Lola López: El teatro ha de ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Mis inicios en el teatro fueron con mi madre que me recitaba sus monólogos de «Morena Clara» y otros que ella interpretó en su juventud en su aldea natal fronteriza (mitad Almeria, mitad Murcia) y que me despertó el amor por la palabra teatral que enciende y anima…, luego teatro en la adolescencia…
Profesionalmente me forme en la ESAD Valencia, a finales de los 80, eran momentos de ebullición teatral, cuando venían el Odin, Victoria Santacruz, el Roy Hart… y muchos creadores que entonces pasaban a impartir sus enseñanzas por Valencia, luego en Londres en la LAMDA (LONDON ACADEMY OF MUSIC AND DRAMATIC ART), allí colaboré con directores como Laurence Boswell, en la temporada de siglo de Oro Español en el Notting Hill Gate Theatre,…
Si, además de la actuación, realicé trabajos de dirección y autoría. Al regresar a España en 1994, Paco Zarzoso me propuso que dirigiera su obra «Un hombre otro hombre», que estrenamos en 1995 en lo que entonces era el Espai Moma de Valencia y al mismo tiempo cree la Compañía «Cae la sombra» en Barcelona con L. Lambert y estrenamos «Libración» de LL. Cunillé con dirección de X. Albertí, en la Sala Beckett de Barcelona auspiciadas por J.S. Sinisterra y con la que obtuvimos los premios de la Critica al texto, dirección y actrices…;
otras direcciones mias son: «Ruanda, la caricia de dios» de F Zanni y P. de Vita, «Ilusionistas», «Hungaros», «Salón Primavera», «Maria la Jabalina»…
Como autora, los textos son: «Alamar», «Isola», «Ecosmudos», «María la Jabalina», «Patos salvajes».
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es un lugar en el que los seres humanos van a escucharse, emocionarse, reírse, llorar, sentir, reflexionar, apasionarse… juntos, escuchándose unos a otros… hasta ahora por el tiempo de una hora o más, aunque en las últimas ‘crisis’ del teatro nos quieren hacer creer que solo podemos escucharnos unos a otros por espacio de unos minutos: microteatro, miniteatro, nanoteatro… a mi en todo lo que me da placer me sigue gustando tomarme tiempo, aunque también me encantan los relatos cortos también…, pero pocas cosas pueden superar «Rey Lear»… y dura muchos minutos…
Hago teatro porque me gusta. Me gusta compartir textos brillantes, emociones, sensaciones, reflexiones, sentimientos…
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Has realizado trabajos fuera de Hongaresa Teatre?…
Balance: afortunada de haber estudiado y trabajado en Londres con grandes creadores, de haber disfrutado con crear y mantener durante 20 años una Compañía, la Hongaresa de teatro con dos de los mejores autores dramáticos contemporáneos, P. Zarzoso, y LL. Cunillé, de trabajar con directores de los mejores, como Xavier Alberti, de haber mantenido una colaboración con salas emblemáticas como la Sala Beckett en Barcelona gracias a J.S. Sinisterra, con La 4ª Pared de Madrid, con las desaparecidas Malic de Barcelona y Canto de la Cabra en Madrid, con actrices / directoras sabias como Irene Papas, con creadoras argentinas como Leandra Rodríguez… es una larga lista compartiendo el oficio con compañeros brillantes…
He hecho trabajos fuera de Hongaresa en teatro: «Troyanas» dirección de Irene Papas y Fura dels Baus, en cine con Giovana Ribes, Rafa Montesinos y Juan Ramón Soriano, en TV. con Santiago Pomarola…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
«Patos salvajes» de los tres fundadores de Hongaresa, «María La Jabalina», «Salón Primavera» de P. Zarzoso y LL. Cunillé, «Aquel aire infinito» de LLuïsa Cunillé, premio nacional de teatro 2011, «Adeu encara» («Adios todavía») de Iaia Cardenas…; De ellos solo puedo decir que me hacen seguir disfrutando del teatro…
¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Lagrada?…Háblanos de este trabajo…
Fue un encargo que la poeta Paca Aguirre me hizo en 2007 y para el que me dio el titulo «La inútil sabiduría de las mujeres», y al que yo le hice la contrapropuesta de hablar sobre la sabiduría de una mujer anónima desconocida y que la obra llevaría su nombre: «María La Jabalina». La estrenamos en 2008 en Albacete en un entorno organizado por la FEUP (Federación Española de las Universidades Populares) y que en 2008 hizo gira por España. En 2013 con una versión revisada la volvimos a estrenar en la Sala Ultramar en Valencia y ahora lleva ya un año en una gira que en Argentina nos ha llevado a 5 provincias Buenos Aires, Córdoba, Jujuy, Tucumán, Catamarca…
Es la historia del asesinato de una joven miliciana anarquista en 1942, 3 años después de acabada la guerra con un juicio sumarísimo falso e ignominioso.
¿Qué tipo de documentación hiciste para llevarlo a cabo?…
Hablé con Carmen Pérez Lacruz, la hermana pequeña de María de los, que sigue viviendo en Puerto de Sagunto, con compañeros anarquistas vivos amigos de María que me regalaron libros y documentos, con su biógrafo Manuel Girona, con el pintor Jaime Giménez de Haro que ha creado un retablo sobre distintas imágenes de María, con la cineasta Giovana Ribes que junto con Damián Gonçalves presenta los documento históricos audiovisuales, con LLuis Miquel Company que reprodujo programas radiofónicos de la posguerra como «Ustedes son formidables»… y aun sigo recopilando información que me brindan durante las representaciones espectadores que me facilitan nuevos datos…
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los memorizo hasta olvidar que los he memorizado… No tengo método…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Matando al teatro y, lo que es peor, matando al público.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«TERRENAL» de Kartun, en Buenos Aires, escrita y dirigida por él con un elenco de actores maravillosos y la mejor diseñadora de Iluminación, Leandra Rodríguez…, y el resto del equipo todos al servicio de un montaje prodigioso. Y además representado en el primer Teatro Independiente de Buenos Aires, el Teatro del Pueblo abierto en 1930 y que salía a buscar a los espectadores con una campana por la calle, que todavía se toca para iniciar la función. Porque tenía todo lo que el teatro debe tener: precisión, misterio y conciencia al servicio de la emoción del espectador y de los propios interpretes. Un relato en el que el espejo ético se pone ante el mito de Caín y Abel y se revisita, con un dios cansado y aburrido de la eterna lucha fraticida de la humanidad . Un GODOT, bajo el prisma de un inmenso autor teatral.
Aunque también en estos 2 últimos meses en Argentina vi muchos otros maravillosos montajes, autores, directores y actores brillantes: Federico Luppi en «Ojo por ojo» de Strindberg, Osmar Nuñez en «El angel de la culpa» de Marco A. de la Parra con dirección de Dora S., «La mujer del anatomista» de G. F. Chapo con Clara Diaz, actriz sevillana emigrada hace 10 años a Argentina…, acabo de regresar tras 2 meses de gira con 2 producciones de mi Compañía Hongaresa de Teatre: «Adiós todavía», en coproducción con la Sala El Extranjero y «María la Jabalina» que ha girado por 5 provincias Argentinas así que todos mis referentes inmediatos son de allí.
¿Cómo es la realidad teatral en la Comunidad Valenciana en estos momentos?…
Destructora de todo el entramado teatral y de todo lo que se había creado desde la llegada de la Democracia. De Compañías, Empresas, Salas, actores, directores, autores, técnicos…
¿Proyectos?…
La Compañía Hongaresa de Teatro fundada por Paco Zarzoso, Lola López y LLuïsa Cunillé cumple 20 años en 2015 y lo celebramos empezando el año con el estreno de «SERENATA PARA UN PAIS SIN SERENOS» de Paco Zarzoso y LLuïsa Cunillé, con música compuesta por José Alamá y Jesús Chapi y la actuación de los actores Angel Figols y Lola López y la violoncelista Teresa Alama que interviene con su instrumento interpretando 4 personajes como interlocutora de los dos actores. Se pre-estrena en Sagunto el 16 de enero de 2015 y en Barcelona en Teatro LA SECA el 21 de enero donde se mostrará durante dos semanas.
Hay dos proyectos más para celebrar la resistencia de 20 años, pero ya los iremos anunciando cuando se materialicen.
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
¿Cuál ha sido tu formación como dramaturgo?…
Yo provengo del mundo del teatro amateur, durante más de diez años, de adolescente, estuve en un grupo de teatro amateur en el Centro de los Lluïsos del barrio de Gracia en Barcelona. Esa fue mi verdadera escuela teatral, al tiempo que sacaba las carreras de periodismo y traducción. De ahí pasé a los talleres de dramaturgia de la Sala Beckett, donde me formé y descubrí que mis años de amateur habían dejado mella en mí, y que sin darme cuenta me había convertido en dramaturgo. Empecé a escribir a partir de hacer traducciones de Mamet, Pinter, Williams y Shaw para mi grupo de teatro amateur… Traduciendo a los maestros encontré mi voz. Como provengo de la traducción, es por eso que muchos de mis trabajos como dramaturgo son versiones o reformulaciones de textos ya existentes.
¿Qué texto propios has escrito?¿Sobre qué temáticas?…
Mi relación con el teatro es muy ecléctica. Cada nueva obra que escribo toma formas diferentes. En mi haber, tengo desde comedias pensadas para un público popular, como obras más formalistas o cultas. Mis obras de teatro más serias siempre parten de un impulso lingüístico, de un ejercicio de búsqueda de la voz y el lenguaje de una serie de personajes, así nacieron obras mías como SURABAYA, CAR WASH o VITTORIA… Por otro lado también me gusta recrear personajes no ficticios en escena, así escribí Copi y Ocaña en el Purgatorio o Rive Gauche, centrada en los personajes de Sylvia Beach y Adrienne Monnier…
¿Cuándo comienza tu relación dramatúrgica con Calixto Bieito?…
Mi relación con Calixto empieza cuando en 2006 quedé finalista al premio de la Fundación Romea con mi texto Surabaya. Él lo apoyó hasta las últimas consecuencias, y pesar de que fui sólo finalista quiso incluir el texto en la programación de su teatro ese año. Tiempo después necesitaba alguien que realizara la dramaturgia de Plataforma de Houllebecq… y yo fui el escogido. Esa experiencia fue extrema, mi primera mili con él, trabajando con sus métodos de creación a partir del caos y la intuición… Ahí aprendí cuáles eran sus obsesiones y cómo ponerme al servicio de ellas sin dejar de lado mis propios impulsos creativos. La experiencia salió fabulosamente bien. Y desde entonces he trabajado con él en ocho proyectos diferentes… en una lógica del «más difícil todavía»… Calixto te plantea retos aparentemente irresolubles… te pide milagros y eso hace que como dramaturgo estés muy activo. Mi trabajo con él es sobre todo en la sala de ensayo respondiendo a las pulsiones creativas que pasan en la habitación. Muy a menudo no empezamos con un texto cerrado. Mi trabajo de preparación de cada proyecto es eso: Preparar durante un largo periodo de tiempo materiales de todo tipo, para poder responder en vivo y en directo a lo impredecible de las cosas que pasan en la sala de ensayo.
¿En qué medida ha influido en tu trabajo como dramaturgo el tipo de procesos como los que has realizado con Calixto?…
Calixto entiende el trabajo de dramaturgia y puesta en escena desde un punto de vista muy musical y espectacular. Y para mí acoplarme a esa visión es muy cómodo, porque mi cabeza funciona de manera similar. Es decir, que en mi relación con Calixto he aprendido a no tener miedo y en creer en los retos imposibles. Y por ahora llevo una mili con él, trabajando en sitios tan diversos como Freiburg, Chicago, Mannheim, Copenhaguen, Birmingham… aprendiendo de equipos artísticos y maneras de entender la profesión tan diferentes… A cada nuevo teatro donde aterrizamos tienes que enfrentarte a una tradición actoral y dramática diferente… a unos hábitos de creación y producción también diferentes… Y eso es muy enriquecedor. Y sí, inevitablemente acaba influenciando en tu manera de enfrentarte a tus propias obras.
¿Qué evolución se ha dado en esos trabajos dramatúrgicos con Calixto?¿Qué balance haces?…
Con Calixto estamos haciendo un viaje muy interesante de experimentación de nuevas formas, donde prima la poética teatral y espectacular, en detrimento de conceptos del teatro clásico, como la trama y el personaje… En los últimos espectáculos estamos intentando hacer espectáculos huyendo de las formas más anquilosadas del teatro, las que dicta el mundo de la trama, para crear espectáculos poéticamente más abiertos, donde lo visual, lo musical, lo lingüístico está más presente que las lógicas coartantes del causa y efecto y el teatro psicologista… Las raíces de este teatro estarían en la lógica del sueño y en las herramientas de libre asociación de imágenes típicas del surrealismo… En este sentido, Calixto siempre bebe de Lorca, Dalí, Buñuel, y del juego de espejos deformantes valle-inclanesco…
¿Has trabajado con otros directores de forma parecida?…
Con cada director con el que trabajo es un mundo diferente. Cada viaje es diferente. Mi trabajo con Andrés Lima en el festín que era Falstaff fue un viaje igualmente alucinante pero de otro tipo. Cada director tiene su estilo y sus obsesiones, y por eso mismo, sus alicientes, diferentes. En la sala de ensayo de Falstaff también me lo pasé en grande!. Así como con las locuras que hemos hecho con Rafel Duran en Mort de dama o Rive Gauhe. Lo que me gusta es que por ahora con todos los directores que he trabajado han dejado que mi yo dramaturgo esté ahí.
¿Cómo surgió el proyecto de Forests?¿Qué premisas te estableció Calixto?…¿Cómo es la relación dramatúrgica durante el proceso?…
El proyecto de Forests nace como un homenaje a la obra completa de Shakespeare a partir del leitmotiv del bosque, y por extensión de la naturaleza. El proceso de preparación requirió una lectura atenta de la obra completa del bardo, buscando esos momentos donde el tema del bosque en relación a la naturaleza humana estaba más presente. Sabía que Calixto quería hacer un collage poético desatado de lógica psicologista… Al contrario, la lógica ordenadora era temática. Así empezamos con unas primeras intuiciones de estructura. Había un primer esqueleto basado en las partes de la Divina comedia: El Paraíso (correspondiente al bosque de Arden), El Purgatorio (inspirado en los bosques nocturnos de Tito Andrónico y el Sueño de una noche de verano, así como en el bosque en guerra de Macbeth y las crónicas históricas) y El Infierno (inspirado en los paisajes yermos de los actos finales del Rey Lear y Timón de Atenas). Había una segunda estructura solapada a la primera y correspondía a las siete edades de la vida que Jaques describe en su famoso monólogo «All the world’s a stage» de Cómo gustéis.
¿Cómo se fue conformando el «collage» textual final?…¿En qué medida influyó el trabajo de los actores o del equipo artístico para la dramaturgia final?…
Nosotros llegamos a la sala de ensayo con una primera propuesta textual que se fue transformando, repensando con el trabajo intuitivo de los actores. En la dramaturgia habíamos borrado todas las referencias a personajes y tramas y habíamos dejado la palabra… cada actor tenía en su haber fragmentos extraídos de personajes diferentes. Un mismo actor podía decir frases de Yago, Rosalinda, Juana de Arco, Lear, Ofelia y Macbeth… El trabajo de cada uno de ellos era crear un hilo, un nuevo personaje a partir de todos esos retazos… Y fue mágico ver como del caos textual nacía una lógica espectacular, encontrada de forma orgánica por los cuerpos y la intuición de los actores en la sala de ensayo.
¿Ha evolucionado el texto o la dramaturgia durante las funciones?…
Calixto marca un viaje muy estricto a sus actores en el paisaje que ha marcado con la escenógrafa Rebecca Ringst… pero al mismo tiempo ese viaje está lleno de una gran libertad creativa. La misma libertad que los actores han vivido en la sala de ensayo sigue presente en las funciones… de manera que el espectáculo sigue su camino, y los actores redescubren nuevos caminos dentro del diseño marcado por Calixto. Las funciones, así, se vuelven inagotables, llenas de frescura creativa.
¿Tienes proyectos propios o con otros directores en perspectiva?…
En estos momentos, tengo diferentes proyectos en cartera que todavía no puedo anunciar, tanto con Calixto como con otros directores del país. Lo que sí que puedo anunciar es el montaje que ahora estoy dirigiendo en el Teatre Nacional de Catalunya. Se trata de mi último texto, un musical para niños, llamado «La dona vinguda del futur», con música de Guille Milkyway de La Casa Azul… Esto es una muestra más de mi eclecticismo…Tanto puedo estar detrás de un infantil para niños, como de una obra eminentemente comercial como Las chicas del calendario que se podrá ver en los Teatros del Canal, como estoy detrás del equipo del Festival de Ópera de Bolsillo y Nuevas Creaciones, apoyando la creación de ópera contemporánea… como estoy haciendo una dramaturgia de alto compromiso y riesgo artístico con Calixto.
¿Has visto algún montaje de teatro que te haya interesado últimamente?¿Por qué?…
Sé de un lugar de Iván Morales, una humilde producción nacida en salas alternativas en Barcelona que ha sido una bocanada de aire fresco… Empezó en pequeñas salas como la Caldera y La Seca… pero ha acabado haciendo temporada en sesiones golfas en el mismísimo Teatro Romea. Y creo que ya están pensando su paso por Madrid.
¿Crees que afectará al teatro la subida del I.V.A.?.
No sé cómo está el panorama en Madrid. Lo único que sé es que en Barcelona la situación es desoladora. Los teatros están vacíos. Se ven claramente las intenciones de ahogar el sector por parte de los que han tomado la decisión. Están haciendo mucho daño a la profesión. Mucho. Tardaremos mucho tiempo en recuperarnos, creo. Pero no podrán con nosotros.
Que Revienten los Artistas 
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