Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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«Sobre la juventud» en Teatro Lagrada

Dentro del ciclo «Miradas al cuerpo» podemos encontrar piezas frescas, originales y potentes como esta propuesta del coreógrafo Alberto Alonso en la que se muestra esa faceta tan difícil que es la pubertad, los sueños de futuro y las vivencias con los amigos. el concepto de grupo se construye a través de ritmos frenéticos, de asimilaciones en la coreografía y de improvisación a través de los mejores recuerdos del público asistente sobre su juventud. Si quieren rememorar lo que sus hormonas les producían en aquellos años pasen por Lagrada.

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Leche y picón de Tras el trapo Teatro en Lagrada

La oscura y solitaria cámara de un recoleto hospital para enfermas mentales es el escenario de “Leche y picón”. Un personaje quijotesco, Margarita, víctima de un atracón de ideales protofeministas y liberales, es visitada por los fantasmas de su pasado. Estas máscaras de carnaval le harán revivir, al tosco compás de los tambores, acontecimientos ajados y deformados por su desatinada imaginación. Hay teatro amable y teatro combativo…Teatro sin poética singular y obras que dejan huella en nuestro imaginario. «Leche y picón» tiene los ingredientes necesarios para que el público inquieto de cualquier lugar acuda para disfrutar de su propuesta, no es una historia banal, no está contada de forma convencional…Tiene la esencia del teatro como rito verbal y plástico. Una propuesta escénica sencilla y esencial donde dos actrices, Ana Oliva, María Duarte, juegan de manera comprometida al rito ancestral de la máscara, a todo ello, ayuda Gaspar Campuzano dirigiendo con maestría este juguete enloquecido.
Adolfo Simónmodule_big_big_leche_y_picon


GASPAR CAMPUZANO: «Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual»

campu¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En el 1978. En aquel año, Paco, Juan Sánchez y yo, fundamos la Zaranda en Jerez.

¿Qué es el teatro para ti? ¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es una forma de entender la vida. Hago teatro porque para mí es una necesidad espiritual.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El teatro me ha dado mucho más de lo que yo podía esperar. Hay que entregarse sin concesiones, hay que darlo todo al teatro sin esperar nada a cambio.campu1

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
El teatro debe ser el espejo de nuestra sociedad, para poder mirarnos por dentro y aprender de nuestros errores.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
He dirigido un espectáculo a la compañía Jerez Puro de la bailaora María del Mar Moreno, “Soníos Negros”, que clausuró el Festival de Flamenco de Jerez de la Frontera con muy buenas críticas. Este espectáculo rinde tributo a la figura de Manuel Torre, uno de los más legendarios cantaores jondos de todos los tiempos, y cuenta en su elenco con figuras de la talla de Manuel y Antonio Malena, El Tolo, etc.
Además de este proyecto he dirigido dos espectáculos, recientemente estrenados, a la compañía Tras el Trapo Teatro: “Radio Becker” y “El tren Chimeneo”. El primero es una parodia de la España de los años 50 a través de las emisiones radiofónicas de aquella época. “El tren Chimeneo” plantea un viaje por el mundo y los personajes de la escritora Gloria Fuertes. Estoy muy satisfecho con los dos.

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¿Cómo surgió tu participación en el espectáculo que está programado en Lagrada?… Háblanos de este trabajo… ¿Cómo ha sido el proceso?…
Ana Oliva y María Duarte, las actrices del espectáculo “Leche y picón”, habían trabajado con Zaranda en “Homenaje a los malditos”. En una ocasión me comentaron que tenían un texto que parecía interesante pero que necesitaban a alguien que les ayudara con la dirección. Fui a los ensayos sin saber qué me iba a encontrar y al final terminé dirigiéndoles el trabajo.
Lo que más me llamó la atención del texto original es que parece que son dos fantasmas los que hablan desde el siglo XIX y lo que se está diciendo tiene tanta vigencia hoy día, que podría leerse en cualquier periódico. Muy poco ha cambiado esta España por mucho que nos intenten convencer de lo contrario.
En el proceso de creación le planteé a Javier Padilla, el encargado de la dramaturgia, que eliminara algunas partes demasiado literarias y se pusiera a escribir en otras en base a las acciones que se estaban desarrollando sobre las tablas. De ese modo la creación fue un proceso orgánico en el que actrices, dramaturgo y director íbamos poco a poco dando forma al trabajo.

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¿Cómo creas tus personajes?… ¿Tienes un método?… ¿Cómo enfocas la dirección de escena cuando trabajas fuera de La Zaranda?…
Es una pregunta bastante difícil… Generalmente los personajes de Zaranda se van creando desde el silencio, buscando esa pequeña luz interior que haga que se iluminen. Método no, no tengo. Cada espectáculo es como la vida, viene de una manera diferente en cada ocasión. Es como la vida misma, difícil de explicar.

¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Bastante mal. Si trabajo llamas al número de funciones; bastante mal, ya que tanto para nosotros como para el resto de las compañías han decrecido de manera alarmante.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
“La Máquina Idiota” de Ricardo Bartis. La vimos en Buenos Aires, en su mismo local de ensayos, y fue un impacto en todos los sentidos.

¿Proyectos?…
Actualmente el próximo trabajo con Zaranda.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Perseverar, tener fe.

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La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada

La especie dominante de Agustín Iglesias en Lagrada Teatro de Madrid nos plantea una reflexión sobre el declive de una especie que, a pesar de hacer creer que ha evolucionado, tiene un funcionamiento social mucho más pobre y mediocre que muchas de las especies que realmente han sobrevivido a lo largo del tiempo. Con un juego paralelo en escena donde, en una pantalla observamos pequeñas piezas de documental con animales y animaciones que muestran el sistema tribal de los animales, se completa con un plano actoral delante de estas imágenes que muestran la desigualdad entre especies y como, el ser humano, se extinguirá inevitablemente porque no será capaz de mantener el equilibrio. Un ejercicio sugerente de poética y reflexión.
Adolfo Simónrefle


Teatro terminal

La muerte siempre ha sido un tema muy sugerente a la hora de crear ficción, la muerte o sus alrededores. Estos días se han representado dos piezas ácidas y curiosas sobre ese momento previo al camino de luz o cuando ya se habitan las tinieblas.
En «Páncreas» de Patxo Tellería, presentada en el CDN, asistimos a un ritual de aire inglés y en verso en el que tres personajes juegan a una ruleta rusa imaginaria, proponiendo un desenlace terrible en función de quién aprovecha mejor lo que tiene el otro y que no valora en vida, en el fondo hay una crítica desalmada a una sociedad que consume y trafica con todo.
En Lagrada, la Compañía Hongaresa ha presentado “Serenata para un país sin serenos” de Lluisa Cunillé y Paco Zarzoso, un tándem muy fructífero que escribe a cuatro manos que genera textos muy sugerentes en los que mezclan la realidad con la ficción a partes iguales. Aquí nos sumergen en una Fedra contemporánea muy inquietante que dialoga con el sonido de un violonchelo en el tanatorio donde vela la muerte del marido junto a su hijastro…Dramaturgia esencial y transgresora.
Adolfo Simónserenata_hongaresa


Los zuecos van hacia sus buenos hábitos» de la Cia. Nómada en Miradas al cuerpo en Lagrada

Que aparezca el nombre de Daniel Abreu en el programa de mano que acompaña a un espectáculo de danza es una garantía de que el trabajo mostrado será profesional y sin fisuras. Durante toda su trayectoria como intérprete y coreógrafo nos ha deleitado con piezas inquietantes, llenas de momentos inolvidables, sus colaboraciones con otros creadores no son habituales pero en esta ocasión, junto a Roberto Torres, han creado una pieza cuyo título ya es una declaración de principios: Los zuecos van hacia buenos hábitos. En ella, un hombre transita por un espacio duro que acota sus movimientos para terminar sumergido en un lugar más natural y cálido. De este viaje llega a un tercer espacio, este emocional, donde sus experiencias le ha hecho crecer y enfrentarse a sus propios límites.
Adolfo Simónzuecos


Elektra de la Cia. Cant del Cigne en Lagrada

No dejaré de insistir en la necesidad de revisar las obras clásicas y a veces, perderles el respeto, algo muy sano en el mundo de la creación, pero tampoco dejaré de decir que cuando uno realiza una lectura personal sobre un texto, aunque esté el actor en escena con el libro que contiene la obra, ha de dejar constancia de que el autor original se ha quedado aparcado en algún lugar y que la versión y lectura escénica no tiene nada que ver con lo que plantea el original. Por eso, no nombro en esta nota al autor de Electra si no que dejo, al equipo artístico de esta compañía, la responsabilidad del resultado de su planteamiento. Evidentemente no sabemos cómo se haría en Grecia el teatro, solo podemos especular, aquí no se especula si no que se hace una escenificación absolutamente libre, con lo que esto puede suponer.
Adolfo Simón

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“MALENTENDIDO Rousseau” de David Alarcón en Lagrada

Un puede creer que el pensamiento social del XVIII apenas tiene relación con la actualidad y aun menos con el teatro de nuestros días. La propuesta de esta compañía valenciana se encarga de desmentirlo. Efectos sonoros en directo, música y ruidos sacados de la realidad se entretejen con la voz de los actores y un espacio fraccionado para adentrarnos en momentos íntimos y sociales de la vida de Rousseau. Una selección de fragmentos originales del pensador y músico francés, junto con algunas alusiones a la realidad social actual, forman la base textual de esta pieza. Pero es a través de un excelente trabajo actoral en torno a la musicalidad de la palabra y su interrelación con el espacio sonoro donde esos fragmentos de textos adquieren sentido. La sonoridad de la palabra a veces se impone al entorno sonoro; otras su expresividad es casi apagada por el mismo y somos sólo testigos del gesto y la acción del actor. Pero la palabra – y el espacio – también puede ser proyectada, escrita, vista. Es entonces cuando la escena adquiere una especie de silencio quebrado por algunas soflamas grabadas, sobre un papel o una pista sonora, y que apelan directamente al espectador. A esa voz que suena y se expresa en el interior y calla ante, o es callada por, nuestro actual entorno.
Juan Antonio Marigil

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“María La Jabalina” en Lagrada

“María La Jabalina” escrita y dirigida por Lola López es un proyecto de La Hongaresa creado a partir de la vida de la miliciana anarquista María “La Jabalina”, nacida en Puerto de Sagunto y última mujer fusilada por el franquismo. Los documentos y testimonios históricos permiten rastrear su vida, desvelándose un periplo vital propio de los personajes trágicos. Lola López ha conseguido crear una propuesta de teatro documento en el que se cruza su periplo personal con la historia de este singular personaje. Un espectáculo íntimo y sencillo que conmueve y conciencia.
Adolfo Simónjabalina


Lola López: El teatro ha de ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…

lopez¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Mis inicios en el teatro fueron con mi madre que me recitaba sus monólogos de «Morena Clara» y otros que ella interpretó en su juventud en su aldea natal fronteriza (mitad Almeria, mitad Murcia) y que me despertó el amor por la palabra teatral que enciende y anima…, luego teatro en la adolescencia…
Profesionalmente me forme en la ESAD Valencia, a finales de los 80, eran momentos de ebullición teatral, cuando venían el Odin, Victoria Santacruz, el Roy Hart… y muchos creadores que entonces pasaban a impartir sus enseñanzas por Valencia, luego en Londres en la LAMDA (LONDON ACADEMY OF MUSIC AND DRAMATIC ART), allí colaboré con directores como Laurence Boswell, en la temporada de siglo de Oro Español en el Notting Hill Gate Theatre,…
Si, además de la actuación, realicé trabajos de dirección y autoría. Al regresar a España en 1994, Paco Zarzoso me propuso que dirigiera su obra «Un hombre otro hombre», que estrenamos en 1995 en lo que entonces era el Espai Moma de Valencia y al mismo tiempo cree la Compañía «Cae la sombra» en Barcelona con L. Lambert y estrenamos «Libración» de LL. Cunillé con dirección de X. Albertí, en la Sala Beckett de Barcelona auspiciadas por J.S. Sinisterra y con la que obtuvimos los premios de la Critica al texto, dirección y actrices…;
otras direcciones mias son: «Ruanda, la caricia de dios» de F Zanni y P. de Vita, «Ilusionistas», «Hungaros», «Salón Primavera», «Maria la Jabalina»…
Como autora, los textos son: «Alamar», «Isola», «Ecosmudos», «María la Jabalina», «Patos salvajes».

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es un lugar en el que los seres humanos van a escucharse, emocionarse, reírse, llorar, sentir, reflexionar, apasionarse… juntos, escuchándose unos a otros… hasta ahora por el tiempo de una hora o más, aunque en las últimas ‘crisis’ del teatro nos quieren hacer creer que solo podemos escucharnos unos a otros por espacio de unos minutos: microteatro, miniteatro, nanoteatro… a mi en todo lo que me da placer me sigue gustando tomarme tiempo, aunque también me encantan los relatos cortos también…, pero pocas cosas pueden superar «Rey Lear»… y dura muchos minutos…
Hago teatro porque me gusta. Me gusta compartir textos brillantes, emociones, sensaciones, reflexiones, sentimientos…

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Has realizado trabajos fuera de Hongaresa Teatre?…
Balance: afortunada de haber estudiado y trabajado en Londres con grandes creadores, de haber disfrutado con crear y mantener durante 20 años una Compañía, la Hongaresa de teatro con dos de los mejores autores dramáticos contemporáneos, P. Zarzoso, y LL. Cunillé, de trabajar con directores de los mejores, como Xavier Alberti, de haber mantenido una colaboración con salas emblemáticas como la Sala Beckett en Barcelona gracias a J.S. Sinisterra, con La 4ª Pared de Madrid, con las desaparecidas Malic de Barcelona y Canto de la Cabra en Madrid, con actrices / directoras sabias como Irene Papas, con creadoras argentinas como Leandra Rodríguez… es una larga lista compartiendo el oficio con compañeros brillantes…
He hecho trabajos fuera de Hongaresa en teatro: «Troyanas» dirección de Irene Papas y Fura dels Baus, en cine con Giovana Ribes, Rafa Montesinos y Juan Ramón Soriano, en TV. con Santiago Pomarola…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
«Patos salvajes» de los tres fundadores de Hongaresa, «María La Jabalina», «Salón Primavera» de P. Zarzoso y LL. Cunillé, «Aquel aire infinito» de LLuïsa Cunillé, premio nacional de teatro 2011, «Adeu encara» («Adios todavía») de Iaia Cardenas…; De ellos solo puedo decir que me hacen seguir disfrutando del teatro…

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¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Lagrada?…Háblanos de este trabajo…
Fue un encargo que la poeta Paca Aguirre me hizo en 2007 y para el que me dio el titulo «La inútil sabiduría de las mujeres», y al que yo le hice la contrapropuesta de hablar sobre la sabiduría de una mujer anónima desconocida y que la obra llevaría su nombre: «María La Jabalina». La estrenamos en 2008 en Albacete en un entorno organizado por la FEUP (Federación Española de las Universidades Populares) y que en 2008 hizo gira por España. En 2013 con una versión revisada la volvimos a estrenar en la Sala Ultramar en Valencia y ahora lleva ya un año en una gira que en Argentina nos ha llevado a 5 provincias Buenos Aires, Córdoba, Jujuy, Tucumán, Catamarca…
Es la historia del asesinato de una joven miliciana anarquista en 1942, 3 años después de acabada la guerra con un juicio sumarísimo falso e ignominioso.

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¿Qué tipo de documentación hiciste para llevarlo a cabo?…
Hablé con Carmen Pérez Lacruz, la hermana pequeña de María de los, que sigue viviendo en Puerto de Sagunto, con compañeros anarquistas vivos amigos de María que me regalaron libros y documentos, con su biógrafo Manuel Girona, con el pintor Jaime Giménez de Haro que ha creado un retablo sobre distintas imágenes de María, con la cineasta Giovana Ribes que junto con Damián Gonçalves presenta los documento históricos audiovisuales, con LLuis Miquel Company que reprodujo programas radiofónicos de la posguerra como «Ustedes son formidables»… y aun sigo recopilando información que me brindan durante las representaciones espectadores que me facilitan nuevos datos…

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los memorizo hasta olvidar que los he memorizado… No tengo método…

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Matando al teatro y, lo que es peor, matando al público.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«TERRENAL» de Kartun, en Buenos Aires, escrita y dirigida por él con un elenco de actores maravillosos y la mejor diseñadora de Iluminación, Leandra Rodríguez…, y el resto del equipo todos al servicio de un montaje prodigioso. Y además representado en el primer Teatro Independiente de Buenos Aires, el Teatro del Pueblo abierto en 1930 y que salía a buscar a los espectadores con una campana por la calle, que todavía se toca para iniciar la función. Porque tenía todo lo que el teatro debe tener: precisión, misterio y conciencia al servicio de la emoción del espectador y de los propios interpretes. Un relato en el que el espejo ético se pone ante el mito de Caín y Abel y se revisita, con un dios cansado y aburrido de la eterna lucha fraticida de la humanidad . Un GODOT, bajo el prisma de un inmenso autor teatral.
Aunque también en estos 2 últimos meses en Argentina vi muchos otros maravillosos montajes, autores, directores y actores brillantes: Federico Luppi en «Ojo por ojo» de Strindberg, Osmar Nuñez en «El angel de la culpa» de Marco A. de la Parra con dirección de Dora S., «La mujer del anatomista» de G. F. Chapo con Clara Diaz, actriz sevillana emigrada hace 10 años a Argentina…, acabo de regresar tras 2 meses de gira con 2 producciones de mi Compañía Hongaresa de Teatre: «Adiós todavía», en coproducción con la Sala El Extranjero y «María la Jabalina» que ha girado por 5 provincias Argentinas así que todos mis referentes inmediatos son de allí.

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¿Cómo es la realidad teatral en la Comunidad Valenciana en estos momentos?…
Destructora de todo el entramado teatral y de todo lo que se había creado desde la llegada de la Democracia. De Compañías, Empresas, Salas, actores, directores, autores, técnicos…

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¿Proyectos?…
La Compañía Hongaresa de Teatro fundada por Paco Zarzoso, Lola López y LLuïsa Cunillé cumple 20 años en 2015 y lo celebramos empezando el año con el estreno de «SERENATA PARA UN PAIS SIN SERENOS» de Paco Zarzoso y LLuïsa Cunillé, con música compuesta por José Alamá y Jesús Chapi y la actuación de los actores Angel Figols y Lola López y la violoncelista Teresa Alama que interviene con su instrumento interpretando 4 personajes como interlocutora de los dos actores. Se pre-estrena en Sagunto el 16 de enero de 2015 y en Barcelona en Teatro LA SECA el 21 de enero donde se mostrará durante dos semanas.
Hay dos proyectos más para celebrar la resistencia de 20 años, pero ya los iremos anunciando cuando se materialicen.

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Todos y uno + Nudos en Lagrada

Dentro del Festival Miradas al cuerpo que se está llevando a cabo en la sala Lagrada, esta semana hemos podidos disfrutar de dos piezas breves que, juntas, creaban el contrapunto entre lo que es la dinámica de un grupo que busca incesantemente la salida de un lugar para liberarse de la opresión del grupo y en el solo mostrado a continuación, la necesidad de deshacer la opresión que a veces construimos sobre nuestro cuerpo.
Adolfo Simón

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Maldita quietud de Descoordenadas en Lagrada

Siguiendo con el ciclo de danza que se está mostrando en Lagrada, esta semana hemos podido asistir a la propuesta del colectivo Descoordenadas, cuyo título es Maldita quietud. Una pieza sugerente del puzle que va configurándose en el espacio a partir de las situaciones de danza-teatro que se realizan sobre marcas situadas en diferentes lugares de la sala. Es como si nos animasen a continuar el viaje dando saltos de boya a boya. Una manera poética de huir de la apatía que nos tiene abducidos en estos tiempos.
Adolfo Simón

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“Ne me quitte pas” de A Ras en Lagrada

Basado en cuentos de la escritora cubana Legna Rodríguez, dos actores hacen una revisión de la memoria y el olvido, se internan en sus raíces culturales generando pulsaciones, transformá ndose en personajes que universalizan y amplían los horizontes del “padecer la diáspora”. Un trabajo donde la doble imágen y el efecto espejo corporal transita sobre variaciones de la canción Ne me quitte pas. Hay unas proyeccione sugerentes que acompañan el viaje.
Adolfo Simón

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Danza en septiembre…

Empieza la nueva de temporada de danza con tres programas fantásticos en…

LAGRADA: Miradas al cuerpo
http://www.fcnc.es
Más info en: http://www.teatrolagrada.com

CUARTA PARED: Territorio Danza
Más info en: http://www.cuartapared.es

SALA MIRADOR: Un cuerpo mil danzas
Más info en: http://www.fcnc.es

territorio


A lo Panenka de Rafael Ponce en Lagrada

-¿Cómo quiere que le corte el pelo?…
-En silencio.
De estas perlas hay bastantes en el último trabajo de Rafael Ponce titulado A lo Panenka. Ponce estalla el espejo de sí mismo en varios trozos donde se ve reflejado… La fragilidad del adolescente, la violencia verbal de la joven, etc…Y a través de ellos, de juegos y paradojas nos sitúa en una mirada absurda sobre la realidad que nos rodea pero también en la realidad que silenciamos. Hacía tiempo que no aterrizaba Ponce y su peculiar mundo en los escenarios, se le echaba de menos.
Adolfo Simón

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Historias para un desván de Teatro Urgente en Lagrada

Los desvanes son sitios propicios para contar historias y los títeres de cachiporra unos buenos interlocutores. Teatro Urgente lleva mucho tiempo dedicado al mundo de la marioneta, han realizado múltiples espectáculos, en esta ocasión, a un teatrito precioso de varios planos, llegan dos pillos para colarse en las distintas habitaciones y descubrir los secretos y personajes del lugar. Los niños asistentes rieron con los golpes y disparates de los títeres. Sigue así la interesante programación que lleva a cabo Lagrada.
Adolfo Simón

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Miradas al cuerpo en Lagrada

La Sala Lagrada presenta desde ayer el VI Festival de danza con el título de Miradas al cuerpo que durará hasta el 29 de septiembre y pasarán cinco compañías por el mismo, ayer vimos a la de Milagros Galiano y Marta Gómez (Madrid) que mostraban la coreografía en dos piezas “Live” & “Be twin”, con la sorpresa de que hacen salir de la sala al público cinco minutos después de terminar la primera pieza y al volver a la sala no ha pasado nada, le podían llamar descanso, por pronto que esto pase, la pieza duraba unos treinta minutos. Dos piezas distintas, la primera con audiovisuales, que parecen ser la marca inequívoca de lo contemporáneo, no sé por qué, y una sola bailarina y nos muestra sin palabras imágenes irónicas de lo que pasa en España con tanta corrupción y nos hace sonreír. Después las dos bailarinas nos muestran una pieza ingeniosa que recorre varias canciones y muestra el movimiento de dos personas iguales y en algunos caso mezcladas como una sola, entretenido e ingenuo me voy con la sensación de ver algo naïf.
Ángel Savín

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DER ZEIT IHRE KUNST… por Pablo Huetos

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por Pablo Huetos (compañía Teatro defondo)
Verano y crisis: dos condicionantes que hacen que el teatro florezca en Madrid de formas muy variadas. Un paseo por el panorama teatral madrileño en esta situación nos permite ver la cantidad de sinergias que se están movilizando para luchar contra la parálisis que parece querer imponer un Gobierno insensible y estrecho de miras.
Me encanta el lema de la Secesión vienesa: “Der zeit ihre kunst, der kunst ihre freiheit” (“A cada tiempo su arte, a cada arte su libertad”). Parece que la cultura y el arte lo han revisado recientemente, están despertando de un letargo producido por la comodidad de años anteriores y se están poniendo manos a la obra (valga la expresión) para generar públicos, interesar a todos los sectores de la sociedad y dar un servicio social a todo aquel que se siente perdido, ahogado o enrabietado por el crujido de nuestros huesos aplastados por la enorme rueda del sistema, parafraseando a Herman Hesse (aunque ponerse demasiado germanófilo no parece lo más adecuado en estas horas).

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La efervescencia de las artes escénicas en Madrid es, según algunos amigos argentinos, lejanamente comparable con el Buenos Aires del Corralito. El fenómeno, sin embargo, es extraordinario: se multiplican los lugares de muy diverso formato donde mostrar distintas expresiones escénicas. En los últimos meses, por ejemplo, se ha abierto La Neomudéjar de Atocha, un espacio maravilloso (antiguos almacenes de RENFE) dedicado a la videocreación, el arte y la performance que trata de paliar un inmenso vacío; se ha abierto también Nave 73 en Embajadores, donde he tenido la fortuna de trabajar con Escriba su nombre aquí frente a un público deseoso de recibir historias sobre lo que le está pasando ahora mismo; también en Embajadores acaba de abrir La Belloch; se reafirma en el panorama la Kubik Fabrik, una sala en pleno barrio de Usera levantada con muchísimo esfuerzo y disgustos y contra la aplastante burocracia que, parece, sí va a conseguir acabar con otro precioso sueño, el de Garaje Lumiere; prosperan los lugares de investigación, formación y ensayo; los microteatros (dentro de poco se abren nuevas salas en la plaza de Luna), teatros “S” (la Sala Tú, Nudo Teatro, Estudio 2…), cafeterías que ofrecen espectáculos, teatro en lugares inhabituales (como la experiencia hecha en el Hotel Intercontinental por los compañeros de Metatarso), teatros “M”, como El Sol de York que se está haciendo un estupendo hueco en el barrio de Chamberí con programación tan interesante como Muda, de Pablo Messiez, Cuando fuimos dos, de Cría Cuervos… todo ello para complementar la oferta, bien distinta, que ofrecen los teatros talla “L” y “XL”. Todo esto está enriqueciendo y dotando de densidad al tejido teatral madrileño, algo muy necesario tras los recortes y los abusos impositivos.
Ahora mismo la sensación es que hay programación para todos los tipos de público. Ahí van algunos ejemplos:

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El estreno de Maribel y la extraña familia, con dirección de Gerardo Vera, en el Teatro Infanta Isabel nos remite a los teatros de mayor capacidad. El espectáculo es una buena forma de conocer o revisitar a Mihura y tiene un reparto encabezado por una estupenda Lucía Quintana. Es un espectáculo sin pretensiones ni mensajes, una comedia entretenida para pasar una tarde de verano. Seguro que va a hacer una gira muy extensa. En ella pueden encontrar satisfacción, especialmente, aquellos espectadores que buscan un teatro conocido y sin sorpresas.
En un sentido parecido (que no igual) se estrenó en el patio del Teatro Galileo La esmeralda de Kapurtala, que continuará allí durante todo el verano como parte de la programación de Veranos de la Villa. En este caso el espectáculo tiene una propuesta basada en la comedia, la interacción con el público y el cabaret, que funciona muy bien en un ambiente distendido en el que la gente cena mientras ve el espectáculo. Es una buena ocasión, además, para conocer a parte del equipo de Teatro de Malta que ganó el Premio MAX a Mejor Espectáculo Infantil en la última edición hasta la fecha, con Alegría (palabra de Gloria Fuertes).

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También en un contexto puramente veraniego se celebra el Festival Fringe en Matadero Madrid (y en algunas salas asociadas como Lagrada o La Cervantina). Se trata de una propuesta que prima los lenguajes escénicos contemporáneos. Allí hemos visto Las amistades peligrosas, de Metatarso Producciones, un espectáculo arriesgado y redondo que espero que dé mucho de qué hablar porque está hecho con calidad, imaginación, trabajo, talento, frescura… Es ésta una propuesta de teatro a la italiana, pero también se pueden ver propuestas en espacios inhabituales (a veces inverosímiles) como el tejado, un callejón… a esto se une una actividad de mesas redondas y conciertos gratuitos que atraen a mucho público (como en el caso de María Betania) o a no tanto (en el caso de propuestas más “ambient”), pero que siempre han conseguido que haya mucha circulación de gente en la zona de Arganzuela. Por lo que nos comenta alguno de los participantes en el Fringe 13 la asistencia de público teatral también ha sido irregular: en general las compañías madrileñas han sido capaces de movilizar a mucha gente, pero varias compañías “foráneas” han visto que la promoción para dar visibilidad a sus propuestas no ha sido la más adecuada. Recordemos, en cualquier caso, que se trata de un Festival con una media de actuaciones de 8 por día, aproximadamente.
En salas de aforo mediano, como Cuarta Pared, hemos visto La fiebre, dirigida por Carlos Aladro. Es otro caso de teatro que la gente necesita ver hoy en día. Igual que en el caso de Escriba su nombre aquí, en Nave 73, o de Allí, en la Sala Nudo, el público está deseando ver en escena un reflejo, sea realista o más poético, de la tormenta de ideas, sensaciones y sentimientos que nuestras almas están experimentando en los últimos años.
Este análisis, evidentemente, se queda cortísimo, pero permite sacar una conclusión: que el teatro en Madrid, lejos de agonizar, está más vivo que nunca. Las condiciones laborales y salariales no son siempre las más adecuadas, los ingresos de taquilla han bajado en los grandes espacios y el 21% de IVA hace que las cuentas no cuadren ni comiendo arroz para desayuno, comida y cena, pero hay un gran sector de la profesión que necesita expresarse y dar voz a sus conciudadanos y que está generando nuevos ámbitos y posibilidades para que el teatro sea viable y accesible. Y hay mucha gente que se está acercando al teatro para encontrar un sentido de comunidad, un sentido de energía colectiva que, quizá, sea una de las mejores herramientas que tengamos para enfrentarnos a la bomba de succión del neoliberalismo.

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Vicent Gisbert en Fenster…en Lagrada-Escena Contemporánea

La sombra de un cuerpo puede ser la patina que provoca sobre el lienzo de la escena niveles de luz como franjas de tonos y colores. El cuerpo del performer llega a girar sobre si mismo hasta convertirse en un ser contrario que entra en otra dimensión espacial y conceptual. Fenster es un trabajo que combina la composición corporal, la plasticidad en la escena y el video arte, creando un conjunto escénico en el que la luz pinta y crea volúmenes dramáticos.
Ignacio Sánchezfenster


Algunas personas buenas de El Pont Flotant en Lagrada(Escena Contemporánea)

Siempre que se hacen secuelas de Supermán aparece con la misma juventud, parece que los héroes no pueden envejecer. Y sinembargo, ahí están los yayo flautas que tanto energía han dado al movimiento 15-M. Algún día habrá que dejar que los superheroes de los comics hagan un estriptease existencial y nos enseñen que sueños y objetivos tenían cuando eran jóvenes. El Pont Flotant nos muestra el día a día de unos teatrales viejos que esconden todavía el espíritu de antaño y lo hacen ante la mirada atónita y emocionada de dos espectadores de excepción, dos personas del público que se instalan dentro de la escena para observar esa memoria estancada. Por momentos, aflora de entre el maquillaje de viejo el actor que lo interpreta para hacernos un comentario sobre ese viaje a los paraísos perdidos. Al final, lo viejos transmutarán en héroes cargados de esperanzas; todavía no saben que el tiempo las truncará…y aún así, hay que seguir construyendo sobre las ruínas de una sociedad que se empeña en vivir de la nostalgia.
Adolfo Simón

PontFlotant

 


Uomini de Guido Tuveri en Lagrada

Uomini de Guido Tuveri de la Compañía italiana Asmed Balletto di Sardegna en Lagrada, dentro del V Festival Internacional Miradas al cuerpo.
Está muy bien reírse de la idea que tenemos del hombre en nuestra sociedad, está bien desvelar las falsas apariencias en un tiempo en el que somos lo que parecemos, está bien hablar y no contar nada porque de ese modo mostramos mucho más lo solos que estamos…Pero hay que bailar más cuando se es una compañía de danza y se forma parte de un Festival de Danza…sobre todo cuando se tiene cualidades técnicas y este grupo las tiene, pero bueno, tal vez su elección ha sido también no hacer lo que se espera de ellos.
Ignacio Ribes


Teresa, La Reina del Sur. Yeri Anarika Vargas. Plataforma Berlín Alemania. Lagrada Teatro.

«Teresa, la Reina del Sur»

V Festival Internacional de Danza «Miradas al Cuerpo»

Lagrada Teatro.

Yeri Anarika Vargas.

Basada en una historia real, aunque algunos ponen en juicio la verdadera existencia de Teresa Mendoza Chávez, la apodada «Reina del sur». Teresa es la narcotraficante mexicana más famosa de la historia que huyó de México para salvar su vida de las redes del narcotráfico y la corrupción y supo enfrentarse al mundo dominado por los hombres. Yeri Anarika, inspirada por  la obra de Arturo Pérez Reverte ha querido retratar su vida a través de unos escasos cincuenta minutos y hacerle un homenaje con esta coreografía y ha sabido sacarle todo el jugo mezclando sabiamente elementos contemporánea y música mexicana en una escena que solamente se viste de los tres elementos que rodeaban a la protagonista: la droga, el dinero y sus ansias de vivir a pesar de todo.Una dramaturgia precisa y redonda que nos transmite el ambiente que se vive en México desgarrado por la corrupción y el narcotráfico y que nos pone la piel de gallina.

El Teatro Lagrada continúa con su programa de danza contemporánea en Madrid Festival Internacional de danza «Miradas al cuerpo” que apuesta por la danza contemporánea de pequeño formato: concepto y movimiento. Propuestas arriesgadas e innovadoras que cuentan con coreógrafos que, sin apoyo económico, ofrecen una puesta en escena de gran calidad.

Luis M. García.


V FESTIVAL INTERNACIONAL DE DANZA “MIRADAS AL CUERPO 2012” en LAGRADA

V FESTIVAL INTERNACIONAL DE DANZA
“MIRADAS AL CUERPO 2012”

+ I Ciclo Internacional de Videodanza “MIRADAS ‘12”

Comienza la V Edición del Festival Internacional de Danza “MIRADAS AL CUERPO’12” que ofrece el Teatro Lagrada de Madrid del 13 de septiembre al 7 de octubre de 2012.

Miradas al Cuerpo se consolida en su quinta edición, como un festival que apuesta por la danza contemporánea de pequeño formato. Desde el año 2008, en su primera edición, se realiza una búsqueda a través de la danza eliminando las tecnologías para volver al cuerpo.
El festival ha seguido firme en sus propósitos: conseguir promocionar la danza contemporánea emergente, tanto a nivel nacional como internacional; dando su apoyo a propuestas arriesgadas y experimentales que toman como punto de partida la calidad de sus trabajos.

Susurro, grito, palabra…CUERPO, es la reflexión en la que se adentra esta edición del festival. El programa, plantea cuestiones entorno a este diálogo, a través de la voz, y su expresión.

Se plantea una metáfora inspirada en la psicología del color y las formas que desarrolló Kandinsky. Para cada uno de los términos de la temática existe un cartel que lo representa, diseñado por David Mirete y dotherightclick en cada uno de ellos, esa palabra, se traduce en una forma y un color.

La intención del festival, desde la organización artística del mismo, es ofrecer un programa integral de danza, inaugurando el “I Ciclo Internacional de VideoDanza Miradas ‘12” donde se proyectarán, antes de cada función en sala, las últimas novedades en video danza nacional e internacional.
Cada semana se presentará una selección distinta de vídeos antes de cada función en el hall del teatro, e invitaremos al público en cada estreno, a un aperitivo, cortesía de Abonavida que se ofrecerá durante la proyección.
Además también contaremos, durante todo el Festival con la Instalación Interactiva «Mechanical Breathing» de dotherightclick y la Exposición Fotografías de Danza a cargo de NOMADANS


BERNARDA´S BACKSTAGE en Lagrada

A favor…Una propuesta arriesgada a la hora de abordar un texto tan conocido por todo el mundo como es Bernarda Alba de Federico García Lorca

En contra…Algunos momentos demasiado abstractos y el final precipitado que deja perplejo al espectador.