Tierra del Fuego en el Teatro Español
Alicia Borrachero, Tristán Ulloa, Abdelatif Hwidar, Juan Calot, Malena Gutierrez y Hamid Krim son los protagonistas de esta escalofriante pero cierta historia que llega a las Naves del Español de la mano de Claudio Tolcachir. Con honestidad y respeto Tolcachir ha puesto en escena una obra que supera con creces las expectativas que muchos nos poníamos antes de entrar a la sala. Una obra que nos hace toparnos con la realidad desde un punto de vista muy diferente, Un encuentro íntimo y vertiginosos entre la victima Yael, una joven azafata de vuelo israelí y él terrorista que lleva 22 años encarcelado por cometer un atentado dónde Yael saldría herida y su compañera y amiga moriría. Esta entrevista se convertirá en la trama principal que Alicia Borrachero es la encargada de dar vida a Yael, defiende y capitanea con sus propias armas, las palabras con un discurso valiente pero muy cuestionable que en todo momento trata de buscar respuestas. Una historia con idas y venidas en medio de un conflicto velico, un recuerdo que se ha ido diluyendo con el tiempo pero que más allá de nuestras fronteras sigue presente cobrándose vidas. Como el propio director relata “Tierra de Fuego es una oportunidad de entrar en la historia, en la eterna esperanza de lograr el encuentro en medio de tantos años de dolor”.
Tierra de Fuego se maneja con habilidad y sutileza por tierras movedizas entre la verdad escénica, lo formal y la realidad de la historia a la hora de contar un hecho verídico mezclado con la ficción. Un texto que trata el dolor de la contienda desde el mayor de los respetos y que ofrece la oportunidad de conocer las dos caras de un mismo problema. Una escenografía minimalista pero muy dinámica que sintetiza junto a los actores, los diferentes espacios que se habitan sin necesidad de grandes modificaciones. Un excelente ambiente sonoro creado música en directo y una cuidada iluminación completan la puesta en escena que se podrá disfrutar hasta el próximo 5 de junio.
Pablo Cano
Gloria Muñoz: El teatro, para mí es…Crear preguntas en la cabeza de los espectadores y provocarles para que busquen respuestas.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Mis inicios se remontan a mis seis años haciendo de Mariposa en la obra «Lentejita» de la Galería Salesiana.
Después, mis inicios profesionales se dan en 1965, primero en el Festival de Hita y enseguida en la Compañía de Amelia de la Torre y Enrique Diosdado.
Luego, en un giro fundamental para mí en 1970, me incorporo a Tábano y al Teatro Independiente.
Allí todos realizábamos otras facetas…yo estuve llevando la pasta (me refiero a la economía de la compañía) unas veces, preparando las giras otras, ayudando a montar los focos, ayudando en la realización de vestuario…y en dos montajes formé parte del equipo de dirección.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí el teatro es básicamente mi profesión, una profesión con la que me gano la vida trabajando mucho (cuando hay trabajo), pero pasándolo muy bien.
Dentro de eso, es una forma de hablar de la realidad, de crear preguntas en la cabeza de los espectadores y de provocarles para que busquen respuestas.
Hago teatro porque es lo que he querido hacer desde mi adolescencia y he ido aprendiendo a hacerlo y a disfrutarlo.
¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Cuando trato de hacer un balance, siempre tengo una extraña sensación de que estoy empezando…de que aún no he dado el paso importante para estar plenamente dentro del teatro.
Pero, aparte de esa impresión, creo que he tenido la suerte de hacer personajes muy hermosos, muy complejos, en funciones casi siempre estupendas, la suerte de trabajar con directores extraordinarios que me han enseñado muchísimo y con textos de autores de los que saben crear personajes de verdad.
¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
En el terreno formal, el desarrollo de las tecnologías ha ido añadiendo posibilidades que, cuando están bien empleadas, sea con grandes presupuestos o con pocos medios, ayudan al desarrollo de las funciones, aunque a veces no son más que fanfarria que entorpece el buen desarrollo del texto.
Un cambio muy importante es la desaparición de la censura explícita. Quiero decir que ahora los que hacemos una función de teatro, desde el autor al actor…nos autocensuramos, demasiado diría yo, y después los productores y los programadores ejercen otra censura a la hora de llevar una obra a la cartelera. Pero, cuando yo empecé las funciones tenían que ser revisadas varias veces por la censura propiamente dicha: eso provocaba ejercicios maravillosos de ingenio para sortearla, juegos de palabras, dobles sentidos, guiños continuos al espectador que se convertía en cómplice.
Hay otro cambio en el terreno profesional. Mis inicios fueron en una época en que luchamos mucho por conseguir derechos laborales. Luego hubo un tiempo en que éstos se respetaron. Pero ahora, como ocurre en todas las profesiones en este país, ha habido un retroceso que aprovecha el miedo a no tener o a perder el trabajo, de manera que se trabajan más horas, los salarios han bajado, muchas veces no se respeta el día de descanso, o se olvida que somos trabajadores por cuenta ajena…en fin que hay que volver a empezar.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Sobre todo la de ser un reflejo vivo de la propia sociedad. Que la gente se reconozca y llegue a conclusiones.
Es muy importante que esté muy vivo, porque ese es el interés actual del teatro frente al cine, la tele o, como dicen los contratos actuales, cualquier otro dispositivo inventado o por inventar. En el teatro el espectador respira y siente al mismo tiempo que el actor y así reconoce los sentimientos y las emociones de una forma más directa, se siente implicado en lo que está viendo y reflexiona.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Este último año, tomado a fecha de hoy, he estado de gira con «Emilia» , una función escrita y dirigida por Claudio Tolcachir, que nos ha dado muchas satisfacciones. Era un trabajo muy emocional y muy sincero donde lo pasábamos muy bien sufriendo mucho.
He participado en una serie de TV, «Bajo sospecha» que ha sido un gran éxito de audiencia.
Y desde febrero estoy inmersa en esta función «El señor Ye ama los dragones» que nos está proporcionando muchas alegrías a todo el equipo.
¿Cómo surgió tu participación en El señor Yi…?…Háblanos de este trabajo…
A mediado de Enero me llamaron del Español para proponerme esta función. Nada más leerla, dije que sí. El texto de Paco Bezerra me pareció excelente, original, que habla de la actualidad, de lo que está pasando, incisivo y muy divertido y el personaje estupendo, con muchas capas y un lado muy oscuro que me apeteció muchísimo. Y además tenía ganas de trabajar con Luis Luque, así que, de cabeza…
Ha sido un trabajo muy interesante, partiendo de crear equipo… porque ninguno habíamos trabajado juntos antes y el resultado en cambio, es muy empastado como sí lleváramos toda la vida haciendo funciones. Tuvimos que ponernos de acuerdo en desde dónde íbamos a trabajar, con qué estilo, aprender a mirarnos y entendernos y desde allí poner de pie una función extraña, parte sainete, parte thriller, parte futurista.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Mi método es absolutamente ecléctico. Empecé aprendiendo Declamación, Expresión Corporal (se llamaban así). Luego hice todos los cursos y cursillos que me pasaron por delante, y sobre todo, he absorbido todo lo que me gustaba de las actrices grandísimas que veía y veo.
Luego, cada personaje se crea un poco en función del tipo de obra y del director: no es lo mismo hacer Las Troyanas con Mario Gas que Emilia con Tolcachir ni El señor Ye…con Luis Luque.
Por lo general, y tratando de sintetizar un poco, estudio y analizo muy a fondo el texto, invento una composición más o menos ligera según sea la obra, lo cotejo con el director… y luego me dejo llevar por la intuición y la relación con los otros actores en las situaciones de la obra.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Están afectando de una manera crucial, naturalmente. Las obras con más de cinco personajes o con complicaciones de montaje sólo las pueden abordar los teatros públicos que luego no las hacen girar o algún empresario arriesgado que no recupera la inversión.
Las giras se acortan porque nadie se atreve a ir a taquilla con ese IVA y los teatros que pagaban cachet fijo, no tiene ahora dinero para hacerlo. Los salarios bajan.
Las salas alternativas programan de manera desaforada, varias funciones al día y funciones distintas cada uno de esos días, de muy diferente calidad.
La profesión se precariza….Para eso se han hecho los recortes y ese IVA, ¿no?.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Últimamente, al estar en el teatro trabajando, voy poco al teatro. Lo último que he visto ha sido «Crímenes de andar por casa» que es uno de esos montajes que se hace un sólo día y a las 11 y media de la noche, lo que es una pena.
Es un montaje muy divertido, pero con un fondo muy ácido, en la línea de nuestros Mihura o Jardiel Poncela y con unos actores estupendos.
¿Proyectos?…
Varios, pero aún no está cerrado ninguno… y de todos es sabido que da mala suerte hablar de ellos.
De momento, viajar y estar con mis nietos que, por cierto, es lo que más vida da para poderla luego poner en escena.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Justamente eso, seguir creando…reunirse con compañeros y hacer cosas y muchos proyectos, pero sin perder de vista que ésta es también nuestra forma de vida, nuestra profesión y hay que pelear para que se mantenga digna.
Puro grupo, nos habla de su trayectoria aprovechando su presencia en Teatralia 2014
¿Cómo surgió vuestra Compañía?…
Puro grupo nació de la necesidad de un grupo de actores de expresarse con un lenguaje determinado y con una consigna conjunta que no era mas que la búsqueda de su propia identidad, siempre dentro de los muy extensos límites del teatro.
Siempre entendimos que una persona representando algo frente a otra crea ya un hecho teatral. De aquí en más el teatro propone infinidad de caminos y el que elegimos con PURO GRUPO es el de no limitarnos y descubrir así un circuito no solamente verbal sino que abierto a otros recursos artísticos como la danza, el canto, la expresión del cuerpo, la acrobacia, etc.
Otro objetivo de PURO GRUPO es el de la investigación teatral como fuente de crecimiento corporativo y personal. El ser un grupo de autogestión nos permite tomarnos el tiempo necesario para investigar profundamente sobre cada uno de nuestros proyectos y decidir cuando están listos para ser representados.
En definitiva, a lo que apuntamos, es a actuar frente a espectadores que puedan elegir lo que quieran ver, para ello trabajamos, porque creemos que el rol espectador se construye: viendo, debatiendo, y discerniendo.
¿Cómo decidís las ideas para cada espectáculo que hacéis?…
Los proyectos en Puro Grupo los decidimos en función de las obras que queremos hacer. En general nos apasionan los Clásicos de la Literatura Universal, y en ellos encontramos nuestra fuente de inspiración para poder luego empezar a pensar en adaptarlos desde el humor (que es la característica del grupo) y ponerlos en escena.
¿Qué balance hacéis sobre estos años de existencia de la Compañía?…
Que el trabajo en equipo es multiplicador en energía y en creatividad. Y que haber trascendido las fronteras de nuestro país, nos enriqueció y nos ayudó a comprender que el Teatro y el humor es un idioma universal.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
La compañía intenta superarse en cada nueva propuesta, sumando nuevas disciplinas y lenguajes expresivos diferentes. Esto nos mantiene vivos, despiertos y en un “aquí y ahora” constante.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Si, absolutamente. El conocimiento del otro nos permite optimizar en tiempo y volvernos mas efectivos a la hora de armar un nuevo proyecto y llevarlo adelante. Pero siempre estamos abiertos a la incorporación de nuevos integrantes que traen nuevos aires y enriquecen el grupo con nuevos saberes.
¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Puro grupo es una compañía autogestiva de investigación teatral. Sobre la base de un libro, Pablo Di Felice trabaja en la adaptación de ese texto y luego ya en el proceso de creación, se investiga sobre todas las posibilidades creativas. En la puesta en escena, el Director canaliza las ideas desplegadas y las capitaliza en pos del espectáculo, siempre atento a la valiosa mirada del afuera.
¿Cómo surgió el espectáculo que presentáis en Teatralia 2014?…¿Cómo fue el proceso de creación?…
“Romeo y Julieta, una obra en construcción” surge de la mas absoluta carencia de recursos económicos (fue una de las primeras obras de la compañía), pero también de las inconmensurables ganas de ponerla en escena. Solo contábamos con nuestro gran entusiasmo y el desafío de llevar a cabo este clásico. En primer lugar trabajamos en la adaptación del texto durante unos 6 meses y luego pusimos el cuerpo y empezamos a trabajar con tres ejes muy claros: la carencia de recursos, el desafío de realizar la obra con solo dos actores, y el humor. Luego de otros 6 meses se estrenó y desde entonces construímos este Romeo y Julieta en cada función.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Estamos sumamente ansiosos por reestrenar una versión de Hamlet, muy nuestra, muy criolla titulada “Hamlet, milonguita entre fantasmas”. Esta versión del Clásico de W, Shakespeare transcurre en un conventillo de un barrio típicamente porteño llamado Barracas. Se podría definir como una versión bien Argentina del Clásico Shakespereano, respetando el conflicto principal y los personajes.
¿Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis?…
Para nosotros estar en crisis es bastante habitual, pero eso mismo nos ha fortalecido para seguir haciendo a pesar de todo. Uno siempre puede encontrar alguna excusa para “no hacer”, pero las épocas de crisis económicas suelen ser épocas muy ricas en inspiración, en ideas y hasta en críticas a determinados sistemas en juego. Por eso creemos que la CREATIVIDAD es el camino que te permite llevar a cabo tus sueños, dependiendo nada mas y nada menos que de tu deseo de “Hacer teatro”.
¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?…
En Buenos tenemos un Festival Internacional de Teatro llamado FIBA donde cada dos años se presentan espectáculos de todo el mundo de muy buen nivel. Por allí han pasado desde Ariane Mnouchkine hasta Peter Brook. En la última edición un exquisito Hamlet realizado por una compañía Alemana dirigida Thomas Ostermeier nos ha interesado mucho. El año pasado tuvimos la oportunidad de compartir los escenarios del Festival de Teatro Clásico Barroco en Almagro con el grupo RON LALA. Su “Siglo de oro, siglo de ahora (folía)” logró divertirnos y emocionarnos, y desde siempre seguimos muy de cerca el trabajo de varios colegas Argentinos como Daniel Veronese, Claudio Tolcachir, Claudio Hochman, entre otros.
¿Qué os parece la programación de Teatralia 2014?…
Nos entusiasma muchísimo ver todas la propuestas que hay en Teatralia. Primero porque sabemos que la selección es exquisita y además porque ver buen teatro nos estimula, nos ayuda a crecer y a ser mejores espectadores y artistas. Que viva el Teatro!!!!!.
JUAN GÓMEZ-CORNEJO SÁNCHEZ, Iluminador de “El viaje a ninguna parte” nos habla de su trayectoria
¿Cómo surge tu participación en el proyecto de El viaje a ninguna parte?…
Primero por invitación de la directora Carol López, es la primera vez que trabajamos juntos, y después por invitación del C.D.N. También por la propuesta de Álvaro Luna (video escena) que somos habituales colaboradores y que el sí que había trabajado con Carol López.
¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como iluminador?…
Que difícil resumir y hacer balance, sobre todo porque “lo de larga” es bien cierto ya.
El balance es positivo, me siento un ser afortunado por desarrollar una profesión que me apasiona y además me permite vivir de ella. El tener una formación autodidacta (de forma irremediable en este país) te da inseguridad pero por otro lado te obliga a descubrir y aprender de forma continuada en el proceso. La investigación es constante y eso te motiva continuamente y no te deja parar. Analizas tus trabajos y los de tus compañeros y eso te mantiene vivo y te permite seguir aprendiendo.
¿Cuáles han sido los proyectos para los que has realizado un diseño de iluminación en el último año?…
“La verdad sospechosa” con dirección de Helena Pimenta para la C.N.T.C.
“Maribel y la extraña familia”, “El cojo de Inishmaan” bajo la dirección de Gerardo Vera para Grey Garden.
“El Crédito” dirección Gerardo Vera. Producción Carlos Larrañaga
“Los Justos” con dirección de Javier Hernández. Producción de 611 Teatro.
“Conversaciones con mama” con dirección de Juan Echanove. Pentación.
“Emilia” dirección de Claudio Tolcachir, para Producciones Teatrales Contemporáneas.
¿Cuándo te llega la propuesta de un proyecto te dejan margen de creación o te piden lo que necesitan?…
Normalmente si me llaman es para que yo haga mi propuesta, lógicamente con unas pautas de dirección para que todo se encamine hacia el mismo lugar. Te piden necesidades pero más de tipo dramático que tú traduces en propuestas de luz.
¿A partir de qué creas los diseños de iluminación?…
A partir del texto, de la música, del espacio propuesto y fundamentalmente de la historia que se quiere contar. Y sobre todo de la propuesta de dirección que debe de ser nuestra mayor aliada y servirnos de guía. Todo debe de confluir en un mismo punto.
¿Qué iluminadores tienes como referencias? ¿Por qué?…
Uno en este “arte tan joven” siempre tiene en la cabeza a los maestros, a los que cuidan de una forma especial la luz y han marcado un estilo con sus espectáculos. Bob Wilson, Robert Lepage, Robert Carsen, a veces no son tanto iluminadores si no directores que tienen un especial cuidado con la luz y se acompañan de grandes iluminadores. Puedo seguir citando a Jennifer Tipton, Vinicio Cheli, Max keller, y en cine Vittorio Storaro, Alcaine, Aguirresarobe, etc. También una gran cosecha Española de directores e iluminadores estupendos con los que comparto esta pasión por la luz. Evito citarlos para no olvidarme de ninguno. Perdón, si citare a Josep Solbes que nos abrió camino y que desgraciadamente ya no está entre nosotros.
¿Hay una carencia de formación a nivel iluminación en la profesión teatral de nuestro país?…
Total y absoluta y esto hay que remediarlo lo antes posible. Estamos en Europa y en estos aspectos formativos no lo parece. Hay pequeñas incursiones más en la parte técnica que en la artística pero es curioso que mientras que en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) existe la especialidad de escenografía no existe la de Iluminación. También sucede lo mismo en el Instituto del Teatro en Barcelona. Si alguien quiere estudiar Iluminación se tienen que ir fuera de España irremediablemente.
¿Cuál ha sido tu formación en esta materia?…
Como ya he dicho bastante autodidacta, no quedaba otra que aprender sobre el terreno y apuntándome a todo “curso viviente” relacionado con el tema de la luz. Viendo espectáculos, analizándolos. Mi labor como director técnico en La histórica Sala Olimpia (ahora teatro Valle Inclán) y posteriormente en el Teatro Central de Sevilla durante la Expo 92 me permitió disfrutar dese dentro de muchísimos espectáculos y aprender de ellos. Y continuamente aprendo de mis colegas con los que comparto, no solo oficio si no, la ilusión por la luz.
¿Qué iluminación has visto últimamente que te haya interesado?…
Interesarme casi me interesa todo, yo soy un espectador muy agradecido y siempre saco cosas positivas. Podría decir que me ha interesado el trabajo de Lluis Pascual- Fernando Ayuste con “El Caballero de Olmedo” en la CNTC.
“The Indian Queen”de Peter Sellars con iluminación de James Ingalls en el Teatro Real.
Sorprenderme realmente hace tiempo que no veo nada que me sorprenda, echo de menos espectáculos que nos visitaban antes con un componente visual importante. Estamos descuidando este tipo de propuestas y son tan necesarias para el espíritu como las minimalistas (escuetas) en a las que últimamente estamos tan acostumbrados.
¿Están bien dotadas técnicamente las salas actualmente?…
Si nos fijamos en las grandes capitales, centros oficiales, teatro de ópera y de musicales, más o menos te diría que sí, que no están mal equipados.
Si nos vamos de gira con algún espectáculo y visitamos el resto de España “de bolo” como se suele decir (montaje y actuación en el mismo día) te diría que, sin ánimo de ser pesimista, la cosa deja mucho que desear y la presentación de los espectáculos queda bastante desmejorada por el tema de los equipos. Te tienes que adaptar continuamente y esto en ocasiones es bastante frustrante. Las dotaciones técnicas en general no cumplen ni los mínimos.
¿Se nota la crisis actual en la demanda de iluminación?…
Si claro ¡cómo no¡ sobre todo en los presupuestos y cuando te dicen que el espacio es “vacío” (concepto moderno que ha perdido absolutamente su significado, ahora quiere decir que no hay “ni un duro” para escenografía) y que todo “lo arreglamos con la luz” pero que no hay presupuesto para más material de iluminación. Como ya te lo sabes le buscas el lado gracioso que por momentos no aparece por ningún sitio.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempo de crisis?…
No dejar de inventar y no permitir que nos quiten la ilusión por este maravilloso trabajo. Esto que cada cual lo interprete y traduzca a su modo.
¿Qué proyectos tienes entre manos?
Lo más inmediato remontar “La vida es sueño” en el teatro Pavón para la C.N.T.C. ahora en el mes de Marzo.
“Amo y criado” con Helena Pimenta para la C.N.T.C que se estrenara en el Festival de Almagro.
“El señor de las Moscas” con José Luis Arellano para la Joven Compañía.
Como el arranque de la entrevista era el estreno de “El viaje a Ninguna Parte” déjame volver a esta obra tan de actualidad.
Ha sido un trabajo de disfrute y total entrega de todo el equipo artístico. Es de agradecer la generosidad absoluta de todos los actores para contar de una forma tan poética algo que a “los cómicos” nos resulta tan familiar. El proceso me ha hecho olvidar que mi cometido era la luz.
Desde aquí les doy las gracias a todos y a la directora Carol López por dejarme participar en tan gratificante experiencia.
Claudio Tolcachir nos habla de sus creaciones escénicas
¿Cómo surge el proyecto de Emilia?…Háblanos del montaje…
Yo quería hacer la experiencia de escribir en soledad. Para después formar un elenco.
Los personajes de Emilia están atrapados por diferentes maneras de entender el amor y si bien son concientes del engranaje en el que están sumergidos no pueden escapar. El amor como entrega absoluta, como agradecimiento, posecion, culpa. El miedo a la soledad como justificación para sostener una vida solitaria. Y fundamentalmente la desconeccion. La incapacidad de registrar al otro.
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…¿Qué diferencias hay entre el resultado de los montajes de España y el de Argentina?…
Para mi no hay otra manera de ensayar que no sea nutrirse de la peculiaridad de los actores. Los cuerpos y sus historias son los que verdaderamente construyen los personajes y por lo tanto la historia. Es lo más maravilloso del teatro. El momento en que todas esas energías se entremezclan y florecen. Siempre lo accidental es infinitamente superior a lo previsto y ese es el trabajo del director.
Por esto mismo las dos versiones son absolutamente diferentes. Porque los cuerpos que sostienen el cuento son otros. Si así no fuera sería un trabajo tremendamente aburrido.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta obra?…
Los de siempre: CHEJOV, Beckett, todo el movimiento de teatro que disfruto y me exita. Lo íntimo y lo espectacular.
¿Por qué haces teatro?…
Porque es lo más divertido que conozco. Además es lo único que se hacer.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director-autor de teatro?…
Uno es muy crítico con su trabajo. Siempre pienso que podría hacerlo mejor y ser más creativo y sutil.
Más allá de esto siempre soy honesto con mi trabajo. Intentó ser genuino y desafiar mi propio camino sin tener en cuenta las expectativas externas. Busco sobre todas las cosas la libertad. Pero es algo realmente difícil.
En definitiva estoy feliz por haber sido coherente. Y siempre insatisfecho.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Removernos, hacernos más grandes. Menos prejuiciosos. Más humanos, sacarnos de la comodidad. Sencibilizarnos en cualquier sentido. Y disfrutar. El teatro tiene que ser atrapante, intenso. Fulminante.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Dificulta la producción. Lo hace todo más complejo. Más duro en un mundo que de por sí es muy complejo. No creo que sea inocente. Pero por suerte la reacción de los teatrístas esta siendo producir más y más. Generar nuevos espacios. Que no resuelven económicamente el problema pero activa un movimiento que siempre es sano.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Breve ejercicio para sobrevivir. Dirigido y escrito por Lautaro Perotti en La pensión de las pulgas en Madrid. Un trabajo maravilloso de una sensibilidad y una sutileza admirable.
¿Qué diferencia crees que hay a la hora de poner en pie un proyecto en Argentina o en España?…
Adaptarse a las diferentes formas de producción. A los diferentes códigos. Luego. Todo el teatro creo que es sentido común, adaptación. Disfruté ambos proyectos por suerte.
¿Proyectos?…
Mirando el horizonte. A ver que aparece.
Emilia de Claudio Tolcachir en los Teatros del Canal
Las casas son contenedores de muebles y emociones, cuando el tiempo pasa por ellos, se evaporan para dejar paso a los fantasmas. Esta podría ser una breve e improvisada descripción del montaje de Emilia que se presenta durante este mes en los Teatros del Canal; sobre todo por la lectura escénica que nos propia el inquietante espacio que ha diseñado Elisa Sanz. En esa casa hueca transitan los personajes del presente y el pasado para tratar de encontrar las claves de su existencia. De nuevo, Claudio Tolcachir escribe un texto sobre la familia y los misterios que conllevan las relaciones de sus integrantes. Aquí, con un equipo de actores españoles, teje una telaraña inquietante que nos atrapa entre las mil y una preguntas que surgen a cada momento.
Adolfo Simón
Alfonso Lara nos habla de sus proyectos para la escena
¿Cómo surge el proyecto de El divorcio de Fígaro?…Háblanos del montaje…
El proyecto surge en el momento en que leo esa función, hace cinco años o más, y quedo atrapado por ella. A primera vista es un texto monumental, digno -como han dicho algunas críticas y por ello estamos orgullosos en nuestra Compañía- de un CDN. A partir de ahí empezó un largo, trabajoso y apasionante camino, primero con la adaptación, sus correspondientes versiones, convencer a l@s compañer@s de embarcarse en esta aventura, amoldar la producción a nuestras posibilidades, ir cogiendo de aquí y allá músicas, referencias, símbolos, elementos, pequeños fragmentos, etc, etc…
¿Hubo ocasión durante el proceso para que los actores aportasen ideas en la puesta en escena?…¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?…
Por supuesto que los actores aportan muchísimo. No concibo un trabajo sin que ellos -parte fundamental del teatro-. No creo que sean simples marionetas. Desde el cariño, la concentración y la armonía, los actores te lo suelen entregar todo. No entiendo este trabajo desde el miedo, el reproche o cosas por el estilo.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear el montaje?…
Los referentes se encuentran, por así decirlo, unos a otros, y así se va conformando el todo que es el montaje. Una canción mejicana, Zapata, la Revolución, los Balcanes, Centroeuropa, los años 30, el presente, el Circo, el Expresionismo, los Derechos Humanos, Robert Walser, un tema de Baby Dee -transexual de Cleveland-, de Beirut… Todo eso está en El Divorcio de Fígaro y empasta, creo, a la perfección.
¿Por qué haces teatro?…
Porque el teatro es lo más parecido a la libertad y a la felicidad. Esas dos palabras, tan abstractas, se materializan en el teatro para mí.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos en teatro?…
La verdad es que difícilmente podría elegir mejor suerte para un actor que la que me ha tocado en los últimos años en teatro:
– Urtain, con Andrés Lima. Premio Max Mejor Actor Secundario
– Falstaff, también con Andrés en el CDN
– Los Hijos se han dormido, con Daniel Veronese
– El Divorcio de Fígaro
– Emilia, actualmente, con Claudio Tolcachir
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La que tuvo siempre. La de divertirnos y emocionarnos. La de hacernos reflexionar y ponernos un espejo delante. En otros países esa función, o ese espacio, mejor, es mucho más grande; es más necesario el teatro, es más parte esencial de la sociedad.
Si el espacio que ocupa el teatro fuera una cuarta parte del que ocupa la TV la sociedad sería, con seguridad, mucho mejor, más sana.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Nos está destrozando el IVA. Es una vergüenza que un equipo de fútbol como el Real Madrid -del que, por otro lado, soy seguidor- tenga un aforo de 80.000 personas, pague un 10 % de IVA en sus entradas y sus precios sean de locura, y que nosotros en la SALA TÚ, por ejemplo, de la que soy socio, con un aforo de 60 personas paguemos el 21 %. Señores, dejen que seamos empresarios -¿no quieren crear empresas y apoyar a los pequeños y medianos empresarios?-, dejen que nos ganemos la vida y salgamos a flote con nuestro trabajo.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vi «Tirano Banderas», en el Español, sobre todo por ver a mi admirada y querida Susi Sánchez, que siempre está espléndida.
¿Proyectos?…
Seguir con la gira de «Emilia» y presentarla en Madrid en Enero, en los Teatros del Canal. Seguir con El Divorcio de Fígaro. Una TV movie para TVE y ya empezando a dar vueltas seriamente sobre un par de cosas que me ilusionan mucho para el año que viene. Una para la SALA TÚ y otra de formato más grande.
Avance del Festival de Otoño a Primavera
Angélica Liddell inaugurará en octubre el XXXI Festival de Otoño a Primavera
· La última obra de la dramaturga ‘Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy)’ podrá verse en los Teatros del Canal.
· También en octubre, Pablo Messiez presentará ‘Las palabras (Una historia de amor)’ en Cuarta Pared
· El cómico Patrice Thibaud regresará a Madrid con el estreno en España de ‘Fair Play (Juego limpio’)
06.agosto.13.- La laureada dramaturga, directora y actriz española Angélica Liddell inaugurará el próximo mes de octubre la XXXI edición del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Su obra Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy) cierra la trilogía sobre China que la creadora inició con Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y que continúo con Ping Pang Qiu, ambas estrenadas también en pasadas ediciones del festival. Tras su aclamado paso por el Wiener Feswochen de Viena y el Festival d’Avignon, la artista estrenará ahora en España un montaje que habla de la pérdida de la juventud y del miedo a ser abandonado. La pieza, que podrá verse en los Teatros del Canal, toma como punto de partida el trágico tiroteo sucedido en 2011 en la isla noruega de Utoya, en el que perdieron la vida 69 jóvenes.
En 1993, Angélica Liddell (Figueres, 1966) fundó Atra Bilis Teatro, compañía con la que ha montado creaciones como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysterica Passio (2003), Y como no se pudrió Blancanieves (2005), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) o Anfaegtelse (2008), entre otros títulos. El Festival de Otoño a Primavera acogió en 2011 el estreno absoluto de su montaje Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y, en 2012, el de Ping Pang Qiu. En 2009 había presentado también La casa de la fuerza, obra que causó un gran clamor dentro y fuera de España, confirmando a Liddell como una de las creadoras más interesantes del teatro contemporáneo internacional.
En palabras del teórico teatral Óscar Cornago, Liddell es acuñadora de un lenguaje de dialécticas imposibles y sus producciones oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza, la escatología y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. La artista ha sido merecedora de numerosos galardones, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Escena Contemporánea – Casa de América 2003 por Nubila Wahlheim; el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; o el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo. En 2012 recibió el Premio Nacional de Literatura Dramática por La Casa de la fuerza y, en 2013, el León de Plata de la Biennale di Venezia de Teatro. La crítica ha dicho de su teatro que es vanguardista y político, lleno de sentido y absolutamente necesario.
Otros dos grandes estrenos del festival en el mes de octubre
Tras su paso por el Teatro Palacio Valdés de Avilés, el dramaturgo, director e intérprete argentino Pablo Messiez presentará en octubre en la Sala Cuarta Pared su última creación, Las palabras (Una historia de amor). La pieza, una parábola cercana y tragicómica, habla con humor, ternura y delicadeza sobre la corrupción del lenguaje y sus consecuencias. Fiel representante de la última y aclamada generación de autores y directores argentinos, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir, Messiez saca de nuevo a escena (tras las exitosas piezas Los ojos y Las criadas, entre otras) su sencillez escenográfica, su particular visión de los cotidiano, la hegemonía del texto en escena y un cuidado trabajo actoral, siempre a caballo entre la comedia y la tragedia.
También en el mes de octubre, el tándem formado por el cómico y mimo francés Patrice Thibaud (heredero del buen hacer de Tati o De Funès) y el virtuoso instrumentalista Philippe Leygnac regresará a los escenarios madrileños con el estreno en España de Fair Play (Juego limpio) en los Teatros del Canal. La obra, elegante y deliciosa, reinterpreta las competiciones deportivas a golpe de carcajadas, eso sí, sin mediar ni una sola palabra en escena.
Lo mejor de la escena internacional en la Comunidad de Madrid
El Festival de Otoño a Primavera lleva más tres décadas acercando lo mejor de la creación contemporánea internacional a la Comunidad de Madrid. En esta XXXI edición, que se prolongará entre los meses de octubre de 2013 y junio de 2014, traerá a los escenarios de región (Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared y Teatro Pradillo, entre otros) lo mejor de la escena actual. Por el momento, dentro de su programación se ha confirmado ya la presencia de creadores y compañías de renombre mundial de la talla de Peter Brook, Philippe Decouflé y su Compagnie DCA, Israel Galván y Akram Khan, Piccolo Teatro di Milano y El Conde de Torrefiel.
Desde mediados del mes de septiembre, será posible consultar la programación del XXXI Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, la información de los espectáculos, los horarios y la venta de entradas y descuentos en la web oficial http://www.madrid.org/fo
Que Revienten los Artistas 
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