Lola López: El teatro ha de ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
Mis inicios en el teatro fueron con mi madre que me recitaba sus monólogos de «Morena Clara» y otros que ella interpretó en su juventud en su aldea natal fronteriza (mitad Almeria, mitad Murcia) y que me despertó el amor por la palabra teatral que enciende y anima…, luego teatro en la adolescencia…
Profesionalmente me forme en la ESAD Valencia, a finales de los 80, eran momentos de ebullición teatral, cuando venían el Odin, Victoria Santacruz, el Roy Hart… y muchos creadores que entonces pasaban a impartir sus enseñanzas por Valencia, luego en Londres en la LAMDA (LONDON ACADEMY OF MUSIC AND DRAMATIC ART), allí colaboré con directores como Laurence Boswell, en la temporada de siglo de Oro Español en el Notting Hill Gate Theatre,…
Si, además de la actuación, realicé trabajos de dirección y autoría. Al regresar a España en 1994, Paco Zarzoso me propuso que dirigiera su obra «Un hombre otro hombre», que estrenamos en 1995 en lo que entonces era el Espai Moma de Valencia y al mismo tiempo cree la Compañía «Cae la sombra» en Barcelona con L. Lambert y estrenamos «Libración» de LL. Cunillé con dirección de X. Albertí, en la Sala Beckett de Barcelona auspiciadas por J.S. Sinisterra y con la que obtuvimos los premios de la Critica al texto, dirección y actrices…;
otras direcciones mias son: «Ruanda, la caricia de dios» de F Zanni y P. de Vita, «Ilusionistas», «Hungaros», «Salón Primavera», «Maria la Jabalina»…
Como autora, los textos son: «Alamar», «Isola», «Ecosmudos», «María la Jabalina», «Patos salvajes».
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es un lugar en el que los seres humanos van a escucharse, emocionarse, reírse, llorar, sentir, reflexionar, apasionarse… juntos, escuchándose unos a otros… hasta ahora por el tiempo de una hora o más, aunque en las últimas ‘crisis’ del teatro nos quieren hacer creer que solo podemos escucharnos unos a otros por espacio de unos minutos: microteatro, miniteatro, nanoteatro… a mi en todo lo que me da placer me sigue gustando tomarme tiempo, aunque también me encantan los relatos cortos también…, pero pocas cosas pueden superar «Rey Lear»… y dura muchos minutos…
Hago teatro porque me gusta. Me gusta compartir textos brillantes, emociones, sensaciones, reflexiones, sentimientos…
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…¿Has realizado trabajos fuera de Hongaresa Teatre?…
Balance: afortunada de haber estudiado y trabajado en Londres con grandes creadores, de haber disfrutado con crear y mantener durante 20 años una Compañía, la Hongaresa de teatro con dos de los mejores autores dramáticos contemporáneos, P. Zarzoso, y LL. Cunillé, de trabajar con directores de los mejores, como Xavier Alberti, de haber mantenido una colaboración con salas emblemáticas como la Sala Beckett en Barcelona gracias a J.S. Sinisterra, con La 4ª Pared de Madrid, con las desaparecidas Malic de Barcelona y Canto de la Cabra en Madrid, con actrices / directoras sabias como Irene Papas, con creadoras argentinas como Leandra Rodríguez… es una larga lista compartiendo el oficio con compañeros brillantes…
He hecho trabajos fuera de Hongaresa en teatro: «Troyanas» dirección de Irene Papas y Fura dels Baus, en cine con Giovana Ribes, Rafa Montesinos y Juan Ramón Soriano, en TV. con Santiago Pomarola…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Ser el espejo, todos los espejos donde la sociedad se mire…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
«Patos salvajes» de los tres fundadores de Hongaresa, «María La Jabalina», «Salón Primavera» de P. Zarzoso y LL. Cunillé, «Aquel aire infinito» de LLuïsa Cunillé, premio nacional de teatro 2011, «Adeu encara» («Adios todavía») de Iaia Cardenas…; De ellos solo puedo decir que me hacen seguir disfrutando del teatro…
¿Cómo surgió el proyecto que presentas en Lagrada?…Háblanos de este trabajo…
Fue un encargo que la poeta Paca Aguirre me hizo en 2007 y para el que me dio el titulo «La inútil sabiduría de las mujeres», y al que yo le hice la contrapropuesta de hablar sobre la sabiduría de una mujer anónima desconocida y que la obra llevaría su nombre: «María La Jabalina». La estrenamos en 2008 en Albacete en un entorno organizado por la FEUP (Federación Española de las Universidades Populares) y que en 2008 hizo gira por España. En 2013 con una versión revisada la volvimos a estrenar en la Sala Ultramar en Valencia y ahora lleva ya un año en una gira que en Argentina nos ha llevado a 5 provincias Buenos Aires, Córdoba, Jujuy, Tucumán, Catamarca…
Es la historia del asesinato de una joven miliciana anarquista en 1942, 3 años después de acabada la guerra con un juicio sumarísimo falso e ignominioso.
¿Qué tipo de documentación hiciste para llevarlo a cabo?…
Hablé con Carmen Pérez Lacruz, la hermana pequeña de María de los, que sigue viviendo en Puerto de Sagunto, con compañeros anarquistas vivos amigos de María que me regalaron libros y documentos, con su biógrafo Manuel Girona, con el pintor Jaime Giménez de Haro que ha creado un retablo sobre distintas imágenes de María, con la cineasta Giovana Ribes que junto con Damián Gonçalves presenta los documento históricos audiovisuales, con LLuis Miquel Company que reprodujo programas radiofónicos de la posguerra como «Ustedes son formidables»… y aun sigo recopilando información que me brindan durante las representaciones espectadores que me facilitan nuevos datos…
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Los memorizo hasta olvidar que los he memorizado… No tengo método…
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Matando al teatro y, lo que es peor, matando al público.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
«TERRENAL» de Kartun, en Buenos Aires, escrita y dirigida por él con un elenco de actores maravillosos y la mejor diseñadora de Iluminación, Leandra Rodríguez…, y el resto del equipo todos al servicio de un montaje prodigioso. Y además representado en el primer Teatro Independiente de Buenos Aires, el Teatro del Pueblo abierto en 1930 y que salía a buscar a los espectadores con una campana por la calle, que todavía se toca para iniciar la función. Porque tenía todo lo que el teatro debe tener: precisión, misterio y conciencia al servicio de la emoción del espectador y de los propios interpretes. Un relato en el que el espejo ético se pone ante el mito de Caín y Abel y se revisita, con un dios cansado y aburrido de la eterna lucha fraticida de la humanidad . Un GODOT, bajo el prisma de un inmenso autor teatral.
Aunque también en estos 2 últimos meses en Argentina vi muchos otros maravillosos montajes, autores, directores y actores brillantes: Federico Luppi en «Ojo por ojo» de Strindberg, Osmar Nuñez en «El angel de la culpa» de Marco A. de la Parra con dirección de Dora S., «La mujer del anatomista» de G. F. Chapo con Clara Diaz, actriz sevillana emigrada hace 10 años a Argentina…, acabo de regresar tras 2 meses de gira con 2 producciones de mi Compañía Hongaresa de Teatre: «Adiós todavía», en coproducción con la Sala El Extranjero y «María la Jabalina» que ha girado por 5 provincias Argentinas así que todos mis referentes inmediatos son de allí.
¿Cómo es la realidad teatral en la Comunidad Valenciana en estos momentos?…
Destructora de todo el entramado teatral y de todo lo que se había creado desde la llegada de la Democracia. De Compañías, Empresas, Salas, actores, directores, autores, técnicos…
¿Proyectos?…
La Compañía Hongaresa de Teatro fundada por Paco Zarzoso, Lola López y LLuïsa Cunillé cumple 20 años en 2015 y lo celebramos empezando el año con el estreno de «SERENATA PARA UN PAIS SIN SERENOS» de Paco Zarzoso y LLuïsa Cunillé, con música compuesta por José Alamá y Jesús Chapi y la actuación de los actores Angel Figols y Lola López y la violoncelista Teresa Alama que interviene con su instrumento interpretando 4 personajes como interlocutora de los dos actores. Se pre-estrena en Sagunto el 16 de enero de 2015 y en Barcelona en Teatro LA SECA el 21 de enero donde se mostrará durante dos semanas.
Hay dos proyectos más para celebrar la resistencia de 20 años, pero ya los iremos anunciando cuando se materialicen.
ÁLVARO LAVÍN: Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores
¿Cómo surgió Meridional?…
En el verano de 1991, Julio Salvatierra y yo, que estábamos estudiando en la RESAD, nos fuimos a Reggio Emilia a aprender Commedia dell’Arte con Antonio Fava. Allí coincidimos con actores de medio mundo y, al finalizar el curso decidimos con Miguel Seabra (portugués) y Stéfano Filippi (italiano) juntarnos al verano siguiente para iniciar un proceso de trabajo basado en las técnicas que habíamos aprendido. Así surgió nuestro primer espectáculo “Ki fatxiamu noi kui” que significó el pistoletazo de salida para nuestro Teatro Meridional y con el que tuvimos la fortuna de girar por medio mundo.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
No hay una forma establecida de iniciar un proyecto. Cada uno de los montajes ha tenido un inicio particular. Alguno de nosotros tres (Julio Salvatierra, Marina Seresesky o yo) comparte con los otros una inquietud, una idea que le emociona y cuando la rueda empieza a girar ya no hay quien la pare.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Los que me conocen saben de mi naturaleza optimista pero es que ni en el mejor de mis sueños me hubiera imaginado así, trabajando en lo que me apasiona y con una estructura donde poder hacer realidad tantos y tan diferentes proyectos. Me siento enormemente afortunado y no lo oculto. Ahora, trabajo día y noche, te lo puedo asegurar.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Creo que la evolución de Meridional ha ido pareja a nuestro crecimiento como personas. Siempre hemos entendido que la estructura que habíamos creado tenía que estar a nuestro servicio y nunca a la inversa. Eso nos ha dado una enorme libertad a la hora de afrontar nuevos proyectos. Empezamos montando espectáculos gestuales, onomatopéyicos casi, saltamos al teatro de texto, luego comenzamos a producir adaptaciones de autores clásicos, llevamos a escena nuestros propios textos (Julio Salvatierra), iniciamos una rudimentaria experimentación con la imagen en el teatro y hace 6 años, gracias al empuje creativo de Marina Seresesky, empezamos a producir cine. Ojalá que como personas hayamos sabido aprovechar todo lo que estas producciones nos han legado.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Siempre digo que es fundamental rodearte de creadores con tanto talento que te hagan aparecer ante los demás mejor de lo que realmente eres. Sinceramente, me veo así. No solo tengo los mejores compañeros de viaje en Marina Seresesky y Julio Salvatierra, a los que admiro y con quien continuo disfrutando como el primer día, es que durante estos años, han ido acercándose a Meridional una serie de artistas con mucho talento sin los cuales todo este tiempo hubiera sido no solo diferente sino mucho más aburrido. Gente como Luis Perdiguero, Mariano Marín, Tomás Charte, nuestros compañeros Chani Martín, Elvira Cuadrupani, Eugenio Villota, Iván Villanueva, etc, etc
¿Cómo ha influido tener un autor que colabora en los proyectos desde su origen?…
Influye enormemente en todas las etapas de la creación de un nuevo montaje. La dramaturgia y la puesta en escena siempre las hemos entendido como algo de lo que se puede y se debe debatir para mejorarlo. Empezamos con un texto que se va transformando durante los ensayos gracias a las aportaciones y sugerencias del director y de los actores. El trabajo del dramaturgo también consiste en terminar de dar forma a esa transformación y en ayudar a encontrar una manera propia de contar historias.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…
Sin duda alguna. Para nosotros no hay nada mejor para trabajar que la tranquilidad. Y tener nuestro local de ensayos nos ayuda a crear las condiciones necesarias para iniciar cada proceso. Hace años un buen amigo nos aconsejó que buscáramos un lugar donde poder encontrarnos cada vez. Tuvimos suerte en seguir su consejo.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Imagina no tener a nadie que te diga cuando terminar un ensayo o cuando empezarlo. Ese lugar te permite poder acompañar las aportaciones de los actores sin presiones innecesarias. Además de acoger los procesos de trabajo de otras compañías, amigos…
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…
Como director, el tiempo me ha ido enseñando que lo más inteligente es abrir bien las orejas para poder escuchar con claridad lo que los demás piensan y así, mejorar tu trabajo. Y es lo que hago, intentar dar a cada uno su espacio para que se sienta confortable y aporte. Desde luego no siempre lo consigo, claro está. En teatro no existe la fórmula exacta que te permite ser cómplice de todo el mundo.
Cuando hay que tomar una decisión definitiva, esa me corresponde a mi, aún a riesgo de meter la pata hasta el fondo.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Creo que debemos llevar a cabo proyectos que nos ilusionen, que nos sean necesarios, que nos permitan opinar, proponer, independientemente de la situación en la que nos encontremos. Siempre, pero sobre todo en estos momentos de tantas dificultades para toda la sociedad, las gentes que trabajamos en el sector cultural tenemos la “obligación” de utilizar todos nuestros recursos artísticos para intentar mejorar la sociedad en la que vivimos.
¿Cuál ha sido el recorrido del montaje que presentáis en Cuarta Pared?…
“Qfwfq. Una historia del universo” se estrenó, en su primera versión, el año 1999. Ese montaje recorrió toda la geografía española e hizo numerosas giras por Latinoamérica.
Ahora, con este “Qfwfq” revisitado, desde su estreno a final de enero en el Teatro El Castillo de Villafranca del Bierzo, hemos girado ya por la Comunidad de Madrid, Canarias, País Vasco, Valencia y hemos hecho una pequeña temporada en Barcelona.
Para presentar el espectáculo en Madrid siempre pensamos que la Cuarta Pared era el espacio natural para esta función por la complicidad y amistad que tenemos desde hace años con todo el equipo de la sala y porque, como ellos disfrutan tanto con su trabajo, te hacen sentir en casa. Y no hay nada mejor que hacer teatro en casa, rodeado de amigos y “familia”.
¿Tenéis otros espectáculos en repertorio?…
Meridional nación como una compañía de repertorio, viajera. Seguimos representando los espectáculos que continúan emocionándonos. Es verdad que las obligaciones profesionales de cada uno de nosotros son cada vez mayores pero intentamos mantener vivos nuestros trabajos más representativos (“Miguel Hernández” “Calisto. Historia de un personaje” “Negra!”)
¿En gira?…
“Romeo. Versión montesca de la tragedia de Verona” continua su gira por España y en septiembre viaja al Festival Internacional de Teatro de Nuevo León que se celebra en Monterrey, México. Continuamos también representando “Miguel Hernández” y “Qfwfq” viajará pronto por Galicia, Aragón, vamos a Málaga, y de nuevo al País Vasco. Esperamos mantenerlo vivo mucho tiempo.
¿Cómo surgen los trabajos audiovisuales realizados por el equipo de Meridional?…
Desde hace tiempo nos interesa la idea de jugar con las imágenes en nuestros montajes teatrales. Empezamos incluyendo fotografías en “Miguel Hernández”, imágenes en movimiento en “Como ser Leonardo”, películas propias en “La verdadera historia de los hermanos Marx” y cuando hace unos años Marina Seresesky empieza a presentarnos sus guiones de cortometrajes nos entusiasmamos al instante y decidimos producirlos. Sus trabajos han ido teniendo cada vez más proyección hasta el punto de haber sido nominados a los Premios Goya con “La boda”, nuestro último corto. Lo natural era continuar produciendo y en esas estamos. En un futuro próximo rodaremos nuestro primer largometraje de ficción, escrito y dirigido por Marina, titulado “La puerta abierta” y que protagonizarán Carmen Machi, Amparo Baró y Asier Etxeandía.
¿Están conectados con la teatralidad de la Compañía?…
Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores. Todos somos actores, sobre todas las cosas. Trabajamos con un dramaturgo que no solo escribe para nosotros sino que, mientras lo hace, ya sabe qué actor va a interpretar cada uno de sus personajes. Y creo que el trabajo que Marina desarrolla en nuestros proyectos audiovisuales tiene una de sus características principales (aunque no es la única) en la relación que desarrolla con los actores a los que dirige.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…De Meridional o con otras compañías…
En cine, además de “La puerta abierta”, ya casi en fase de preproducción, estamos desarrollando otros tres proyectos de largometraje y una coproducción de un guión ajeno. En breve soñamos con grabar el piloto de un serie para televisión también escrita por Marina.
En teatro estrenaremos una nueva producción en el segundo trimestre del 2015. Un texto original de Julio Salvatierra que seguramente coproduciremos en varias autonomías. También trabajamos en una adaptación del “Rey Lear” que, desde hace un tiempo, queremos producir.
Pondremos todo nuestro empeño en sacar adelante estos proyectos y si no lo conseguimos seguro que sacaremos algo grande del tiempo que les estamos dedicando. Voluntad no va a faltar.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No hay más que ver todas las compañías que se van quedando en el camino. Estructuras de producción artística que además eran una fuente constante de creación de empleo en un sector tan precario como es el nuestro. Por no hablar de todas aquellas que ni siquiera han tenido la oportunidad de nacer.
Con la situación actual es de locos hacer temporadas en ciudades que no sean aquellas de donde son las compañías. El margen de beneficio, si lo había, desapareció con la brutal e insensata subida del IVA. No me explico como los responsables de estas decisiones que se han demostrado erróneas no rectifican inmediatamente para intentar subsanar las enormes consecuencias negativas. Y si en teatro estamos sufriendo, en el cine la situación es catastrófica con las pocas productoras que se atreven a rodar produciendo sus películas en el extranjero donde se sienten mucho más cuidadas y protegidas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Misántropo” de Kamikaze Producciones. Me dejó sin palabras.
Francisco Vidal nos habla de su larga trayectoria como actor y director
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el Teatro Universitario a los 17 años. Gané un premio de interpretación y se marcó mi destino. A los 18 comencé a trabajar con Miguel Narros y William Layton como profesores. Y a los 24 estrenamos “El proceso por lasombra de un burro” de Durretmatt, dirigida por José Carlos Plaza. En 1991 abordé también la dirección con “La isla” de Athol Fuggard. Fué motivado por un bache como actor y ya llevo más de 30 obras. Me apasionan las dos cosas por igual. Pero cuando soy actor me olvido por completo que soy director y me mantengo muy disciplinado.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria como actor, director y pedagogo?…
Ha sido un camino largo y bueno. He tenido la suerte de trabajar mucho y casi siempre en cosas interesantes. He estado siempre aprendiendo y oyendo a muchos a los que admiro. Y poniendo en duda muchas cosas para cambiarlas o reafirmarme. Y en el camino estoy, sigo haciéndolo. Tratando tambien de transmitir mis experiencias…y mis dudas a las generaciones más jóvenes.
¿Qué diferencia hay para tí del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?
Había mucho trabajo. El público estaba preocupado por la cultura. Por la última obra, por el último libro, la última película. Pero a los jóvenes les costaba mucho entrar en la rueda profesional. Sin embargo hoy se encuentran mejor preparados, son más responsables y buscan la excelencia. En cuanto a directores teníamos a José Luis Alonso, Miguel Narros, Adolfo Marsillach… Y productores con ánimo de riesgo. Estábamos al día de las obras más importantes internacionalmente. Y había muchos autores españoles que estrenaban. Lo peor era la censura, pero se intentaba pasar por encima. Hoy los autores estrenan poco, salvo alguna figura, salvo en las salas alternativas, y el riesgo está limitado a ellas que alimentan los deseos de un teatro distinto.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que teembarcas? ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Pueden surgir por muchas razones. Sobre todo por mi creencia de la obra, poque despierte mi emoción o mi humor, o las dos cosas unidas, porque el estilo que más me gusta es la tragicomedia. Porque sea actual, o despierten cosas actuales, pues el teatro como museo no me atrae. Sigo con el equipo posible y la posible financiación. Muy complejo.
¿Cómo surgió tu participación en Napoles millonaria?…
Siempre he sido un gran admirador de Eduardo de Filippo.Cuando cayó en mis manos la obra me impactó y me divirtió, y desgraciadamente, era muy actual. Había un problema, once actores. Pero no podemos dejar de conocer obras importantes por la extensión de su reparto. Lo más dificil fué conseguir su estilo. Y el trabajo con los actores fué muy gratificante.
¿En qué proyectos has participado en el último año?…
He participado en TV. Pero en teatro ningún otro.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
He acabado de montar una obra sobre la memoria histórica:
“El valle de los cautivos”. Otra vez con el Teatro del Laberinto, que irá a principios de temporada. Es de un autor nuevo, Pedro Martín Cedillo. Magnífico y con mucha magia. Va a sorprender. También preparo “El zoo de Cristal” de Tennesee Williams para el productor Eduardo Galán y “En manos del enemigo” de José Luis Alonso de Santos para Enrique Salaberría. Tambien me interesa una obra de Noel Coward, “La vida manda”.
¿Qué obra te hubiera gustado hacer y no pudíste?…
Hay muchas: Rey Lear, Los bandidos, los últimos Arniches; aunque hice “El Sr. Badanas” y miles más. Mi ideal sería que me tocase la lotería y producir 10 obras al año, 5 de las grandes obras internacionales y 5 de autores contemporaneos españoles. Pero me temo que me voy a quedar con las ganas.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. A los proyectos del teatro? Sobre todo a que hay que ir sobre seguro. No caben riesgos. Si el teatro es un negocio limitado, a no ser que tengas un enorme éxito, ahora no hay casi salida.
¿Qué montaje que hayas visto ultimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
“Ahora empiezan las vacaciones” de Strindberg, en La casa de la portera. Por la versión de Paco Bezerra, llena de inteligencia; por su dirección y sus actores. “El duelo” de Chejov, por una compañía procedente de Rusia, por su manejo de la teatralidad y el espacio…Dirección y actores. Y ayer mismo “Dionisio Ridruejo” por la complejidad de la obra de Ignacio Amestoy, que nos habla de una manera adulta, por la dirección de Juan Carlos Perez de la Fuente, su escenografía y expresividad teatralidad y mucho, mucho por los actores. El director de Strindberg es Luis Luque. No nombro a los actores porque son muchos y muy buenos. Todos estan magnificos y se puede ver por Internet.
¿Alguna sugerencia para seguircreando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hay que seguir haciendo teatro donde sea y como sea. El público se lo merece y nos necesita. Y nosotros no sabemos vivir sin él.
Lucía Quintana nos habla de sus proyectos como actriz.
¿Qué es para ti el teatro?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es la manera que tengo de expresarme, de comunicarme, de contar, y de conocer. En apariencia hacemos teatro para enseñar pero realmente hacemos teatro para intentar conocer la realidad.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
En la compañía de mi padre, Juan Antonio Quintana, en Valladolid. Mi padre dirigía y actuaba y mi madre era la escenógrafa y figurinista, la mejor escuela, mirar el teatro por dentro y luego pasar de mirar entre cajas a actuar. A los 11 años salí por primera vez al escenario, fue una gira por EE.UU con la compañía de mis padres en “La zapatera prodigiosa” de Lorca, después con los años fui cambiando de papel dentro de esta función, porque mis padres tenían repertorio y los actores iban cambiando según la época, llegamos a poner 4 espectáculos en una semana en la misma ciudad, era una escuela riquísima! y de “El Avaro” de Moliere llegamos a hacer 500 representaciones. Con mi padre trabajé en 7 espectáculos y estudié con diversos maestros en el aula de teatro de la universidad que también llevaba mi padre, después me vine a Madrid, me presenté a las pruebas de la Resad y me cogieron, y empezó la andadura aquí.
¿Cómo surge la posibilidad de que interpretes a Maribel…?…
Me llamó Gerardo Vera. Con Gerardo es mi tercer espectáculo. Ya habíamos hecho juntos Woyzeck, e hice una sustitución en el Rey Lear. Gerardo y yo trabajamos muy bien juntos.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportaseis ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con Gerardo Vera?…
Gerardo es un director muy intuitivo y durante los ensayos está muy abierto a las propuestas de los actores. Además se entusiasma mucho con el trabajo del actor, es muy apasionado y eso es muy bueno para propiciar un ambiente creativo.Y tiene un olfato maravilloso para configura los equipos, así que es un lujo tener un caldo de cultivo como el que crea Gerardo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el personaje?…
He intentado construir el personaje sobre la vulnerabilidad de Maribel. En apariencia es un personaje echado para adelante, sin miedo, pero cuando se encuentra con el mundo de Marcelino, la idea que tenía sobre la realidad se transforma, y esto la desarma. Maribel hace un viaje de transformación. Transformación que tiene que ver con tener confianza en que su vida puede cambiar, que puede ser mejor.
¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar juntos, actores de diferentes generaciones?…
Es algo que siempre me gusta. Que haya diferentes generaciones en las compañías. Hace que los espectáculos tengan algo orgánico, algo familiar, conectado con la realidad.
¿Por qué no haces más televisión o cine?…
Jajajjja hago todo lo que puedo y todo lo que me dejan. La última película que he estrenado ha sido ”Todas las mujeres” de Mariano Barroso, con Eduard Fernández y un grupo de actrices estupendas.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Es un balance muy bueno. Por un lado estoy realizando todo un trabajo con los espectáculos de mi compañero Alfredo Sanzol y por otro lado trabajo con otros directores. Siento que todo se complementa y que estoy teniendo la oportunidad de crear estilos y propuestas muy diferentes. Además, con los años, siento que uno puede ser cada vez más consciente de su propia expresividad, de conocerla, aceptarla, y de este modo poder usarla mejor cada vez para contar las historias.
¿Preparas de forma distinta un personaje para audiovisual que si es para teatro?…¿Cuál es tu método?…
Son lenguajes diferentes que exigen técnicas diferentes. El teatro requiere repetición cada noche, y la interpretación hay que construirla sobre unas guías sólidas que al mismo tiempo te permitan flexibilidad, porque cada noche es diferente. En el audiovisual la interpretación tiene algo más explosivo, pero con una gestualidad muy medida. Creo que sobre estas contradicciones cada uno tiene que ir creando su propia técnica.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es el arte de la comunidad por excelencia. Es el arte de la democracia y de la libertad. Si una sociedad quiere ser libre necesita el teatro.
¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Creo que en el futuro esta subida de IVA se verá como una de los errores más grandes que se han perpetrado contra el bienestar de la sociedad.
¿Cuál fue la última obra de teatro que viste?¿Qué te pareció?…
“Mi pasado en b” de Javier Lara con dirección de Pietro Olivera e interpretada por el propio Javier Lara, una maravilla de monólogo, emocionante y divertida , que nos conecta de una manera profunda a los seres humanos con nuestros propios pasados en b… no se la pierdan, pronto volverá a alguna sala de Madrid.
¿Proyectos?…
Seguir con esta estupenda “Maribel” que tantas alegrías me está dando…y un par de cosas que se están perfilando y que como siempre pasa, por ahora no se pueden desvelar….
La sombra de Lear de Ultramarinos de Lucas en Cuarta Pared
Ultramarinos de Lucas, compañía de Guadalajara, cumple 18 añitos y viene a celebrarlos a su casa de Madrid, que no es otra que la sala Cuarta Pared, y nos presenta un Shakespeare, con dos… y lo hace desde lo más profundo de su ideología y de su manera de entender el teatro, la búsqueda, el ensayo, esa deriva hasta que se encuentran los anclajes de un texto, y aciertan, nos cuentan El Rey Lear, aunque no quiera su protagonista y nos hace participes de un proceso de trabajo con comentarios dirigidos desde el actor al espectador, con fina ironía y mucho humor y nos enseña la tragedia haciéndonos ver, por enésima vez, que se puede hacer teatro con cualquier cosa, una zapatilla, la cabeza de un maníqui, un velo… y en las manos adecuadas todo adquiere vida y es un gozo para el que lo ve. Una adaptación e interpretación de Juan Berzal, que sale muy airoso de estar casis dos horas, él solito, frente al público y dirigido por Jorge Padín, una puesta en escena honesta y que obtiene la recompensa de una gran ovación, no podía ser de otra manera, feliz cumpleaños y seguid celebrándolo para que nosotros lo veamos.
Ángel Savín
Isabel Ordaz nos habla de sus proyectos artísticos.
¿Cómo surge el proyecto de Lúcido?…¿De qué va la obra?…¿Y tu personaje?…
La obra me llega a través de Amelia Ochandiano que me propone el personaje de Teté. Cuando la leo quedo fascinada, tanto por la estructura de la que se sirve Rafael Spregelburd para contar esta obra, como de la historia y de los personajes. Lúcido está llena de secretos y no se puede desvelar demasiado la historia, pero diré que se trata de una madre (Teté) que trata de no perder a sus hijos (Lucrecia y Lucas) y también de un amante, un camarero, un riñón trasplantado, risas y lágrimas y una sorpresa final que conmueve enormemente.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del montaje con la directora y el resto de actores?…
El proceso de creación ha sido diríamos que intenso, es mi segundo trabajo con Amelia Ochandiano y ella no se conforma nada más que con lo perfecto. En este caso lo más difícil era encontrar el tono de la obra, pues Lúcido podría ser una tragicomedia pero también mucho más, un crisol de géneros. Una vez que dimos con ello, con el tono, nos quedamos más tranquilos. El resto del equipo es estupendo, Tomas, Itziar y Alberto, estupendos. Y por supuesto la escenografía, de Ricardo Sánchez Cuerda, un acierto.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actriz en teatro?…
Para no alargarme hablaré de los 3 últimos. Mi apuesta para montar Los Días Felices de Beckett, en la que entré en la co-producción, fue todo un desafío y un empeño, hacía años que quería saber de que estaba compuesta Winnie debajo de su duna, al final creo que lo descubrí y fue hermosísimo. Me parece que debajo de sí Winnie guarda todo el siglo XX, que no es poco, sus dos terribles guerras, el principio del fin del sueño europeo, etc., en fin sería muy largo. Para el Nacional hacer a Madame Collete en el montaje de Lluis Homar de Luces de Bohemia fue un lujo, Lluis es un gran hombre de teatro y siempre se aprende con él. Y Ahora Spregelburd, donde Amelia me ha hecho un extraordinario regalo: a Teté, inmensa, y a la que todavía estoy conociendo.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método de trabajo?…
El entusiasmo es el mismo, el medio impone sus reglas, eso es todo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro, hoy y siempre, es el espejo donde se mira una sociedad, es el status de civilización de una sociedad. Hoy en día, al competir con tanta oferta en este parque del entretenimiento en el que estamos inmersos, lo que el teatro creo que aportaría es el concepto noble de FICCIÓN, en el sentido de la creación (literaria, dramática, plástica) como instrumento para el conocimiento de nosotros mismos, y no la verdad en sí como parecen querer vendernos los apólogos de las telerealidades, etc.
¿Crees que está afectando mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Sí, está afectando, como al resto de las áreas, la cultura o el arte no es una marcianada que no se sabe de dónde viene ni a dónde va, sino aquello, junto con la educación, que nos hace ser mejores. El Rey Lear dice: “Quítale al hombre lo superfluo y no le distinguirás de un animal”. Así que, cuidadito con lo superfluo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La última que he podido ver ha sido Noche de Reyes de Shakespeare, montada por Eduardo Vasco, en La Abadía. Una delicia.
¿Proyectos?…
Spregelburd, Lúcido, Teté, haremos gira, y espero que dure. También estoy preparando un libro de cuentos. Y por favor que se acaben los privilegios y los desmanes de los bancos.
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
Marc Rosich nos habla de sus múltiples experiencias como dramaturgo.
¿Cuál ha sido tu formación como dramaturgo?…
Yo provengo del mundo del teatro amateur, durante más de diez años, de adolescente, estuve en un grupo de teatro amateur en el Centro de los Lluïsos del barrio de Gracia en Barcelona. Esa fue mi verdadera escuela teatral, al tiempo que sacaba las carreras de periodismo y traducción. De ahí pasé a los talleres de dramaturgia de la Sala Beckett, donde me formé y descubrí que mis años de amateur habían dejado mella en mí, y que sin darme cuenta me había convertido en dramaturgo. Empecé a escribir a partir de hacer traducciones de Mamet, Pinter, Williams y Shaw para mi grupo de teatro amateur… Traduciendo a los maestros encontré mi voz. Como provengo de la traducción, es por eso que muchos de mis trabajos como dramaturgo son versiones o reformulaciones de textos ya existentes.
¿Qué texto propios has escrito?¿Sobre qué temáticas?…
Mi relación con el teatro es muy ecléctica. Cada nueva obra que escribo toma formas diferentes. En mi haber, tengo desde comedias pensadas para un público popular, como obras más formalistas o cultas. Mis obras de teatro más serias siempre parten de un impulso lingüístico, de un ejercicio de búsqueda de la voz y el lenguaje de una serie de personajes, así nacieron obras mías como SURABAYA, CAR WASH o VITTORIA… Por otro lado también me gusta recrear personajes no ficticios en escena, así escribí Copi y Ocaña en el Purgatorio o Rive Gauche, centrada en los personajes de Sylvia Beach y Adrienne Monnier…
¿Cuándo comienza tu relación dramatúrgica con Calixto Bieito?…
Mi relación con Calixto empieza cuando en 2006 quedé finalista al premio de la Fundación Romea con mi texto Surabaya. Él lo apoyó hasta las últimas consecuencias, y pesar de que fui sólo finalista quiso incluir el texto en la programación de su teatro ese año. Tiempo después necesitaba alguien que realizara la dramaturgia de Plataforma de Houllebecq… y yo fui el escogido. Esa experiencia fue extrema, mi primera mili con él, trabajando con sus métodos de creación a partir del caos y la intuición… Ahí aprendí cuáles eran sus obsesiones y cómo ponerme al servicio de ellas sin dejar de lado mis propios impulsos creativos. La experiencia salió fabulosamente bien. Y desde entonces he trabajado con él en ocho proyectos diferentes… en una lógica del «más difícil todavía»… Calixto te plantea retos aparentemente irresolubles… te pide milagros y eso hace que como dramaturgo estés muy activo. Mi trabajo con él es sobre todo en la sala de ensayo respondiendo a las pulsiones creativas que pasan en la habitación. Muy a menudo no empezamos con un texto cerrado. Mi trabajo de preparación de cada proyecto es eso: Preparar durante un largo periodo de tiempo materiales de todo tipo, para poder responder en vivo y en directo a lo impredecible de las cosas que pasan en la sala de ensayo.
¿En qué medida ha influido en tu trabajo como dramaturgo el tipo de procesos como los que has realizado con Calixto?…
Calixto entiende el trabajo de dramaturgia y puesta en escena desde un punto de vista muy musical y espectacular. Y para mí acoplarme a esa visión es muy cómodo, porque mi cabeza funciona de manera similar. Es decir, que en mi relación con Calixto he aprendido a no tener miedo y en creer en los retos imposibles. Y por ahora llevo una mili con él, trabajando en sitios tan diversos como Freiburg, Chicago, Mannheim, Copenhaguen, Birmingham… aprendiendo de equipos artísticos y maneras de entender la profesión tan diferentes… A cada nuevo teatro donde aterrizamos tienes que enfrentarte a una tradición actoral y dramática diferente… a unos hábitos de creación y producción también diferentes… Y eso es muy enriquecedor. Y sí, inevitablemente acaba influenciando en tu manera de enfrentarte a tus propias obras.
¿Qué evolución se ha dado en esos trabajos dramatúrgicos con Calixto?¿Qué balance haces?…
Con Calixto estamos haciendo un viaje muy interesante de experimentación de nuevas formas, donde prima la poética teatral y espectacular, en detrimento de conceptos del teatro clásico, como la trama y el personaje… En los últimos espectáculos estamos intentando hacer espectáculos huyendo de las formas más anquilosadas del teatro, las que dicta el mundo de la trama, para crear espectáculos poéticamente más abiertos, donde lo visual, lo musical, lo lingüístico está más presente que las lógicas coartantes del causa y efecto y el teatro psicologista… Las raíces de este teatro estarían en la lógica del sueño y en las herramientas de libre asociación de imágenes típicas del surrealismo… En este sentido, Calixto siempre bebe de Lorca, Dalí, Buñuel, y del juego de espejos deformantes valle-inclanesco…
¿Has trabajado con otros directores de forma parecida?…
Con cada director con el que trabajo es un mundo diferente. Cada viaje es diferente. Mi trabajo con Andrés Lima en el festín que era Falstaff fue un viaje igualmente alucinante pero de otro tipo. Cada director tiene su estilo y sus obsesiones, y por eso mismo, sus alicientes, diferentes. En la sala de ensayo de Falstaff también me lo pasé en grande!. Así como con las locuras que hemos hecho con Rafel Duran en Mort de dama o Rive Gauhe. Lo que me gusta es que por ahora con todos los directores que he trabajado han dejado que mi yo dramaturgo esté ahí.
¿Cómo surgió el proyecto de Forests?¿Qué premisas te estableció Calixto?…¿Cómo es la relación dramatúrgica durante el proceso?…
El proyecto de Forests nace como un homenaje a la obra completa de Shakespeare a partir del leitmotiv del bosque, y por extensión de la naturaleza. El proceso de preparación requirió una lectura atenta de la obra completa del bardo, buscando esos momentos donde el tema del bosque en relación a la naturaleza humana estaba más presente. Sabía que Calixto quería hacer un collage poético desatado de lógica psicologista… Al contrario, la lógica ordenadora era temática. Así empezamos con unas primeras intuiciones de estructura. Había un primer esqueleto basado en las partes de la Divina comedia: El Paraíso (correspondiente al bosque de Arden), El Purgatorio (inspirado en los bosques nocturnos de Tito Andrónico y el Sueño de una noche de verano, así como en el bosque en guerra de Macbeth y las crónicas históricas) y El Infierno (inspirado en los paisajes yermos de los actos finales del Rey Lear y Timón de Atenas). Había una segunda estructura solapada a la primera y correspondía a las siete edades de la vida que Jaques describe en su famoso monólogo «All the world’s a stage» de Cómo gustéis.
¿Cómo se fue conformando el «collage» textual final?…¿En qué medida influyó el trabajo de los actores o del equipo artístico para la dramaturgia final?…
Nosotros llegamos a la sala de ensayo con una primera propuesta textual que se fue transformando, repensando con el trabajo intuitivo de los actores. En la dramaturgia habíamos borrado todas las referencias a personajes y tramas y habíamos dejado la palabra… cada actor tenía en su haber fragmentos extraídos de personajes diferentes. Un mismo actor podía decir frases de Yago, Rosalinda, Juana de Arco, Lear, Ofelia y Macbeth… El trabajo de cada uno de ellos era crear un hilo, un nuevo personaje a partir de todos esos retazos… Y fue mágico ver como del caos textual nacía una lógica espectacular, encontrada de forma orgánica por los cuerpos y la intuición de los actores en la sala de ensayo.
¿Ha evolucionado el texto o la dramaturgia durante las funciones?…
Calixto marca un viaje muy estricto a sus actores en el paisaje que ha marcado con la escenógrafa Rebecca Ringst… pero al mismo tiempo ese viaje está lleno de una gran libertad creativa. La misma libertad que los actores han vivido en la sala de ensayo sigue presente en las funciones… de manera que el espectáculo sigue su camino, y los actores redescubren nuevos caminos dentro del diseño marcado por Calixto. Las funciones, así, se vuelven inagotables, llenas de frescura creativa.
¿Tienes proyectos propios o con otros directores en perspectiva?…
En estos momentos, tengo diferentes proyectos en cartera que todavía no puedo anunciar, tanto con Calixto como con otros directores del país. Lo que sí que puedo anunciar es el montaje que ahora estoy dirigiendo en el Teatre Nacional de Catalunya. Se trata de mi último texto, un musical para niños, llamado «La dona vinguda del futur», con música de Guille Milkyway de La Casa Azul… Esto es una muestra más de mi eclecticismo…Tanto puedo estar detrás de un infantil para niños, como de una obra eminentemente comercial como Las chicas del calendario que se podrá ver en los Teatros del Canal, como estoy detrás del equipo del Festival de Ópera de Bolsillo y Nuevas Creaciones, apoyando la creación de ópera contemporánea… como estoy haciendo una dramaturgia de alto compromiso y riesgo artístico con Calixto.
¿Has visto algún montaje de teatro que te haya interesado últimamente?¿Por qué?…
Sé de un lugar de Iván Morales, una humilde producción nacida en salas alternativas en Barcelona que ha sido una bocanada de aire fresco… Empezó en pequeñas salas como la Caldera y La Seca… pero ha acabado haciendo temporada en sesiones golfas en el mismísimo Teatro Romea. Y creo que ya están pensando su paso por Madrid.
¿Crees que afectará al teatro la subida del I.V.A.?.
No sé cómo está el panorama en Madrid. Lo único que sé es que en Barcelona la situación es desoladora. Los teatros están vacíos. Se ven claramente las intenciones de ahogar el sector por parte de los que han tomado la decisión. Están haciendo mucho daño a la profesión. Mucho. Tardaremos mucho tiempo en recuperarnos, creo. Pero no podrán con nosotros.
Que Revienten los Artistas 
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