Tamar Novas: El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Yo empecé a trabajar como actor con 11 años en «La lengua de las mariposas», una película de Jose Luis Cuerda, con Fernando Fernán Gómez. Entré en el cine por casualidad. Tras «Mar Adentro» empecé a formarme como actor y compaginaba mis estudios en la universidad. Mi primera experiencia en el escenario fue con «La noche justo antes de los bosques», un monólogo de Koltés, dirigido por Carlos Neira, el primer maestro de teatro que tuve en Santiago de Compostela. Al empezar pronto y por la suerte de haber tenido trabajo regular como actor, no he tenido la experiencia de ningún otro oficio. Mis otras facetas están relacionadas con el audiovisual (algunos cortos que dirigí en la facultad, banda sonora, montaje…)
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto, una diversión y un oficio que cultivar, una forma de sentirme útil y al servicio de algo que hasta ahora ha tenido mucho sentido en mi vida.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me he balanceado con mucha fortuna, he trabajado con mucha gente que admiro y de la que he aprendido muchísimo… pero espero que queden aún muchas aventuras profesionales interesantes, acabo de empezar!.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro es una necesidad, y por tanto cumple una función vital para las personas. El teatro puede servir para despertarnos, agitar conciencias o dar luz sobre asuntos que están más en la sombra. Yo disfruto del teatro cuando un espectáculo me entretiene, o me acerca realidades que desconocía. Pero lo más especial y difícil para mí en el teatro, sea como espectador o actor, es sentir que la vida misma está presente en una sala, que puede ocurrir cualquier cosa y que público y actores comparten un espacio común en el que viajar. Creo que esa sensación es un misterio que merece la pena.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
No puedo estar más contento, he participado en el CDN con «El viaje a ninguna parte», que fue una experiencia maravillosa (una pena no haber podido llevar este espectáculo a otras ciudades), después he rodado con Gerardo Herrero «La playa de los ahogados», que se estrenará próximamente, «Códice», de Jorge Casinello para la TVG y «Un otoño sin Berlín», ópera prima de Lara Izagirre, con Irene Escolar, Ramón Barea y Paula Soldevilla, entre otros. Ahora estoy a punto de empezar a grabar una serie que tiene un repartazo y una gran historia…, además de estar con «Hambre, Locura y Genio».
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
En los últimos años he tenido la inmensa fortuna de trabajar en varios montajes con Juan Carlos Corazza. Ha sido y sigue siendo mi maestro. Que siga contando conmigo es una alegría para mí, porque con cada trabajo noto un crecimiento enorme como actor, además de tener espacio para trabajar en la música, y aprender de todo el proceso. El trabajo con él es una investigación continua, con una libertad absoluta dentro de un lenguaje y dirección muy específica. Hay una participación colectiva constante de todo el equipo durante el proceso de creación. La imagen más clara que me viene para explicar el proceso es la de una orquesta cuyos músicos tienen espacio, no sólo para aportar y tocar como más les gusta, sino para ensayar y cambiar continuamente, en búsqueda de respetar al máximo la partitura, en este caso de Strindberg, con dos obras cortas de gran complejidad. No hay muchas ocasiones como actor ni espectador de acercarse a este autor, y de esta manera, no sólo porque es compleja, sino porque es un alimento y disfrute inmenso para el actor.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Cada trabajo y circunstancias son un mundo, pero lo fundamental para mí es respetar la obra, encontrar y cumplir la misión que tiene mi personaje en la historia y ponerme al servicio de que sea un trabajo vivo. Y eso, por lo menos a mí, me requiere mucha dedicación y entrega, por eso uno de los pasos fundamentales es enamorarme del proyecto y estar bien acompañado.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es devastador, y sobre todo, poco inteligente.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De las últimas cosas que he visto lo que más he disfrutado es «The valley of astonishment», de Peter Brook. Disfruto siempre de sus montajes porque hay mucho juego, sencillez, y sobre todo porque todo está muy vivo.
¿Proyectos?…
Viajar a Mexico con «Hambre, locura y genio», tengo unas ganas enormes. Empiezo a grabar una serie para TVE , y tengo una película para después con una historia, reparto y director magníficos… No puedo contar nada más de ninguno de estos dos proyectos…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Apostar por lo que creemos que es bueno para la gente, aunque suponga un riesgo, en la medida que cada uno pueda, claro…
La chunga de Mario Vargas Llosa en el Teatro Español
Escribe Mario Vargas Llosa en el programa de mano que La chunga es el texto que más se representa de sus obras teatrales en el mundo, cada dos por tres aparece una producción en algún lugar y no es de extrañar, es un texto potente. Esta obra no es la primera vez que se estrena en Madrid, hace años ya pudimos ver la que protagonizó Nati Mistral y Enma Suárez, recuerdo el montaje confuso, como si no se hubieran resuelto bien los planos temporales en los que ocurre la acción. En esta nueva producción protagonizada por Aitana Sánchez-Gijón que consigue, con este personaje un giro importante en sus trabajos teatrales; su larga carrera interpretativa se dividirá a partir de ahora en un antes y después de La chunga…Tiene un reparto de lujo, compacto… Asier Etxeandia, Jorge Calvo, Rulo Pardo, Tomás Pozzi e Irene Escolar… todos están fantásticos y han creado una simbiosis creativa que da al texto una vida extraña e inquietante. Nada más empezar, hay un signo claro desde dirección que marca lo que serán los saltos entre el presente donde todos se preguntan qué pasó «aquella noche…» y las supuestas versiones de cada personaje sobre lo ocurrido. Este montaje es una investigación criminal a ritmo de ranchera; una lástima que el teatro no estuviese lleno.
Adolfo Simón
Exposición: La Farandula en el Museo Nacional de Teatro
El origen de esta colección tiene sus antecedentes en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, que con el nombre de Jugadas en el Museo, realizó una colección de retratos de deportistas de élite mimetizados con algunas obras que cuelgan en el Museo. Por un lado, miró tras los cuadros, descolgándolos de las paredes para incorporar en su reverso a los personajes retratados. La obra resultante, pictórico-fotográfico, fue el resultado de aplicar, junto a las técnicas digitales del fotomontaje, una intervención química cercana al aguafuerte del grabado, en su acabado. La Colección de La Farándula, ha partido de retratos realizados a actores, autores, directores, técnicos, escenógrafos, figurinistas, etc. Todos aquellos que son piezas insustituibles en la producción teatral. Ahora se han unido a cuadros que cuelgan en las Salas del Museo Nacional del Teatro, y estos retratos se abrazaran a las obras de la exposición permanente. De esta manera actrices y actores de ahora convivirán con actores y actrices de los siglos XVIII y XIX; de igual manera los autores y directores de un tiempo y otro. Un fuerte abrazo en el tiempo.
José Carlos Nievas es graduado en fotografía por la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Córdoba en 1992. Socio fundador de AFOCO y miembro de la Sociedad de Historia de la Fotografía Española y Coodirector artístico de la revista Diafragma foto. Fotógrafo profesional desde 1992, ha impartido numerosos cursos y seminarios de fotografía y archivos. Trabaja en el mantenimiento y puesta en valor varias fototecas, así como proyectos en el ámbito de la gestión cultural. Como realizador y productor de anuncios para TV y video Clip desde 1997 ha dirigido trabajos para Ampanoia, Hombre Gancho, Lapido, Malparaiso, Digital 21, José Antonio Rodríguez & David De María, etc. Su obra ha sido presentada en más de 20 exposiciones individuales y 70 colectivas a lo ancho de la geografía nacional y en países como Italia, Francia, Luxemburgo, Estonia, Finlandia, EEUU, Argentina, Chile, Uruguay y México. Ha obtenido numerosos galardones como el Premio de honor “Libre expresión” de Puerto Real en 1989, obras adquiridas en el Premio Mezquita, Premio de honor en el concurso Jóvenes Fotógrafos Andaluces, Primer premio en el certamen “Imágenes Jóvenes” del Instituto de la Juventud de Madrid en 1990, etc. A José Carlos Nievas se le conoce, sobre todo, por sus magníficos retratos de personajes del mundo de la cultura (escritores, actores, directores, músicos, gestores, etc.) que, a través de un tratamiento muy especial, es capaz de mostrar con exactitud y sin flecos lo más profundo de cada uno de ellos. Destacan los retratos de Antonio Gala, Charo López, Rafael Álvarez “El brujo”, Dario Fo, Fernando Tejero, Lindsay kemp, Javier Gurruchaga, Ruth Gabriel, Irene Escolar, Andrés Peláez, entre otros, todos ellos forman parte de una serie denominada “La Farándula”.
Nota: Organización: Museo Nacional del Teatro
Dir. Andrés Peláez. Coordinación: José Manuel Montero y Esmeralda Serrano
Asier Etxeandia nos habla de sus proyectos teatrales
¿Cómo surge el proyecto de El Intérprete?…
Surge primero por una necesidad que se lleva gestando hace años: encontrar el punto intermedio entre música y teatro. En ese proceso conozco a Tao Gutiérrez, surge un enamoramiento profesional y vemos que es posible encontrar ese punto. Nos pusimos a crear canciones propias y la cosa fue surgiendo. Yo tenía muchas ganas de hacer un homenaje a mis padres, sobre todo a mi madre, a mi infancia… Salió todo sin pensarlo. Este homenaje era un sueño muy personal para mí, quería hacerlo desde mi infancia, en la que mis padres eran decisivos, desde un lugar íntimo y por la adoración que tengo a todos los intérpretes que me han enseñado a amar la vida, desde Piaf hasta Bowie.
¿Por qué esa peculiar mezcla de músicas?…
Porque soy un melómano, me gustan todo tipo de músicas. Ahí mis padres me enseñaron muy bien. Me gusta toda la música que es honesta. Por eso cualquier artista que arriesga, Chavela, Sid Vicius, Joplin me interesa. Todas las canciones que se desgranan en el espectáculo, rancheras, rock ‘roll, el cabaret de Kurt Weill, no se parecen entre sí pero todas parten del mismo lugar: la desnudez, la necesidad de expresar. Todos estos cantantes a los que recurro se exponen. De niño tenía la necesidad de expresarme y la música es el lugar en el que me mejor me expreso, en el que más libre me siento.
¿Cómo definirías tu espectáculo?…
No quiero definirlo. El arte no está para definirlo. En última instancia que cada espectador le ponga los adjetivos que quiera.
¿Cómo ha sido la experiencia de realizar un proyecto tan particular?¿Cómo ha sido el proceso?…
Dura. Porque ha sido muy duro darnos cuenta de cómo está la situación en este país. Me han prometido el oro y el moro hasta que hemos llegado a la conclusión de que la única solución era hacerlo solos. Por eso creamos Factoría Madre Constrictor y sacamos adelante este proyecto solamente con los profesionales que viven el arte como nosotros, con nivel de flipe. Sólo así hemos podido sacar esto adelante.
Trabajas en televisión, cine…pero siempre que puedes vuelves al teatro…¿Es importante para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Para mí un actor o un artista es como un zapatero. Esto es un oficio. El zapatero hace botas, chanclas… le gusta el cuero, los cordones, los materiales que maneja y le gusta que la gente ande con lo que él fabrica. El teatro es un ritual sagrado sin el que no sentiría. Pero me pone cachondo la tele y el cine me fascina.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…
Soy muy feliz. Tengo la suerte de haber trabajado con los mejores y de haber podido hacer trabajos maravillosos. Así que el balance mejor que lo haga el público.
¿Preparas de forma distinta un personaje para tv, cine o teatro?…¿Cuál es tu método?…
Mi método es el nivel de flipe. Yo no soy un actor. Soy un “flipao”. No soy de métodos. Todo depende del nivel de amor y de curiosidad que me provoque el personaje. Aunque también hay que sudar mucho la camiseta…
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
La función con la que se creó en su momento para los griegos: Para ser un espejo de la sociedad, un ritual sagrado que no solamente se queda en el entretenimiento si no en el conocimiento de la sociedad, en abrir nuestros corazones. Los conciertos, los teatros, los partidos de futbol son algunas de las pocas cosas en las que los seres humanos nos juntamos. Lo dicho: es un ritual sagrado que cumple una labor mística y religiosa en nuestra sociedad.
¿Crees que afectará mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Esto es una pregunta retórica, ¿no?
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
En “El intérprete” está todo. Yo siempre digo que la cultura y el arte son como la humedad en las casas. Por más que tapes, la humedad va a salir. Los artistas saldremos a la calle y la tomaremos.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
“La huérfanas” y “Breve espacio para sobrevivir” en la Casa de la Portera. Últimamente el teatro que me gusta es el no subvencionado.
¿Proyectos?…
Estreno “ La Chunga” el 23 de abril. Con Aitana Sánchez- Gijón, Irene Escolar, Rulo Pardo, Jorge Calvo y Tomás Pozzi. Estoy muy contento, porque es un montaje maravilloso, más bizarro y grotesco de lo que pensábamos al principio. Y antes, el 15 de abril, estreno en la Casa de la Portera “Sagrado Corazón 45”, de José Padilla dirigida por Eduardo Mayo con Rocío Calvo, Juan Codina, Ana Vayón, José Luis Torrijo, Aitor Luna y Delia Vime.
Que Revienten los Artistas 
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