamos de escapar del campo de alambradas, tropezamos y caemos de nuevo en la misma zanja. Los Mariachis es el nuevo juego escénico de Remón, una propuesta envenenada que parece estar trufada de delirio y sequedad, pero debajo, están los caimanes al acecho. En ese páramo teatral donde viven y conviven seres sin reglas y con conductas diseñadas por una mano invisible, sobreviven como los lagartos al sol del desierto, sin esperanza, tratando de huir hacia el oasis que nunca aparece y que si surge se convierte en espejismo. Personajes reales dibujados con lápices esperpénticos en un mundo que podría ser la provincia de al lado, el país de enfrente o el salón de nuestra casa. Los cuatro actores están entregados al máximo a un juego de ruleta rusa escénica donde la emoción y el disparate se dan la mano. Una pieza que parece costumbrista y que es más política que muchas que hablan abiertamente de los grandes problemas del mundo.
Adolfo Simón
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/pablo-remon-la_abduccion/
«Réquiem» de Ester Bellver en la Sala Jardiel Poncela del Centro de Arte Fernán Gómez
El teatro ha de arañar, ha de acariciar…ha de abrir heridas para sanarlas después. El teatro ha de ser el vehículo para poner en orden la memoria y acompañar en los viajes astrales a los seres que nos han dado luz durante años. Ester Bellver siempre que sube a un escenario es para mostrar su corazón y su cabeza…Lo hizo en ProtAgonizo y en cada personaje que interpreta, porque sean de ficción o no, les deja prestada su piel y su imaginario. Ahora, en este Réquiem vuelve a hacer un salto mortal y partiendo del dolor, construye una constelación de belleza para aliviar las sombras de la muerte. Un ejercicio de teatro íntimo, de susurro al oído del espectador, para que el viaje sea para la escena y el patio de butacas. No hay cosa más emocionante que encontrar en el teatro un momento para sentir que el diálogo y la catarsis tienen todavía sentido.
Adolfo Simón
Jesus Christ Superstar en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía.
Jesus Christ Superstar, con Ted Neeley, el actor que encarnó el papel en la película original, en el papel de Jesucristo. Espectáculo íntegramente en inglés, con sobre-títulos en castellano. Tras un increíble éxito de público y crítica en su gira internacional, ha llegado a Madrid donde solo se podrá ver durante dos semanas. Jesus Christ Superstar, el musical dirigido por Massimo Romeo Piparo, con música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice es mucho más que un espectáculo que está en la memoria de todos es un hito en la historia y concepción de los musicales en cuanto a la forma y los temas a tratar. Hasta que llegó Jesucristo al rock, los espectáculos eran historias dulzonas con más o menos conflicto. A partir de esta obra se renovó el concepto de musical en el cine y, por tanto, en el teatro donde después ha permanecido durante décadas en múltiples países y versiones. El teatro, lleno a rebosar de un público que estaba allí como quién acude a una ceremonia, para recordar y cantar las míticas canciones y aplaudir a rabiar cada aparición que Ted Neeley hace en escena. Además, el espectáculo ha ido adaptándose a los nuevos tiempos y la tecnología se suma a la estética, consiguiendo que la obra siga viva para el público de ayer y el de hoy.
Adolfo Simón
De vino y agua en Surge
Arranca la Muestra de Surge de este año y para celebrarlo de entrada, nos invitan a un breve concierto performativo en homenaje a Lavapiés de la mano del colectivo Cooperativa de Peluqueros. Hemos brindado con una deliciosa copa de vino en La puerta estrecha para arrancar el viaje creativo que nos espera en mayo.
A continuación, se ha realizado el estreno de La Familia NO de Gon Ramos en la Sala Cuarta Pared. ¿Puede realizarse una pieza de teatro bajo el agua? Si, la imaginación puede evocar eso y mucho más. No conviene desvelar la trama de esta pieza porque todavía quedan funciones, solo decir que es un juego dramatúrgico en el que nos invitan a sumergirnos en ideas e imágenes líquidas. Una experiencia singular.
Adolfo Simón
El burlador de Sevilla en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) estrena en el Teatro de la Comedia de Madrid EL BURLADOR DE SEVILLA, de Tirso de Molina, en versión de Borja Ortiz de Gondra.
Esta nueva producción de la CNTC, dirigida por Josep María Mestres, cuenta entre su amplio elenco con Raúl Prieto y Pepe Viyuela.
Una propuesta que nos sugiere viajar por la memoria de un dispositivo electrónico, para ver los comportamientos humanos de otro tiempo, comparando esa forma de relación entre hombres y mujeres de ayer, hoy. Los personajes transitan por tiempos y espacios bucólicos y a veces, el deseo les lanza al abismo.
Una lectura del presente como reflexión del pasado.
Adolfo Simón
Barcelona 92 en los Teatros Luchana
“Barcelona 92” es una propuesta que actualmente podemos ver en los Teatros Luchana. Se trata de una comedia fresca, sátira y divertida. Dónde la mágica ciudad de Barcelona alberga las historias entrecruzadas de estos peculiares personajes. Con aires de reflexión, se nos acerca a una época dónde las calles, llenas de historias, se hacen eco del amor y del desamor; de la juventud. La necesidad por encontrarse en el otro y entender las reglas de un juego que no es el mismo para todos. La nostalgia echa canciones…
Sin duda se trata de una pieza para disfrutar, con unas risas agridulces y un autentico goce para el recuerdo.
Patricia Jorge
CUANDO LAS LÁGRIMAS CAEN DEL CIELO en Carme Teatre de Valencia
A veces hay que salir de Madrid y Barcelona para descubrir espacios escénicos que cuidan la creación del lugar y a sus artistas. Permitiendo con su trabajo que allí se generen poéticas particulares que de otro modo no existirían y, además, dan la oportunidad para que el público del entorno disfrute de temas y estéticas no convencionales. Carme Teatre tiene una larga trayectoria en este empeño, primero en su sala originaria y ahora en el nuevo espacio, acogedor, amplio y con unas instalaciones fantásticas que permiten la búsqueda y creación contemporánea propia del lugar. Tuvimos ocasión de disfrutar de un estreno, este fin de semana pasado, que visibilizaba las opciones sexuales LGTB a través de una obra de MARINO MUÑOZ: «Cuando las lágrimas caen del cielo»; una historia de encuentros fortuitos de nuestro tiempo con un final inesperado. Esta semana siguen con otro estreno, ELEGIA, con texto y puesta en escena de AURELI DELGADO. Hay que visitar otros focos teatrales, hay muchas sorpresas que nos esperan en ciudades como Valencia, Sevilla o Bilbao.
Adolfo Simón
A secreto agravio, secreta venganza en el Teatro Pavón Kamikace
Los inspectores Delgado y Ferrer investigan la aparición de un cuerpo en el puerto de Lisboa. Los interrogatorios y recuerdos de los personajes apuntarán a Don Lope de Almeida, noble portugués, cuya mujer murió en un terrible incendio pocos días antes de la aparición del cadáver. A secreto agravio, secreta venganza, a partir de la obra de Calderón de la Barca, ha sido el montaje merecedor del Premio Almagro Off 2017 por “el valioso alegato contra la violencia de género y la intolerancia que conlleva la propuesta”. Y creo que en este caso, el premio es merecido, a veces, propuestas humildes se convierten en piezas imprescindibles por varias razones, no sólo por lo que denuncia el texto que hoy es un tema candente si no que, además, porque el montaje está muy bien resuelto con un grupo joven de intérpretes que se desdoblan con solvencia en los distintos personajes. También juegan con elementos contemporáneos que facilitan la idea de atemporalidad de la historia que nos narran. Y, que todo ocurra en Lisboa, permite que el fado se cuele entre escenas, dando un toque muy sugerente a la propueta.
Adolfo Simón
El Corazón de las Tinieblas de DARÍO FACAL / METATARSO en los Teatros del Canal
A partir de la novela de Joseph Conrad, nos adentran en la historia de la exploración del continente africano y de la explotación impune de sus recursos naturales desde el brutal colonialismo decimonónico hasta sus consecuencias en la actualidad. Un viaje documental que el actor protagonista convierte en una narración que transita entre la mirada al pasado y el presente para crear un debate profundo sobre el comportamiento que nos separa de los animales para convertirnos en ¿Seres cívicos?. Una propuesta que bebe de una estética clásica y que se da la mano con lenguajes tecnológicos, consiguiendo una atemporalidad sugerente.
Adolfo Simón
https://entradas.teatroscanal.com/janto/?Nivel=Evento&idRecinto=TDC&idEvento=FACALTC2018
«El concierto de San Ovidio» de Antonio Buero Vallejo, en el Teatro María Guerrero CDN
La producción elegida por el CDN para celebrar el centenario del nacimiento de Buero Vallejo es una de las obras de madurez del autor que supo hablar de cosas que no se podían hablar en la época que le tocó vivir combinando elementos históricos, abientes y lenguajes propios del neorrealismo con un enfoque existencialista e incluyendo numerosos elementos simbólicos. Estrenada en 1962, El concierto de San Ovidio se ha llevado pocas veces a escena ya que Buero Vallejo escribía obras con muchos personajes, caras para hacer un buen montaje que puede entenderse desde varios ángulos. En este caso la intención es hablar de la ceguera, entendida en su vertiente figurativa.
Un tema histórico para mostrar una clara crítica de la España en la que le tocó vivir, Buero crea un drama ambientado en la Francia prerevolucionaria, en la que estaban cuajando ya las ideas de libertad, igualdad y fraternidad, un empresario sin escrúpulos se presenta en un hospicio de monjas para elegir a unos mendigos ciegos para su próximo espectáculo musical prometiéndo sacarles de la pobreza y aprovechándose de su condición de invidentes para ridiculizarlos en una feria de París alegando que es un gran filántropo.
Como ven, un argumento perfecto para hablar de muchas cosas, entre ellas de explotación laboral, la marginación, el escarnio, la hipocresía, engaño y lucha de clases. Temas actuales y por eso la obra se convierte en clásica a pesar de estar engendrada para criticar los valores de dictadura.
El espectador se va a enfrentar a una obra densa de dos horas de duración, con un estilo clásico y en la que Mario Gas se ha encargado de dirigirla manteniendo ese aroma imponente y antiguo de interpretación para disfrutar del discurso y añadiendo algunas pinceladas escénicas contemporáneas como la inserción de vídeo y la iluminación y escenografías evitando el realismo. Un montaje potente en el que los actores están magníficos y tienen la oportunidad de desplegar toda su profesión arropados por la dirección limpia y concreta que tiene claro su discurso: la ceguera no es igual a la pérdida de la dignidad.
Luis Mª García Grande.
Que Revienten los Artistas 
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