Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Don Carlo de Giuseppe Verdi en los Teatros del Canal

Albert Boadella presenta en los Teatros del Canal un nuevo montaje de Don Carlo de Verdi, que se estrenó en julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos. Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la Leyenda Negra contra la España del siglo XVI. El tenor Eduardo Aladrén da vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Simón Orfila). Junto a ellos, el barítono Damián del Castillo interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano María Rey-Joly es Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera, asume el papel de la princesa de Éboli; el bajo Rubén Amoretti en el papel del Gran Inquisidor o el también bajo Francisco Crespo, que interpreta al fraile, completan el elenco excepcional para una puesta en escena sobria y de gran expresividad. Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. El vestuario, diseñado por Pedro Moreno, es fiel a la época y de una belleza espectacular. Todo el conjunto de la puesta en escena y de la fantástica orquesta nos permitió disfrutar de una noche operística de altura internacional.
Adolfo SimónDon-Carlo_2016


Víctor Velasco nos habla de su trayectoria como director de escena

victo¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la dirección?…
Mi afición por el teatro se desarrolló a partir de mi interés por el cine. Yo era un auténtico devorador de películas. De la misma manera que otras generaciones han desarrollado una gran fascinación por el cine, creo que la mía, o al menos yo, ha desarrollado una análoga, por unos locales a pie de calle llenos de estanterías repletas de cintas que conociamos como videoclubs. Benditos videoclubs.Yo, de mayor, quería dedicarme al cine y para conseguirlo, me apunté a un taller de teatro del centro cultural de mi barrio. Benditos centros culturales de barrio. Y desde entonces, mi interés por el cine ha quedado eclipsado por mi pasión por el teatro. Empecé haciendo algún curso y taller de interpretación, hasta que en COU, sin saber qué hacer o qué estudiar, me enteré de la existencia de la escuela de arte dramático. Así que me presenté a las pruebas de acceso de la RESAD para la especialidad de dirección, y me admitieron. A los pocos meses de licenciarme, tuve la gran suerte de entrar a trabajar como segundo ayudante de dirección con Miguel Narros, en la compañía de Andrea D’Odorico. En dicha compañía también trabajé de regidor, de sonidista y como coordinador técnico de la gira. Esos años me permitieron conocer aspectos de la profesión que no había aprendido en la escuela.

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¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Sí. Por desgracia, en nuestra sociedad ganarse la vida es una tarea muy complicada. Más todavía si se pretende hacer con aquello que a uno le gusta y para lo que has estudiado. Parece hecho aposta. Y conseguirlo se convierte en un auténtico milagro. Pero no me arrepiento. En mi caso, alejarme del ámbito teatral de vez en cuando ha resultado ser un acicate para querer seguir vinculado a él. También dentro de la profesión teatral he trabajado en diferentes puestos. Y estoy orgulloso de todos y cada uno de esos trabajos.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muy distintas maneras. Algunos de proposiciones de conocidos, o incluso de desconocidos. Otras, de mi propia voluntad, de la recurrencia de algún texto, o idea en la cabeza. Me alegro de haberme vinculado a proyectos en los que la ilusión de un grupo determinado fuera el motor principal. Pero hasta el momento, he tenido la suerte de no tener que decir que no a ningún proyecto que me hayan propuesto. Digamos que he alternado mis proyectos personales con otros a los que he sido invitado a participar.

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¿Cómo surgió tu participación en el Laboratorio del CDN?…Háblanos de él…
Como integrante del laboratorio Rivas Cheriff sólo puedo tener palabras de elogio hacia esta valiosa iniciativa. Creo que su objetivo es el de generar un espacio de diálogo y creación para que los profesionales más jóvenes puedan desarrollarse. El laboratorio lo componen creadores de todas las ramas teatrales (dramaturgia, escenografía, vestuario, iluminación, audiovisuales), y es un complemento perfecto a “La vía del actor”. El espectáculo que vamos a estrenar, Las horas contadas y La corrupción al alcance de todos de José Ricardo Morales es un buen ejemplo del funcionamiento del laboratorio: Este espectáculo está integrado en su totalidad por profesionales vinculados a dicho laboratorio y al de La vía del actor. Además, el caracter experimental del mismo nos ha permitido indagar en propuestas y lenguajes teatrales que en otros contextos resultarían difíciles. Así ha sucedido con este proyecto, en el cual hemos tenido la suerte de contar con todos los medios técnicos y humanos del CDN, y estrenar a este no muy conocido, pero no por eso menos valioso autor, inédito en nuestro país, con el propósito de acercar su obra a la sensibilidad del espectador de hoy.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
He compatibilizado montajes propios con ayudantías de dirección. Hemos tenido bastantes funciones de El chico de la última fila de Juan Mayorga, creo que llevamos unas 120, lo cual, teniendo en cuenta los tiempos que corren y de que se trata de una compañía novel es poco menos que inaudito. Es un espectáculo que no deja de darnos alegrías. Ahora mismo se está representando en Barcelona, en la sala Muntaner. También he tenido el honor de participar en un laboratorio de investigación del ETC, organizado por la Cuarta Pared, del que surgió el impulso de montar Aqui hay una mano, de Juanma Romero Gárriz, recién estrenada en esa sala.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Por el momento, estoy absolutamente centrado en el estreno y últimos retoques de los textos de José Ricardo Morales. En cuanto se estrene volveré a la dura actividad de intentar vender Aquí hay una mano, espectáculo complejo con el que estoy muy ilusionado. También hay un proyecto sobre un fantástico texto de Lucía Vilanova, para el cual estamos buscando ayuda para sacarlo adelante.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes son nefastos. No entiendo que alguien pueda estar de acuerdo con ellos. Para mí, sin duda, los peores son los relativos a la educación, ya que en el futuro afectarán a todos los aspectos de la realidad, desde la sanidad hasta la cultura. Tampoco entiendo la falta de visión estratégica en el apoyo a nuestra cultura. La cultura, si se sabe gestionar, es una poderosísima y peligrosa arma politica y no la seudo-ocupación de un puñado de desharrapados. Otros paises nos colonizan a través de su cultura y eso no parece importarle a casi nadie. España, pese a ser un país no muy poblado en relación a sus vecinos, siempre ha destacado por su cultura. No puedo entender que nosotros mismos la boicoteemos. Es del género tonto. Debe ser parte de nuestra esencia. Siempre que pienso en este tema me acuerdo del cuadro de Goya duelo a garrotazos. No entiendo por qué hemos desarrollado cierto tipo de complejo que nos impide decir (y pensar) que la cultura es una necesidad social, una necesiad del espíritu, una necesidad irrenunciable para el ser humano.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Disfruté mucho de Ensayando Don Juan de Albert Boadella. Soy un gran admirador de su trabajo. Gracias a su ironía y mala leche habitual sales del teatro con alguna interesante reflexión flotando en la cabeza y una gran sonrisa en la boca. De otro formato, vi hace algún tiempo La otra voz, versión de Manuel De sobre La voz humana y me encantó. Me entusiasmó el universo dramático que plantea a partir del famosísimo texto de Cocteau.

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aguantar. El teatro ha resistido crisis y multitud de avatares durante más de tres mil años. Será porque resulta necesario para el ser humano.

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ENSAYANDO DON JUAN EN LOS TEATROS DEL CANAL

La sala Roja de los Teatros del Canal, ha presentado estos días la obra de Albert Boadella, basada en la versión del Don Juan Tenorio de Zorrilla realizada por Eduardo Galán, “Ensayando Don Juan”, escenografía de Anna Alcubierre y el propio Boadella; hermosa y acertada iluminación de Bernat Jansá. Por milagros del teatro, el rebelde y vanguardista Boadella, que dirige la función, elige como protagonista al tradicional y conservador e inmenso Arturo Fernández y, milagros del teatro, acierta de plano.Una propuesta de deconstrucción del mito machista por excelencia, en manos de una directora, Mona Martínez que subraya todo el extremismo de estas posturas y dirige unos ensayos enloquecidos en los que contrasta lo joven con lo viejo o anticuado y contrapone las formas tradicionales de hacer teatro con lo supuestamente vanguardista, para decirnos que aunque hay que evolucionar en propuestas y formas, no se puede prescindir de la maestría y la excelencia, ya que ésta perdura siempre, como los versos de Zorrilla. Juanfri Topera –Manolo el técnico- está fantástico, el resto del elenco cumple bien su función. Pero señoras y señores, el teatro estaba abarrotado hasta la bandera por un público seguidor fiel de Arturo Fernández, al que jamás decepciona, los comentarios eran superlativos, la ovación rotunda y repetida y me pregunto ¿hay algún otro actor al que la gente vaya a ver haga lo que haga? Arturo Fernández es de una estirpe de la que por desgracia ya casi no quedan. Larga vida D. Arturo.
Ángel Savín

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Albert Boadella nos habla a QRLA de sus últimas experiencias en la escena y la gestión.

Albert-Boadella¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé por la expresión corporal pero mejor no recordar tanta ingenuidad y tanta vanidad de juventud. Por suerte no existía entonces el video.

¿Tu trabajo en el teatro lo has compatibilizado con otros trabajos?…
En los inicios era muy complicado ganarse la vida como titiritero. Mi padre tuvo el acierto de obligarme a aprender el oficio de grabador y cincelador de metales preciosos. Ello me permitió sobrevivir alternando con la escena y conocer el proceso de un oficio artesanal como también lo es el propio teatro.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
No puedo hacer una descripción demasiado detallada porque he disfrutado tanto, que mis enemigos podrían suicidarse o aun peor, atentar contra mi vida.

¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Lo que más ha cambiado ha sido la actitud de público. Hoy los espectadores tienen la piel más gruesa. Los medios les han vuelto menos sensibles ante lo que puede suceder en el escenario. Si a ello sumamos el desenfrenado consumismo cultural, se produce la metabolización de lo visto en cuestión de horas, después se olvida y a otra cosa mariposa.

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¿Cómo surgen las ideas de los proyectos que pones en marcha personalmente?…¿Cuántos proyectos te han llegado como propuestas de otros productores?…
Uno puede tener multitud de ideas, pero lo esencial son aquellas cosas a las que intuyes las posibilidades de ser convertidas solo en teatro y esto aparece muy esporádicamente. Casi nunca he trabajado con propuestas ajenas y no por desprecio pues me encantaría realizar encargos, sin embargo, es muy difícil que alguien se adapte a una forma de trabajo tan personal y tan poco convencional.

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¿Ha sido importante tener unos colaboradores habituales en los equipos artísticos y técnicos?…
La clave de los grandes éxitos de Joglars es precisamente haber creado unos equipos muy duraderos que han significado una forma de escuela para todo aquel que entraba de nuevo. Sin esta dinámica de tradición todo es como empezar de nuevo cada vez.

¿Qué ha sido lo más importante vivido en Joglars?…
Desarrollar un trabajo con absoluta libertad al margen de las corrientes mayoritarias de pensamiento y a veces en su contra. Un trabajo, en el cual el público ha sido quien lo ha financiado en su mayor parte, o sea, que no se dependía de las administraciones culturales.

Amadeu, de Albert Boadella.Teatros del Canal.

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Escribí y puse en escena El Pimiento Verdi que fue mi homenaje personal al bicentenario del nacimiento de Verdi y Wagner. Me divertí mucho montándolo y el público se divirtió en la misma medida ¡Bingo! Después empecé a escribir Ensayando Don Juan.

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Háblanos de Ensayando a Don Juan…¿Cómo surge?…¿Cómo ha sido el proceso?…
Hacía muchos años que deseaba hacer algo con Arturo Fernández. Don Juan es algo que en España está ligado directamente con su persona. Es el último galán seductor de nuestro teatro. Se trata de un gran actor que a su edad ha sido capaz de asumir el riesgo que significa entrar en una forma tan peculiar de trabajo. Se ha integrado magníficamente a un equipo de jóvenes actores y simula ante ellos un enfrentamiento generacional en la forma de entender el teatro, el amor y la vida. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ensayando-don-juan-albert-boadella/

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¿Qué balance haces de tu gestión en los Teatros del Canal?…¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Mi gestión ha sido distanciarme de la forma como se dirigen los teatros públicos en Europa. Hacer precisamente lo contrario. Todo se hace según el gusto de su director. Yo he pensado esencialmente en el gusto de todos los contribuyentes que son quienes pagan esos teatros y obviamente son gustos muy variados. www.teatroscanal.com

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¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
Ya estoy realizando muchas cosas que jamás me hubiera imaginado. Entre ellas programar más de cien eventos por año. En lo personal me hubiera gustado ser torero pero ya veo que eso no lo podré realizar ni tan siquiera de salón.

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Ponerle más dificultades a un sector ya de por sí tan frágil es un acto de inconsciencia o de sadismo. Me gustaría pensar que solo es consecuencia de lo primero pero en España hay un sector de la administración política que considera el teatro como algo residual y aburrido.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Emilia, porque es una pieza sencilla, inteligente y muy bien actuada. No se puede pedir más.

¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Aprovechar las dificultades y saber jugarlas a favor. Es precisamente, en la forma de enfrentarse a ellas como más se aprende la construcción del arte, el cual tiene como base: Con lo mínimo lo máximo. Nunca lo contrario.

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Albert Boadella, el código del buen juglar

Individualista, asilvestrado, antidogmático, provocador, desconfiado, ir siempre a la contra, desdeñar la fantasía, amar el mal gusto, fomentar los enemigos, huir del teatro. Estos diez preceptos fueron establecidos, de alguna manera, como los diez mandamientos de la ley de Els joglars, la compañía de teatro fundada en 1961 por Antoni Font, Carlota Soldevila y Albert Boadella. Siempre liderada por este último, la compañía, tras más de cincuenta años desde su fundación, se ha mantenido fiel a los principios que no con poca sorna Boadella definió como el código del buen juglar. La actividad teatral de Albert Boadella como actor, director y dramaturgo se desarrolla casi totalmente a través de esta compañía con la que ha montado más de treinta espectáculos, películas y series de televisión (Som 1 meravella, Ya semos europeos y Orden especial, entre otras). Algunas de sus obras han causado encendidas polémicas, que han supuesto incluso procesos judiciales, acalorados debates políticos, amenazas de muerte y atentados contra la compañía y sus miembros. A lo largo de los años, la compañía se ha ganado el derecho de ser una de las voces más críticas y libres de la sociedad española.
Idioma: Español
Más info en: http://www.cinetecamadrid.com/pelicula/albertboadellaelcodigodelbuenjuglar/987/

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Los Teatros del Canal de la Comunidad buscan los nuevos talentos de las artes escénicas

· Se pueden presentar proyectos en las categorías de teatro, danza, espectáculo musical, circo y artes alternativas

· Los internautas y un jurado profesional seleccionarán 60 obras que se representarán ante el público

· En mayo se conocerán los proyectos ganadores en cada categoría, que recibirán una ayuda por valor de 1.000 euros

· El ganador absoluto recibirá un premio por valor de 5.000 euros para desarrollar su proyecto

La consejera de Empleo, Turismo y Cultura presentó hoy la segunda edición de Talent Madrid, una iniciativa de apoyo a los creadores y de búsqueda de talento que se desarrolla en los Teatros del Canal en colaboración con Talent Festival. El concurso, laboratorio de creación y festival tiene como objetivo descubrir e impulsar a nuevos talentos de las artes escénicas -creadores, dramaturgos, coreógrafos y compositores-, así como propuestas de artes alternativas con un espectáculo original.
Mariño explicó que el Gobierno regional ha redoblado los esfuerzos para impulsar nuevos proyectos empresariales de danza, teatro, música y cine en 2013. En concreto la Comunidad de Madrid ha destinado en 2013 37,7 millones de euros para gestionar la programación de espectáculos y la promoción de la actividad escénica. La consejera declaró que en 2014 se han aumentado las ayudas a las empresas del sector para la realización de nuevas producciones en un 8,8%, lo que contribuirá a dinamizar la cartelera madrileña y a generar puestos de trabajo.
En la presentación de esta mañana, Mariño estuvo acompañada por el director artístico de los Teatros del Canal, Albert Boadella, y de la directora artística del festival, Monica Hamill.
Tras el éxito de la convocatoria 2013, en la que más de 450 aspirantes presentaron sus proyectos y asistieron 3.100 espectadores, Talent Madrid vuelve a los Teatros del Canal con el objetivo de dar visibilidad y ofrecer oportunidades a todos aquellos creadores con una idea innovadora para poner en marcha un espectáculo de teatro, de danza o musical, sin importar el nivel profesional en el que se encuentren.
Este año se incorpora a la programación la categoría circo y artes alternativas, en la que tendrán cabida propuestas no convencionales como circo, cabaret, burlesque o comedia de sketch.
Talent Madrid se desarrolla en varias fases: convocatoria, presentación de proyectos en la plataforma online, votaciones populares en las redes sociales, desarrollo creativo de las obras seleccionadas en los Teatros del Canal y exhibición de las mismas en Talent Madrid 2014.
Talent Madrid comienza en Internet
Para participar en este festival solo hay que contar con una idea original, una cámara y acceso a Internet. Se dirige a todos los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y residentes extranjeros mayores de 18 años. Del 13 de diciembre al 13 de febrero, los participantes deberán subir a la plataforma un vídeo de hasta dos minutos donde muestren la esencia de su idea. Las obras deben ser originales y no haber sido producidas comercialmente.
Combinando la opinión de un panel de expertos, de reconocida trayectoria en el panorama de las artes escénicas, y la votación popular en Internet saldrán los nombres de los 60 finalistas. La votación estará activa del 14 al 28 de febrero de 2014. Desde el inicio del concurso, los vídeos serán visibles y participantes e internautas podrán comenzar a difundirlos en las redes sociales, lo que hace de Talent Madrid una iniciativa interactiva, dinámica y colaborativa.
Y termina en el escenario
El 4 de marzo se hará público el listado de 60 finalistas. A partir de ese momento, la dirección del festival, junto con otros mentores, se encargará de asesorarles en aspectos artísticos y técnicos durante el ensayo de una versión de 8 minutos de su obra, que se exhibirá finalmente ante el público de Talent Madrid.
Los ensayos en los Teatros del Canal tendrán lugar del 24 de marzo al 12 de abril de 2014 y cada grupo tendrá una sesión de 3 horas con los mentores. Del 23 de abril al 3 de mayo, los montajes podrán ser vistos por el público, de modo que estos creadores podrán mostrar sus proyectos originales en uno de los mejores espacios escénicos del país.
En la gala final, que se celebrará el 3 de mayo, se decidirán los ganadores. Primero se elegirá una obra por cada categoría, que recibirá una ayuda económica por valor de 1.000 euros. Y de éstas, el proyecto más valorado se convertirá en el ganador absoluto de Talent Madrid 2014 y será galardonado con un fondo de recursos por valor de 5.000 euros para el desarrollo de su proyecto.

Toda la info en
talentmadrid.teatroscanal.com

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Recorrido sonoro por los rincones secretos del teatro

Los Teatros del Canal presentan su programación musical con un recorrido sonoro por los rincones secretos del teatro este sábado 14 de septiembre.
En la presentación y posterior recorrido estarán el director artístico de los Teatros de Canal, Albert Boadella y la responsable de los Programas de Educación y Cultura de Ibercaja Obra Social y los músicos de la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (JORCAM).
El recorrido comenzará en la sala de refrigeración, para después subir al peine de la Sala Roja, al montacargas escénico para terminar en el escenario de la Sala Negra. En cada uno de estos sitios estarán formaciones musicales interpretando distintas piezas.

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El coloquio de los perros de Joglars en la Compañía Nacional de Teatro Clásico

En esta nueva etapa de la Compañía Nacional de Teatro Clásico hay varias cuestiones a destacar, una de ellas, la diversidad de propuestas y encargos a profesionales que no habían trabajado en este centro de producción. De este modo, aparecen poéticas distintas y propuestas novedosas a la hora de abordar a los clásicos. En El coloquio de los perros, la adaptación que han realizado Albert Boadella, Martina Cabanas y Ramón Fontserè(que también ha dirigido la puesta en escena)se permiten muchas licencias sobre el original; alrededor del mismo, crean dos planos dramatúrgicos que ayudan a entender el periplo de estos perros, uno desde la narración del cuidador de la perrera y otro desde los distintos personajes con los que se van encontrando los canes. Así, disfrutamos de varios lenguajes verbales, de composición de personajes y de situaciones escénicas a través de diferentes formas teatrales. Todo ello, desde la sencillez y el trabajo artesanal que es sello inequívoco de Joglars. Los espectadores reconocemos los códigos que nos proponen y jugamos con ellos al teatro dentro del teatro, como niños.

Adolfo Simón

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Mariano de Paco nos habla de sus proyectos como director de escena

marianodepaco¿Cómo surge el proyecto de Hombres de 40?…
El proyecto surge de mi colaboración con el dramaturgo Eduardo Galán. Eduardo tenía en mente escribir una obra actual, que tratase conflictos y temas contemporáneos (suele hacerlo en todo su teatro) y que además entretuviera e hiciese disfrutar al público. Estaba el precedente de “La curva de la felicidad”, pero no quería una segunda parte de la curva sino un nuevo texto que, quizá, si pudiera mantener el estilo del anterior. Luego, como suele pasar en estos casos, “Hombres de 40” tomó carne y vida propia y se convirtió en una comedia autónoma sobre la superación, la esperanza y el espíritu positivo.

¿Hubo ocasión, durante el proceso, para que los actores aportasen ideas en la dramaturgia y la puesta en escena?…
Tanto Eduardo como autor como yo como director tenemos una forma de trabajo que siempre admite y recibe con interés las ideas de todos los integrantes del equipo. La dirección marca un camino a través del texto que posteriormente los actores engrandecerán con su buen hacer y su talento. Somos creadores extremadamente dialogantes y creo que eso es muy positivo para el resultado final del espectáculo. Eso sí, con las ideas y los criterios claros y definidos. En este caso hemos contado con un excepcional elenco de actores encabezado por Roberto Álvarez que pronto exprimieron hasta la última de las posibilidades del trabajo. Los ensayos con Roberto, Diana Lázaro, Santiago Nogués y Francesc Galcerán han sido en esta puesta en escena una experiencia creativa altamente gratificante.

¿Hay algún referente técnico o estético del que has partido para esta puesta en escena?… Háblanos de ello…
Me ha influido mucho el mundo y la estética del boxeo. La obra se desarrolla en un antiguo gimnasio de barrio. La luz, las texturas, los colores y los ambientes de este tipo de lugares crean un género en sí mismo. Desde un punto de vista más emocional, el afán de superación, la mirada positiva de la vida que supone levantarse tras recibir el golpe, la lucha y el combate como deporte han estado en todo momento en la base referencial que ha conformado la puesta en escena de esta comedia.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…¿Qué has querido contar desde la dirección?…
Ha sido un proceso intenso, atractivo y divertido en el que he intentado huir de estereotipos y crear personajes de carne y hueso a partir del texto de Eduardo Galán. El objetivo era que el espectador pudiese contemplar con una sonrisa a los personajes, sus aciertos y desmanes, pero también (esto era importante) que pudiera identificarse con determinadas facetas de todos y cada uno de ellos. Todos son reales. Con la dirección intento contar que no hay verdades absolutas, que no todo es negro ni blanco, que de nada sirve tirar la toalla y lamentarse. Y que cuando hay un verdadero problema, los pequeños conflictos con los que vivimos y damos sentido a nuestra vida se desvanecen de inmediato. Hoy más que nunca tenemos que luchar por nuestros objetivos e intentar alcanzarlos. No perdamos los ideales ni los sueños porque también (o quizá sólo) a través de ellos alcanzaremos la felicidad.

¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como director?…
Cada trabajo me enfrenta a nuevas dificultades de cuya resolución suelo aprender. Tropiezo mucho, tanto en la vida como en el trabajo, (y quiero seguir haciéndolo porque crezco con ello) pero no suelo tropezar en dos ocasiones con lo mismo. Creo que este es mi mejor trabajo hasta el siguiente y lo creeré del siguiente hasta que llegue el próximo (estoy muy feliz de poder trabajar con pasión en lo que me apasiona).

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¿Qué espectáculo has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Me han gustado mucho los dos últimos trabajos de Sergio Péris-Mencheta. “La Tempestad” y “Un trozo invisible de este mundo”.

¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes a la escena?…
Creo que están afectando dramáticamente y confío en que pronto se busque una solución a este grave problema para todos los que trabajamos en este sector.

¿Proyectos?…
Muchos. No puedo quejarme. Acabo de estrenar “El Caballero de Olmedo” de Lope de Vega, con adaptación de Eduardo Galán en Santander. Un espectáculo coproducido por el Teatro Fernán Gómez con la colaboración del Teatro Español y el Palacio de Festivales de Cantabria. Para 2014 voy a seguir colaborando con Eduardo Galán. Si todo va bien dirigiré una Comedia de Lorenzo Píriz-Carbonell y otra de Daniel Pérez. Ernesto Caballero ha tenido la amabilidad de llamarme para dirigir un espectáculo en CDN y voy a codirigir un espectáculo con Albert Boadella en el Canal. Estoy absolutamente encantado.

Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis…
Pues como se dice en “Hombres de 40”: Pelear, pelear y levantarnos cuando nos tiran. Vivir, tirar para adelante… “Ale hop”.

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TalentMadrid se presenta en los Teatros del Canal

Estas son las BASES

Al evento han asistido el presidente de la Comunidad de Madrid, Ignacio González,Albert Boadella, director de los Teatros del Canal y la productora y directora ejecutiva de Talent Madrid, Mónica Hamill.

TalenMadrid pretende encontar nuevos talentos mediante un concurso que utilizará como medio principal de selección las redes sociales. A través de ellas, todo el que quiera concursar deberá colgar un vídeo de duración no superior a 2 minutos y acaparar los votos de todos sus “fans”. A partir de esa criba se seleccionarán los 60 ganadores.
La iniciativa, que pretende ofrecer oportunidades a los artistas españoles, nacidos o
residentes, permitirá que 60 creadores pongan en pie sus obras en los
Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, durante el Festival Talent
Madrid 2013, que se celebrará del 21 de febrero al 2 de marzo. Este último
día se celebrará la gala final, de la que saldrá la obra ganadora.

Desde hoy y hasta el momento de poder disfrutar de las obras en el
escenario, Internet y las redes sociales desempeñarán un papel
fundamental en este proyecto. Por eso, durante la presentación, se ha
llevado a cabo la cuenta atrás para el inicio de la primera fase y el
presidente regional ha sido el encargado de lanzar, desde su propia cuenta,
el primer tweet con el hashtag #TalentMadrid y el link a la página del
concurso.

Para participar en Talent Madrid 2013 sólo hay que disponer de una
idea original, una cámara y acceso a Internet. El proyecto va dirigido a todos
los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y a los
extranjeros residentes en España, mayores de 18 años. El concurso se
desarrollará en cuatro fases: 1 – convocatoria y presentación de proyectos
en Internet (hasta el 11 de diciembre); 2 – votación popular (del 12 al 21 de
diciembre); 3 – puesta en pie de ideas seleccionadas, utilizando los recursos
de los Teatros del Canal (del 11 al 20 de febrero de 2013), y 4 – exhibición
de las obras en el Festival Talent Madrid 2013 (del 21 de febrero al 2
marzo), que concluirá con una gala final en la que se designará la pieza
ganadora.
De Internet al escenario
Talent Madrid comienza su primera fase hoy mismo, y hasta el 11 de
diciembre los participantes podrán subir a Internet un vídeo de dos minutos,
en el que muestren la esencia de su obra (escena, teaser o fragmento). Esta
parte responde, además, a uno de los objetivos principales de la iniciativa:
dar la mayor visibilidad posible a las obras presentadas. Por ello el proyecto
cuenta con un sitio web propio (http://talentmadrid.teatroscanal.com), la
plataforma tecnológica internacional Talenthouse
(www.talenthouse.com/talentmadrid-festival) y las principales redes sociales
(www.facebook.com/talentmadrid y www.twitter.com/talentmadrid). Los
participantes podrán mostrar su trabajo utilizando estos canales o sus
propias redes y serán los usuarios quienes elegirán sus ideas favoritas.

La segunda fase del concurso se desarrollará del 12 al 21 de
diciembre. Los creadores ya registrados podrán seguir difundiendo su obra y
pidiendo el voto. Al término de este periodo, con los votos del público en Internet y la opinión del panel de expertos profesionales designados por el festival, se elaborará la lista de los 60 trabajos seleccionados, que se dará a conocer en enero de 2013.


Vanessa Montfort, dramaturga y novelista nos habla de sus últimos y próximos proyectos.

Vanessa Montfort, dramaturga y novelista nos habla de sus últimos y próximos proyectos
¿Cómo fue el proceso de adaptación de La Regenta?…
El proceso de adaptación de una novela siempre es complicado y más aún cuando es al teatro y con el agravante de ser una de las obras cumbre de nuestra literatura. Fue un reto al que me invitó Marina Bollaín y que acepté encantada. Se trataba de la primera adaptación de La Regenta y de una de mis novelas preferidas. Quizás por eso, porque también soy novelista, mi primera preocupación fue rescatar un aspecto de la novela. Encajar las casi 1000 páginas de la obra de Clarín y sus ciento y pico personajes sería imposible. Como dijo Boadella el día de la rueda de prensa, no se trataba de hacer una trasposición completa y literal o de leer la obra sobre el escenario. La novela ya existe. Está ahí. Cualquiera la puede leer.
Por lo tanto y para empezar a extraer el posible teatro que había dentro del libro, Marina y yo nos hicimos la siguiente pregunta: ¿Qué queda de La Regenta hoy? A partir de ahí escogimos los personajes más teatrales de la obra con los que contaríamos la historia de esta moderna Ana Ozores. Diseñamos una escaleta de escenas con las principales peripecias de la novela y finalmente llegamos a la conclusión de que si aún sobrevivía algo de la España del S.XIX en nuestro tiempo —la hipocresía y el cotilleo que podía hacer naufragar la vida intachable de una mujer—, si quedaba algo de esa España tan conservadora y decimonónica, existía en los programas de televisión del corazón. Ese estudio de televisión por donde empezaron a desfilar los personajes de Clarín se convirtió en la columna vertebral de la adaptación y nos permitió contar la historia de Ana Ozores de atrás hacia adelante. Desde el día que se desata el escándalo en retrospectiva.
Nos repartimos las escenas y fuimos trabajando a cuatro manos. Cuando una terminaba una escena la otra aportaba sus comentarios o posibles cambios por email y después de negociarlos, los íbamos fijando en el texto. Este siempre es un proceso complicado para un autor y tengo que decir que se aprende mucho. Ahora ambas nos reímos recordando nuestras discusiones. Ha sido muy enriquecedor.

¿Crees que se modificó en la puesta en escena y con el trabajo de los actores?…
Un texto teatral no está vivo hasta que llega a la escena. Es una hipótesis que sólo se demuestra sobre el escenario. Como autora nunca he sabido si uno de mis textos funciona hasta que no sale por la boca del actor y lo veo en movimiento. Y eso que suelo hace una lectura en mi casa cuando termino una obra con actores amigos. Pero siempre hay hilos que coser, escenas que acortar o alargar, frases que no se entienden, movimientos imposibles. El autor construye un sueño plano sobre el papel que luego puede materializarse de muy diversas formas. Así que sí, claro que se modificó al llegar a escena. Y por supuesto que los actores, como intérpretes que son, le aportan a los personajes nuevos matices.
¿Qué posibilidades de modificar una propuesta textual hay cuando puedes seguir las funciones y la gira del montaje?…
Siempre depende del director. Como autora puedo modificar aquello que considere necesario puesto que el texto me pertenece. Ese es mi único reino. Ahora, otra cosa es que una vez dado el visto bueno y el montaje en marcha, esos cambios se quieran incorporar o no a ese montaje concreto. En el caso de Marina, ella es muy abierta a la hora de introducir cambios si los considera necesarios. Además, en este caso es coautora. Luego también depende del trabajo de los actores, los ensayos antes de la gira, la producción…
¿Te sientes dividida entre el teatro y la novela?…
Afortunadamente sí. A partes iguales. Nunca he podido responder a la pregunta de ¿teatro o novela? En mi caso sufro literariamente de una doble personalidad. Una maravillosa psicosis. 2012 fue para mí año teatral con el estreno de La Regenta que este mes comienza su gira. 2013 será mi año de publicación de la nueva novela que acabo de terminar antes del verano —la anterior fue publicada en 2010— y, por supuesto, ya estoy escribiendo de nuevo teatro…
¿Qué dirías que diferencia estas dos maneras de escribir?…
Muchas, muchísimas cosas. Tanto en la forma de escribir como en el hecho en sí. El texto teatral implica un después y por lo tanto tienes que tener en cuenta que es un texto destinado a ser oral. A moverse por un espacio. A ser reinterpretado una y otra vez: primero por el director, luego por actores, escenógrafos, iluminadores, músicos y finalmente por el público. Por un lado tienes más corsés técnicos, por otro te libera de parte de la responsabilidad del resultado final. Para mí, su principal complejidad reside en que la historia se tiene que contar sólo a través de voces e imágenes. Y lo que más me divierte es que se trata de un proceso colectivo. Lo que más me conmueve: el directo. No hay nada más emocionante ni más eléctrico.
Sin embargo la novela es todo lo contrario. En este caso la complejidad es que tienes demasiada libertad que administrar. Que eres el primer y último responsable de todo ese universo profundo que surge del papel y vas a ser tú y sólo tú quien decida dónde parar, cuándo la historia o un personaje ya ha dicho todo lo que tenía que decir y luego, las interminables horas de soledad que se transforman en uno, dos o tres años de trabajo, en algunos casos más, un proceso tan dilatado en el tiempo que muchas veces te hace perder la perspectiva. Fascinante, sí, pero durísimo. La escritura teatral puede ser producto de un arrebato, un sprint, aunque luego el texto se corrija hasta la saciedad. La novela sólo es apta para corredores de fondo.

¿Has participado en las sesiones dramatúrgicas del Fringe Madrid?¿Qué tal?…
Sí, participé con un texto que estrené en Londres en la SouthwarkPlayhouse llamado “La mejor posibilidad de ser Alex Quant”, un delirio cuántico-teatral dirigido por SimonBreden. Simon fue el director y traductor de esta obra y es quien dirige la compañía Teatro 36 y la plataforma Nueva Dramaturgia, un proyecto pionero en nuestro país con el que colaboro y que se presentó en el Festival Fringe para sacar a la luz las nuevas voces de la dramaturgia española. http://teatro36.wordpress.com/
¿Qué impresión tienes del teatro que se está haciendo y mostrando en Madrid?…
Lo cierto es que ahora mismo sospecho que estamos en un momento de inflexión. La noticia de que el IVA de los espectáculos aumentaba al 21% y también la contratación de artistas tendría el mismo porcentaje hará muy complicada la supervivencia de muchas producciones. En los últimos años creo que se ha hecho un gran esfuerzo por crear un nuevo público y se ha conseguido. Siempre he dicho que me hace feliz quedarme sin entradas en Madrid para ver una obra de Tom Stoppard o Harold Pinter. Pero es cierto que en 2013 ese paisaje cambia. El público cada vez tendrá más difícil asistir a producciones variadas, de distintos autores y países, ya no tanto porque la entrada aumente de precio sino porque los productores y los distribuidores se lo pensarán mucho antes de apostar. Y sin apuesta el teatro no avanza. En realidad, sin apostar, no avanza nada.
¿En qué proyectos andas ahora?…
Ahora estoy en proceso de recolección después de haber pasado un año encerrada escribiendo. La Regenta empieza su gira, acudiré al estreno de una de mis obras “Estábamos destinadas a ser Ángeles” en Panamá en el mes de octubre, en diciembre mi novela anterior “Mitología de Nueva York” me llevará a la Gran Manzana y dirigiré una ópera en pequeño formato de uno de nuestros más prestigiosos compositores, Jorge Fernández Guerra en la sala Guindalera en diciembre. Se podrá ver durante todas las Navidades. Un proyecto que me hace especial ilusión. Y cuando llegue el mes de enero… a encerrarse de nuevo a escribir. Teatro… mucho teatro…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
Que no nos ahogue el miedo. Los creadores siempre han seguido creando en tiempos de crisis. Agudizar el ingenio. No leer los periódicos ni ver telediarios mientras se esté trabajando. Que nadie nos convenza de que aquí se acaba todo. Es mentira. Es en los periodos de crisis cuando todo comienza. Hay que releer una y otra vez a la Generación Perdida para que nos convenzan, desde el pasado, de que se puede. De que esto ha pasado y pasará otras veces. Pero hay que seguir. Además, no sabemos ni podemos ni debemos hacer otra cosa.