Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Kaspar Hauser de La Phármaco en los Teatros del Canal

Es maravilloso experimentar cómo Luz Arcas nos adentra en un personaje muy complejo en su interior a pesar de haber sufrido un encierro de diecisiete años, un encierro involuntario que le ha convertido en un ser extraño a la sociedad y para el que la sociedad también es algo extraño. Pero esto último no es lo que le interesa: ella quiere experimentar en sus carnes lo que Kaspar sintió en sus primeras veces, en su primera experiencia con la luz natural, con el mundo exterior, con los animales o con la primera visión de las estrellas. Es impresionante ver el trabajo de fondo que Luz ha imaginado, sentido y realizado a través de su expresión corporal y de la coreografía que nos va sumergiendo en numerosas sensaciones. Luz se convierte en Kaspar enteramente, desde lo más dentro, emanando hacia fuera, como sólo ella sabe a través de su danza, la personalidad de «el huérfano de Europa». Un trabajo de una calidad extrema, de delicada plasticidad y de acertada interpretación que no puede dejar indiferente a nadie y que coloca a la intérprete una vez más en la punta de la pirámide en lo que a danza se refiere.

La composición e interpretación musical de Carlos González también es sobresaliente. Cada acorde acompaña al cuerpo y el cuerpo acompaña a cada acorde de una manera que nos estremece la piel. En definitiva, La Phármaco nos ofrece una oportunidad única para disfrutar de lo más hondo de la danza en un trabajo bello y emocinoante que esperamos que se pueda repetir muy pronto, ya que ha tenido un paso muy breve por Madrid, breve pero muy intenso.

Luis Mª García Grande

 


La voz de nunca dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared

Samuel Beckett y “Esperando a Godot”. “Esperando a Godot” y Samuel Beckett. Obra repetidamente representada y que, sin duda, cabe en nuestra lógica esperar que se siga representando. Misma pregunta, sin obsolescencia programada, planteada una y otra vez en cada función, cada país, cada época: ¿a qué estamos esperando?
Hemos tenido la gran oportunidad de plantearnos de nuevo y novedosamente esta eterna cuestión en la duodécima edición de Territorio Danza, en la Sala Cuarta Pared, con “La voz de nunca” (de Luz Arcas y Abraham Gragera). En La Phármaco, capitaneada por la coreógrafa Luz Arcas, se han propuesto quitarse el bombín y bailar a Samuel Beckett, entre otras cosas, puesto que el espectáculo total es el sello personal del trabajo de la premiada compañía.
Estragón (Luz Arcas), Vladimir (Begoña Quiñones), Lucky (Ignacio Jiménez) y Pozzo (Juan Manuel Ramírez), hacen eco del texto original con sus cuerpos duros, blandos, quebrados, conectados, desconectados, repetitivos, insistentes, inertes, balbuceantes… Visibilizan y revelan lo absurdo como trágico y fulminantemente cierto. Al mismo tiempo, un piano puntillista en directo (Carlos González) toma como punto de partida el “Claro de Luna” de Beethoven y la “Sonata para viola” de Shostakovich para poner en tela de juicio las fronteras instrumentales talladas por algún lutier que, por qué no, probablemente fabrique pianos mientras espera (¿a qué?). El resultado de esta ceremonia escénica es una interpretación de “Esperando a Godot” con un volumen expresivo más grueso de lo habitual que confirma el acierto de canalizar la paradójica y exigente demanda de acción de la espera a través del cuerpo, la música y la palabra.
A pesar de los intensos 60 minutos de función, se deja sentir puntual – puntillista – mente el tedio que, en general, acostumbra provocar esta obra en uno u otro momento por la propia naturaleza del planteamiento de Beckett. ¿A qué esperaba él mientras escribía?
Una vez más, con toda la necesidad del gesto, se subraya el absurdo de llamar absurdo a lo que realmente es un modo de vida basado en la ocurrencia como interrupción de una establecida no ocurrencia. La vida por defecto como una secuencia aleatoria de eructos provocados por la indigestión de la espera.
Bárbara Nita.Lavozdenunca-3


Doble entrevista al dramaturgo y compositor de La voz de nunca en Territorio Danza

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Abraham Gragera
¿Cómo surge La voz de nunca?…
La voz de nunca es una consecuencia natural del proceso de maduración del lenguaje de La Phármaco. En las obras anteriores, sobre todo a partir de Antes fue siempre fuego, cuando comenzamos a trabajar juntos Luz y yo, nos propusimos precisar, definir los intereses estéticos de la compañía, los referentes, el discurso. Las dramaturgias se volvieron más ambiciosas como consecuencia de la búsqueda de un nuevo código coreográfico, y las investigaciones en la mitología clásica y en la antropología fueron desembocando en una preocupación por los rituales de la cultura, en concreto por la tragedia.
En Éxodo: primer día, donde se bailaba la muerte de Edipo en el bosque de Colono y el regreso a Tebas de Antígona, es decir, justo lo que Sófocles no cuenta, lo que sucede entre sus dos obras, abordamos el concepto clásico de la tragedia; aunque no con intenciones conmemorativas, no para levantarle un monumento a los venerables padres de lo que hoy llamamos, de un modo un tanto confuso, tradición, humanidad, sino porque creíamos poder hablar, amparados en arquetipos imperecederos, inagotables, de nuestro mundo, de algunos problemas, algunos rasgos de la actualidad, de nuestro periodo histórico.
El resultado nos satisfizo mucho, aunque no lo bastante como para no seguir profundizando en nuestras inquietudes con objeto de expresarlas de un modo cada vez más claro. Y eso, en definitiva, es para nosotros bailar a Beckett, bailar La voz de nunca: el modo más claro que hemos desarrollado hasta el momento para aludir a la vigencia de la tragedia y a los conflictos derivados del nihilismo contemporáneo; y para intentar leer coherentemente unos tiempos un tanto confusos también, en nuestra opinión, desde el punto de vista de la estética.

¿Cómo se «escribe» para danza?…
Debo aclarar que nuestra estructura de trabajo no es vertical. Luz y yo firmamos tanto la dramaturgia como la dirección, de lo cual se infiere que trabajamos juntos, mano a mano, a partir de lecturas mutuas, de conversaciones interminables, del compromiso absoluto con el resultado, no con nuestros egos.
Cuidamos mucho la arquitectura espacial y temporal de las obras, tratamos de concebirlas sinfónicamente, a partir de resonancias armónicas, de analogías, entre los distintos modos de percibir el mundo (racional, intuitivo, poético, bailado…).
Buscamos apoyo en el concepto teatral de dramaturgia, aunque tratamos de crear a partir de ahí algo genuinamente dancístico, un territorio fronterizo propio, refractario a las convenciones de lo fronterizo, a las etiquetas establecidas. Es decir, no pretendemos hacer teatro-danza, sino otra cosa, más relacionada con el concepto de obra total que con una adscripción genérica cualquiera.

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Háblanos del “texto” resultante…¿Cómo se traslada el texto de Beckett a una partitura de movimiento? …
Beckett es puro movimiento. Su manejo de las pausas, de los silencios, del ritmo a base de frases cortas, de gestos sintetizados en una sola palabra, o de párrafos torrenciales, caóticos y totalmente sordos, su manejo de las repeticiones, es pura acción física, pura música.
Luz me lo demostraba continuamente con sus descubrimientos coreográficos. Yo no soy coreógrafo ni, stricto sensu, dramaturgo. Vengo de la literatura, de la poesía, y de las artes plásticas. De todas ellas, además del teatro, la danza y todo el cine que he podido ver, aprendí que las artes proceden de un mismo lugar, que sus códigos se corresponden entre sí, independientemente del género al que pertenezca cada obra. Luz aprendió lo mismo. Así que nos resulta bastante fácil llevar nuestras respectivas sinestesias a buen puerto.
Por lo demás, queríamos ofrecer otra lectura de Esperando a Godot, huir de los estereotipos del llamado «teatro del absurdo», de las ataduras con las que el propio Beckett maniató la obra, de los pesos muertos, los dogmas que le cuelgan aún muchos directores teatrales, muchos críticos y la industria general del tópico.
Beckett, como todo genio, recorrió su camino hacia el despojamiento a base de etapas, a base de avanzar esparciendo semillas. Esperando a Godot pertenece a una de esas etapas, es una de esas semillas. Nosotros decidimos plantarla en la tierra destinada a cubrirnos, no para seguir el camino trazado por Beckett, sino para llegar hasta donde estamos ahora, a nuestros tiempos, y exponer nuestra particular visión de la nada (una nada que nos mira), nuestra particular idea de lo que significa el prójimo (algo que se resiste a la abstracción) y nuestra particular respuesta a un problema muy actual, el de la esperanza.
Desde el punto de vista estructural, hemos calcado la construcción simétrica, los dos actos, de la obra de Beckett. Nosotros interpretamos esta simetría de un modo especular, no circular. Es decir, Esperando a Godot no es, para nosotros, un eterno ritornello, sino una posibilidad de devolverle al vacío su propio reflejo, de hacerlo carne, carne que sufre.
Por último, decidimos introducir la palabra, en concreto el monólogo de Lucky, porque vimos en él potencialidades musicales inexploradas, y porque nos sonaba como si fueran los restos del principio del evangelio de Juan; nos recordaba a la radiación de fondo, nos consolaba con la imposibilidad del absoluto silencio, nos conmovía por su insignificancia.

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¿Cómo ves la creación escénica en estos momentos en nuestro país?…
Si me preguntas por la situación de los artistas, mi diagnóstico coincide con el de la mayoría que la sufre (la creación escénica, en estos momentos, en nuestro país). Por otro lado, y a pesar de la falta de oportunidades (la falta de espacios para la danza, de Festivales, de teatros que ofrezcan temporadas, de una apuesta decidida por crear un público formado, como el que existe en muchos otros países de Europa) la gente que entrega su vida a alguno de estos oficios lo hace porque cree que tiene algo que decir, y porque sabe, en su fuero interno, que lo único que puede oponérsele a la ignorancia es la perseverancia.
Si me preguntas por el estado de la danza en este país, por lo que tiene que decir este país al resto de los países desde el punto de vista de la danza, pienso que este país es así de displicente con el arte porque sólo ha conocido la división, hasta el momento; por una parte el tradicionalismo, que es la inversión de un complejo de inferioridad, y por otra parte la importación fragmentaria y banal de las tendencias foráneas, que es un complejo de inferioridad asumido.
Pienso que este país es aún muy inculto, dada su manifiesta incapacidad para construir puentes. Algún día, quizá no muy lejano, no será tan inculto, no será tan exótico, visto desde dentro. Y con buena voluntad.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El último que de verdad me interesó fue Ruhr-Ort, de Susanne Linke. Aparte de sus atmósferas, sonoras, visuales, minerales, de las carreras sincronizadas, aletargadas o inmóviles de sus intérpretes, y del desfile descendente de la multitud de uniformes mineros colgados en fila, como mudas de cuerpo, me interesaron sus limitaciones, su desequilibrio en favor de los aspectos teatrales y del mensaje político.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No entiendo bien la pregunta. El tiempo es el tiempo.

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Carlos González
¿Cómo fueron tus inicios en la composición musical?…
Desde que comencé mis estudios musicales de piano, con 16 años, he tenido un profundo interés en la composición desde cualquiera de sus formas: la improvisación, la armonía, el contrapunto y la orquestación. He aprendido muchísimo de manera autodidacta con una escucha musical analítica, documentándome seriamente y además con algunos maestros del jazz. Mi inquietud era tan fuerte que nunca profundicé en la interpretación mediante el sistema académico. No me interesa la idea de fijarme solo en la digitación de un pasaje musical o de si se debe articular de una forma u otra según cada escuela. Aplicando las herramientas de la composición, el análisis y la improvisación puedo acercarme a cualquier estilo musical, con respeto y rigor histórico y, además, de una manera creativa.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Siempre he tenido muy presente que vivir exclusivamente de la composición musical es muy difícil, y además tengo tantos intereses que no podría dedicarme solo a ello. Una buena parte de mi tiempo es para la docencia en el campo de la improvisación y el análisis, y por otro lado trabajo en un método de aprendizaje en el piano basado en la armonía y el entrenamiento auditivo. Además, soy co-propietario de Piccolo, una productora discográfica de Madrid junto al productor e intérprete Gabriel Castellano. Desde hace muchos años estoy en activo dando conciertos tanto de jazz y música clásica como de pop y rock. También colaboro como crítico de jazz en la revista Audioclásica y escribo sobre moda masculina en Rude Magazine.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Muy positivo. Como compositor he podido estrenar música para prácticamente cualquier formación: sinfónica, cámara, a solo, electroacústica y música escénica y para la imagen. Tal y como se encuentran hoy en día las profesiones artísticas, sobre todo en el campo de la creación, me siento muy afortunado. Pienso tener una dedicación profesional exclusiva durante los próximos años y seguir trabajando con el mismo entusiasmo y con la mayor calidad posible.

¿Cómo surgió tu participación en La voz de nunca?…
Los directores del proyecto, Luz Arcas y Abraham Gragera, buscaban un perfil musical muy particular para el proyecto, y por suerte coincidía con el mío: pianista de cine mudo, conocedor de multitud de estilos musicales, improvisador con capacidad de utilizar el piano con multitud de formas de interpretación con una carga expresiva muy fuerte y al mismo tiempo subrayar el mensaje que querían transmitir. “La voz de nunca” está inspirada en “Esperando a Godot” de Beckett, y ofrece una nueva lectura de esta obra; es una reflexión del hombre ante el mundo y ante él mismo. Hay gran cantidad de universos fuera de la narrativa y del texto original. Recuerdo el primer día que nos conocimos los tres, hace un año y medio. La conexión fue total, Luz me enseñó sus ideas sobre la coreografía y la música no dejaba de fluir. La avalancha de ideas fue tan intensa que siempre hemos tenido que ser muy rigurosos a la hora seleccionar el material definitivo y construir la forma musical.

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¿Qué tipo de composición te has planteado para este proyecto? ¿Qué referencias musicales?…La música de “La voz de nunca” engloba un todo en cuanto a estilos musicales. Es difícil de sintentizar. Encontramos todas las formas de la primera mitad del siglo XX, desde impresionismo modal, neoclasicismo, hasta música concreta utilizando algunos recursos de piano preparado. En muchos momentos hay sincronía con cada movimiento, como si fuera una película de Chaplin. Al mismo tiempo, hemos utilizado un leitmotiv que tanto Luz como Abraham tenían claro y me sugirieron desde el comienzo: el Adagio de la sonata claro de Luna de Beethoven y su reminiscencia en la sonata para viola de Shostakovich. Hay citas literales de estas obras, pero lo más importante es que el motivo de tres notas repetidas y el arpegio (los elementos característicos de estas piezas) forman una idea para el desarrollo del material de toda la partitura. No es un leitmotiv romántico, y no hay partitura escrita; tampoco es música adscrita en vanguardias. Bajo mi punto de vista, la música de “La voz de nunca” contiene un lenguaje música-danza innovador; creo que aproxima la comprensión a cualquier público mediante el respeto a los modelos tradicionales y, al mismo tiempo, se articulada con una improvisación controlada. Se apoya sobre unas pautas muy precisas pero con libertad en el tiempo y en el desarrollo de cada frase; esto es posible gracias a que yo soy el único intérprete musical y tengo un control total de la acción, el tempo y la expresión.

¿Cómo te surgieron las ideas para el montaje?…
¿Cuánto margen tuviste para crear e investigar durante el proceso?…
Puede resultar pretencioso, pero la verdad es que las ideas ya estaban desde el primer momento, en los primeros encuentros teníamos material de sobra para el desarrollo del discurso y la articulación de la obra. Surgió sin más, mientras probábamos. Solo tuvimos que ordenar ideas que estaban en constante experimentación. La esencia de este trabajo consiste en la simbiosis de la música y la danza, que crecieron a la vez.

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¿Cómo fue tu relación en el proceso de la obra durante los ensayos?…
Me ha encantado trabajar en esta obra en todos los sentidos. Solo tengo palabras de elogio y agradecimiento para La Phármaco. Durante muchos años he estado desarrollando multitud de formas de hacer música yo solo, y este ha sido el momento donde he podido expresar y mostrar todo lo que quería decir. Aparte de poder disfrutar del excelente trabajo dramatúrgico de Luz Arcas y Abraham Gragera, he trabajado con geniales intérpretes del mundo de la danza como Begoña Quiñones y Juan Manuel Ramírez Espinoza y el magnífico actor y bailarín Ignacio Jiménez. Todos ellos han participado de forma muy activa y con gran calidad humana en este proyecto tan intenso.

¿En qué proyectos musicales has participado durante el último año?…
Aunque el proyecto más importante y al que más tiempo y esfuerzo he dedicado durante los últimos meses ha sido “La voz de nunca”, he actuado con infinidad de bandas de jazz, como Polar Jazz Trío y con el grupo “T big band”, formación que dirijo y de la cual soy arreglista.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Hemos comenzado a trabajar en una nueva obra de La Phármaco: “Karpar Hauser, el huérfano de Europa”, el famoso niño salvaje del siglo XIX. Nuestra intención es profundizar en su visión del mundo y la percepción psicológica y humana de Kaspar. La obra será un solo de Luz Arcas y yo también haré un solo musical, pero esta vez el reto consiste en utilizar elementos tímbricos originales al combinar el piano y un set de instrumentos de percusión que lo rodean que estará formado por multitud de platos, toms y cajas. Para ello, tendré que desarrollar una forma de interpretar con una baqueta en una mano y en la otra el teclado.

¿Qué espectáculo hayas visto últimamente que te ha interesado?¿Por qué?…
Este verano, en el Festival Clazz, celebrado los Teatros del Canal de Madrid, pude escuchar a Volcán, uno de los mejores grupos de jazz del panorama actual. Formado por músicos de extraordinario nivel: José Armando Gola en el bajo, Horacio “El Negro” Hernández en la batería, Giovanni Hidalgo en las congas y rumberas y el maestro Gonzalo Rubalcaba al piano. Me encantó la comunicación rítmica entre la banda, así como la complicidad y maestría con todas la claves rítmicas de la música afro-cubana para dibujar un esqueleto perfectamente hilvanado. Me pareció increíble como jugaban con subdivisiones métricas y desarrollaron interesantes desplazamientos rítmicos para el soporte de las improvisaciones. Gonzalo Rubalcaba es uno de los maestros absolutos del panorama pianístico actual, no solo por su gusto y técnica virtuosa; cada frase que interpreta se encuentra perfectamente definida en la estructura de los solos, rítmica, melódica y armónicamente, y es producto del desarrollo temático y una curva de intensidad llena de color y originalidad.


Festivales, Certamenes y Encuentros

Muestra de videodanza DANZATAC 2013
CONVOCATORIA MUESTRA DE VÍDEODANZA
En respuesta a la diversidad de propuestas, géneros y experiencias que vinculan el audiovisual y la danza, se abre la convocatoria para el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac 2013, que tendrá lugar en el municipio de Tacoronte (Tenerife – Islas Canarias) entre los días 12 y 19 de octubre de 2013.
Debido al crecimiento de los proyectos que desarrolla este colectivo, para esta edición, el evento se propone como una muestra independiente y asume una identidad propia bajo el nombre de DanzaTac. El Mundo en movimiento.
En el Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac2013, además de la muestra de los materiales audiovisuales, serán organizados encuentros, conferencias, debates, talleres, performance y exposiciones que nos ayuden a compartir y dar progresión a las diversas posibilidades de conjunción del Audiovisual y la Danza.
Daremos amplia acogida a materiales audiovisuales que se incluyan en este apartado:  Vídeo Danza como forma de expresión artística
Para su exhibición, los materiales se seleccionarán previamente por el comité organizador.
Tacoronte, será durante esos días escenario ideal para el análisis de materiales audiovisuales relacionados con la danza, donde se conjugan la imagen, el movimiento, la historia, la imaginación y los artistas.
Bases de participación:
• La Muestra de Vídeodanza DanzaTac2013 es de carácter internacional y es un evento competitivo.
• El premio consistirá en la asignación al director o productor del trabajo seleccionado por la organización de un importe de hasta 500 euros para entrar en coproducción con otro trabajo de videodanza a estrenar en la edición DanzaTac 2014.
• Todos los materiales deberán presentarse en soporte audiovisual DVD, Pal. Con una duración máxima de 20 minutos.
• Cada material debe acompañarse de la ficha técnica, así como del currículo del director y en su caso la del coreógrafo.
• Los vídeos que se presenten a la Muestra de Vídeo – Danza DanzaTac2013 serán exhibidos en el Auditorio de Tacoronte, Tenerife, en la fecha estimada por la organización dependiendo del programa final establecido, y estará comprendida entre los días 12 y 19 de octubre, notificándolo en http://www.danzatac.com. Estas proyecciones se organizan sin ánimo de lucro, no obstante, se solicita la autorización expresa de sus productores a fin de realizar las exhibiciones que correspondan.
• El material debe enviarse a la siguiente dirección: Festival de Danza de Tacoronte, DanzaTac. Calle Calvario, 36, 38350, Tacoronte. Tenerife. Islas Canarias. España, antes del día 1 de octubre de 2013.
Es propósito de este festival, crear y desarrollar una Videoteca especializada en esta manifestación artística, por lo que se agradece la donación de los materiales presentados al festival.

IV Jornadas de Danza del Conservatorio Superior de Valencia
Los días 10, 11 y 12 de abril, el Conservatorio Superior de Danza de Valencia va a celebrar sus IV JORNADAS DE DANZA 2013, con clases de distintas disciplinas y estilos, así como tres charlas- coloquio sobre temas relacionados con las especialidades que se cursan en nuestro centro: Pedagogía de la Danza y Coreografía e interpretación.
Más info en: http://www.danza.es/descargas/JORNADASDEDANZA2013_Horarios_generales.pdf

I Jornadas de Metodologías y Didáctica en la tutela de trabajos Fin de Grado en Artes Escénicas
Estas jornadas surgen de la necesidad de abordar las metodologías de investigación y los procesos didácticos que contribuyen y favorecen la realización y presentación de los Trabajos Fin de Grado y de Fin de Título en Artes Escénicas. El análisis sobre la dirección de estos proyectos proviene de la experiencia adquirida a través de la primera promoción en Artes Escénicas de la Universidad Nebrija, así como de la voluntad de abrir nuevas perspectivas de investigación y compartir los hallazgos didácticos en este ámbito de conocimiento con el profesorado de otros centros.
La adaptación española al Espacio Europeo de Educación Superior (EEES) en lo que se refiere al espacio universitario se produce a partir de la promulgación del R. D. 13/2007 por el que se establece la ordenación de las enseñanzas oficiales universitarias. A través de este decreto se regulan las estructuras de los títulos de Grado y Máster en las que destaca, al margen de la traducción de los procesos de enseñanza y aprendizaje en Créditos Europeos (ECTS) la obligatoriedad de que los alumnos realicen un trabajo individual, que debe estar diseñado curricularmente entre 6 y 30 Créditos.
Por otro lado, las titulaciones superiores de arte dramático, música y danza a través de la LOE (2006) quedan incorporadas al EEES y también han sido diseñadas curricularmente con una estructura similar, en la que también se recoge la obligatoriedad de que el alumno tenga que realizar un Trabajo final, denominado Trabajo de Finalización de Titulación.
Las enseñanzas artísticas superiores (también las universitarias) como el resto de las disciplinas de las ciencias sociales, las humanidades, cuentan con un déficit histórico en este tipo de actividades académicas, en comparación con otras áreas de conocimiento como las ingenierías. Existe, de este modo, una necesidad de que las experiencias de tutela y los resultados de aprendizaje de los TFG sean compartidos tanto en la comunidad universitaria, como entre el profesorado de las enseñanzas artísticas superiores, y asimismo, se constata un déficit en la formación del profesorado que tiene que asumir la tutela de los trabajos de Finalización de Titulación/Trabajos Fin de Grado.
Por lo tanto, estas jornadas pretenden complementar la formación del profesorado en metodología y didácticas de la tutela en los campos de las artes escénicas.
Más info en: Anabel Rodríguez arodrigu@nebrija.es

VIII Certamen Coreográfico de Sabadell
Pueden participar en el Certamen todas las piezas de danza contemporánea y danza moderna. Las piezas pueden tener una duración mínima de 8 minutos y una de máxima de 15 minutos.
No hay limitación en el número de bailarines.
Se pueden presentar coreografías con un solo bailarín, pero en este caso las coreografías deben tener una duración entre 4 y 6 minutos como máximo.
Inscripciones antes del 5 de julio
Más información: http://www.lestruch.cat
petitmon2002@hotmail.com

El Instituto del Teatro de Madrid se vuelca en la III Semana Complutense de las Letras
El Instituto del Teatro de Madrid (ITEM) se vuelca esta III Semana Complutense de las Letras en su actividad teatral desde lo académico hasta las tablas más contemporáneas. Toda una semana de teatro en su más amplio espectro se abre ante todos los alumnos de la Universidad Complutense y toda la ciudad de Madrid. Y esto es porque este año el ITEM genera actividades tanto en el campus de la UCM como en el centro de Madrid. El recién estrenado espacio Nave 73 (C/ Palos de la Frontera, 5) acogerá los días 22 al 23 de abril las II Jornadas de Nuevos Teatristas Españoles e Hispanoamericanos. El día 24 la jornada se realizará en el Paraninfo de la UCM. En 2011 se crearon estas jornadas con una gran acogida en el seno de la Universidad. Este año se recuperan las jornadas con la presencia de dramaturgos emergentes y propuestas escénicas breves, así como lecturas dramatizadas, que mostrarán las últimas creaciones en España y en Latinoamérica.
En colaboración estrecha con Metro de Madrid, el ITEM lanza la iniciativa CRONO-TEATRO. Una idea que intenta llevar el teatro a nuevos espacios como a un vagón de tren o al propio andén. Propuestas de 2 minutos para los vagones que viajen de Metropolitano a Moncloa, y de 5 minutos para los andenes de estas mismas estaciones. Textos intrépidos para espacios escénicos sin pausa. Para los amantes de la lectura de textos dramáticos, ese mismo día 25 en la Librería Alberti dará lugar la presentación de Cuentos a la Escena, dentro de la colección Varia Escénica del ITEM, con la presencia de su autor, Alberto Castilla y Antonio Zapatero. Y como colofón a la III Semana Complutense de las Letras, el Instituto del Teatro de Madrid presenta su primer ciclo del “Proyecto 3 Vías”. Un proyecto que integra la investigación filológica con la práctica escénica en el seno de la universidad. De viernes a domingo en Nave 73, a las 20.30, el ITEM presenta tres montajes que responden a la Vía Greco-Latina, presentan Heroínas [Medea – Ariadna – Fedra], a partir de diversos textos clásicos de Eurípides, Ovidio o Séneca; la Vía Siglo de Oro, con el montaje Historia del Loco Cardenio, de W. Shakespeare, Fletcher y Cervantes; y la Vía Contemporánea, que presenta Las moscas, de J.P. Sartre. Al concluir cada representación tendrá lugar un encuentro con los creadores para contrastar opiniones con el público asistente.
Más info en: http://pendientedemigracion.ucm.es/BUCM/semanaletras3/

XXX Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería
Con la fidelidad con la que llega cada año la primavera regresan un año más las Jornadas del Siglo de Oro de Almería que este año cumplen su trigésima edición para ofrecer una programación que agrupa algunas de las producciones más recientes de obras escritas hace más de cuatro siglos, pero que conservan todo su esplendor e interés, tanto para quienes las producen y protagonizan como para un público deseoso de disfrutar con nuevas producciones de clásicos de la literatura española y europea. Este año, además, «las Jornadas recuperan las ponencias, aunque sea parcialmente, y contarán con la de Fernando Domenech de la RESAD que hablará sobre la adaptación de ‘La vida es sueño’ producida por la Compañía Nacional de Teatro Clásico y la que ofrecerá Carlos González en torno al espectáculo ‘Coplas de Buen Amor’ que se estrena en esta edición», señala la directora de este evento almeriense, Ascensión Rodríguez, que confía además en recuperar para este ciclo de conferencias los créditos universitarios. Esta edición que se desarrollará entre el 4 y el 19 de abril tanto en la ciudad de Almería como en las localidades de Roquetas de Mar, El Ejido y Vícar, ofrece una programación en la que destacan el estreno absoluto de Coplas del Buen Amor y del espectáculo Perrault en danza o la presencia de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que llega con el último espectáculo creado por su directora Helena Pimenta, La vida es sueño.
Más info en: http://www.teatrosiglodeoro.org/

La novedad volverá a ser la tónica destacada de Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 2013 y uno de cada tres espectáculos seleccionados se estrenará en esta cita que se celebrará entre el 16 y el 19 de mayo. Entre las más de 300 propuestas artísticas recibidas, los organizadores han seleccionado para ser exhibidos en esta edición 55 espectáculos, que provienen en su mayor parte de Euskadi, Catalunya y Francia, aunque también habrá propuestas llegadas del resto del Estado y de Holanda, Reino Unido, Polonia, Rusia, Rumanía, Italia, Israel o Turquía.

(Leioa 02/04/2013) Euskadi con una docena de compañías, Catalunya con un total de 16 espectáculos diferentes y Francia, desde donde llegan nueve espectáculos, forman la columna vertebral  de Umore Azoka 2013. En el programa tienen cabida propuestas de teatro, circo, danza, clown, títeres, música y performances.

Umore Azoka-Feria de Artistas Callejeros de Leioa 201

Las compañías vascas serán, además, las que presenten un mayor número de estrenos, ocho, en concreto los que ofrecerán Al Di Là, Bapatean Zirko, Cachaba Teatro, Deabru Beltzak, Ertza, Gaupasa/Nacho Vilar Producciones, Ipso Facto  y Trapu Zaharra. La presencia de compañías llegadas desde Catalunya se materializará con tres estrenos absolutos, otros tantos estrenos en calle y un working progress, mientras que desde Francia llegará La Mini Compagnie con un estreno absoluto, otras tres compañías presentarán sus espectáculos por primera vez en el Estado y tres más en calle. El programa contempla también tres estrenos más de compañías llegadas de Andalucía, Castilla y León y Valencia. Umore Azoka 2013 contempla además otros ocho espectáculos llegados de Holanda, Polonia, Italia, Israel, Reino Unido, Rusia, Rumanía y Turquía, muchos de los cuales se exhibirán por primera vez en el Estado.

Más info en: http://www.umoreazoka.org/fr/noticias.php

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