Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Tamar Novas: El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto

tamar¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Yo empecé a trabajar como actor con 11 años en «La lengua de las mariposas», una película de Jose Luis Cuerda, con Fernando Fernán Gómez. Entré en el cine por casualidad. Tras «Mar Adentro» empecé a formarme como actor y compaginaba mis estudios en la universidad. Mi primera experiencia en el escenario fue con «La noche justo antes de los bosques», un monólogo de Koltés, dirigido por Carlos Neira, el primer maestro de teatro que tuve en Santiago de Compostela. Al empezar pronto y por la suerte de haber tenido trabajo regular como actor, no he tenido la experiencia de ningún otro oficio. Mis otras facetas están relacionadas con el audiovisual (algunos cortos que dirigí en la facultad, banda sonora, montaje…)

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¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mí es una forma de mantenerme vivo y despierto, una diversión y un oficio que cultivar, una forma de sentirme útil y al servicio de algo que hasta ahora ha tenido mucho sentido en mi vida.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Me he balanceado con mucha fortuna, he trabajado con mucha gente que admiro y de la que he aprendido muchísimo… pero espero que queden aún muchas aventuras profesionales interesantes, acabo de empezar!.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo que el teatro es una necesidad, y por tanto cumple una función vital para las personas. El teatro puede servir para despertarnos, agitar conciencias o dar luz sobre asuntos que están más en la sombra. Yo disfruto del teatro cuando un espectáculo me entretiene, o me acerca realidades que desconocía. Pero lo más especial y difícil para mí en el teatro, sea como espectador o actor, es sentir que la vida misma está presente en una sala, que puede ocurrir cualquier cosa y que público y actores comparten un espacio común en el que viajar. Creo que esa sensación es un misterio que merece la pena.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
No puedo estar más contento, he participado en el CDN con «El viaje a ninguna parte», que fue una experiencia maravillosa (una pena no haber podido llevar este espectáculo a otras ciudades), después he rodado con Gerardo Herrero «La playa de los ahogados», que se estrenará próximamente, «Códice», de Jorge Casinello para la TVG y «Un otoño sin Berlín», ópera prima de Lara Izagirre, con Irene Escolar, Ramón Barea y Paula Soldevilla, entre otros. Ahora estoy a punto de empezar a grabar una serie que tiene un repartazo y una gran historia…, además de estar con «Hambre, Locura y Genio».

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
En los últimos años he tenido la inmensa fortuna de trabajar en varios montajes con Juan Carlos Corazza. Ha sido y sigue siendo mi maestro. Que siga contando conmigo es una alegría para mí, porque con cada trabajo noto un crecimiento enorme como actor, además de tener espacio para trabajar en la música, y aprender de todo el proceso. El trabajo con él es una investigación continua, con una libertad absoluta dentro de un lenguaje y dirección muy específica. Hay una participación colectiva constante de todo el equipo durante el proceso de creación. La imagen más clara que me viene para explicar el proceso es la de una orquesta cuyos músicos tienen espacio, no sólo para aportar y tocar como más les gusta, sino para ensayar y cambiar continuamente, en búsqueda de respetar al máximo la partitura, en este caso de Strindberg, con dos obras cortas de gran complejidad. No hay muchas ocasiones como actor ni espectador de acercarse a este autor, y de esta manera, no sólo porque es compleja, sino porque es un alimento y disfrute inmenso para el actor.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Cada trabajo y circunstancias son un mundo, pero lo fundamental para mí es respetar la obra, encontrar y cumplir la misión que tiene mi personaje en la historia y ponerme al servicio de que sea un trabajo vivo. Y eso, por lo menos a mí, me requiere mucha dedicación y entrega, por eso uno de los pasos fundamentales es enamorarme del proyecto y estar bien acompañado.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Creo que es devastador, y sobre todo, poco inteligente.

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
De las últimas cosas que he visto lo que más he disfrutado es «The valley of astonishment», de Peter Brook. Disfruto siempre de sus montajes porque hay mucho juego, sencillez, y sobre todo porque todo está muy vivo.

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¿Proyectos?…
Viajar a Mexico con «Hambre, locura y genio», tengo unas ganas enormes. Empiezo a grabar una serie para TVE , y tengo una película para después con una historia, reparto y director magníficos… No puedo contar nada más de ninguno de estos dos proyectos…

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Apostar por lo que creemos que es bueno para la gente, aunque suponga un riesgo, en la medida que cada uno pueda, claro…tamar9


Paco Déniz: Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.

deniz1¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé como aficionado en Santa Brígida mi pueblo, ubicado en Gran Canaria. Allí formé parte de la compañía La otra esquina; Dios, de Woody Allen. Los 80 son nuestros de Ana Diosdado o Aquí no paga nadie de Darío Fo fueron algunos de los títulos que representamos.
Pasé tres años en la universidad dando tumbos (uno estudiando geografía e historia y otros dos filología hispánica). En ese tiempo estuve formándome como actor en diversos cursos que organizaba el Servicio Insular de Cultura, el Aula de teatro de la Universidad o La Casa de Cultura de Schamman.
En 1994 me estrené como actor profesional encarnando uno de los guardias de La Verbena de la Paloma dirigido por Jesús Castejón, Historia de un soldado dirigido por Quino Falero y en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria e incluso el protagonista de Las preciosas ridículas de Moliere dirigido por Jorge Reyes para el Festival Internacional de otoño de Las Palmas vinieron después. Juan Ramón Pérez de la compañía los Profetas del mueble bar me animó a venir a la península para continuar mi formación, en concreto a Barcelona, aunque por aquello del catalán escogí Madrid. Finalmente me titulé en el 2000 en Interpretación textual por la R.E.S.A.D. y desde entonces resido y trabajo en Madrid.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Compositor de bandas sonoras para televisión.
Como miembro del grupo de música a Capella Vocal Factory compuse e interpreté la banda sonora de Aquí no hay quien viva y en solitario las dos últimas temporadas de esta serie más las seis primeras de La que se avecina bajo la firma de Big Bang Boka. Presenté un concurso para televisión Canaria llamado Locos de la cabeza en el que también firmaba la música y cantaba con los artistas invitados.
Realizé locuciones para empresas nada mas llegar a Madrid y por tonterías de la edad no aproveché el tirón.
Por supuesto también trabajé de camarero nada más terminar mis estudios en la R.E.S.A.D. hasta que Ernesto Caballero me ofreció el papel de Azolán en Las amistades peligrosas.
En mi juventud fuí jardinero, primero como acompañante de mi padre que también era operador del cine del pueblo ( Mi infancia fue un poco Cinema Paradiso) y luego como extra en verano para mis gastos. De esa etapa conservo unas manos de labrador encallecidas por las azadas, la tierra, la lluvia y el calor. De hecho me veo a mi mismo como un hombre de campo.

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¿Qué es el teatro para ti?…
Mi profesión, mi manera de ganarme la vida. Aquello para lo que me he formado. El trabajo con el que mantengo a mi familia y pago mis impuestos. Mi vocación y uno de los motores más importantes de mi vida.

¿Por qué haces teatro?…
Porque se me da bien y porque me gusta.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He logrado más de lo que esperaba en algunas cosas y mucho menos de lo pensé en otras. Estoy contento con lo que he logrado pero en absoluto conforme. Tengo muchísimo más que ofrecerme a mí mismo y a los demás.

¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Antes los espectáculos tenían más vida. Sobre todo en gira. Tal vez ahora haya más medios donde hacerse ver y eso es de agradecer. Siempre ha existido el off pero antes se tendía a lo macro. Grandes salas, grandes producciones, grandes giras. Ahora todo es micro. Se busca la intimidad, la exclusividad. Las giras son más cortas. Es un momento interesante en el que compiten modelos distintos. Mientras se respeten los convenios laborales todo me parece estupendo.
Hay que intentar generar y sobre todo mantener modelos sólidos y que se entienda de una vez que siendo fuertes generamos riqueza.

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Soy un gran defensor del entretenimiento, del “pasarlo bien”. Uno va al teatro para descubrir algo nuevo, o para evadirse, desconectar del día a día y entrar en otra realidad. El espectador desea sorprenderse y en el fondo está deseando ser cómplice de lo que le proponemos. Ahora bien, cuanto más y mejor trabajado está un espectáculo más se abandona y disfruta un espectador.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año? Háblanos de ellos…
Arranqué la temporada con la gira de Montenegro, Las Comedias Bárbaras bajo la dirección de Ernesto Caballero para el Centro Dramático Nacional donde disfruté de primera mano al Premio Nacional de Teatro Ramón Barea. Todo un ejemplo de saber estar, saber hacer y saber liderar.
Luego vino Rinoceronte de Ionesco de nuevo bajo la batuta de Ernesto y el C.D.N. Representaba el papel de El Lógico. Una parodia de los ideólogos que generan las corrientes de pensamiento. Hacía pareja con el gran Juan Antonio Quintana con quien coincidí en Esperando a Godot. Realmente hicimos un grupo humano formidable. La compañía era sobresaliente (Pepe Viyuela, Fernando Cayo, Fernanda Orazzi…). Con Ernesto Caballero trabajo muy a gusto porque me da mucha libertad. Terminé rapeando un monólogo por petición suya lo que terminó siendo un regalo inesperado.
Participé en un ciclo de radioteatro en la Ser de la obra Sí, pero no lo soy de Alfredo Sanzol, dirigido por Lucía Quintana y Sánchez Cabezudo. Y he picoteado algo de televisión. Como actor un abogado sin escrúpulos en Vis a Vis, un reportero comprometido en Sin identidad y un presentador superado por las circunstancias en Anclados.
Como músico e interprete se me puede escuchar en la cabecera de la serie Aquí Paz y después Gloria. Proyecto que no firmo pero en el que participé activamente todo el verano. Finalmente desembarqué en el Teatro de la Ciudad.

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¿Cómo surgió tu participación en Edipo…?
Hace quince años Alfredo montó como trabajo de fin de curso Como los griegos de Berkoff (texto inspirado en Edipo Rey). Alfredo quiso montar este Edipo con el mismo reparto. Un fin de ciclo y un inicio de otro.

Háblanos de este trabajo…
Edipo Rey habla sobre el destino, sobre lo inevitable del mismo y sobre cómo la naturaleza de cada uno nos lleva a un lugar que no podemos evitar.
Este mes se cumplió un año desde que hicimos nuestro primer taller (tuvimos tres) antes de comenzar los ensayos oficiales. Eso nos permitió tanto a los actores como al director ahondar en el estilo y en el sentido del texto.
El resultado es una representación de una hora de duración sin transiciones que produce un efecto hipnótico en el espectador ya que no te permite abandonar la atención en ningún momento. Con sólo cinco actores (Juanan Lumbreras, Eva Trancón, Elena González, Natalia Hernández y servidor) y respetando el texto original (versión de Alfredo Sanzol) se cuenta y representa al público esta historia mítica sin artificios de ningún tipo. Una mesa, cinco sillas y el escenario son nuestros elementos de trabajo. El texto queda así desnudo al servicio del público. Ha sido un reto para todo el equipo.

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¿Cómo creas tus personajes?…
Cada uno es diferente. Te voy a decir cómo he creado a Creonte. Alfredo se preguntaba qué entendíamos hoy en día por personaje trágico, así que en el proceso de creación de los personajes partimos de referentes reales. Buscamos en nuestro pasado situaciones de personas cercanas que nos resultaran trágicas o que no hubiesen quedado resueltas en el pasado, improvisamos con esas situaciones y luego hicimos una segunda ronda de improvisaciones en la que defendíamos la dignidad de esas personas o de los actos que en un principio no comprendíamos. De esa defensa surgió la dignidad a partir de la cual uno justifica su manera de actuar ante el mundo. Esa dignidad fue el primer motor que tuvo cada uno de nosotros para enfrentarse a los personajes. Nuestro vestuario por ejemplo esta basado en fotos de las personas que habíamos escogido. Yo en mi caso trabajé con la figura de mi padre ( ya fallecido ). Él me acompaña cada noche cuando interpreto a Creonte y también le invito a sentarse a la mesa. Como buen jardinero llevo un ramo de flores en la mano como lo podía haber llevado él mismo.

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¿Tienes un método?…
Lo primero que hago es aprenderme el texto en su totalidad para no tener que pensar en él durante el ensayo. No soporto como espectador no entender a un actor así que me esmero en desgranar lo mejor posible el texto y cada palabra. Por lo demás trato de escuchar al director e intentar comprender qué es lo que quiere y a partir de ahí me dejo llevar por mi instinto o por la técnica adquirida en los procesos anteriores.
Dentro de mis métodos sobre todo en función sigo una pauta:
-Me gusta escribir todo mi texto como si fuese un monólogo y me lo aprendo de carrerilla. Lo recito completo antes de hacer la función una, dos o tres veces depende del tiempo que tenga. Esto me sirve para que la boca «no piense» lo que va a decir y me sirve para “resetear» la línea de acción del personaje desde su aparición hasta su última salida.
-Me gusta recitarlo en la sala para afinarme con ella porque entiendo que soy un instrumento pero mi caja de resonancia es el teatro en el que voy a actuar esa noche.
-Hago unos masajes para relajar mis cuerdas vocales y al ataque.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes en nuestro sector han sido un atentado injustificado y absurdo al tejido laboral que teníamos creado. El consumidor no debe pagar un 21% de IVA por la entrada de los espectáculos que además no le desgrava lo más mínimo. Es un atraco a mano armada y obliga al sector a la precariedad constante. Está más que demostrado que el gobierno recauda menos con la subida de este impuesto y con ello han borrado el tejido laboral que teníamos construido. Con respecto a la media europea es desorbitadamente alto y sinceramente lo interpreto incluso como un impedimento para que el ciudadano tenga acceso al ocio y la cultura. Sólo la cultura aporta el 4% del P.I.B. y podría aportar mucho más si se apoyase al sector porque tiene capacidad de crecimiento y es una fuente de riqueza para todos.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado? ¿Por qué?…
Por motivos obvios Medea y Antígona.
De Medea por supuesto me cautivó su protagonista ( Grande la Medea de Aitana ) y la fuerza plástica e indómita que caracteriza el teatro de Andrés Lima.
De Antígona me sorprende una vez más el talento innato de Miguel para acceder al gran público con un espectáculo total. El Creonte de Carmen Machi fue una inspiración para mi, una experiencia liberadora.

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¿Proyectos?…
Los que vengan.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando. Los creadores generan riqueza porque sus mentes esconden tesoros.

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Montenegro de Valle Inclán en el CDN

Las Comedias Bárbaras de Valle Inclán son un monumento literario, una de las obras dramáticas más importantes del siglo XX y de nuestra literatura escénica. Es un reto abordar esta inmensa crónica de un tiempo que, curiosamente, se parece mucho a nuestro presente. Esta obra ha tentando a muchos creadores de la escena, no siempre se sale bien parado al enfrentarse a un portento como es el que escribió Don Ramón. Ernesto Caballero, actual director del CDN aborda en su segunda temporada la adaptación de esta pieza para ir a la esencia de la obra en el papel y en la escena. Ha elegido la columna vertebral del texto y se agradece porque va a lo esencial y cuando lo traslada al escenario consigue un ritmo y planos escénicos cercanos a lo cinematográfico; Valle probablemente fue nuestro primer gran guionista sin saberlo. El tratamiento de la propuesta escénica es la de mostrar un mundo bárbaro a mitad camino entre la tragedia griega y la edad media. Y ahí, a la intemperie de la tierra brumosa de un país ¿inventado?…muestra una sociedad caníbal, llena de hombres-perros y animales humanizados que se devoran entre oraciones y olor a pólvora. Y para llevar a cabo este paisaje humano, se cuenta con un reparto excepcional que presta su piel y su imaginario para construir imágenes y símbolos de una poético brutal. Y al frente de este equipo actoral fantástico, un Ramón Barea en estado de gracia.
Adolfo Simón

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