Triptico sobre Surge Madrid
Los años rápidos, pequeña pieza teatral que relata los dimes y diretes de una familia. Nos muestra como el tiempo no cura todas las heridas, y como los secretos «mejor» guardados, siempre salen a la luz de una forma u otra.
Pieza perteneciente al festival Surge, en la sala Azarte bajo la dirección de Secun de la rosa, y escrita también por el.
España ingobernable, es una recopilación de textos de otros tiempos, y textos de no tan lejos que bien podemos entender ahora y ajustarlos a los últimos hechos que sacuden nuestra España, inquieta, luchadora e ingobernable.
Una propuesta muy interesante, una guitarra, un par de voces, y mucho por decir, en un ambiente intimo, compartido y con toques de misterio y secreto, en la sala mirador, dentro del festival Surge.
Paisajes de un interior común.
Una propuesta de danza y música en directo, sacando de objetos cotidianos nuevos sonidos, significados y ambientes. Seis bailarines reunidos en un espacio, en una lucha incansable de danza consigo mismos.
Propuesta dentro del festival Surge en Nave 73.
Lucía M Herrera
De profesión maternal en Teatro del Arte/Surge
De profesión maternal, es una historia que nos habla del abandono, del arrepentimiento, del rencor y del amor, un amor que debería ser incondicional como es el de una madre a una hija y viceversa, pero las circunstancias no siempre dejan que esto suceda así. Nos plantea que todos tenemos la necesidad de ser amados, la necesidad del perdón por parte de las personas a las que no solo nos unen vínculos emocionales, sino la sangre.
Angela Aguilar
Habrás de ir a la guerra que empieza hoy dentro del Festival de Otoño a Primavera en Cuarta Pared
Como parte del XXXIII Festival de Otoño a Primavera, el 26, 27 y 28 de mayo pudo disfrutarse en la Sala La Cuarta Pared la propuesta teatral de Pablo Fidalgo Larea, que traía como credencial nada despreciable la elección de la pieza por parte del diario Público de Portugal como el Mejor Espectáculo de Teatro de Portugal en 2015. La obra, presentada por el propio autor y que interpreta un Cláudio da Silva que, como conocemos al final, tiene una implicación muy personal con la historia que cuenta, es una recomendación sin reservas desde la calidad del texto y el interés de la dramaturgia.
En la intervención inicial del propio autor que presenciamos a modo de prólogo, cuenta Pablo Fidalgo que Habrás de ir a la guerra… surge de su esfuerzo personal para recuperar la accidentada biografía de Giordano Lareo, un tío abuelo que se vio forzado al exilio en Argentina por su compromiso político al estallar la guerra civil española, de peripecia tan humilde como heroica. La pieza recoge tanto el proceso de construcción de la biografía como el resultado de ella, pero es además (y ahí es donde disfrutamos más de la pieza) un buen conjunto de reflexiones en torno a la historia de España, a nuestras contradicciones y problemas, y sobre todo un repaso muy personal a los tremendos errores del pasado del propio personaje y de su país de nacimiento.
Es especialmente destacada la capacidad de Pablo Fidalgo para crear una trama cruzando la peripecia vital del protagonista en Argentina y el flujo de su pensamiento. El autor también evita con maestría el maniqueísmo o el carácter panfletario, que eran peligros que podían sobrevolar en torno al tema presentado, ofreciendo por fortuna una narración lúcida, interesante en sus setenta y cinco minutos de duración, decorada con un lirismo de tono aceptable -no conseguido a un nivel suficientemente constante, quiero decir- y una dramaturgia llamativa y apropiada.
Rafael Ruiz Pleguezuelos
“SHIMAI SISTERS” en DT/Surge Madrid
“Shimai Sisters” nos adentra en una mirada particular acerca del mundo femenino en Japón. Con una perspectiva inductiva, se nos presenta una realidad que mucho tiene que ver con la sociedad actual. Estamos muy acostumbrados a etiquetar una raza con sus apariencias más características, sin pararnos a pensar de donde surgen. En esta ocasión somos testigo de la historia que esconden muchas de sus costumbres más peculiares. Teatro, performance y danza; se fusionan para hacernos participes de aquello que arrastra una de las sociedades más estigmatizada, consiguiendo así, que uno salga preguntándose que esconde esa cultura tan valorizada.
Uno sale con ganas de entrar, porque de algún modo cuando entras nunca terminas de salir del todo.
África Animú
El fabuloso mundo de la tía Betty de Aldo El-Jatib Amato en el Teatro Tribueñe
El fabuloso mundo de la Tía Betty” (teatro fantasmal) es la escenificación del inconsciente colectivo de una sociedad que construye su dinámica de comportamiento con la mentira, la crueldad y la muerte. Es un fantasma que nos recuerda, con su aparición, las leyes físicas de la naturaleza: Que todos los hechos cometidos quedan impresos en un mecanismo de funcionamiento social repetitivo, abandonado y autodestructivo. A menudo me pregunto porque hay espectáculos que se eternizan en la cartelera y piezas comprometidas como está pasan como una exhalación por Madrid… Ver este tipo de trabajos es un soplo de aire fresco ante tanto teatro adocenado y hueco. Un ritual esperpéntico lleno de imágenes inquietantes, cargadas de poesía negra.
Adolfo Simón
Shana Moulton en De Saloniéres en La Casa Encendida
Las salas de exposiciones raras veces se convierten en otro tipo de espacios a lo habitual. Y en La Casa Encendida justamente eso es lo que sucede durante unas dos semanas, La Casa ofrece un ciclo de performances en sus diferentes salas. De Salonniéres trata de ocho propuestas escénicas. Se ponen en juego el Tiempo, el Espacio y los Cuerpos. No hay obras expuestas, descripciones o títulos en las salas. El espacio está vacío hasta que entramos. Y las obras de arte solo suceden en nuestro presente compartido, en el espacio compartido con el artista, en el espacio compartido con los otros. La obra de arte es Estar ahí. Estar y dar la posibilidad a que nuestra imaginación se expande.
He tenido suerte al asistir al ciclo con la propuesta de Shana Moulton, artista “audiovisual”. Ningún título es suficiente para contener la inmensa creatividad, humor y frescura de Shana. Ella acompaña a las proyecciones y estas le acompañan a ella. A través de un camino psicodélico y al hilo de la auto-sanación lleva al espectador a su universo. A un universo posible para todos nosotros.
Una propuesta de Green Parrot, un colectivo de arte contemporáneo de Barcelona. Recomiendo seguir sus trabajos, y también pasarse a los últimos encuentros De Salonniéres.
Lutza Borsos
Ante Romeo y Julieta en Teatro Galileo
Ante Romeo y Julieta es el viaje al interior de la tragedia, a las hondas preguntas que plantea Shakespeare, el amor condenado. ¿Quiénes somos nosotros para juzgar el amor? ¿Somos capaces hoy de amarnos libremente? ¿Tiene sentido hacer hoy en día Romeo y Julieta?. No hay nada más fascinante que poderse sumergir en la mente del autor cuando está debatiéndose entre el discurso de un personaje u otro. Ese debate ético y emocional, a veces se queda suspendido en preguntas o ideas desechadas. En esta propuesta, tenemos la ocasión de acompañar a Shakespeare en sus dudas existenciales.
Adolfo Simón
El corazón entre ortigas… Tribueñe / Paco de la Zaranda / Eusebio Calonge – Surge
Tras su residencia en el Teatro Tribueñe, La Zaranda presenta en la sala un nuevo trabajo en proceso dentro del contexto de residencias artísticas y laboratorios de la III Muestra de Creación Escénica Surge Madrid 2016. Carlos Morla Lynch, fue capaz, en un mundo que se despedazaba, de tener la integridad ética de permanecer fiel a su cargo, al frente de la Embajada Chilena de Madrid, salvando la vida de unos dos mil refugiados, primero de un bando y luego del otro, con frecuencia jugándose la vida por personas que no eran afines a su pensamiento. Sacrificando su bienestar y el de su familia por el de los otros, sin mirar facciones ni militancias, en ese equilibrio tan peligroso, casi milagroso diría yo, de obrar con independencia.
Cuando el pasado es tan reciente, el peligro de ser malinterpretado es grande, la visión desde los frentes se imponen para arrojar su sentencia condenatoria a todo cuanto no cuadre con sus proclamas. Quien a esta obra se asome no busque ajustes de cuenta, ni la propagación de aquello que nos enfrenta, su visión de la historia, ese caos inmutable como la llamó el filósofo, es poética que no política. No trata de expresar más que como entre tanto dolor y tanto miedo, el valor de lo humano, que es el amor a cada persona, sacraliza la vida cuando el otro es más importante que nuestros propios intereses o ideas.
Una experiencia de teatro documento que nos sitúa frente al sentido del arte y la ética en una sociedad sin principios.
Adolfo Simón
La realidad de los Torreznos en Teatro del Barrio / Surge
De pocos espectáculos he salido con la sensación de haber visto algo tan complejo. Pocas veces se queda uno enganchado a las infinitas lecturas de discursos y acciones que, como en este caso, se conjugan con suficiente misterio y humor para ocupar nuestros pensamientos durante mucho tiempo.
Mi opinión es que, en lo que hacen, los torreznos son inigualables. Es una ironía tan redonda y tan aguda y por momentos (aunque parezca contradictorio) tan cercana y sobrecogedora…
“La Realidad” pasa por una fase nuclear donde se percibe la crítica a la tiranía del lenguaje y a la asimilación mercantil de las relaciones arte – vida, que pasan por la posibilidad de embadurnar de términos elevados cualquier accidente de la cotidianidad. Después algo de este discurso se expande y se contamina del absurdo para regresar a la pregunta ¿qué es la realidad? o más bien ¿Realidad?¿Dónde? y entonces entramos juntos en una montaña rusa entre el aquí, el allí, el ahora y el nosotros que es tan empinada como divertida e inteligente.
No se puede acusar a este maravilloso duo de dar una puntada sin hilo, aunque tal vez la performance necesite algo de rodaje para ajustar tiempos. Un servidor valora enormemente el riesgo que supone hacer una pieza imposible de encajar en una fórmula predeterminada. Lo que podría haber sido una performance que ironizara sobre el uso de la atención para convertir anécdotas materiales en objetos de contemplación (al estilo de las visitas guiadas de Andrea Fraser) se convierte de repente en un torbellino repleto de recursos expresivos que nos invita a reír mientras nuestro mundo se resquebraja. El ingenio puesto al servicio de aquello que no podemos eludir ni disfrazar: La Realidad.
Javier Tirado
Soy una mosca que mira a través del agujero de una llave un lugar en llamas de Lola Jiménez en Teatro Pradillo
Salí del teatro y la ciudad estaba desierta, en el autobús solo íbamos el conductor y yo…todo el mundo estaba en el fútbol o viéndolo desde un monitor, en casa o en alguno de esos bares que se llena de gente que mira el plasma como si mirase a Dios. Sólo un grupo de privilegiados nos reunimos en Pradillo para sumergirnos en el imaginario de Lola Jiménez. En la breve pieza, habla, pela manzanas, deambula por la sala, se sumerge en un mar de imágenes perturbadoras y pelea con sombras imaginarias…Hay propuestas escénicas que no se pueden explicar ni describir, hay que estar ahí y abandonarse al misterio que ocurre ante nuestros ojos…Lo dicho, todos miraban el fútbol y unos pocos mirábamos el saco de la risa.
Adolfo Simón
Julio César y Cleopatra en el Teatro Bellas Artes
“La erótica del poder, el poder de la erótica” es la frase con la que se nos presenta Cleopatra en el Teatro Bellas Artes, una propuesta desenfada y atípica, que nos traslada a los momentos más álgidos de está popular historia. Con un puente directo a plena actualidad nos deja entrever un discurso irónico, humorismo y cargado de emoción, que hace de estos cuatro personajes unos auténticos viajeros del espacio. Creando para ello las oportunas atmósfera que nos guiarán por los parajes más desérticos y del recuerdo que hoy día tendrían Julio Cesar y Cleopatra.
El pasado y el futuro, detienen la historia para hacer recuento de los acontecimientos resultantes de uno de los mayores clásicos de la historia.
África Animú
Palabras malditas de Eduardo Alonso en el Teatro Español
En la oscura España de la posguerra, dos seres marginados se esfuerzan por encontrar la felicidad. Un expulsado y perseguido profesor experto en poesía francesa y una prostituta coinciden en una sórdida pensión de La Coruña, en los años cuarenta, en plena época de represión y asesinatos. A pesar de las aparentes diferencias que los separan, se aferran el uno al otro como a la única tabla de salvación en el inmenso océano de la soledad. El teatro ha de ser útil para la sociedad y una de las mejores formas es dar luz a los tiempos oscuros, a esos donde seres anónimos intentaban encontrar un espacio de expresión más allá de las circunstancias del momento. En Palabras malditas, de manera íntima y sencilla nos muestran a unos personajes que no manejan su destino y que tienen que aceptar el silencio y marginación personal y artística.
Adolfo Simón
¡Como está Madriz!…en el Teatro de la Zarzuela
Siempre me pregunto para qué ha de servir el teatro hoy…¿Para entretener?¿Para emocionar?¿Para hacer pensar?¿Para guardar la memoria y prevenirnos del futuro?…Podría seguir haciendo preguntas y todas girarían alrededor de dos ejes…Divertir y hacer que nuestra cabeza se revolucione. ¡Salir de un teatro con la sensación de ligereza, de haber jugado desde el patio de butacas al tiempo que hemos pensado sobre quiénes somos y qué hacemos aquí…Es estupendo! Todo esto provoca ¡Cómo está Madriz! gracias a la versión libre que ha hecho Miguel del Arco a partir de entrelazar canciones de La Gran Vía y El año pasado por agua con pequeñas escenas que atraviesan el tiempo y nos proyectan hacia el mañana con ganas de construir un mundo mejor, aunque sea una autovía. Este espectáculo es un homenaje a Madrid, al teatro, a la bohemia…a todos los que hemos llegado a esta ciudad y la hemos querido a pesar de sus peculiaridades o tal vez por ellas y, sobre todo, porque nunca nos ha pedido cuentas por estar aquí. ¡Cómo está Madrid! es zarzuela, teatro, cabaret, music-hall, revista… Y todo ello con un aire moderno sin perder la esencia original. Miguel del Arco capitanea un equipo de creación que ha debido disfrutar con su trabajo al reinventar el vestuario, el espacio, la luz y la fisonomía de esta ciudad que siempre nos sorprende si la miramos con ojos nuevos. Como este elenco ha hecho…y aunque Paco León está al frente del reparto, el resto de los actores, bailarines, coro…se han contagiado de este espíritu de locura por quitar el gris al maravilloso cielo de Madrid. Y la orquesta, gracias a la espléndida dirección musical de José María Moreno toca con brío y belleza extrema. Corran a comprar unas entradas porque se van a agotar y se arrepentirán de no poder disfrutar de la zarzuela del siglo XXI.
Adolfo Simón
Wendy Hoose de Johnny McKnight en Una mirada diferente/CDN
Una actriz y un actor, una intérprete de signos, unos subtítulos y una voz en off que nos contaba lo que se veía en escena. Todo en una unión perfecta para contarnos la historia de dos jóvenes que querían pasar una noche de sexo desenfrenado pero que no salió como estaba planeado.
Humor negro británico a veces difícil de digerir si no estás acostumbrado.
El problema comienza cuando el chico dispuesto a darlo todo en la cama se da cuenta de que a la mujer le faltan las piernas… Su reacción es del todo vergonzosa despreciable y condenable, claramente nervioso y queriendo salir por patas, él que puede. ¿Pero cómo habría reaccionado otro cualquier? ¿Cómo habría reaccionado yo? Pues probablemente externamente de forma diferente pero internamente de la misma.
En este espectáculo se desmontan mitos, se quitan taboos y se ríen todos de todo, hasta la voz en off se ríe de los actores. Una comedia aparentemente ligera pero cargada de calor y emoción y que me ha hecho salir reflexionando sobre los prejuicios que yo creía no tener.
M. Canovo
La muerte le sienta muy bien a Microteatro por dinero
Aunque este no es el tema de este mes en Microteatro, las dos piezas que he visto, tenían como denominador, la muerte como juego irónico para independizarse; este si es el tema: Por la independencia y por ello, los personajes son capaces de mil disparates…Traficar con un muerto en «Cuerpo a cuerpo» de Alberto Iglesias interpretado con precisión por Mónica Bilbao y Rodrigo Poisón…o jugar a la resurrección de los personajes muertos para conocer más a fondo sus deseos con fecha de caducidad como ocurre en «Hasta el coño» de María Velasco dirigida por Sonia Sebastián y con unos deliciosos Kike Guaza y Alberto Jo Lee. Nos les desvelo más sobre las tramas porque nunca se dice que el asesino es el mayordomo.
Adolfo Simón
De profesión maternal de Griselda Gambaro en el Teatro del Arte/Surge Madrid
Una hija abandonada se encuentra con su madre después de 34 años, en este acontecimiento se desatan los secretos, las excusas, los motivos por los que Matilde no ejerció como tal. Se pone en tela de juicio la existencia del instinto materno. Eugenia, el tercer personaje actúa como catalizador entre ambas. Una mirada sobre la maternidad y la huída sobre la responsabilidad en la misma…y las consecuencias que genera el desgarro, en todas las implicadas. Una mirada femenina sobre la eterna cuestión sobre la herencia de la sangre.
Adolfo Simón
Addio del passato en La pensión de las pulgas
A menudo me pregunto, cuando asisto a una ópera…¿Por qué se alarga tanto el libreto si la historia suele ser muy concisa?, es verdad que la música suele ser el punto de partida y claro, el texto, después ha de ajustarse o repetirse acompañando las melodías. Hay varios aciertos en esta nueva mirada sobre la Traviata…y casi todas tienen que ver con la labor que ha realizado Julio Bravo. Por un lado, la síntesis precisa para contar la historia, sin dar vueltas ni estirar los momentos cruciales, hasta llegar a ese final estremecedor. Y otra, convertir al personaje de la obra en la propia protagonista de la ópera, con lo cual, realiza una pirueta exquisita al propiciar ese juego delicioso de teatro dentro del teatro. Las estancias de La Pensión de las pulgas parecen diseñadas para la ocasión y el vestuario de Pier Paolo Álvaro nos sitúa en el corazón de la historia romántica y glamorosa que se nos quiere contar. Hay unas pausas marcadas por Blanca Oteyza desde la dirección que nos suspenden en el transcurrir inevitable hacia la tragedia. Y, por último, los actores están precisos en su trabajo, aunque Lola Baldrich y Fran Calvo elevan el melodrama a tragedia moderna.
Adolfo Simón
Mis cosas preferidas en La pensión de las pulgas
Una actriz y cuatro personajes. Una buena excusa para demostrar la capacidad de interpretación del actor, de Valeria Giorcelli. Prueba superada: la actriz es camaleónica y perfecta para encarnar a su personaje y el de todas sus amigas.
Brenda recibe en su casa a sus amigas, unas amigas muy especiales, sus mejores amigas, para hablar de su vida después de un largo tiempo y revisar sus cosas preferidas, tal y como proponía la famosa canción de «Sonrisas y Lágrimas». Brenda no tiene la cabeza muy en su sitio, pero aún así sabe que no hay que saltarse las exquisitas reglas del protocolo del té, de la recepción y acogida del invitado y del planteamiento de esta reunión social informal, pero regida por todas esas normas protocolarias, esas reglas del juego entre las que se van intuyendo unos lazos eléctricos que se van tensando entre invitado e invitado y norma y norma. Es una cita casi a ciegas, una cita imaginada en la que la protagonista va entretejiendo las redes de sus relaciones y desmadejando toda una visión de su vida con desenlace inesperado… ya que muchas veces el protocolo es una mera capa de barniz para cubrir las relaciones tóxicas.
La propuesta es todo un caramelo para la actriz y para el público que forra las paredes del refinado saloncito de Brenda en La pensión de las pulgas y tenemos la oportunidad de verla de nuevo durante este mes.
Luis Mª García Grande
La rosa tatuada en el CDN
La directora Carme Portaceli se pone al frente de La rosa tatuada, un drama escrito por Tennessee Williams que el Centro Dramático Nacional produce para recuperar la obra del dramaturgo estadounidense. Aitana Sánchez-Gijón y Roberto Enríquez encabezan el cartel. Su argumento cuenta la historia de Serafina Delle Rose, una viuda italo-americana afincada en Luisiana que decide retirarse del mundo y guardar luto para siempre tras la muerte de su marido. Pero con el paso del tiempo, Serafina va descubriendo que el origen de su sufrimiento es el encierro que lleva a cabo, por lo que se ve en la obligación de decidir entre volver a disfrutar de la vida o padecer una existencia de dolor hasta el fin de sus días. Una lectura contemporánea del texto donde prima las relaciones personales de los personajes en un decorado que recuerda los recortables infantiles.
Adolfo Simón
Big Boy en el Teatro Lara
Big boy es una historia que supera la ficción, un ejemplo de teatro de verdad, donde dos actores se enfrentan con sus cuerpos a la creación de mil y un personajes. Big boy es un sueño por el que luchar, una historia de superación donde la amistad es un bien preciado. De principio a fin, el espectador se encuentra con un espectáculo de puro teatro artesano, una lucha de cuerpo a cuerpo, donde el gesto es el verdadero protagonista a la hora de narrar la historia. La amistad por encima de todo, pero la guerra, el juego, boxeo, apuestas, mafia, la ley seca, son los muchos temas que cuentan, pues así era la sociedad de principios de siglo XX.
La compañía Guantuguan especializada en teatro físico fue finalista por su esfuerzo y trabajo con esta obra en el festival Talent 2014 y se puede ahora disfrutar de esta modesta pero virtuosa función en el Off del teatro Lara. No se la pierdan.
Pablo Cano
Nos encontrarán dormidos de Juan Ayala en La Zona Kubik/Surge
La ciudad como contenedor de la poesía. Sucedió que al recorrer las calles de Usera con esa energía de aventura y esa sensación de pertenecer a algo excitante (el mundo) las calles me parecieron el lugar total, la sopa de moléculas en la que todo sucede en potencia, donde todas las posibilidades están presentes. La complejidad es infinita y el individuo finito. Finito y frágil. Por eso en grupo parecíamos arropados. Generábamos colectivamente una energía que nos conectaba con esa aventura. Dada la manera en la que empezamos a confiar, el peligro en todo caso estaba en esa ciudad repleta de pequeñas fábulas.
De repente algo tan arriesgado como sacar a los espectadores del lugar de comfort de la butaca se reveló como un gesto explícitamente político. Estábamos en la calle, en la plaza, transformándola con nuestra presencia y nuestra imaginación. “La realidad es un consenso” decían, y todo era profundamente real, sin medias tintas. La guerra, la protesta, el miedo, teñidos de absurdo sin perder un ápice de seriedad. Desde el primer instante se apeló a un mundo aletargado dentro de cada individuo: el mundo de la resignificación y el empoderamiento. Podemos ser lectores de ropa tendida y guerreros en la lucha contra los cocodrilos porque en la magia de nuestro cerebro está la posibilidad de volver a empezar una y otra vez. Navegando por la esencia del teatro la ciudad se abrió ante nosotros y nos permitió una larga caída libre en la que resonaron bellas palabras. Creo que matizar todos los detalles de una experiencia tan redonda es un gran trabajo de precisión. Y el tiempo que compartimos fue como una obra maestra.
Javier Tirado
Letter to a man en los Teatros del Canal
Mikhail Baryshnikov es uno de los bailarines más importantes de la historia de la danza, he tenido la suerte de verle en varias ocasiones, bailando diferentes coreografías…y siempre he salido del teatro con la sensación de haber estado suspendido en el aire durante la representación. También ha actuado con cierta holgura…En este espectáculo que ha creado junto a la maestría escénica de Robert Wilson, hace algo muy difícil…»Bailar actuando y actuar en danza». Si uno acude a ver este espectáculo con la idea de verle hacer acrobacias, saldrá decepcionado porque aquí no se hacen piruetas físicas, se baila el silencio y la locura. Esto, que se dice muy fácil, es muy complicado de realizar porque la sensación que llega al patio de butacas es que, lo que nos proponen es un tránsito por el cerebro de Nijinsky a partir de su diario, unos textos escritos durante su encierro; una bajada al abismo de un hombre que había perdido la orientación de sus pasos en la vida. Hay ocasiones en las que es muy complicado explicar qué ocurre en el escenario, solo se puede decir una cosa…Vayan! La cartelera está llena de intentos frustrados de arte…aquí hay un salto al vacío sobre una paleta de colores infinitos donde uno entiende profundamente lo que ocurre cuando la mente se queda mirando al infinito, en la más absoluta oscuridad…y aparecen los cisnes de papel.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/letter-to-a-man-robert-wilson/
Adolfo Simón
Quiere cantar su alegría por El Curro DT
Curioso como con el paso del tiempo las historias de los otros se mezclan con la propia hasta hacerse indistinguibles.
“España que perdimos, no nos pierdas” parece venir de las flores cultivadas en las grietas de la memoria. “Quiere cantar su alegría” se despliega como un pedazo de memoria cruda. Sobre el sustrato de recuerdos como los de Alberto García, alguien regó poesía.
Hablar de la forma es complicado si está al servicio de una historia personal. Hay un bello paralelismo entre la luz que va bajando hasta alumbrar intimidades por las que nos invita a pasear y el vestir y desvestir del mariachi. También siento que, en la misma línea de la propuesta anterior, todo parece desvelar un claro absurdo. El absurdo de las coincidencias, de los amores, de las dudas, el absurdo del mundo en su complejidad al fin y al cabo. Pero sobretodo el absurdo de la guerra, que ante los ojos de un niño pierde toda lógica y nos golpea como un ridículo motivo por el que las cosas cambian. Una vida como la de Alberto se entreteje en infinitas vidas y por eso nos dice tanto de todos nosotros.
Me siento agradecido como público cada vez que se habla con entereza del pasado de este país en el que convivimos, y más aún cuando se hace desde la experiencia personal. Creo que es importante dejar que los hechos queden atrás sin por ello olvidarlos. Puede que llegue un momento en el que la historia de este mariachi sea una bella anécdota y no tengamos que recordárnosla para tenerla presente. Pero ese momento aún no ha llegado, así que nos deseo que brindemos con tequila y sigamos hablando de lo nuestro para que lo nuestro se transforme. Porque aún no es demasiado tarde.
Javier Tirado
ADENTRO de Carolina Román en el Teatro María Guerrero
Nadie juega un papel tan importante en nuestras vidas como la familia, nuestra relación con ella nos moldea y nos define, compone una parte inherente de nuestra identidad. En “Adentro” de Carolina Román se abren las puertas de un hogar y se muestra una intimidad delicada y compleja desde un naturalismo tan orgánico que resulta difícil no sentirse identificado. Sus personajes sueñan, rememoran, aman, temen, se debaten entre América Latina y Europa, y sin embargo, nos cuentan más por lo que callan que por lo que dicen. Y es que a veces resulta más fácil hablar de cremas hidratantes para el cuidado personal y cómo nos intentan engañar al vendernos lo mismo en distinto formato a decir lo que realmente queremos expresar.
Marian Patilla
Que Revienten los Artistas 
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