Macbeth, una película de Justin Kurzel
Una estupenda adaptación del texto de Shakespeare que se estrena en España el 25 de diciembre.
Más info en: http://www.sensacine.com
M.B.I.G., el libro
Tras el éxito obtenido en La Pensión de las Pulgas de la versión textual y escénica del clásico de Shakespeare, ahora llega la publicación de la adaptación que ha hecho José Martret en una edición de Bartleby. No te pierdas la lectura de esta fantástica versión del Macbeth del bardo inglés.
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José Martret: La respuesta del público ha sido esencial, pero también la de los artístas que han querido experimentar la sensación de estar tan expuestos al público
¿Qué balance haces de la etapa de La casa de la portera?…
En menos de dos años desde que abrimos las puertas hemos ofrecido al público experiencias teatrales únicas, que solo pueden vivirse de manera tan inmersiva en La CASA de la PORTERA o en La PENSIÓN de las PULGAS. El publico, la crítica y los profesionales del medio nos han apoyado, así que el balance no puede ser más positivo.
¿Han cambiado los proyectos y condiciones desde los orígenes hasta hoy en La casa de la portera?…
Desde el principio hemos apostado por el conjunto de los equipos que nos ofrecen sus proyectos. Abrimos las puertas de nuestra casa a los dramaturgos emergentes a los que los teatros institucionales o el circuito comercial no se las abre. También apoyamos las primeras obras de jóvenes dramaturgos o directores que llegan con proyectos interesantísimos. Siempre buscamos equipos que trabajen con rigor y cuidamos mucho la calidad de los proyectos que se estrenan en nuestros espacios.
¿Qué ha sido lo que más ayudó al éxito de vuestro proyecto…La respuesta del público, de los artistas…los medios de comunicación?…
Creo que fue un compendio de todo eso que has enumerado. La respuesta del público ha sido esencial, pero también la de los artístas que han querido experimentar la sensación de estar tan expuestos al público y la de los medios de comunicación que desde un primer momento se interesaron por el proyecto y se volcaron con la propuesta.
¿Qué os ha movido a emprender un nuevo proyecto?…
Hemos abierto La PENSIÓN de las PULGAS, porque queríamos seguir investigando en el mismo sentido, pero dando un paso más allá. En La PENSIÓN se amplía el recorrido a tres habitaciones (una más que La CASA de la PORTERA) y está técnicamente mejor equipada que La CASA de la PORTERA.
Y también por la necesidad de seguir trabajando, de seguir interviniendo nuevos espacios, de seguir investigando y porque no sabemos estar parados…
Háblanos de cómo surge La pensión de las pulgas…
Yo había escrito una primera versión de Macbeth y lo había escrito para un espacio más grande. Si nos quedábamos en La CASA de la PORTERA había que desmanterlala por completo y volver a decorarla… y hay algo en eso que nos parecía una especie de sacrilegio. Lo que ha construido Alberto PURAENVIDIA en ese espacio, los ambientes que ha creado, para mi ya es algo “sagrado”, no somos capaces de destruirlo… es como si la casa hubiera encontrado su identidad… Así que decidimos buscar otro lugar.
¿Por qué con un Shakespeare?…
Por lo mismo que elegí a Chejov, porque siento que es un regalo para el publico poder ver obras tan potentes a solo unos centímetros del espectador. Porque el arco sentimental que recorren los personajes de estos dos dioses de la dramaturgia son tan ricos en matices y en vivencias que hacen que el publico viva una experiencia brutal. Compartir habitación con los personajes de Chejov o de Shakespeare es un lujo… olerlos, sentirlos respirar, que te rocen… O eso por lo menos es lo que yo creía y por eso los he puesto en pie.
Háblanos de esta peculiar versión de Macbeth…
Elegí Macbeth porque estamos en un momento en que la ambición desmesurada de algunos hombres muy poderosos de nuestro país han puesto en jaque al gobierno y a la monarquía. La ambición, la pérdida del honor, la culpa o el fracaso, siguen formando parte muy importante de nuestra día a día. Y quería hablar de todo ello y llevarlo al mundo de la empresa, porque como dice Marc Creuet en su obra “El rey tuerto”: “Ya no existen los países, existen las empresas”.
¿Por qué hay una función de matinal en domingo?…
Porque durante todos estos años hemos hecho previas los domingos a la mañana de espectáculos que se iban a representar en nuestros espacios y nos dimos cuenta que era un horario estupendo para sacarle partido. Los británicos ya lo tienen asimilado hace mucho tiempo. Además no hay que madrugar para ir al teatro porque la función es a las 13h, te da tiempo a dar un paseo por El Rastro, o por El Barrio de las Letras, después ver una obra de teatro y luego salir a tapear… Y todavía te queda toda la tarde/noche libre!!! Nos parece un plan fantástico.
¿Seguirán funcionando los dos espacios La casa y La pensión?…
Por ahora van a seguir funcionando los dos.
Sugerencias para seguir trabajando y creando en tiempos de crisis…
No perder la ilusión y la pasión y así, poder derrumbar cualquier muro que se ponga frente a nosotros.
VANESSA MARTÍNEZ nos habla de sus experiencias para la escena
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Yo aterricé en el teatro a través de la ópera. Estudié la carrera de canto y durante bastante tiempo me dediqué a la lírica. De hecho, cuando empecé a estudiar interpretación actoral con Juan Pastor en la escuela Guindalera tenía toda la intención de aplicar esos conocimientos a la construcción de mis personajes operísticos, pero en el camino descubrí que mis ideas sobre la puesta en escena en ópera no encontraban reflejo en la realidad escénica que me circundaba, y decidí estudiar dirección para cambiar esa realidad. Con tan noble intención comencé la carrera de dirección de escena en la RESAD. Y durante ese viaje apareció Shakespeare y apareció el teatro del siglo de oro español, y entendí que aquello que amaba en la ópera (la forma musical) era el sustrato del teatro clásico, en especial del teatro en verso. Así que he estado compaginando la dirección de teatro clásico y ópera durante 12 años, aplicando lo aprendido en un medio al otro, y viceversa.
¿Tu trayectoria en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí, muchos. Como estudié magisterio en la especialidad de educación musical, he sido profesora de música en colegios. Guardo especial recuerdo de mi experiencia de cinco años en el colegio Estilo, dirigido por la gran pedagoga Josefina Aldecoa, de quien tanto aprendí. Pero sin duda de quien más aprendí fue de los niños: digerí su capacidad de asociación libre, su ausencia de preconceptos, su vivencia del proceso por encima del resultado… Además he seguido trabajando como soprano, en producciones propias y ajenas, y también he sido directora de coro. Uno de los trabajos que más me ha gustado y que ha sido un compendio de mi formación teatral y musical, ha sido la dirección musical del espectáculo “En este vida todo es verdad y todo es mentira” de Calderón de la Barca para la CNTC, dirigido escénicamente por Ernesto Caballero, hacia quien no tengo suficientes palabras de agradecimiento. Luego repetimos formato en “Montenegro” para el CDN, donde me atribuyó las funciones de entrenamiento vocal y arreglos corales. Todo aquello que fusione música y teatro es el mejor de los paisajes para mi.
¿Qué balance harías sobre tu s trabajos?…Háblanos de los montajes más significativos…
El balance, con perspectiva, es inmejorable. Llevo 12 años trabajando y he dirigido más de 20 espectáculos teatrales y más de 10 óperas. Todo ello surge, por supuesto, de la inversión vital, económica y emocional de los dos componentes de Teatro Defondo, que somos Pablo Huetos, (productor, actor y alma mater) y yo. Esta inversión no siempre ha sido productiva a corto plazo pero me ha permitido aprender mucho y muy deprisa, desarrollar todo mi imaginario, sin restricciones, sin mediadores, con una confianza y una ilusión algo suicida. Todo ha sido muy intenso, todos los espectáculos son hijos míos. Incluso algunos que al principio sentía como ajenos, cuando el día del estreno me senté en el patio de butacas, me quedé con la boca abierta. “¡Pero si yo estoy ahí, y no me había visto!”.
Si tuviera que elegir tres espectáculos especialmente relevantes para mi serían:
1. “El maestro de danzar” de Lope de Vega, mi primer clásico español, mis primeros pre-mios como directora, mi primera gira grande.
2. “Mucho ruido y pocas nueces”, de W. Shakespeare, mi primer Shakespeare (vinieron tres mas, ¡y todos los que quedan!), con el elenco más grande que he dirigido en teatro hasta la fecha, y aderezado con la maravillosa presencia de Will Keen como asesor y maestro, de quien tantísimo he aprendido.
3. Y finalmente “Don Giovanni” de W. A. Mozart, que tuve la enorme suerte de dirigir en gran formato en el Templo de Debod delante de 1000 personas. Este espectáculo fue probablemente el más personal de todos los que dirigí. Cuando tenía 18 años y empezaba a cantar, mucho antes de saber que yo alguna vez sería directora de escena, escuchaba incesantemente Don Giovanni y lo imaginaba todo en mi cabeza, intención por intención, escenario tras escenario, incluso me hice una especie de (entonces ni sabía lo que era) cuaderno de dirección con diagramas de movimientos escénicos. Almacenaba esa ópera desde hacía 15 años cuando finalmente la estrené. Fue un proceso increíble, los dos elencos ensayaron dos meses y medio 7 horas diarias… Conseguí realizar, gracias a un equipo de cantantes jóvenes talentosísismos (entre los que destaca el grandísimo barítono mejicano Manuel Gorka) el Don Giovanni que existía en mi cabeza. Verlo estrenado fue una emoción muy intensa.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Mi motor es siempre el amor. Yo me enamoro de los textos, o de las músicas, y entonces empiezo a generar imágenes y sonidos. Mi devoción por la forma, adquirida a través de mi trayectoria en la lírica, me decanta por aquello que revela un enorme contenido a través de una forma estricta y perfecta. El cómo es para mi tan importante como el qué. Y creo que he hallado en Shakespeare y en Mozart el balance perfecto entre los dos.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
Ha sido vital. He tenido la inmensa fortuna de contar con compañeros/as maravillosos en mi carrera: Pablo Huetos, por supuesto, y una enorme cantidad de actores fantásticos como Pedro Santos, Mon Ceballos, Gemma Solé, Javier Román, Celia Nadal, Maya Reyes, Vicente Colomar, Carmen Gutiérrez… seguro que me olvido muchos. Ellos han sido mis maestros y mis compañeros, hemos podido crear un grupo más o menos estable de “habituales de Teatro Defondo” del que nos sentimos orgullosos.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Esta temporada pasada la comencé estrenando en el Teatro de la Maestranza el espectáculo “Dos pianos con Pasión”, que escribí y dirigí, interpretado por Pasión Vega junto al Dúo Del Valle, y que se acaba de estrenar en el Teatro de la Zarzuela de Madrid este pasado 20 de mayo. Después dirigí escénicamente dos veces en el Teatro Real: la primera fue “El hombre que se llamaba Amadé”, sobre la vida de Mozart, y la segunda un espectáculo titulado “A mis amigos”, un regalo del gran Jose Manuel Zapata donde colaboró José Mercé, Emilio Aragón, Rocío Márquez, Cecilia Gómez… A continuación estrenamos nuestro proyecto estrella para este año con Teatro Defondo: “La Opera del Malandro” de Chico Buarque, que estrenamos en Madrid este próximo 6 de junio en el Teatro Fernán Gómez. Y continuamos con la gira del “Sueño de una noche de verano” de W. Shakespeare, que parece que nos va a seguir dando muchas alegrías en 2015 después de las 70 funciones que lleva ya. Mucho trabajo, mucho teatro, mucha música… como te decía, ¡el mejor de los paisajes!.
Háblanos del proyecto de La ópera del Malandro…¿Cómo surgió este proyecto?… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Este proyecto surge como todos los demás, surge del amor. Conocí hace año y medio la obra de Chico Buarque y me quedé sin aliento. Entre toda su producción una pieza llamó poderosamente mi atención, por su música deliciosa y compleja y por su poesía y sus imá-genes de altísimo nivel, que dibujaban el sentir de la sensualidad femenina de un modo que yo jamás había escuchado; la canción se llama “O meu amor”. Cuando empiezo a investigar sobre la canción en internet veo que la letra tiene indicado el nombre de dos personajes, Teresinha y Lucia. Y descubro que pertenece a una obra de teatro musical llamada “La opera del Malandro”. Como yo ya había dirigido “La opera de los tres peniques” de Bertold Brecht, entendí la asociación inmediatamente: ¡aquel era el dúo del segundo acto entre Polly y Lucy! Muy emocionada por el descubrimiento me hice con el texto completo (en portugués, no estaba aún traducida al castellano) y descubrí que tal y como sospechaba Chico Buarque escribe en 1978 una brillante versión del original brechtiano (a su vez versión de John Gay) ambientada en el barrio de Lapa de Rio de Janeiro en los años cuarenta, en plena dictadura de Getulio Vargas. El texto era pura dinamita, descarado, actual, rítmico… una vez más, la forma perfecta. Y la música era sencillamente deslumbrante. Era para mi la oportunidad perfecta para hacer realidad un antiguo sueño: reivindicar el género del “teatro musical», tan vilipendiado por los márgenes comerciales de nuestra profesión. Este es un GRAN musical, de texto preciso, personajes definidos, argumento vertiginoso, poética sorprendente y con una calidad musical digna del autor de música popular brasileña más importante de su generación.
El proceso fue muy intenso: comenzó con un taller de música brasileña y repertorio impartidos por Pedro Moreno(director musical) y Mario Bidart (maestro repertorista y especialista en canto popular brasileño) en la Casa do Brasil. Entre los participantes del taller seleccionamos a los nueve actores/cantantes que compondrían en elenco. Tras un mes de barbecho acometimos un proceso de ensayos largo y denso, complejo por la propia idiosincrasia de la obra. No puedo estar más contenta del resultado.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
De manera inmediata dirijo mi primer espectáculo de danza. Es una versión de “El Principito” en el que firmo la versión y la dirección escénica, y la coreografía es del gran bailarín José Tirado. Estaremos ensayando en los Teatro del Canal todo el mes de julio.
La temporada que viene tengo dos cosas en perspectiva: la primera es la siguiente produc-ción de Teatro Defondo, que será casi con toda seguridad un Shakespeare aún no estrenado en España. Recuperaremos todos nuestros espectáculos shakespirianos ya estrenados (“Mucho ruido y pocas nueces”, “Macbeth”, “La Tempestad” y “El Sueño de una noche de verano”) y haremos un ciclo Shakespeare para gira con las cinco funciones y un elenco estable. Al estilo inglés…
El tercero de los proyectos, quizá uno de los más importantes de mi carrera, que gracias a Dios ya está confirmado y cerrado, es para abril de 2015 pero aún no puedo revelar nada sobre él. Seguro que a no mucho tardar sabréis de qué se trata.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Está siendo un tsunami destructor, como casi todas las iniciativas que sobre cultura se están tomando de un tiempo a esta parte. Ya no somos empresas teatrales, es imposible tener beneficios, y mucho menos con un espectáculo que da trabajo a nueve actores, cuatro músicos y tres técnicos. Ahora somos devotos teatrales. La profesión se está devaluando, se trabaja de cualquier manera a cualquier precio.
¿Cómo ves la realidad teatral en Madrid?…
No comparto el optimismo generalizado. Hay mucho teatro de mala calidad, con pocos medios, muy mal pagado. El teatro low cost es exactamente eso, teatro barato. Salvo para los tres o cuatro tocados por la mano de los centros de producción nacionales, la ausencia de tejido teatral profesional nos supone una mengua, no un acicate.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ejemplar “Novecento” del compañero Raul Fuertes con el gran Miguel Rellán. Tiene la escenografía más cara del mundo.
Muy emotivo “Ay, Carmela” del compañero Pepe Bornás. Historias bien contadas, con compromiso e ideas. Eso es teatro.
“Viaje a ninguna parte”, interesante concepción espacial, correcto el trabajo con los actores, donde sobresalía claramente el maestro Antonio Gil.
Si en algún lugar de España coincidís con la gira de “Barroqueros”, la macarrada más culta de José Manuel Zapata, no dudéis en llevar a todosvuestros hijos para iniciarles en la música antigua.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
1. No conformarse con “hacer lo que se pueda”.
2. No devaluar la profesión; ergo, no devaluarse a uno mismo.
3. Conservar el espíritu crítico.
4. Conservar la dignidad.
5. No olvidar que no somos las circunstancias que vivimos, sino las elecciones que hace-mos en esas circunstancias.
MBIG (Mc Beth International Group) en La Pensión de las pulgas.
Es difícil reinventar a un clásico como Shakespeare, hacer atractivos a todo tipo de público sus textos y llenar una sala durante una larga temporada con fieles devotos, curiosos y nóveles del teatro. José Martret, en la nueva Pensión de las Pulgas, lo ha conseguido y hay que darle las gracias y decirle que no deje de crear. Estamos ante un tema completamente clásico al que se le da media vuelta de tuerca: Macbeth nos habla de la ambición desmedida y de la traición pero también del fracaso, temas universales que se pueden analizar desde un punto de vista más pasional, tal y como nos describe Shakespeare a través de sus personajes o a través de un punto de vista frío, racional y analítico, tal y como nos demuestra Martret con la creación de una ficticia empresa en la que se contextualiza la obra y un personaje, Camelia, que hace de nexo de unión con nuestra realidad. No nos engañemos: si nos leemos toda esa proliferación de libros sobre empresa y reglas fundamentales para que tu empresa triunfe, todos esos libros de auto-ayuda para que triunfemos personalmente en la vida, para que distingamos lo importante de lo urgente y así nos beneficiemos de tremendos resultados… llegamos a la conclusión de que todos nos tratan de inyectar un poco del veneno de la ambición. Los propios empresarios nos dicen que tener un poco de ambición en la vida es «bueno» y que el fracaso no entra entre sus expectativas, lo que les importa es es éxito, palabra de moda. Martret ha sabido mezclar todo esto en una coctelera y servirnos un batido Gourmet. 
El espacio escénico, creado para la Pensión de Las Pulgas por Alberto Puraenvidia nos sumerge desde un primer momento ya en el mundo de la empresa, creando un ambiente sospechosamente relajado con una suave música lounge y unos colores suaves y tranquilizadores como si estuviéramos en un elegante centro comercial, pero algo ya nos advierte de lo que nos vamos a encontrar dentro: Unas grandes letras metálicas y cortantes nos advierten que estamos en MBIG, una gran empresa en la que lo importante es que seas eficaz. Los siguientes ambientes nos van a sumergir en dos mundos completamente diferentes en los que se puede apreciar la versatilidad de Puraenvidia: Su capacidad es magnífica para transformar objetos encontrados y uniformar toda la decoración de manera que parezca que estamos ante algo completamente nuevo y con un regusto retro pero nunca visto. No adelanto más detalles de la escenografía porque no quiero romper la novedad de encontrarse dentro de un «nuevo mundo» en esta Pensión y creo que es una sensación que el espectador debe vivir de primera mano, sin saber antes dónde se va a meter.
Todo parece un pequeño sueño en el que las cosas van bien y la empresa «marcha» pero las brujas Skuld y Urd, interpretadas magistralmente por Maribel Luis y Pilar Matas, nos van a advertir de que no es todo como parece desde el primer momento en el que aparecen como gárgolas sentadas y criogenizadas en medio del flamante despacho del director. Las brujas están magistralmente dirigidas para representar nuestro interior más putrefacto, ese que nunca nos atreveremos a reconocer ni a mostrar, ese que cada «gran empresario» puede llevar dentro.
Camelia, interpretada por una maravillosa Inma Cuevas puede ser una diligente y fiel secretaria de dirección, una golden girl y también una moderna coach que te explica la ideología de su empresa mejor de lo que lo harían muchos ejecutivos en su propia empresa.
Francisco Boira nos interpreta a un Macbeth aparentemente poderoso y caballo ganador pero poderosamente atormentado por un destino y por la maldita ambición, lo que le hace mostrarse frágil y quebradizo en algunas partes de la obra. Todos estos aspectos son bastante difíciles de conjugar y asimilar dentro de un mismo papel y Boira ha logrado darles una redondez que muchos actores no podrían alcanzar.
Por último, hay que destacar la presencia de una Lady Macbeth elegante, sensual, ambiciosa y casi diabólica, interpretada por Rocío Muñoz-Cobo que nos recuerda a grandes actrices de la época dorada de Hollywood pero que no pierde ese tono de tragedia y tormento necesario para interpretar a este personaje.
Todos los demás actores contribuyen con su trabajo, excepcional también, a que esta sea una pensión de grandes actores donde es imprescindible al menos pasar una noche en esta temporada teatral. Grandes actores, director y escenógrafo y… ninguna pulga.
Luis Mª García Grande.
Teatro en el Cine en el SOL DE YORK
Martes, a las 20:30h, Teatro en el Cine en el SOL DE YORK, películas en versión original basadas en obras de teatro.
28 de enero, Como gustéis, de Kenneth Branagh (2006)
4 de febrero, La importancia de llamarse Ernesto, de Antony Asquith (1952)
11 de febrero, Macbeth, de Roman Polanski (1971)
18 de febrero, Mujeres en Venecia (1967)
Precio: 3€.
Ana Rayo nos habla de sus experiencias como actriz.
¿Cómo surge el proyecto de La vida en blanco?…
Un día llamé a José Manuel y le dije: mira, estamos los dos sin trabajo en este momento, por qué no me escribes un monólogo? Un proyecto sencillo que pueda hacer en cualquier espacio, solo tu y yo, y lo producimos nosotros. Empezó a escribir con una idea radicalmente opuesta a la historia de «La vida en blanco», me llegó a dar una primera versión de ese otro monólogo, esa misma tarde me mandó un mensaje que decía mas o menos: olvídate de ese monólogo en unos días te doy otro texto, a la semana me mandó el texto de «La vida en blanco» una versión de media hora, a partir de ese momento nos pusimos a ensayar y lo estrenamos en octubre del 2012 en la librería 8 y medio, un año después escribió la versión de una hora y la montamos para «La casa de la portera»
¿Hubo ocasión durante el proceso para que aportases ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con el director-autor?…
El texto de esta segunda versión, de una hora, me lo dio 10 días antes del estreno, cuando nos pusimos a ensayar en dos días me lo marcó entero, yo fui creando a partir de sus marcas, José tenía clarísimo lo que quería, y yo soy una de esas actrices que hago, a saco, lo que me piden los directores, así que él iba pidiendo y yo haciendo y de ahí él cerraba la puesta.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz?…
Tengo un balance muy positivo, porque puedo hacerlo! Creo que lo mas importante en esta profesión es poder vivir de ella, en los últimos años he tenido mucho trabajo en todos los medios y estilos, espero poder decir lo mismo dentro de otros 20 años de profesión.
¿Cuál es tu método de trabajo?…
Depende de a qué me enfrente, tengo un método que cambia con cada trabajo, medio y director. Lo que si hago siempre es hablar con el director e intentar apoyar su historia con mí trabajo, creo en el trabajo de autor, por eso para mí lo mas importante es entender lo que el director quiere contar y apoyarlo al máximo con todos mis recursos.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que el teatro debe tener una función renovadora siempre, en este y en cualquier otro momento, creo que la gente tiene que salir del teatro planteándose algo… Creo que igual desde el teatro no se puede cambiar el mundo pero si se puede hacer que la gente se cuestione su mundo y con ello ayudar a cambiarlo.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Como a todo, esto es un horror. El ahogo al que nos está sometiendo la administración es brutal, nuestros sueldos se hunden ( en nuestra profesión han bajado mas de un 50%) y la presión fiscal no hace mas que aumentar, mientras nos ofrecen menos servicios y de menor calidad. El otro día oí a Woody Allen en una entrevista decir que en Estados Unidos la lucha de clases la había ganado la clase alta, y que pensaba que esto pasaba en todo el mundo. Así es han ganado ellos, y ahora quieren que seamos mano de obra barata y calladita, para eso necesitan una sociedad de borregos sin cultura ninguna para que les sigan votando. Y el plan les está saliendo redondo. El acoso a la cultura es absoluto. Pero también a la educación, a la ciencia… A todo lo que nos haga evolucionar, mientras subvencionan la venta de coches o aumentan el presupuesto en defensa.
En fin, creo que la subida del IVA es solo una parte del plan.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Pues he visto, últimamente, tres obras maravillosas. La última el Macbeth de José Martret, con apertura de nuevo espacio, «La pensión de la pulgas», nadie en Madrid debería perdérselo. Otra es «Dos Ninas para un Chejov» que este mes seguirá en «La casa de la portera» los jueves y viernes a las 20h un trabajo de actrices realmente espectacular y auténtico y por último vi a Alberto San Juan en el Alfil con «Retrato de un joven capitalista» ahora este maravilloso e imprescindible monólogo se puede ver en el recién inaugurado «Teatro del barrio» que se ubica en la antigua Sala Triángulo en Lavapies, un espacio que creo que va a ser el centro de aprendizaje y creatividad más interesante que se ha puesto en marcha en Madrid en los últimos tiempos, animo a la gente a entrar en su página web teatrodelbarrio.com porque todo lo que están haciendo merece la pena, además tienes la posibilidad de participar en el proyecto.
¿Proyectos?…
Lo primero seguir con «La vida en blanco» a ver si el público nos sigue acompañando y puede seguir creciendo.
Estoy pendiente de un proyecto en televisión, que espero salga adelante, y poder contarlo prontito.
Y por otra parte el proyecto personal mas potente, que es montar compañía, en ello estamos, para seguir creando proyectos en los que poder dar nuestro punto de vista del mundo en que vivimos y las consecuencias que tiene vivir en él.
Teatro para un nuevo milenio
Hubo un tiempo, en la Edad Media, que tanto se parece a esta época, en la que el teatro fue expulsado de sus lugares de representación porque el poder ocupó el púlpito, no para dar libertad a la mente de los espectadores si no para aprisionar sus conciencias con el terror del pecado y el mal. Pero, en ese tiempo, los cómicos, siempre hábiles y estrategas buscaron otro espacio de representación y pisaron las calles y plazas, buscando la complicidad y el diálogo con el pueblo. Hoy vivimos una época en la que el teatro ha pasado a ocupar el lugar de la representación mediática, cercana a los parques temáticos. Pocos espacios públicos siguen respetando las reglas de lo que siempre fue el teatro, un espacio vivo en el que hablar de tú a tú entre la ficción y la realidad. Recortes económicos y privación de expresión nos asaltan día a día en los medios de comunicación…¿Son las leyes de esta época incierta?…¿No haremos nada por salir de ese callejón sin salida donde nos están acorralando?. El teatro no morirá nunca porque se reinventa en cada época, porque es necesario, porque tiene que ver con los ancestros del ser humano, con su origen tribal. Y si nos expulsan del paraíso, nos iremos al infierno. Y si no nos dejan los templos teatrales, nos iremos a las cuevas o a las pensiones…o a cualquier rincón donde pueda seguir existiendo lo que solo nos da la catarsis real, la escena viva, el latido de los actores frente a nuestra mirada. Para estos tiempos es necesario la complicidad y la lucha codo a codo, algo que se han encargado durante mucho tiempo de hacer desaparecer de nuestra manera de relacionarnos en la sociedad de hoy: Es preferible un pueblo tonto que educado, un pueblo bruto que sensible; se le maneja mejor si no piensa ni siente. Hace un par de años, dos locos se embarcaron en una aventura teatral distinta: La casa de la portera, huyendo de las modas y los efectismos y tal vez, por esa manera de plantearse un teatro desde la necesidad y la coherencia, su empeño funcionó. Durante estos dos años hemos disfrutado en muchas ocasiones de lo que allí se presentó y estaba claro que, tarde o temprano, la aventura crecería. Ayer presentaron su nuevo sueño: La pensión de las pulgas y los que tuvimos ocasión de disfrutar de este evento pudimos ver cómo han trabajado duro por seguir fieles a una idea. Y funcionará muy bien de nuevo, porque hay muchos elementos en juego… una versión libre e inteligente de Macbeth de Shakespeare realizada por José Martret y que ha dirigido con buen pulso en un espacio cuidado hasta el máximo detalle por Alberto Puraenvidia que aquí, llega a cotas muy altas como dirección de arte, llenando de detalles los espacios por los que el espectador transita por un laberinto donde la belleza y contundencia están al servicio de la obra. Y qué decir de los actores, esos seres valientes que muestran sus contradicciones humanas a un palmo del público…Pues que se confirma esa máxima de que el teatro existe cuando un actor se pone frente al público, lo demás sobra. Cuando vivimos un momento en el que las opciones culturales son los parques temáticos, los sex-shops o los pasajes del terror donde solo empujan nuestra sensibilidad al precipicio de la ignorancia, hay que dar las gracias y apoyar iniciativas como La pensión de las pulgas y este MBIG al que auguro larga temporada en escena. Aviso a los cómicos: Si nos excluyen del espacio cultural al que tenemos derecho, escapemos a las montañas o las pensiones y hagamos teatro de guerrilla.
Adolfo Simón
Fernando Sánchez Cabezudo nos habla del proyecto KUBIK FABRIK
¿Cómo surgió el proyecto de KUBIK FABRIK?…
En 2010 encontré en pleno corazón de Usera una nave industrial como sede de nuestra compañía Kubik, un espacio destinado a la creación de nuevos proyectos. Poco a poco el proyecto fue creciendo abriendo sus puertas a otros creadores. Siguiendo el pulso de otras ciudades europeas como París, Londres o Berlín donde los barrios industriales de la periferia empiezán a ser referentes culturales de nuevos creadores, el proyecto kubik se instala definitivamente en este popular barrio apostando por un proyecto de gestión cultural y social viable
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos programados en este espacio?…
Son muchos los proyectos que han pasado por Kubik. Lo más importante a la hora de programar es apostar por propuestas emergentes y nuevas dramaturgias de mucha calidad. Son muchos los artistas con buenos proyectos que no tienen un espacio para terminar sus creaciones y donde sentirse inspirados. Por eso Kubik es más que un espacio de exhibición, es una verdadera fábrica de creación. En este sentido la idea a la hora de elegir proyectos es valorar el proceso de creación y ayudar a que lleguen a buen puerto.
¿Qué equipo conforma este proyecto a nivel producción y gestión?…
De base somos un equipo muy reducido pero el compromiso con el proyecto nos hace muy fuertes. Como fundador me encargo de la dirección del proyecto y mi mano derecha en producción es Fabian Ojeda que se unió desde el inicio y que se ha convertido en una parte fundamental del engranaje. Recientemente se ha unido al equipo Ana Sánchez de la Morena que coordina conmigo todo la parte de proyectos y públicos. Otro pilar importante del equipo es Fiama Bolaños que lleva toda la parte administrativa de la sala y apoya en las labores de producción. En prensa tenemos el lujo de contar con la colaboración de Maria Díaz y finalmente Juan Garcia Calvo se encarga del proyecto de kubik en internet.
¿Habrá talleres y actividades extras en el espacio?…
Desde el principio Kubik puso en marcha una escuela de iniciación al teatro apostando por la creación de nuevos públicos. Desde el punto de vista profesional y a lo largo de la temporada colaboramos con varios centros de formación para traer a grandes maestros internacionales y ofrecer monograficos de teatro, danza o circo. La próxima temporada tenemos grandes sorpresas preparadas desde varias partes del mundo…seguro que os van a interesar…
¿Hay colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de gestión y creación?…
Las colaboraciones son la clave de nuestra resistencia. Son muchos los que ponen su granito de arena para sacar adelante Kubik. Por eso es fundamental que el proyecto enamore. Yo siempre digo que cualquier compañía que viene programada a kubik es un colaborador artístico, es evidente que sin la calidad de sus creaciones kubik no tendría la identidad que tiene ahora.
pero son muchos los profesionales y amigos que estan siempre que se les necesita y son parte de la familia como Ana Cerdeiriña, Diego Santos, Esther D ‘ Andrea, Ines Enciso, Raúl Baena, Jaime Nin, José Cobrana y muchos más que entienden el proyecto como algo necesario.
¿Van a producirse espectáculos o solo se va a programar?…
Desde 2004 Kubik ha producido una docena de espectáculos. Una vez abierta la sala, ha seguido produciendo. El año pasado cerramos la trilogía del hombre moderno con la pieza «Büro», el primer infantíl: una versión Muppets basada en la segunda pieza de la trilogía «el gran atasco» con el título «Los viajes de Maya y Gallardo» y coproducimos con el Teatro de la Abadía «Mundos posibles» de Jhon Mighton. La próxima temporada produciremos nuestro siguiente espectáculo basado en las ciudades invisibles de Italo Calvino en coproducción con un teatro de Méjico y participaremos en otros proyectos cercanos a la compañía.
¿Hay una línea ética y estética prevista para la programación o habrá diferentes tipos de teatro programado?…
Las compañías que vienen a nuestra sala comparten siempre la misma visión por el teatro, circo o danza: compromiso, respeto y amor por las artes escénicas. Sin esas convicciones que compartimos no sería posible poner en pie una programación de calidad en pleno desierto cultural de Madrid. Las compañias que vienen apuestan y apoyan la manera de hacer que tenemos en Kubik y una vez entran por la puerta son parte del equipo de la sala porque estan en su casa. En la programación esta sintonía esta presente por la calidad de la propuestas, quién viene como público a Kubik sabe que va a encontrar algo de calidad y no sólo eso, también va a poder interactuar con los creadores en los coloquios y actividades abiertas.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Yes we can!!!! Llevamos dos años demostrandolo, apostando por la creación de nuevos públicos, trayendo de vuelta el teatro al barrio…Cuando empezamos muy pocos apostaban por un proyecto de calidad fuera del centro de Madrid, por un espacio que no piense solo en las taquillas. Sin duda todo esto es posible gracias a tantas y tantas horas de trabajo y sacrificio de todos los profesionales que han pasado por aquí. Ahora más que nunca dependemos de nosotros mismos y el objetivo de kubik es apoyar a todos los soñadores que como nosotros luchan por su proyecto…Son tiempos para los soñadores!!!!
¿Qué fórmulas pondréis en marcha para crear el público de KUBIK FABRIK?
Cada vez hay más público que mira hacia las salas alternativas buscando algo más. Desde Kubik intentamos ofrecer una experiencia más allá de la exhibición. La idea es que el público pueda participar desde el principio de los procesos de trabajo de los creadores con iniciativas como croquis, los coloquios después de las funciones o el canal tv de kubik donde se pueden ver una infinidad de entrevistas y comentarios de todo lo que rodea la obra que esta cada semana. Por otro lado, nuestro objetivo es fidelizar poco a poco a los nuevos públicos y al barrio. Tenemos en marcha varios proyectos con las asociaciones de vecinos, institutos y otras instituciones del barrio. Participamos activamente de las actividades vecinales e intentamos involucrarles en nuestras actividades culturales. Hace dos años kubik apenas llegaba a un 10% de ocupación vecinal, ahora la ocupación de público del barrio es del 60 %. Esto para nosotros es un logro y demuestra que vamos por buen camino.
¿Qué proyectos tenéis previstos?…
Nuestro proyecto estrella es Croquis que nos define como fábrica de creación. Conjuntamente con Juan Ayala llevamos un año poniendo en marcha los ciclos de Croquis en el que cada tres meses durante dos noches seguidas se presentan ocho trabajos de 20 min en estado embrionario, en pleno proceso creativo. El público participa con sus opiniones pudiendo cambiar el rumbo de la creación. El mejor croquis tiene derecho a una residencia Kubik y poder estrenar en la sala. A nivel internacional estamos cerrando una red con varios teatros en Méjico, Argentina y Portugal. Buscamos intercambiar proyectos con estos teatros con caracteristicas similares a Kubik y aprender conjuntamente de nuestras experiencias.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a las salas de teatro?…
Indudablemente. El daño ya esta hecho. Es un momento muy oscuro para la cultura. Hay que luchar por un IVA super reducido al 4% .
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
En méjico disfrute de «Mendoza» una adaptación de Macbeth escrita por Antonio Zuñiga, un dramaturgo genial y con mucha fuerza. Seguramente podremos disfrutar de este espectáculo en Kubik la próxima temporada.
Macbeth de Giuseppe Verdi en el Teatro Real
Siempre que se da vida a Macbeth en un escenario se le suele dibujar como a un ser anodino que se tropieza con la posibilidad de acceder al poder, surgiendo de este modo el monstruo ambicioso y torpe que todos llevamos dentro. En esta nueva producción del Teatro Real, dirigida escénicamente por Dmitri Tcherniakov, aparece un nuevo aspecto de la personalidad de este personaje…Aquí, se le muestra como un juguete en manos del poder de una sociedad adocenada que necesita un títere para desbancar al tirano que les ha oprimido, convirtiendoles en clones que viven en un mundo de frios recortables. Cuando Macbeth destruye el poder establecido y se instala en la comodidad de un espacio íntimo y acogedor que podría haber soñado el pintor Hooper…La bestia de la masa decide que ya no quiere este juguete y que otro ha de ocupar su lugar. Así, Macbeth acaba siendo victima de su misma trampa…el que a hiero mata… La propuesta es muy novedosa, a través de un audiovisual, dirigen nuestra mirada, a vista de pájaro, hasta el lugar donde la masa se pone de acuerdo contra Macbeth y tras otro recorrido visual, aterrizamos en la íntimidad donde disfruta y sufre el protagonista su ascenso y caída del poder. Un plantel de lujo de cantantes-actores arropados de un coro espléndido…y acariciados o arañados por la genial música de Verdi que, en esta ocasión, dirigió con mano firme el maestro Teodor Currentzis, convierten este drama de otra época en un reflejo de nuestra realidad actual.
Adolfo Simón
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
¿Cuál ha sido tu formación como dramaturgo?…
Yo provengo del mundo del teatro amateur, durante más de diez años, de adolescente, estuve en un grupo de teatro amateur en el Centro de los Lluïsos del barrio de Gracia en Barcelona. Esa fue mi verdadera escuela teatral, al tiempo que sacaba las carreras de periodismo y traducción. De ahí pasé a los talleres de dramaturgia de la Sala Beckett, donde me formé y descubrí que mis años de amateur habían dejado mella en mí, y que sin darme cuenta me había convertido en dramaturgo. Empecé a escribir a partir de hacer traducciones de Mamet, Pinter, Williams y Shaw para mi grupo de teatro amateur… Traduciendo a los maestros encontré mi voz. Como provengo de la traducción, es por eso que muchos de mis trabajos como dramaturgo son versiones o reformulaciones de textos ya existentes.
¿Qué texto propios has escrito?¿Sobre qué temáticas?…
Mi relación con el teatro es muy ecléctica. Cada nueva obra que escribo toma formas diferentes. En mi haber, tengo desde comedias pensadas para un público popular, como obras más formalistas o cultas. Mis obras de teatro más serias siempre parten de un impulso lingüístico, de un ejercicio de búsqueda de la voz y el lenguaje de una serie de personajes, así nacieron obras mías como SURABAYA, CAR WASH o VITTORIA… Por otro lado también me gusta recrear personajes no ficticios en escena, así escribí Copi y Ocaña en el Purgatorio o Rive Gauche, centrada en los personajes de Sylvia Beach y Adrienne Monnier…
¿Cuándo comienza tu relación dramatúrgica con Calixto Bieito?…
Mi relación con Calixto empieza cuando en 2006 quedé finalista al premio de la Fundación Romea con mi texto Surabaya. Él lo apoyó hasta las últimas consecuencias, y pesar de que fui sólo finalista quiso incluir el texto en la programación de su teatro ese año. Tiempo después necesitaba alguien que realizara la dramaturgia de Plataforma de Houllebecq… y yo fui el escogido. Esa experiencia fue extrema, mi primera mili con él, trabajando con sus métodos de creación a partir del caos y la intuición… Ahí aprendí cuáles eran sus obsesiones y cómo ponerme al servicio de ellas sin dejar de lado mis propios impulsos creativos. La experiencia salió fabulosamente bien. Y desde entonces he trabajado con él en ocho proyectos diferentes… en una lógica del «más difícil todavía»… Calixto te plantea retos aparentemente irresolubles… te pide milagros y eso hace que como dramaturgo estés muy activo. Mi trabajo con él es sobre todo en la sala de ensayo respondiendo a las pulsiones creativas que pasan en la habitación. Muy a menudo no empezamos con un texto cerrado. Mi trabajo de preparación de cada proyecto es eso: Preparar durante un largo periodo de tiempo materiales de todo tipo, para poder responder en vivo y en directo a lo impredecible de las cosas que pasan en la sala de ensayo.
¿En qué medida ha influido en tu trabajo como dramaturgo el tipo de procesos como los que has realizado con Calixto?…
Calixto entiende el trabajo de dramaturgia y puesta en escena desde un punto de vista muy musical y espectacular. Y para mí acoplarme a esa visión es muy cómodo, porque mi cabeza funciona de manera similar. Es decir, que en mi relación con Calixto he aprendido a no tener miedo y en creer en los retos imposibles. Y por ahora llevo una mili con él, trabajando en sitios tan diversos como Freiburg, Chicago, Mannheim, Copenhaguen, Birmingham… aprendiendo de equipos artísticos y maneras de entender la profesión tan diferentes… A cada nuevo teatro donde aterrizamos tienes que enfrentarte a una tradición actoral y dramática diferente… a unos hábitos de creación y producción también diferentes… Y eso es muy enriquecedor. Y sí, inevitablemente acaba influenciando en tu manera de enfrentarte a tus propias obras.
¿Qué evolución se ha dado en esos trabajos dramatúrgicos con Calixto?¿Qué balance haces?…
Con Calixto estamos haciendo un viaje muy interesante de experimentación de nuevas formas, donde prima la poética teatral y espectacular, en detrimento de conceptos del teatro clásico, como la trama y el personaje… En los últimos espectáculos estamos intentando hacer espectáculos huyendo de las formas más anquilosadas del teatro, las que dicta el mundo de la trama, para crear espectáculos poéticamente más abiertos, donde lo visual, lo musical, lo lingüístico está más presente que las lógicas coartantes del causa y efecto y el teatro psicologista… Las raíces de este teatro estarían en la lógica del sueño y en las herramientas de libre asociación de imágenes típicas del surrealismo… En este sentido, Calixto siempre bebe de Lorca, Dalí, Buñuel, y del juego de espejos deformantes valle-inclanesco…
¿Has trabajado con otros directores de forma parecida?…
Con cada director con el que trabajo es un mundo diferente. Cada viaje es diferente. Mi trabajo con Andrés Lima en el festín que era Falstaff fue un viaje igualmente alucinante pero de otro tipo. Cada director tiene su estilo y sus obsesiones, y por eso mismo, sus alicientes, diferentes. En la sala de ensayo de Falstaff también me lo pasé en grande!. Así como con las locuras que hemos hecho con Rafel Duran en Mort de dama o Rive Gauhe. Lo que me gusta es que por ahora con todos los directores que he trabajado han dejado que mi yo dramaturgo esté ahí.
¿Cómo surgió el proyecto de Forests?¿Qué premisas te estableció Calixto?…¿Cómo es la relación dramatúrgica durante el proceso?…
El proyecto de Forests nace como un homenaje a la obra completa de Shakespeare a partir del leitmotiv del bosque, y por extensión de la naturaleza. El proceso de preparación requirió una lectura atenta de la obra completa del bardo, buscando esos momentos donde el tema del bosque en relación a la naturaleza humana estaba más presente. Sabía que Calixto quería hacer un collage poético desatado de lógica psicologista… Al contrario, la lógica ordenadora era temática. Así empezamos con unas primeras intuiciones de estructura. Había un primer esqueleto basado en las partes de la Divina comedia: El Paraíso (correspondiente al bosque de Arden), El Purgatorio (inspirado en los bosques nocturnos de Tito Andrónico y el Sueño de una noche de verano, así como en el bosque en guerra de Macbeth y las crónicas históricas) y El Infierno (inspirado en los paisajes yermos de los actos finales del Rey Lear y Timón de Atenas). Había una segunda estructura solapada a la primera y correspondía a las siete edades de la vida que Jaques describe en su famoso monólogo «All the world’s a stage» de Cómo gustéis.
¿Cómo se fue conformando el «collage» textual final?…¿En qué medida influyó el trabajo de los actores o del equipo artístico para la dramaturgia final?…
Nosotros llegamos a la sala de ensayo con una primera propuesta textual que se fue transformando, repensando con el trabajo intuitivo de los actores. En la dramaturgia habíamos borrado todas las referencias a personajes y tramas y habíamos dejado la palabra… cada actor tenía en su haber fragmentos extraídos de personajes diferentes. Un mismo actor podía decir frases de Yago, Rosalinda, Juana de Arco, Lear, Ofelia y Macbeth… El trabajo de cada uno de ellos era crear un hilo, un nuevo personaje a partir de todos esos retazos… Y fue mágico ver como del caos textual nacía una lógica espectacular, encontrada de forma orgánica por los cuerpos y la intuición de los actores en la sala de ensayo.
¿Ha evolucionado el texto o la dramaturgia durante las funciones?…
Calixto marca un viaje muy estricto a sus actores en el paisaje que ha marcado con la escenógrafa Rebecca Ringst… pero al mismo tiempo ese viaje está lleno de una gran libertad creativa. La misma libertad que los actores han vivido en la sala de ensayo sigue presente en las funciones… de manera que el espectáculo sigue su camino, y los actores redescubren nuevos caminos dentro del diseño marcado por Calixto. Las funciones, así, se vuelven inagotables, llenas de frescura creativa.
¿Tienes proyectos propios o con otros directores en perspectiva?…
En estos momentos, tengo diferentes proyectos en cartera que todavía no puedo anunciar, tanto con Calixto como con otros directores del país. Lo que sí que puedo anunciar es el montaje que ahora estoy dirigiendo en el Teatre Nacional de Catalunya. Se trata de mi último texto, un musical para niños, llamado «La dona vinguda del futur», con música de Guille Milkyway de La Casa Azul… Esto es una muestra más de mi eclecticismo…Tanto puedo estar detrás de un infantil para niños, como de una obra eminentemente comercial como Las chicas del calendario que se podrá ver en los Teatros del Canal, como estoy detrás del equipo del Festival de Ópera de Bolsillo y Nuevas Creaciones, apoyando la creación de ópera contemporánea… como estoy haciendo una dramaturgia de alto compromiso y riesgo artístico con Calixto.
¿Has visto algún montaje de teatro que te haya interesado últimamente?¿Por qué?…
Sé de un lugar de Iván Morales, una humilde producción nacida en salas alternativas en Barcelona que ha sido una bocanada de aire fresco… Empezó en pequeñas salas como la Caldera y La Seca… pero ha acabado haciendo temporada en sesiones golfas en el mismísimo Teatro Romea. Y creo que ya están pensando su paso por Madrid.
¿Crees que afectará al teatro la subida del I.V.A.?.
No sé cómo está el panorama en Madrid. Lo único que sé es que en Barcelona la situación es desoladora. Los teatros están vacíos. Se ven claramente las intenciones de ahogar el sector por parte de los que han tomado la decisión. Están haciendo mucho daño a la profesión. Mucho. Tardaremos mucho tiempo en recuperarnos, creo. Pero no podrán con nosotros.
Que Revienten los Artistas 
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