La voix humaine de Jean Cocteau en los Teatros del Canal
Jean Cocteau escribió el que seguramente es el monólogo más conocido y representado de la historia de la literatura dramática, una pieza exquisita y dolorosa en la que una mujer espera hablar con su amante en la agonía de la relación. Como un animal acorralado, espera el sonido de la llamada para abalanzarse sobre el auricular, las interferencias y cruces de llamadas crean una angustiosa espera para poder oír la voz amada al otro lado del teléfono. En tres momentos, con unos silencios terribles de por medio, ella pueda hablar al fin con él, para no conseguir que ocurra más que lo previsto…el abandono. Es una pieza corta de una intensidad apabullante que siempre ha medido la capacidad interpretativa de quién se ha enfrentado a hacerla. Lo silencios son tan importantes como las palabras, una partitura musical atraviesa la obra y así lo entendió Francis Poulenc cuando escribió la música para convertir el libreto en una ópera de cámara. Juntos, la música y el texto crean un abismo emocional excepcional, un viaje a los rincones más oscuros de nuestras emociones. Paco Azorín ha creado un espacio que reproduce un delicioso apartamento parisino en el que el terror se esconde entre las líneas del papel pintado de la pared. Al fondo, como si en la terraza de este pisito estuviese situada, la orquesta pone la música a la situación dramática dirigida con precisión por Ernest Martínez-Izquierdo. Pero Azorín realiza una tarea aún más importante, dirigir a María Bayo como a la gran actriz que es, no solo está apoyada milimétricamente en lo concerniente al canto de la función si no que vemos a una mujer desesperada y acorralada en una jaula de oro. Pocas veces se ve un trabajo operístico en el que la interpretación esta a la altura de las grandes actrices de nuestra escena. Todavía quedan dos funciones, no se la pierdan, es una delicia escénica…Y sobre Paris llueve sin parar.
Adolfo Simón
www.teatroscanal.com/espectaculo/la-voix–humaine-opera-maria-bayo/
Entrevista a Blanca Li
¿Cómo surge el proyecto de ROBOT?…
Todo empieza del cotidiano, no hay un momento concreto en el que digo ¡Ay! voy a hacer este espectáculo, sino que, poco a poco, me voy dando cuenta de que las máquinas están invadiendo mi vida y están cada vez más presentes y esto me va creando una reflexión sobre un cambio que está ocurriendo y un día me entran las ganas y pienso que podría ser interesante trabajar sobre este cambio, la adaptación del hombre a la máquina… Hojeas la prensa y ves los robots, te metes en Internet e investigas un poco en nuevas tecnologías, y cosas que se utilizan ahora en la relación contemporánea: música, cine, … en la robótica hay un mundo increíble de posibilidades para crear y en Japón están muy obsesionados por encontrar un robot de compañía para, de alguna manera, ocuparse de una población que es cada vez más vieja y que necesita asistencia… hay un mercado a la vista. En Francia también existe una de las mayores empresas de robótica desarrolladas: acaban de sacar un nuevo robot que se llama Romeo, que es el hermano mayor de Nao, el que yo uso en el espectáculo, y cada vez se acerca más al robot de compañía.
Así que me fui a Japón para interesarme por todo ésto, inspirarme, ver exposiciones, encontrarme con gente que investigaba, ver los artistas que usaban máquinas y tecnología y ahí descubrí a Maywa Denki que es uno de los artistas que ha creado máquinas autónomas que en realidad son instrumentos que tocan solos, y me encantó el trabajo que hacía, me pareció muy bonito y poético y a la vez supermoderno y ultradesarrollado tecnológicamente. Correspondía con la idea que yo tenía del proyecto en el que los artistas y las máquinas compartían el espacio escénico.
¿Cómo ha sido el proceso dramaturgico en la puesta en escena?
En realidad, para mí, es como una metáfora del mundo contemporáneo y una reflexión sobre el presente y el posible futuro de la evolución de la relación del hombre y la máquina, que es obvia y que ha cogido una velocidad increíble: en los próximos años van a pasar todavía muchas cosas como las impresoras en 3D, que imprimen comida, los coches que viajan solos, … Hay un futuro muy cercano en que las cosas van a cambiar de manera radical y a mi me apetecía hablar de todo ésto, pero a través de sensaciones y con la idea de la evolución del hombre y de la adaptación del hombre a la máquina, que eso es lo que me sorprende: la velocidad a la que va surgiendo y a la que nosotros nos adaptamos, a los tres días ya manejamos el teléfono y sabes cómo funciona… las máquinas las crea el hombre, pero para que éste se adapte rápidamente. Y también reflexiono sobre la aparición del hombre-máquina: obviamente, con el primer implante de corazón y con otros órganos que se van a ir haciendo, el hombre tendrá piezas de recambio… Con todo este tipo de sensaciones es con lo que quiero experimentar.
Dentro del propio espectáculo se expresa esta evolución: al principio están los cuerpos y es una danza depurada, no hay nada, y poco a poco las máquinas van invadiendo el espacio escénico hasta que las máquinas están ahí como pepito por su casa y los bailarines se van acostumbrando a ellas, que es lo que pasa en la vida real… no nos damos cuenta pero ahí están.
¿Hay algún referente técnico del que has partido para esta coreografía?
Las máquinas de Maywa Denki serán las máquinas que toquen la música en directo, autómatas que son mis músicos. Al volver a París me encontré con los fabricantes de Nao, el robot humanoide que no llega al metro de altura y que está bastante desarrollado. Fui a ver a los fabricantes, ya que la parte del movimiento les interesa mucho y todavía tienen que investigar mucho hasta que el robot pueda moverse mejor. Decidí que haría el espectáculo con los autómatas musicales, las partes de video que suelo utilizar para mis espectáculos y los robots humanoides que me acababan de presentar. Ahí empezó la aventura y primer paso del espectáculo.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué te ha inspirado?…
Ha sido largo, han sido casi tres años desde que tuve la idea hasta que he acabado el espectáculo. Siempre me ha gustado utilizar la tecnología, pero sabía que es algo lento y pesado y que tiene otro ritmo diferente al del bailarín en un estudio. Entonces, empecé mucho antes con las máquinas que con los bailarines. Sé el ritmo de los bailarines pero no sabía el de las máquinas y tenía miedo de que las máquinas me superaran y comencé con un programador que venía conmigo al estudio. Yo tenía que entender cómo funcionaba la programación de un robot y cómo podía darle una coreografía. Te das cuenta de que es muy lento, manipular mucho, es un trabajo de animación: le pones la mano en un sitio, lo grabas, subes un poco la mano, lo grabas…pero la pierna ya la has tenido que mover antes y grabarlo y tener mucho cuidado para que no pierda el equilibrio entre un movimiento y otro… es bastante complicado, lento y al principio frustrante porque llevaba cinco horas y no había conseguido que diesen un paso… Primero me tuve que adaptar a ese trabajo y saber cómo funcionan para poder saber lo que iba a hacer.
Por otro lado, con las máquinas musicales teníamos el mismo problema…hay que componer la música expresamente para esas máquinas, ya que no tienen todas las notas musicales, son instrumentos musicales y algunos tienen tres notas, dos sonidos… y entonces Tao Gutierrez, el compositor al que pedí toda la música, se tuvo también que ir a Tokio, pasar tiempo con las máquinas para entenderlas y cada uno intentábamos avanzar para tener, cuando llegaran los bailarines, una parte del trabajo hecho, porque sino era imposible.
Luego llegaron los bailarines, después de saber cómo funcionan las máquinas y como se programan, y en el estudio se empieza a trabajar… Primero organicé una parte de trabajo sólo con los bailarines y luego ya los juntábamos a las máquinas y a partir de ahí venían todos los problemas, muchísimos, la máquina se aceleraba, la música se cortaba, el robot se caía… todo era una superación de problemas…poco a poco y día tras día, y ante la desesperación de todo el mundo, conseguimos todos adaptarnos a ese ritmo de las máquinas y tener un poco de paciencia… a veces hasta se iba el wi-fi y había que parar, el ordenador que se bloqueaba, … los bailarines a veces se desesperaban también… no era un ensayo normal de esos que empiezas de arriba a abajo… al minuto teníamos que parar… pero día tras día superamos los problemas. El proceso duró 4 meses todos juntos y como un año desde el momento en que tengo las máquinas hasta el estreno.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como creadora?…
Yo no hago balances… En realidad en el momento en que acabo un trabajo ya estoy pensando en el siguiente. Sobre todo vivo experiencias, cada trabajo para mi es una experiencia y es un periodo de mi vida que corresponde a un estado de ánimo, a algo que he vivido y cada trabajo corresponde a un periodo, a cómo estaba en mi vida y porqué lo hice y durante el momento en que vivo ese proceso, estoy metida en algo, me lo paso superbien y me divierto un montón y cuando ya salgo de ese proceso, que ya siento que lo he acabado, porque no es el día del estreno, sino que a veces tardo un par de meses más mientras el espectáculo gira y lo veo, lo analizo, lo cambio, lo arreglo… y hay un día en que lo dejo en paz y me vuelve a arrancar la capacidad de crear. Pero mientras tengo un proyecto es un bloqueo que me cuesta pensar en otro proyecto…aunque a veces se me han juntado varios… Muchas veces tengo que esperar meses para que de entre las ideas que tengo una coja más fuerza.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he visto es el de Benjamin Milpied, el que va a ser director de la ópera de París, y era un espectáculo interesante con piezas de cuatro coreógrafos invitados, cada uno con personalidades diferentes y a la vez con cierta unidad con lenguajes comunes y a la vez completamente diferentes y me apetecía verle porque es el referente de la ópera de París y viene de estar muchos años en Los Ángeles y es una personalidad en la danza. Me gusta ver el trabajo de otros coreógrafos.
¿Conoces el estado de la danza contemporánea en España?…¿Qué referentes internacionales tienes en la danza?…
Es una catástrofe, pero no es de ahora, ha sido siempre una catástrofe. La pena es que no ha evolucionado mucho en todos estos años. Me fui de España por desesperación, no sé si me habría quedado si la danza estuviera mejor. Tenía la sensación de tener un paredón delante, de estar encerrada ante una muralla. Sentí claramente que no iba a crecer. Tenía mucha energía y ganas pero es como cuando estás encerrado…y lo sentí como una necesidad fuerte el tener que salir e irme para poder crecer y, realmente, es lo mejor que hice en mi vida, porque creces con la experiencia y la posibilidad de crear, nadie es crear, pero si tienes la posibilidad de crecer y crear como artista hay que intentarlo y eso solo te lo permite la creación, darte hostias y trabajar día a día… Para mi la creación es como un músculo, hay que ejercitarlo e ir mejorando, pero si no puedes, y es el caso aquí, porque es muy difícil crear si no tienes un contexto, ayudas… las compañías están solas y no tienen ningún tipo de ayudas y como artista es difícil crecer en esas condiciones. No es cuestión de ganar dinero en la danza… aunque seas el mejor del mundo no genera grandes beneficios, es una economía pequeña, pero por eso es importante el apoyo, que te arropen, que haya teatros que te programen, gente interesada… En Francia los teatros tienen la programación hecha con un año de antelación, tienen los teatros con su público y te hacen promoción, en España no. Incluso hay teatros que te ayudan en la producción. Tienes compañeros y no estás solo, aquí no.
¿Proyectos?…
Tengo siempre mil… el problema es decidir cual. Estoy haciendo un rodaje de una adaptación de mi espectáculo «Electro Kif» al cine y tengo otro proyecto cinematográfico, otro espectáculo con el que voy a empezar a trabajar, otra cosa en Nueva York, otra en Buenos Aires…
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/robot-danza-blanca-li/
Kiss & Cry dentro del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Cuando era niño, había un programa en televisión que se llamaba las manos mágicas, era un micro espacio en medio de la programación de noche que mostraba unas manos enfundadas en unos guantes blancos que hacían magia en primer plano, magia sencilla y efectista que abría el telón de la madrugada. Ayer volví a ver ese programa pero en escena, en una pantalla gigante se iba componiendo el viaje sensorial y emocional de unas manos que van narrando un cuento con pequeñas e impactantes coreografías. Las manos son cuerpos que se aman, bailan o muestran fantasmas de la memoria. Un complejo trabajo entre la danza y las artes visuales. Una experiencia inquietante ya que disfrutamos de los pequeños momentos en espacios mínimos al tiempo que observamos el truco que los manipuladores realizan para crear estas ensoñaciones…Y como resultado, la proyección de ese montaje en directo de las grabaciones que se realizan paso a paso. Un espectáculo que va de lo mínimo a lo gigantesco pero no de manera ostentosa, no hay una necesidad de impactar por impactar si no de mostrar los pequeños recovecos de las manos protagonistas.
Adolfo Simón
«La Cenicienta» de Malandain en los Teatros del Canal
Los cuentos reflejan muchas veces la realidad. Imitan a la vida idealizándola y haciéndola más bella. «La Cenicienta» de Perrault y de los hermanos Grimm ha tenido muchas versiones y visiones a lo largo de la historia, unas más poéticas, otras menos. Malandain y el el Ballet Biarritz nos traen una versión «moderna» de esta cenicienta, con unos Louboutin debajo del brazo y que se fija más en los vicios y perversiones de la sociedad, en la hipocresía de las reuniones sociales y de las relaciones protocolarias que en el amor y los flechazos principescos en los bailes de palacio. La protagonista queda eclipsada por una madrastra y hermanastras travestis que llevan la voz cantante y a las que no les interesa el amor ni la pasión. Lo que ellas quieren es estar en los saraos modernos, posar en el photocall y llenar su armario con zapatitos para superar con creces a Imelda Marcos.
Las palabras de Massenet en las que se ha inspirado el coreógrafo dicen que Cenicienta «nace para escapar a la negrura de las cosas demasiado reales, para olvidar la humanidad que sangra, la ignorancia y la necedad humanas». El objetivo ha sido conseguido y nos encontramos con una protagonista que está fuera de este mundo y que flota sobre la mediocridad que le rodea. El ballet Biarritz destaca por una ejecución muy correcta y una depuración en el estilo Neoclásico que no tiene nada que envidiar a muchos ballets europeos. El decorado y vestuario de Jorge Gallardo destacan ya que no hacen más que acentuar lo que Malandain nos quiere transmitir. Son pocos medios, sencillos pero eficaces: quedamos sorprendidos por un escenario minimalista pero plagado de zapatos escrupulosamente ordenados que nos sumergen desde el principio en este cuento bailado con música de Prokofiev.
La cenicienta y su corte estará en los Teatros del Canal del 3 al 6 de Abril. Si asisten, no olviden el tacón de aguja.
Luis Mª García Grande.
Marisa Martins nos habla de su larga trayectoria en el mundo de la lírica
¿Cómo fueron tus inicios en el canto y el teatro operístico?…¿Realizaste otras facetas además de lo relacionado con la música?…
Desde pequeña me gustaba cantar. La profesora de música de mi escuela, que había sido soprano, intuyendo que tenía condiciones, se ofreció a darme algunas clases de técnica vocal cuando tenía unos 10 años de edad. También por aquella época cantaba en bodas en la iglesia y de ello provenían mis “pequeños ahorros” ya que en casa no teníamos semanada ni nada que se le pareciera.
Pero el canto era simplemente un hobby porque yo pensaba que era un mundo inalcanzable. Hasta que a los 17 o 18 años tomé clases con un tenor del Teatro Colón de Buenos Aires y de pronto vi que el mundo de la música y el teatro era accesible para gente “normal” como yo. Fue entonces cuando dirigí todos mis esfuerzos hacia él.
Mientras estudiaba, antes de poder comenzar a ganarme la vida (primero como cantante de coro y luego como solista), trabajé como vendedora en una casa de electrodomésticos, también como secretaria de un estudio contable, y en varias oportunidades vendiendo enciclopedias en escuelas (mejor dicho intentándolo, porque si mal no recuerdo no vendí ni una!!!! Definitivamente no era lo mío…)
Al entrar con una beca en el Coro de Cámara del Palau de la Música de Barcelona comencé a ser cantante profesional. Allí tuve oportunidad de hacer mis primeros “solos” y luego toda mi carrera se fue desarrollando casi sin darme cuenta.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Es mi sueño de vida; es un cuento de princesas hecho realidad.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Un balance más que positivo! Vivir haciendo aquello que deseas es un verdadero lujo. Quejarme de lo que no he logrado sería ingratitud, aunque en estos tiempos que corren, algunas veces haya más temores e incertezas que gozo.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro musical y operístico que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
La verdad es que no encuentro gran diferencia, sólo que todo se hace en tiempos más comprimidos, con un poco más de prisa para reducir costos.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Para mí no es una sino muchas las funciones las del teatro: entretener, emocionar, abrir los corazones y las mentes, hacer reflexionar, mantener vivo el arte, sensibilizar…
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Pues este último año he hecho como de costumbre un poco de todo: óperas, recitales oratorios, grabaciones.
De entre los recitales, destaco un programa sobre la relación Catalunya-América, con compositores como Granados, Mompou, Montsalvatge, Ginastera, Jaime León y Piazzola, que con el pianista Mac McClure llevamos a puntos tan distantes como Texas y Sitges.
También me hizo mucha ilusión estrenar obras de Miquel Ortega y Ernest Borràs, esta última con un combinación curiosa de contrabajo y voz!
Estos conciertos nos sirvieron para preparar una grabación, que espero salga pronto, de las Tonadillas de Granados.
El género del oratorio me dio la posibilidad de celebrar el centenario del nacimiento del gran escritor catalán Salvador Espriu, con un “Requiem a la memoria de Salvador Espriu” de Xavier Benguerel. Intenso, dramático.
La ópera me llevó 2 veces al Teatro Liceu de Barcelona. Una con “Il turco in Italia” de Rossini donde la puesta en escena de Christof Loy resaltaba en todo momento la genialidad de Rossini en la ópera cómica. La otra fue la “Cendrillon” (Cenicienta) de Massenet, que llegó por Navidades para llenarlas de magia con un puesta en escena de Laurent Pelly que nos hizo interpretarla como si fuéramos personajes de dibujos animados.
Y después de todo esto desembarqué aquí con “Viva Madrid”…
¿Cómo surgió tu participación en Viva Madrid?…Háblanos de tu trabajo en él.
Con anterioridad había recibido propuestas para cantar en los Teatros del Canal, pero que por una cosa u otra no pudieron ser.
Esta vez, me pidieron que audicionara para cubrir uno de los dos papeles femeninos.
Así lo hice y parece que les gustó porque ahora estoy aquí
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…¿Y con el resto del equipo?…
Yo no tengo mucha experiencia en el mundo de la Zarzuela, no porque no me guste sino porque simplemente se han dado pocas oportunidades. Por esto, ante un espectáculo de este género, me pongo totalmente en manos de los directores, tanto musicales como escénicos. En el caso de “Viva Madrid” no hay duda alguna de que quienes nos dirigen son verdaderos conocedores de la zarzuela. Esto me da mucha confianza y a la vez es una gran oportunidad para aprender.
El resto del equipo, todos de gran calidad artística y humana… un verdadero placer.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Lo más inmediato es el 9 de abril, aquí en Madrid. Es un recital de canto y piano en la Fundación Juan March, sobre “El universo musical de a la generación del 14” (Debussy, Ravel, Falla, Mompou, Toldrà, Esplá y Turina). ¡Os espero!
Más adelante “cruzaré el charco” para dar unas clases magistrales en la Universidad de Bogotá y varios recitales.
Un oratorio no puede faltar, esta vez será el Réquiem de Mozart con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León.
De ópera… volverá a tocar Rossini en el Liceu de Barcelona. Esta vez interpretaré la Berta en el Barbero de Sevilla, con puesta en escena de Joan Font. Pero esto ya pertenece a inicios de la temporada que viene.
Grabaciones…. Uy… tenemos una pila de proyectos con Mac McClure que iremos colocando en nuestro “tiempo libre” así que no puedo concretar.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No soy ni economista ni política pero desde luego no le están haciendo ningún bien.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Hace unos años fui a ver “La hipoteca” en Microteatro por dinero. Fue un experiencia conmovedora hasta la médula, y el fin de semana pasado decidí volver a aquel sitio tan especial para llevar a mi niña de tres años a ver “Guardianas del Tesoro”. Lo que me interesa es la propuesta de Microteatro por dinero en sí misma. Es tan asequible como salir a dar un paseo y de pronto tener ganas de zambullirte en el teatro en estado puro, sin parafernalia, sin mucha planificación por parte del espectador. Lo que allí se produce es pura magia. Parte de tus sentidos perciben ecos y aplausos de otras salas, pero tú estás totalmente atrapado en aquel minúsculo espacio, donde el tiempo se detiene de tal manera que 15 minutos son capaces de eternizarse y darte la esencia de toda una obra de teatro. Respirando, sintiendo y viviendo el teatro en perfecta comunión con los actores. ¿Qué más se puede pedir?.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Creo que los tiros van justamente por lo que acabo de explicar. Así como una mujer no necesita maquillarse, cambiarse el color de pelo y vestirse de Armani para transmitir su verdadera belleza, el verdadero teatro necesita de muy poco para transmitir su arte. Yo concentraría los pocos recursos económicos en permitir a los artistas vivir para hacer teatro en lugar de malgastarlos en el “envoltorio”. Sobre todo hablo del mundo de la ópera que es el que mejor conozco.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/viva-madrid-zarzuela/
Illumination de Nehara Dance Group dentro del Festival de Arte Sacro en los Teatros del Canal
Dentro de la edición número veinticuatro del Festival de Arte Sacro se ha presentado Illumination de Nehara Dance Group en los Teatros del Canal. Un espectáculo de danza con técnica estilizada en el que las bailarinas demostraron destreza y sensibilidad. Aunque lo más interesante a destacar de esta propuesta sería el contenido del tríptico, una reflexión sobre la mujer y su participación en la religiosidad y cultura judía. Sin duda, una oportunidad de conocer más a fondo el mundo poético de esta comprometida compañía.
Adolfo Simón
EL CASTIGO SIN VENGANZA en los TEATROS DEL CANAL
Ernesto Arias dirige este conocido y hermoso Lope de Vega trágico, con montaje acertado que se resuelve con una espléndida escenografía original de Almudena López Villalba, una hermosa iluminación de Chaine Yavroyan y un movimiento de actores en escena que crea unas realidades continuas, superpuestas y oníricas que llenan de belleza los ojos. Propuesta actual de la Fundación Siglo de Oro (RAKATá), en la que el verso está muy bien dicho en general, lo que hace comprensible toda la historia, algo que se agradece desde el público, con un efectista final que se queda en la retina como un cuadro barroco, hermoso y trágico. Destacar cómo no a Julio Hidalgo, siempre creíble. Alejandro Saá que se dobla en narrador y criado y que juega tan bien las intenciones del verso. Jesús Fuente, un Duque que transmite seguridad y experiencia. Elena González como Lucrecia, una madrastra dulce y generosa que termina amando con toda la pasión del amor y Pablo Gómez Pando, que defiende con mucha dignidad el personaje de Federico. El resto muy bien. Un grupo compenetrado y compensado. El público abarrotaba la Sala Verde de los Teatros del Canal y la ovación fue grande y merecidísima, así sale uno del teatro encantado de pasar dos horas entretenido y feliz.
Ángel Savín
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-castigo-sin-venganza-teatro/
ENSAYANDO DON JUAN EN LOS TEATROS DEL CANAL
La sala Roja de los Teatros del Canal, ha presentado estos días la obra de Albert Boadella, basada en la versión del Don Juan Tenorio de Zorrilla realizada por Eduardo Galán, “Ensayando Don Juan”, escenografía de Anna Alcubierre y el propio Boadella; hermosa y acertada iluminación de Bernat Jansá. Por milagros del teatro, el rebelde y vanguardista Boadella, que dirige la función, elige como protagonista al tradicional y conservador e inmenso Arturo Fernández y, milagros del teatro, acierta de plano.Una propuesta de deconstrucción del mito machista por excelencia, en manos de una directora, Mona Martínez que subraya todo el extremismo de estas posturas y dirige unos ensayos enloquecidos en los que contrasta lo joven con lo viejo o anticuado y contrapone las formas tradicionales de hacer teatro con lo supuestamente vanguardista, para decirnos que aunque hay que evolucionar en propuestas y formas, no se puede prescindir de la maestría y la excelencia, ya que ésta perdura siempre, como los versos de Zorrilla. Juanfri Topera –Manolo el técnico- está fantástico, el resto del elenco cumple bien su función. Pero señoras y señores, el teatro estaba abarrotado hasta la bandera por un público seguidor fiel de Arturo Fernández, al que jamás decepciona, los comentarios eran superlativos, la ovación rotunda y repetida y me pregunto ¿hay algún otro actor al que la gente vaya a ver haga lo que haga? Arturo Fernández es de una estirpe de la que por desgracia ya casi no quedan. Larga vida D. Arturo.
Ángel Savín
LOS TEATROS DEL CANAL CELEBRAN SU QUINTO ANIVERSARIO
LOS TEATROS DEL CANAL CELEBRAN SU QUINTO ANIVERSARIO SORTEANDO UN ABONO DOBLE DE UN AÑO DE TEATRO GRATIS
A través de su fanpage en Facebook, los Teatros del Canal lanzan un concurso en el que los participantes pueden ganar 1 abonos dobles para disfrutar de todos los espectáculos de los Teatros del Canal durante un año. Solo será necesario hacerse fan y comentar qué les gustaría ver en el escenario de las dos salas.
Ciclo de conferencias y encuentros con el público organizadas por Rakatá
Ciclo de conferencias y encuentros con el público. El próximo viernes 28 de febrero, en la Casa Museo de Lope de Vega, Ramón Valdés (Proyecto Prolope.UAB) presentará ‘Restaurar la palabra de Lope: la edición de las comedias’. El viernes 7 de marzo pero en la Sala de Prensa de Teatros del Canal, ‘Sinergias y diferencias entre el Teatro del Siglo de Oro y el Teatro Isabelino’ será impartida por María San Miguel (Fundación Siglo de Oro); mientras que jueves 13 de marzo, nuevamente en la Casa Museo de Lope de Vega, Jonathan Thacker (Oxford University), presentará ‘Lope de Vega pensador’. La última de ellas será el viernes 14 de marzo en Teatros del Canal, ‘Lope de Vega y los archivos de la memoria’ por Carlos Peña (Proyecto Prolope. UAB). El horario de los cuatro encuentros será a las 18:30 horas.
Más info en: http://www.teatroscanal.com/
Albert Boadella nos habla a QRLA de sus últimas experiencias en la escena y la gestión.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé por la expresión corporal pero mejor no recordar tanta ingenuidad y tanta vanidad de juventud. Por suerte no existía entonces el video.
¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
En los inicios era muy complicado ganarse la vida como titiritero. Mi padre tuvo el acierto de obligarme a aprender el oficio de grabador y cincelador de metales preciosos. Ello me permitió sobrevivir alternando con la escena y conocer el proceso de un oficio artesanal como también lo es el propio teatro.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
No puedo hacer una descripción demasiado detallada porque he disfrutado tanto, que mis enemigos podrían suicidarse o aun peor, atentar contra mi vida.
¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Lo que más ha cambiado ha sido la actitud de público. Hoy los espectadores tienen la piel más gruesa. Los medios les han vuelto menos sensibles ante lo que puede suceder en el escenario. Si a ello sumamos el desenfrenado consumismo cultural, se produce la metabolización de lo visto en cuestión de horas, después se olvida y a otra cosa mariposa.
¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno puede tener multitud de ideas, pero lo esencial son aquellas cosas a las que intuyes las posibilidades de ser convertidas solo en teatro y esto aparece muy esporádicamente. Casi nunca he trabajado con propuestas ajenas y no por desprecio pues me encantaría realizar encargos, sin embargo, es muy difícil que alguien se adapte a una forma de trabajo tan personal y tan poco convencional.
¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
La clave de los grandes éxitos de Joglars es precisamente haber creado unos equipos muy duraderos que han significado una forma de escuela para todo aquel que entraba de nuevo. Sin esta dinámica de tradición todo es como empezar de nuevo cada vez.
¿Qué ha sido lo más importante vivido en Joglars?…
Desarrollar un trabajo con absoluta libertad al margen de las corrientes mayoritarias de pensamiento y a veces en su contra. Un trabajo, en el cual el público ha sido quien lo ha financiado en su mayor parte, o sea, que no se dependía de las administraciones culturales.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Escribí y puse en escena El Pimiento Verdi que fue mi homenaje personal al bicentenario del nacimiento de Verdi y Wagner. Me divertí mucho montándolo y el público se divirtió en la misma medida ¡Bingo! Después empecé a escribir Ensayando Don Juan.
Háblanos de Ensayando a Don Juan…¿Cómo surge?…¿Cómo ha sido el proceso?…
Hacía muchos años que deseaba hacer algo con Arturo Fernández. Don Juan es algo que en España está ligado directamente con su persona. Es el último galán seductor de nuestro teatro. Se trata de un gran actor que a su edad ha sido capaz de asumir el riesgo que significa entrar en una forma tan peculiar de trabajo. Se ha integrado magníficamente a un equipo de jóvenes actores y simula ante ellos un enfrentamiento generacional en la forma de entender el teatro, el amor y la vida. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ensayando-don-juan-albert-boadella/
¿Qué balance haces de tu gestión en los Teatros del Canal?…¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Mi gestión ha sido distanciarme de la forma como se dirigen los teatros públicos en Europa. Hacer precisamente lo contrario. Todo se hace según el gusto de su director. Yo he pensado esencialmente en el gusto de todos los contribuyentes que son quienes pagan esos teatros y obviamente son gustos muy variados. www.teatroscanal.com
¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Ya estoy realizando muchas cosas que jamás me hubiera imaginado. Entre ellas programar más de cien eventos por año. En lo personal me hubiera gustado ser torero pero ya veo que eso no lo podré realizar ni tan siquiera de salón.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Ponerle más dificultades a un sector ya de por sí tan frágil es un acto de inconsciencia o de sadismo. Me gustaría pensar que solo es consecuencia de lo primero pero en España hay un sector de la administración política que considera el teatro como algo residual y aburrido.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Emilia, porque es una pieza sencilla, inteligente y muy bien actuada. No se puede pedir más.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aprovechar las dificultades y saber jugarlas a favor. Es precisamente, en la forma de enfrentarse a ellas como más se aprende la construcción del arte, el cual tiene como base: Con lo mínimo lo máximo. Nunca lo contrario.
Garage D´Or de Familie Flöz en los Teatros del Canal
La Compañía Familie Flöz son unos precursores del lenguaje de la mímica más allá del concepto de expresión corporal, ellos han creado una manera personal de mostrar mundos y personajes en silencio. Los seres que muestran con máscaras de un hiperrealismo inquietante nos sumergen en extraños espacios donde los gags y la poesía se dan la mano. Hasta ahora había una maquinaria endiablada teatralmente hablando que nos seducía en gran medida a los que estamos en el patio de butacas. Sencillez y efectismo eran dos etiquetas muy habituales en su trabajo. En Garage D´Or dan un salto cuantitativo a nivel espectacular, introduciendo filmaciones en la dramaturgia que por momentos nos distrae del juego precioso de los intérpretes, no obstante, siguen siendo unos maestros a la hora de mostrarnos la realidad desde otro punto de vista. ¿Cómo vería nuestro mundo alguien suspendido en el espacio?.
Adolfo Simón
Emilia de Claudio Tolcachir en los Teatros del Canal
Las casas son contenedores de muebles y emociones, cuando el tiempo pasa por ellos, se evaporan para dejar paso a los fantasmas. Esta podría ser una breve e improvisada descripción del montaje de Emilia que se presenta durante este mes en los Teatros del Canal; sobre todo por la lectura escénica que nos propia el inquietante espacio que ha diseñado Elisa Sanz. En esa casa hueca transitan los personajes del presente y el pasado para tratar de encontrar las claves de su existencia. De nuevo, Claudio Tolcachir escribe un texto sobre la familia y los misterios que conllevan las relaciones de sus integrantes. Aquí, con un equipo de actores españoles, teje una telaraña inquietante que nos atrapa entre las mil y una preguntas que surgen a cada momento.
Adolfo Simón
Alchemy de Momix en Los Teatros del Canal
Momix siempre es una garantía de éxito, cada vez que se presentan sus espectáculos en Madrid se agotan las entradas, ya es una Compañía de gran público. Sus propuestas tienen ingredientes para todo tipo de espectadores, para todas las edades y gustos. En esta ocasión, con Alchemy, Moses Pendleton ha dado un salto creativo importante, es como si hubiese un antes y un después de esta obra. Los cuatro elementos crean los cimientos para que los acróbatas-bailarines se sumerjan en unos rituales intensos y enigmáticos donde no hay nada superfluo, la estética y los dibujos corporales van creando paisajes de mundos de ensoñación fascinantes. Es un espectáculo arriesgado que sigue conjugando la poesía y el movimiento personal de Momix.
Adolfo Simón
Reinas del marabú de Reina Reech en los Teatros del Canal
Dicen que Buenos Aires es el Paris del sur y algo de verdad hay en esta leyenda, pasear por sus avenidas, a veces, te hace sentir en el corazón de la ciudad de la luz. Y creo que a nivel teatral, también es muy parisina, tiene ofertas de todo tipo de teatro y hay propuestas en los lugares más insospechados de la capital bonaerense. Se está instalando en Madrid, la costumbre, en los Teatros del Canal, de combinar en Navidad el mazapán con el cabaret picante. Hace un tiempo nos visitó el Crazy Horse y este año viene Reina Reech, directamente del Maipo Kabaret de Buenos Aires a presentarnos Reinas del Marabú. Durante una hora y pico, desde un ambiente de cabaret y con copa de cava en las manos, el público se puede deleitar con una sucesión de números exóticos donde el desnudo femenino es el rey, para enlazar cada sckets, la maestra de ceremonias transita entre el público intentando conseguir que desvelen sus más íntimos secretos.
Adolfo Simón
Peter Pan de Ananda Dansa en los Teatros del Canal
La historia de Peter Pan es conocida por todos, la hemos leído, visto mil veces en el cine en diferentes versiones y también la hemos disfrutado en teatro con diferentes dramaturgias. Ananda Dansa recupera el montaje que hicieron de esta obra hace años para mostrarlo en la sala grande de los Teatros del Canal. En un escenario enorme como es el de la sala roja, podría haber quedado perdido en el mundo de nunca jamás y sin embargo, la adaptación que se ha hecho al retomar esta propuesta, consigue lucir estupendamente en este escenario. Hay una síntesis justa de lo que hay que trasladar de la novela a la danza, a menudo hay demasiados movimientos explícitos que tratan de contarnos con movimientos lo que expresan las palabras y es un error, por suerte, Ananda Dansa y su equipo creativo logran atravesar la historia de Peter Pan usando el lenguaje de la danza. Además, hay vistosidad en la puesta en escena con pocos pero muy efectivos efectos y los bailarines tienen una técnica y entrega estupenda.
Adolfo Simón
Exposiciones en teatros
Aprovechando la presencia de L´Om imprebis en los Teatros del Canal hay una exposición sobre la Compañía en el hall de la Sala verde…y El Certamen Coreográfico de Madrid también muestra fotos de su historial en el Conde Duque durante este fin de semana.
Los Teatros del Canal de la Comunidad buscan los nuevos talentos de las artes escénicas
· Se pueden presentar proyectos en las categorías de teatro, danza, espectáculo musical, circo y artes alternativas
· Los internautas y un jurado profesional seleccionarán 60 obras que se representarán ante el público
· En mayo se conocerán los proyectos ganadores en cada categoría, que recibirán una ayuda por valor de 1.000 euros
· El ganador absoluto recibirá un premio por valor de 5.000 euros para desarrollar su proyecto
La consejera de Empleo, Turismo y Cultura presentó hoy la segunda edición de Talent Madrid, una iniciativa de apoyo a los creadores y de búsqueda de talento que se desarrolla en los Teatros del Canal en colaboración con Talent Festival. El concurso, laboratorio de creación y festival tiene como objetivo descubrir e impulsar a nuevos talentos de las artes escénicas -creadores, dramaturgos, coreógrafos y compositores-, así como propuestas de artes alternativas con un espectáculo original.
Mariño explicó que el Gobierno regional ha redoblado los esfuerzos para impulsar nuevos proyectos empresariales de danza, teatro, música y cine en 2013. En concreto la Comunidad de Madrid ha destinado en 2013 37,7 millones de euros para gestionar la programación de espectáculos y la promoción de la actividad escénica. La consejera declaró que en 2014 se han aumentado las ayudas a las empresas del sector para la realización de nuevas producciones en un 8,8%, lo que contribuirá a dinamizar la cartelera madrileña y a generar puestos de trabajo.
En la presentación de esta mañana, Mariño estuvo acompañada por el director artístico de los Teatros del Canal, Albert Boadella, y de la directora artística del festival, Monica Hamill.
Tras el éxito de la convocatoria 2013, en la que más de 450 aspirantes presentaron sus proyectos y asistieron 3.100 espectadores, Talent Madrid vuelve a los Teatros del Canal con el objetivo de dar visibilidad y ofrecer oportunidades a todos aquellos creadores con una idea innovadora para poner en marcha un espectáculo de teatro, de danza o musical, sin importar el nivel profesional en el que se encuentren.
Este año se incorpora a la programación la categoría circo y artes alternativas, en la que tendrán cabida propuestas no convencionales como circo, cabaret, burlesque o comedia de sketch.
Talent Madrid se desarrolla en varias fases: convocatoria, presentación de proyectos en la plataforma online, votaciones populares en las redes sociales, desarrollo creativo de las obras seleccionadas en los Teatros del Canal y exhibición de las mismas en Talent Madrid 2014.
Talent Madrid comienza en Internet
Para participar en este festival solo hay que contar con una idea original, una cámara y acceso a Internet. Se dirige a todos los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y residentes extranjeros mayores de 18 años. Del 13 de diciembre al 13 de febrero, los participantes deberán subir a la plataforma un vídeo de hasta dos minutos donde muestren la esencia de su idea. Las obras deben ser originales y no haber sido producidas comercialmente.
Combinando la opinión de un panel de expertos, de reconocida trayectoria en el panorama de las artes escénicas, y la votación popular en Internet saldrán los nombres de los 60 finalistas. La votación estará activa del 14 al 28 de febrero de 2014. Desde el inicio del concurso, los vídeos serán visibles y participantes e internautas podrán comenzar a difundirlos en las redes sociales, lo que hace de Talent Madrid una iniciativa interactiva, dinámica y colaborativa.
Y termina en el escenario
El 4 de marzo se hará público el listado de 60 finalistas. A partir de ese momento, la dirección del festival, junto con otros mentores, se encargará de asesorarles en aspectos artísticos y técnicos durante el ensayo de una versión de 8 minutos de su obra, que se exhibirá finalmente ante el público de Talent Madrid.
Los ensayos en los Teatros del Canal tendrán lugar del 24 de marzo al 12 de abril de 2014 y cada grupo tendrá una sesión de 3 horas con los mentores. Del 23 de abril al 3 de mayo, los montajes podrán ser vistos por el público, de modo que estos creadores podrán mostrar sus proyectos originales en uno de los mejores espacios escénicos del país.
En la gala final, que se celebrará el 3 de mayo, se decidirán los ganadores. Primero se elegirá una obra por cada categoría, que recibirá una ayuda económica por valor de 1.000 euros. Y de éstas, el proyecto más valorado se convertirá en el ganador absoluto de Talent Madrid 2014 y será galardonado con un fondo de recursos por valor de 5.000 euros para el desarrollo de su proyecto.
Toda la info en
talentmadrid.teatroscanal.com
Talent 2014 en los Teatros del Canal
30 de Diciembre a las 10´30 en la Sala Verde
Confirma tu asistencia llamando al: 913089999
Reina Reech creadora de Reinas del Marabú
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?… El teatro para mi es mi vida, Artista de profesión heredada de mis padres, que desde la cuna me llevaron a recorrer los camerinos y los escenarios del mundo. Profesión elegida, la de Autora y Directora, resultado del recorrido de mi vida y significante de lo divino en mi, expresada en palabras,hechos artísticos múltiples.
¿Qué balance haces sobre tu trayectoria?…He gozado en el escenario, el aplauso del público, recorrí mi carrera como actriz en novelas de tv, como conductora, cantante y bailarina en mi ciclo infantil llamado Reina en Colores, he vendido mas de 2 millones de discos, siento un profundo amor por lo que hice y hago, sublimo mi lugar de creadora y lo elijo, pues siento que es un puente a lo sagrado.
¿Cómo surge el proyecto de Reinas del Marabú?…Háblanos de él… Surge ante la propuesta de Lino Patalano, Dueño del Maipo Kabaret, que tubo la idea de hacer un espectáculo creado para ese Magico ámbito algo que hicimos realidad y que en breve verán en Madrid, desde el 19/12/13 en los Teatros del Canal – Sala verde.
¿Cómo ha sido el proceso de creación?… jajajaja Una noche de insomnio, del mismo día en que Lino me propone la idea, creyendo que no se me ocurriría nada, de pronto surgieron en mi los personajes Mitológicos que hoy representan mis Reinas en el espectáculo.
¿Qué te mueve a poner en pie un proyecto?… Las ideas que me surgen, la verdad en que las apoyo y las creo, ese fantástico mérito que surge de cuando veo un brillante camino, que me inspira.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?… Conectar con lo divino, no parar…no puedo, no se, no debo, no creo, pisar el limite, perforarlo, que nazca lo autentico, lo no sabido.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?… Muchas, me nutre el teatro, me divierte, lo mejor que he visto últimamente es LOVE, en Las Vegas, es grandioso esta basado en música de los Beatles, ídolos de mi juventud!!!.
¿Proyectos?… Varios, tengo en argentina tres escuelas de Arte, que son mi proyecto permanente, estoy terminando de escribir una comedia musical, que pondré en escena en el 2014, tal vez con mi vuelta a los escenarios en ella, algunos proyectos de TV y un gran deseo de seguir expandiendo mi creatividad en el mundo, Reinas del Marabú en Madrid es el primer paso hacia ese deseo.
Nameless Hands de Noism Company en los Teatros del Canal
Nameless Hands recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’, lo que le valió a la compañía Noism el prestigioso Asahi Performing Arts Award en 2008, el año de su estreno. En el escenario, y vestidos completamente de negro (como si no existieran), los “Kurogo”, personajes del teatro tradicional japonés, aparecen en esta obra como metáforas del tiempo…la imaginación, el deseo o la ambición con los que se manipula la vida de las muñecas-humanos, de los objetos y del drama en sí mismo. El decorado se componía en su totalidad de materiales de segunda mano, como una reivindicación del significado de su existencia, en contra de la rápida evolución tecnológica que ha acelerado las necesidades de consumo. En este trabajo hay dos niveles destacables, por un lado la espléndida técnica de los intérpretes tanto en la composición de los seres inanimados como cuando se meten en la piel de las sombras. Y la estética personal del espacio escénico y máscaras que crea múltiples planos sensoriales de ensoñación. Un espectáculo que ha pasado fugazmente por la cartelera de Madrid y que habría merecido que fuese disfrutado por una mayor cantidad de público.
Adolfo Simón
Anunciación – La Consagración de la primavera del Ballet Preljocaj en Madrid en danza
Ya en el ecuador de la edición del Festival y con un balance bastante positivo de momento, salvo alguna propuesta fuera de contexto, llegó a los Teatros del Canal la Compañía Preljocaj con un programa doble donde se presentaba, con mirada nueva la idea de la Anunciación. Aquí se huye de todo referente religioso para mostrarnos lo que podría ser un momento de intimidad en la que una mujer se sumerge en su mundo interior para descubrir la otra cara de su ser. El trabajo de sincronía, precisión y dominio de la técnica por parte de las dos intérpretes junto a la atmósfera espacial de la pieza creaban un espectáculo muy sugerente. En la segunda parte, una propuesta de conjunto donde un grupo de mujeres y hombres, en un jardín conceptual consiguen llevarnos a un viaje lleno de situaciones cotidianas que desembocan en una batalla física llena de tensión y dolor. El equipo de bailarines no tuvo ninguna fisura en su trabajo dancístico, sin duda, uno de los mejores momentos del Festival.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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