Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Deberías quedarte de Carmen Werner dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared

El cierre de la edición de este año de Territorio Danza ha sido estupendo. Una nueva pieza de esa creadora infatigable que es Carmen Werner. De nuevo surge su lenguaje, tallado a base de tiempo y de insistir sobre una forma que cada vez se identifica más con su personal visión del mundo y de la danza. Quedó atrás ese tiempo en el que su poética era muy abstracta y dura, ahora es más accesible, llena de guiños escénicos, de pequeños textos punzantes que sitúan la acción en un contexto ético y contemporáneo que a nadie deja indiferente. Siempre vuelvo con interés a ver sus piezas porque cada vez es más claro su idioma dancístico del que participan generosamente sus bailarines.
Adolfo Simóndeberias


La voz de nunca dentro de Territorio Danza en Cuarta Pared

Samuel Beckett y “Esperando a Godot”. “Esperando a Godot” y Samuel Beckett. Obra repetidamente representada y que, sin duda, cabe en nuestra lógica esperar que se siga representando. Misma pregunta, sin obsolescencia programada, planteada una y otra vez en cada función, cada país, cada época: ¿a qué estamos esperando?
Hemos tenido la gran oportunidad de plantearnos de nuevo y novedosamente esta eterna cuestión en la duodécima edición de Territorio Danza, en la Sala Cuarta Pared, con “La voz de nunca” (de Luz Arcas y Abraham Gragera). En La Phármaco, capitaneada por la coreógrafa Luz Arcas, se han propuesto quitarse el bombín y bailar a Samuel Beckett, entre otras cosas, puesto que el espectáculo total es el sello personal del trabajo de la premiada compañía.
Estragón (Luz Arcas), Vladimir (Begoña Quiñones), Lucky (Ignacio Jiménez) y Pozzo (Juan Manuel Ramírez), hacen eco del texto original con sus cuerpos duros, blandos, quebrados, conectados, desconectados, repetitivos, insistentes, inertes, balbuceantes… Visibilizan y revelan lo absurdo como trágico y fulminantemente cierto. Al mismo tiempo, un piano puntillista en directo (Carlos González) toma como punto de partida el “Claro de Luna” de Beethoven y la “Sonata para viola” de Shostakovich para poner en tela de juicio las fronteras instrumentales talladas por algún lutier que, por qué no, probablemente fabrique pianos mientras espera (¿a qué?). El resultado de esta ceremonia escénica es una interpretación de “Esperando a Godot” con un volumen expresivo más grueso de lo habitual que confirma el acierto de canalizar la paradójica y exigente demanda de acción de la espera a través del cuerpo, la música y la palabra.
A pesar de los intensos 60 minutos de función, se deja sentir puntual – puntillista – mente el tedio que, en general, acostumbra provocar esta obra en uno u otro momento por la propia naturaleza del planteamiento de Beckett. ¿A qué esperaba él mientras escribía?
Una vez más, con toda la necesidad del gesto, se subraya el absurdo de llamar absurdo a lo que realmente es un modo de vida basado en la ocurrencia como interrupción de una establecida no ocurrencia. La vida por defecto como una secuencia aleatoria de eructos provocados por la indigestión de la espera.
Bárbara Nita.Lavozdenunca-3


Encuentro sobre MORIR. DORMIR. BECKETT en Cuarta Pared

Tendrá lugar el 26 de septiembre, a las 21. 30 horas en Cuarta Pared, dentro de Territorio Danza, después de la representación de La voz de nunca, de la compañía La Phármaco. Sanchis Sinisterra, Eduardo Pérez Rasilla, Raquel Sánchez y Sabela Mendoza, conversarán con el público sobre Beckett, danza y artes escénicas y la propuesta de La Phármaco.
Entrada libre hasta completar aforo.voz


Doble entrevista al dramaturgo y compositor de La voz de nunca en Territorio Danza

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Abraham Gragera
¿Cómo surge La voz de nunca?…
La voz de nunca es una consecuencia natural del proceso de maduración del lenguaje de La Phármaco. En las obras anteriores, sobre todo a partir de Antes fue siempre fuego, cuando comenzamos a trabajar juntos Luz y yo, nos propusimos precisar, definir los intereses estéticos de la compañía, los referentes, el discurso. Las dramaturgias se volvieron más ambiciosas como consecuencia de la búsqueda de un nuevo código coreográfico, y las investigaciones en la mitología clásica y en la antropología fueron desembocando en una preocupación por los rituales de la cultura, en concreto por la tragedia.
En Éxodo: primer día, donde se bailaba la muerte de Edipo en el bosque de Colono y el regreso a Tebas de Antígona, es decir, justo lo que Sófocles no cuenta, lo que sucede entre sus dos obras, abordamos el concepto clásico de la tragedia; aunque no con intenciones conmemorativas, no para levantarle un monumento a los venerables padres de lo que hoy llamamos, de un modo un tanto confuso, tradición, humanidad, sino porque creíamos poder hablar, amparados en arquetipos imperecederos, inagotables, de nuestro mundo, de algunos problemas, algunos rasgos de la actualidad, de nuestro periodo histórico.
El resultado nos satisfizo mucho, aunque no lo bastante como para no seguir profundizando en nuestras inquietudes con objeto de expresarlas de un modo cada vez más claro. Y eso, en definitiva, es para nosotros bailar a Beckett, bailar La voz de nunca: el modo más claro que hemos desarrollado hasta el momento para aludir a la vigencia de la tragedia y a los conflictos derivados del nihilismo contemporáneo; y para intentar leer coherentemente unos tiempos un tanto confusos también, en nuestra opinión, desde el punto de vista de la estética.

¿Cómo se «escribe» para danza?…
Debo aclarar que nuestra estructura de trabajo no es vertical. Luz y yo firmamos tanto la dramaturgia como la dirección, de lo cual se infiere que trabajamos juntos, mano a mano, a partir de lecturas mutuas, de conversaciones interminables, del compromiso absoluto con el resultado, no con nuestros egos.
Cuidamos mucho la arquitectura espacial y temporal de las obras, tratamos de concebirlas sinfónicamente, a partir de resonancias armónicas, de analogías, entre los distintos modos de percibir el mundo (racional, intuitivo, poético, bailado…).
Buscamos apoyo en el concepto teatral de dramaturgia, aunque tratamos de crear a partir de ahí algo genuinamente dancístico, un territorio fronterizo propio, refractario a las convenciones de lo fronterizo, a las etiquetas establecidas. Es decir, no pretendemos hacer teatro-danza, sino otra cosa, más relacionada con el concepto de obra total que con una adscripción genérica cualquiera.

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Háblanos del “texto” resultante…¿Cómo se traslada el texto de Beckett a una partitura de movimiento? …
Beckett es puro movimiento. Su manejo de las pausas, de los silencios, del ritmo a base de frases cortas, de gestos sintetizados en una sola palabra, o de párrafos torrenciales, caóticos y totalmente sordos, su manejo de las repeticiones, es pura acción física, pura música.
Luz me lo demostraba continuamente con sus descubrimientos coreográficos. Yo no soy coreógrafo ni, stricto sensu, dramaturgo. Vengo de la literatura, de la poesía, y de las artes plásticas. De todas ellas, además del teatro, la danza y todo el cine que he podido ver, aprendí que las artes proceden de un mismo lugar, que sus códigos se corresponden entre sí, independientemente del género al que pertenezca cada obra. Luz aprendió lo mismo. Así que nos resulta bastante fácil llevar nuestras respectivas sinestesias a buen puerto.
Por lo demás, queríamos ofrecer otra lectura de Esperando a Godot, huir de los estereotipos del llamado «teatro del absurdo», de las ataduras con las que el propio Beckett maniató la obra, de los pesos muertos, los dogmas que le cuelgan aún muchos directores teatrales, muchos críticos y la industria general del tópico.
Beckett, como todo genio, recorrió su camino hacia el despojamiento a base de etapas, a base de avanzar esparciendo semillas. Esperando a Godot pertenece a una de esas etapas, es una de esas semillas. Nosotros decidimos plantarla en la tierra destinada a cubrirnos, no para seguir el camino trazado por Beckett, sino para llegar hasta donde estamos ahora, a nuestros tiempos, y exponer nuestra particular visión de la nada (una nada que nos mira), nuestra particular idea de lo que significa el prójimo (algo que se resiste a la abstracción) y nuestra particular respuesta a un problema muy actual, el de la esperanza.
Desde el punto de vista estructural, hemos calcado la construcción simétrica, los dos actos, de la obra de Beckett. Nosotros interpretamos esta simetría de un modo especular, no circular. Es decir, Esperando a Godot no es, para nosotros, un eterno ritornello, sino una posibilidad de devolverle al vacío su propio reflejo, de hacerlo carne, carne que sufre.
Por último, decidimos introducir la palabra, en concreto el monólogo de Lucky, porque vimos en él potencialidades musicales inexploradas, y porque nos sonaba como si fueran los restos del principio del evangelio de Juan; nos recordaba a la radiación de fondo, nos consolaba con la imposibilidad del absoluto silencio, nos conmovía por su insignificancia.

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¿Cómo ves la creación escénica en estos momentos en nuestro país?…
Si me preguntas por la situación de los artistas, mi diagnóstico coincide con el de la mayoría que la sufre (la creación escénica, en estos momentos, en nuestro país). Por otro lado, y a pesar de la falta de oportunidades (la falta de espacios para la danza, de Festivales, de teatros que ofrezcan temporadas, de una apuesta decidida por crear un público formado, como el que existe en muchos otros países de Europa) la gente que entrega su vida a alguno de estos oficios lo hace porque cree que tiene algo que decir, y porque sabe, en su fuero interno, que lo único que puede oponérsele a la ignorancia es la perseverancia.
Si me preguntas por el estado de la danza en este país, por lo que tiene que decir este país al resto de los países desde el punto de vista de la danza, pienso que este país es así de displicente con el arte porque sólo ha conocido la división, hasta el momento; por una parte el tradicionalismo, que es la inversión de un complejo de inferioridad, y por otra parte la importación fragmentaria y banal de las tendencias foráneas, que es un complejo de inferioridad asumido.
Pienso que este país es aún muy inculto, dada su manifiesta incapacidad para construir puentes. Algún día, quizá no muy lejano, no será tan inculto, no será tan exótico, visto desde dentro. Y con buena voluntad.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
El último que de verdad me interesó fue Ruhr-Ort, de Susanne Linke. Aparte de sus atmósferas, sonoras, visuales, minerales, de las carreras sincronizadas, aletargadas o inmóviles de sus intérpretes, y del desfile descendente de la multitud de uniformes mineros colgados en fila, como mudas de cuerpo, me interesaron sus limitaciones, su desequilibrio en favor de los aspectos teatrales y del mensaje político.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No entiendo bien la pregunta. El tiempo es el tiempo.

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Carlos González
¿Cómo fueron tus inicios en la composición musical?…
Desde que comencé mis estudios musicales de piano, con 16 años, he tenido un profundo interés en la composición desde cualquiera de sus formas: la improvisación, la armonía, el contrapunto y la orquestación. He aprendido muchísimo de manera autodidacta con una escucha musical analítica, documentándome seriamente y además con algunos maestros del jazz. Mi inquietud era tan fuerte que nunca profundicé en la interpretación mediante el sistema académico. No me interesa la idea de fijarme solo en la digitación de un pasaje musical o de si se debe articular de una forma u otra según cada escuela. Aplicando las herramientas de la composición, el análisis y la improvisación puedo acercarme a cualquier estilo musical, con respeto y rigor histórico y, además, de una manera creativa.

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¿Lo has compatibilizado con otros trabajos?…
Siempre he tenido muy presente que vivir exclusivamente de la composición musical es muy difícil, y además tengo tantos intereses que no podría dedicarme solo a ello. Una buena parte de mi tiempo es para la docencia en el campo de la improvisación y el análisis, y por otro lado trabajo en un método de aprendizaje en el piano basado en la armonía y el entrenamiento auditivo. Además, soy co-propietario de Piccolo, una productora discográfica de Madrid junto al productor e intérprete Gabriel Castellano. Desde hace muchos años estoy en activo dando conciertos tanto de jazz y música clásica como de pop y rock. También colaboro como crítico de jazz en la revista Audioclásica y escribo sobre moda masculina en Rude Magazine.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Muy positivo. Como compositor he podido estrenar música para prácticamente cualquier formación: sinfónica, cámara, a solo, electroacústica y música escénica y para la imagen. Tal y como se encuentran hoy en día las profesiones artísticas, sobre todo en el campo de la creación, me siento muy afortunado. Pienso tener una dedicación profesional exclusiva durante los próximos años y seguir trabajando con el mismo entusiasmo y con la mayor calidad posible.

¿Cómo surgió tu participación en La voz de nunca?…
Los directores del proyecto, Luz Arcas y Abraham Gragera, buscaban un perfil musical muy particular para el proyecto, y por suerte coincidía con el mío: pianista de cine mudo, conocedor de multitud de estilos musicales, improvisador con capacidad de utilizar el piano con multitud de formas de interpretación con una carga expresiva muy fuerte y al mismo tiempo subrayar el mensaje que querían transmitir. “La voz de nunca” está inspirada en “Esperando a Godot” de Beckett, y ofrece una nueva lectura de esta obra; es una reflexión del hombre ante el mundo y ante él mismo. Hay gran cantidad de universos fuera de la narrativa y del texto original. Recuerdo el primer día que nos conocimos los tres, hace un año y medio. La conexión fue total, Luz me enseñó sus ideas sobre la coreografía y la música no dejaba de fluir. La avalancha de ideas fue tan intensa que siempre hemos tenido que ser muy rigurosos a la hora seleccionar el material definitivo y construir la forma musical.

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¿Qué tipo de composición te has planteado para este proyecto? ¿Qué referencias musicales?…La música de “La voz de nunca” engloba un todo en cuanto a estilos musicales. Es difícil de sintentizar. Encontramos todas las formas de la primera mitad del siglo XX, desde impresionismo modal, neoclasicismo, hasta música concreta utilizando algunos recursos de piano preparado. En muchos momentos hay sincronía con cada movimiento, como si fuera una película de Chaplin. Al mismo tiempo, hemos utilizado un leitmotiv que tanto Luz como Abraham tenían claro y me sugirieron desde el comienzo: el Adagio de la sonata claro de Luna de Beethoven y su reminiscencia en la sonata para viola de Shostakovich. Hay citas literales de estas obras, pero lo más importante es que el motivo de tres notas repetidas y el arpegio (los elementos característicos de estas piezas) forman una idea para el desarrollo del material de toda la partitura. No es un leitmotiv romántico, y no hay partitura escrita; tampoco es música adscrita en vanguardias. Bajo mi punto de vista, la música de “La voz de nunca” contiene un lenguaje música-danza innovador; creo que aproxima la comprensión a cualquier público mediante el respeto a los modelos tradicionales y, al mismo tiempo, se articulada con una improvisación controlada. Se apoya sobre unas pautas muy precisas pero con libertad en el tiempo y en el desarrollo de cada frase; esto es posible gracias a que yo soy el único intérprete musical y tengo un control total de la acción, el tempo y la expresión.

¿Cómo te surgieron las ideas para el montaje?…
¿Cuánto margen tuviste para crear e investigar durante el proceso?…
Puede resultar pretencioso, pero la verdad es que las ideas ya estaban desde el primer momento, en los primeros encuentros teníamos material de sobra para el desarrollo del discurso y la articulación de la obra. Surgió sin más, mientras probábamos. Solo tuvimos que ordenar ideas que estaban en constante experimentación. La esencia de este trabajo consiste en la simbiosis de la música y la danza, que crecieron a la vez.

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¿Cómo fue tu relación en el proceso de la obra durante los ensayos?…
Me ha encantado trabajar en esta obra en todos los sentidos. Solo tengo palabras de elogio y agradecimiento para La Phármaco. Durante muchos años he estado desarrollando multitud de formas de hacer música yo solo, y este ha sido el momento donde he podido expresar y mostrar todo lo que quería decir. Aparte de poder disfrutar del excelente trabajo dramatúrgico de Luz Arcas y Abraham Gragera, he trabajado con geniales intérpretes del mundo de la danza como Begoña Quiñones y Juan Manuel Ramírez Espinoza y el magnífico actor y bailarín Ignacio Jiménez. Todos ellos han participado de forma muy activa y con gran calidad humana en este proyecto tan intenso.

¿En qué proyectos musicales has participado durante el último año?…
Aunque el proyecto más importante y al que más tiempo y esfuerzo he dedicado durante los últimos meses ha sido “La voz de nunca”, he actuado con infinidad de bandas de jazz, como Polar Jazz Trío y con el grupo “T big band”, formación que dirijo y de la cual soy arreglista.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Hemos comenzado a trabajar en una nueva obra de La Phármaco: “Karpar Hauser, el huérfano de Europa”, el famoso niño salvaje del siglo XIX. Nuestra intención es profundizar en su visión del mundo y la percepción psicológica y humana de Kaspar. La obra será un solo de Luz Arcas y yo también haré un solo musical, pero esta vez el reto consiste en utilizar elementos tímbricos originales al combinar el piano y un set de instrumentos de percusión que lo rodean que estará formado por multitud de platos, toms y cajas. Para ello, tendré que desarrollar una forma de interpretar con una baqueta en una mano y en la otra el teclado.

¿Qué espectáculo hayas visto últimamente que te ha interesado?¿Por qué?…
Este verano, en el Festival Clazz, celebrado los Teatros del Canal de Madrid, pude escuchar a Volcán, uno de los mejores grupos de jazz del panorama actual. Formado por músicos de extraordinario nivel: José Armando Gola en el bajo, Horacio “El Negro” Hernández en la batería, Giovanni Hidalgo en las congas y rumberas y el maestro Gonzalo Rubalcaba al piano. Me encantó la comunicación rítmica entre la banda, así como la complicidad y maestría con todas la claves rítmicas de la música afro-cubana para dibujar un esqueleto perfectamente hilvanado. Me pareció increíble como jugaban con subdivisiones métricas y desarrollaron interesantes desplazamientos rítmicos para el soporte de las improvisaciones. Gonzalo Rubalcaba es uno de los maestros absolutos del panorama pianístico actual, no solo por su gusto y técnica virtuosa; cada frase que interpreta se encuentra perfectamente definida en la estructura de los solos, rítmica, melódica y armónicamente, y es producto del desarrollo temático y una curva de intensidad llena de color y originalidad.


Inauguración de «Territorio Danza» en Cuarta Pared

«Territorio Danza» cumple 12 años celebrando la variedad y la vitalidad del panorama dancístico nacional e internacional. El festival quedó inaugurado con la colaboración de varios bailarines que introdujeron a todo el público en el mundo de la danza urbana. Los asistentes pudieron experimentar en sus cuerpos la sensación del ritmo y movimiento a través de unas sencillas técnicas para aprender swing y lindy hop. Esta temporada se dedicarán tres semanas a este arte en el que la palabra abandona la primera línea para dejar como protagonista al movimiento. Del 22 de septiembre al 10 de octubre no se pierdan las piezas de La Phármaco, Excéntrica Producciones, Cía. Poliana Lima o Provisional Danza.

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Tell me de Carmen Werner en Cuarta Pared

Dentro del festival Territorio Danza en la Sala Cuarta Pared, la compañía Provisional Danza, bajo la dirección de Carmen Werner, ha presentado TELL ME, uno de sus trabajos más abstractos y sorprendentes de los últimos años.
En escena nos presentan varias fotografías, cotidianas pero sugerentes, que recuerdan a cuadros de Hopper, donde el silencio y la no acción, lo que no se hace y lo que no se ve, narran más que lo evidente.
Partir de lo concreto como mirar por una ventana para ver por qué ladra el perro del vecino puede ser el comienzo de un viaje inquietante. Y es que esta pieza contiene las señas de identidad propias de esta veterana compañía: el uso de la acción y el gesto como elementos coreográficos, la superposición de planos, el cánon y la repetición, o el contraste musical (clásica de cámara, electrónica, minimalista, etc.) y el trabajo de atmósferas, en las que predomina el suspense (con alguna pincelada de humor).
Las imágenes que se desarrollan durante la obra nos invitan a pensar en poses sociales y en la sensual liberación de sus corsés en la intimidad, la traición… pero el tema transversal y dominante es la psicosis, representada en un objeto protagonista: un cuchillo.
Quizá la luz sea el punto más flojo del montaje, quedando algo plana por momentos.
Lo más interesante de «Tell me» es cómo consigue que el espectador respire con la tensión latente en este gran trabajo.

Jorge Azcona

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Noche de solos en Territorio Danza

En las primeras ediciones de Territorio Danza surgió Noche de solos para dar a conocer los trabajos de coreógrafos y bailarines emergentes; para encontrarse, debatir y también animarse mutuamente a seguir con sus creaciones en un momento de tanta dificultad para exhibirlas ante el público. Cuarta Pared junto a Provisional Danza decide continuar Noche de solos y dedicar dos sesiones a este encuentro con tres creadores de esta compañía, Cristian López, Laura Cuxart y Tatiana Chorot. Un tríptico sugerente en la recta final del festival. Tres piezas que van creciendo en teatralidad y tensión conforme avanzaba la noche.
Adolfo Simón

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Misterios de a dos en Territorio Danza

Continúan las interesantes propuestas de Territorio Danza, en esta ocasión hemos disfrutado de un programa doble con dos dúos diferentes y sugerentes. En Hooked(Still), la compañía La Sala nos invita a seguir el periplo de dos seres que transitan en paralelo con precisión absoluta y que cuando sus cuerpos se cruzan provocan chispas y emociones intensas, un trabajo técnico fabuloso. Y si de técnica hablamos, en la segunda parte, la compañía Hurycan nos muestra la pieza Je te haime en el que el diálogo corporal y la escucha física alcanza momentos de gag y delirio. Un trabajo a medio camino entre la danza, la acrobacia y el clown. En él hay dos intérpretes muy potentes: Candelaria Antelo y Arthur Bernard Bazin.
Adolfo Simón

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Díptico de sombras en movimiento

Como cierre del Festival Miradas al Cuerpo llevado a cabo en la sala Lagrada, hemos podido disfrutar de la propuesta Sublimación de la Compañía La Casa Amarilla. Un espectáculo en el que confluyen diferentes lenguajes escénicos, con un acento importante en la iluminación y el espacio escenográfico en constante transformación durante la pieza…Un mundo de sombras en movimiento.

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Y en Cuarta Pared se ha presentado un nuevo espectáculo dentro de Territorio Danza: Karaoke. Tras su presencia con Fácil en la anterior edición de esta Muestra, Cielo Raso produce Karaoke (Vacío de Orquesta) persiguiendo un lenguaje propio, coherente y con una delicada poesía visual. La pieza destacaba por su fuerza interpretativa y emocional, por su calidad técnica. Un trabajo potente a nivel visual y de ejecución físca.
Adolfo Simón

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Best of you en el Territorio Danza de Cuarta Pared

Tras la inauguración de Territorio Danza con la pieza creada en el taller que ha impartido Carmen Werner, ha llegado la primera pieza de la edición de este año de Territorio Danza: Best of you, último trabajo de La Intrusa Danza, compañía creada por Virginia García y Damián Muñoz (Premio MAX 2009 al Mejor intérprete masculino de danza). Best of you es una pieza donde los dos intérpretes viajan por una partitura de tensiones acumuladas, mientras buscan, con buenas intenciones, el alivio, el descanso… Cada uno tiene su música emocional particular con la que intenta dialogar con el otro, a veces se cruzan los sonidos y los cuerpos chocan o se acarician. Una experiencia corporal y sonora a través de la que nos hablan de las relaciones de pareja y la dificultad de comunicarse.
Adolfo Simón

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«Territorio Danza» inaugurado en la sala Cuarta Pared con «Bailar, Volar»

Esta pieza coral, culminación del taller realizado por la coreógrafa Carmen Werner, inaugura Territorio Danza. Werner, reconocida con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Danza 2007. Los alumnos del taller llenaron el escenario de la sala con sus movimientos y energía en un intento de volar bailando, de despegarse del suelo y flotar por unos segundos, de superar la fuerza de la gravedad e imponerse a ella. Esa es la idea de Wermer, superar los retos: ya sea el reto de volar o el reto de crear arte a través de la Danza. Un espectáculo optimista que abre con buen pie este festival.

Luis Mª García Grande.

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Danza en septiembre…

Empieza la nueva de temporada de danza con tres programas fantásticos en…

LAGRADA: Miradas al cuerpo
http://www.fcnc.es
Más info en: http://www.teatrolagrada.com

CUARTA PARED: Territorio Danza
Más info en: http://www.cuartapared.es

SALA MIRADOR: Un cuerpo mil danzas
Más info en: http://www.fcnc.es

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Mucho tiempo, muchas cosas en Territorio Danza

Esta nueva pieza de Carmen Werner se podría llamar Modos y costumbres ya que nos muestra una galería de personajes que parece que viven en un universo delicioso, con su particular forma de comportarse y comunicarse, solo que ese mundo ideal y artificial está construido sobre relaciones y sentimientos que no tienen nada que ver con la estilización y glamour de esa vida aparentemente cómoda. Conforme avanza la pieza descubrimos que las fotografías en sepia están en blanco y negro, huecas…y así transcurre una hora donde los cuerpos se mueven para huir de esa monotonía y asepsia.
Adolfo Simón

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Fácil de Cielo Raso en Territorio Danza

A favor…
Cuatro imágenes sugerentes atravesadas por la luz que se cuela de una persiana.

En contra…
Un ritmo lento que estira las imágenes hasta dejarlas huecas.

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Avalanche de Dani Pannullo en Territorio Danza

Dani Pannullo sigue fiel a su poética, a su interés por cruzar lenguajes corporales en escena. En esta pieza nos seduce de nuevo con los cuerpos apolíneos de los bailarines-acróbatas que pasan de la violencia a la delicadeza en un suspiro. La música y la luz hacen de sus trabajos una instalación artística viva. Un lujo poder disfrutar de este espectáculo en la intimidad y cercanía de la Sala Cuarta Pared, en su escenario pudimos sentir el latido del corazón acelerado de este espectáculo.
Adolfo Simón

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Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza

Suite 1 de Proyecto Titoyaya dentro de Territorio Danza
Con este espectáculo llega su fin la programación de este año del ciclo desarrollado en Cuarta Pared. Durante el mismo nos han deleitado con trabajos de muy distintos formatos y ha sido un acierto aprovechar la programación para incluir propuestas seleccionadas para el X Circuíto de la Red de Teatros Alternativos. Suite 1 nos llega desde la Comunidad Valenciana, dejando constancia que se sigue creando en lugares donde la cultura está literalemte abandonada. En esta Suite 1 hay dos partes, como dos miradas sobre una misma idea, la descomposición y el caos. En la primera secuencia, hay más definición y ajuste en el lenguaje y exposición de los cuerpos, en la segunda, todo adquiere un tono casual que desdibuja el trazado marcado al principio. Hay que dejar constancia del equipo joven que se enfrenta a la escena con decisión y entrega.
Adolfo Simón


Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared

Algún día de Provisional Danza en Cuarta Pared
El programa de la edición de este año de Territorio Danza, en Cuarta Pared, está entrando en la recta final y ahí, como antesala del espectáculo que estrenarán para celebrar el veinticinco aniversario de Provisional Danza, Carmen Werner ha presentado…Algún día. A estas alturas, hablar de Carmen y Provisional equivale a mirar el viaje posible de la danza contemporánea en la Comunidad de Madrid. Año tras año ha seguido creando y peleando por mantenerse firme a su estilo personsal cuando otros han tirado la toalla o han cambiado en función de las modas de cada momento. Uno sabe qué va a ver cuando acude a la presentación de un nuevo trabajo de esta Compañía y sinembargo, es imposible no ir, porque siempre hay algo nuevo que sorprende. Su lenguaje y codificación coreográfica es reconocible, aunque no pusiese nada en el programa de mano, uno sabría que es de esta creadora infatigable. A veces hay más humor, otras más transparencia en las imágenes…En Algún día, hay una tensión dramática que tal vez es fruto de estos tiempos que vivímos…Y también hay pellizcos de humor…y disparate…y abstracción emocional, es un trabajo Werner 100 %.
Adolfo Simón


Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared

Tres silencios de Germán Jauregui en Territorio Danza-Cuarta Pared
Hay propuestas de baile que surgen a partir de varias imágenes a desarrollar durante los ensayos, en Tres silencios, hay media docena de ellas, potentes… El abrazo construído, los cuerpos apuntalados con sillas, la silla raspada bajo la luz…y sobre todo la imágen final que se acerca a la instalación plástica… La tentación de estirar las imágenes y de enlazarlas con transiciones vacuas da como resultado un espectáculo que no engancha y que se dilata excesivamente en el tiempo. Los jóvenes intérpretes tratan de mantener la energía y el tempo necesario, pero la sensación en el patio de butacas es de cuando se consigue la atención del público, se le distrae un momento después.
Ignacio Ribes


Sed erosiona de La Phármaco en Territorio Danza-Cuarta Pared

Sed erosiona de La Phármaco en Territorio Danza-Cuarta Pared

Maryluz Arcas crea e interpreta bajo la dirección artística de Abraham Gragera un ritual en blanco y negro sobre la resistencia del cuerpo…Grotovski planteaba que el cuerpo no tiene límites, que cuando parece agotado es cuando empieza a estar libre de máscaras y corsés, disponible para construír una expresión auténtica, un acto puro. En esta pieza de danza física, la intérprete golpea y pone su estructura al límite muscular y energético…Cuando encuentra el borde del precipio, su cuerpo entra en una dimensión exprevisa diferente, aparece una belleza crepuscular en los movimientos…La voz a capela de Laura Fernández le acompaña en algún recodo del camino…y cuando el viaje está a punto de finalizar, cual derviche contemporáneo, surge un movimiento círcular in crescendo…Y ahí, aparece el éxtasis.
Adolfo Simón


Un sitio donde escuchar cómo se abren las hojas de los árboles de Daniel Abreu en Territorio Danza-Cuarta Pared

Un sitio donde escuchar cómo se abren las hojas de los árboles de Daniel Abreu en Territorio Danza-Cuarta Pared
Este nuevo viaje de Daniel Abreu se compone de dos piezas…Undressed y 9. Aparentemente son lugares diferentes y sin embargo, hay algo que conecta estos paisajes. El universo de Daniel Abreu como coreográfo e intérprete cada vez es más complejo y abstracto…habita lugares sorprendentes y nos introduce a todos de la mano, a oscuras, para oler y escuchar, para paladear la tierra mojada. Hay tramos del viaje donde se esconde y juega caprichosamente con nosotros mientras le observamos desde el escenario…y hay otros momentos en los que su cuerpo se golpea y arrastra en el espacio vacio, acariciando fantasmas. Las piezas de Daniel cada vez están más elaboradas, son más complejas y compactas…son ventanas que nos abre para asomarnos a sueños inquietantes.
Adolfo Simón

 


Carmen Werner nos habla de Territorio Danza y de la celebración de los 25 años de Provisional Danza

Carmen Werner nos habla de Territorio Danza y de la celebración de los 25 años de Provisional Danza
¿Cómo está funcionando el nuevo espacio de la Compañía para ensayos, clases, residencias…?
Está funcionando muy bien, hemos terminado una creación que se estrena en Territorio Danza, se llama Algún día, hemos preparado la pieza del cumpleaños de la compañía…Sin pena y sin gloria 25 años de Provisional Danza, que hoy empezamos a ensayar en una sala del Teatro del Canal, nos han dado residencia allí porque somos muchos y en mi estudio no cabemos…Hemos tenido cinco becados, dos extranjeros y tres españoles…
Háblanos de la nueva edición de Territorio Danza…¿Qué trabajos presentas en esta edición?…
Este año, como te decía, estrenaremos Algún Día, pieza de siete bailarines y Noche de Solos: Tres piezas de José Luis
Sendarrubias, Ricardo Santana y Javier Sangros. Territorio Danza se ha convertido en un festival muy interesante, cada vez amplia más su visión y apoyo a la danza.
¿Cómo va la preparación del espectáculo con el que celebraréis los 25 años de la Compañía?…
Pues tengo todo preparado para comenzar los ensayos, será muy difícil porque no tendré a todos los intérpretes juntos hasta pocos días antes del estreno…
¿Cuál es el balance de todos estos años de trabajo en Provisional
Danza?…
Es muy positivo, hemos tenido mucho trabajo, incluso este año.
¿Crees que va a cambiar mucho la cultura por los recortes y subida
del I.V.A.?…
Si, seguro que cambiará, solo espero que continuemos, pero no sé
cómo…Fíjate, a mí, en estos tiempos de crisis me dan más ganas de trabajar…
¿Qué proyectos tienes para los próximos meses?
Pues el día quince de septiembre, después del estreno en la Cuarta Pared, me voy a montar una pieza para la Compañía Nacional de Danza de Venezuela…Mi Compañía se va a Alemania a bailar La mujer invisible…luego iremos a México, Chile…otra vez Alemania… Italia…volvemos y estaremos en… Tenerife, Bilbao, Barcelona, Santander. Y en diciembre a Japón, haré una co-producción en ese país, se estrenará allí y después, en enero-febrero lo presentaremos en España y Portugal.


TERRITORIO DANZA – EDICIÓN Nº 9

TERRITORIO DANZA – EDICIÓN Nº 9

Territorio Danza, producido por Cuarta Pared.
En sus cinco semanas de duración este festival imprescindible amplía su programación hasta los doce espectáculos, permitiendo así conocer al espectador el trabajo de nueve compañías de Andalucía, Cataluña y Madrid.

Más información en: www.cuartapared.es