Chema Rodríguez Calderón: El teatro es un espejo social, cultural y artístico que nos hace ver y sentir cómo somos.
¿Qué es el teatro para ti?…
El teatro es mi forma de vida. Y no hablo de pagar las facturas o de trabajar más o menos o con mayor o menor salario. Hablo de que para mí el teatro es imprescindible. Es una necesidad vital: escribir, actuar, dirigir y asistir a una obra de teatro es para mí algo de lo que no puedo prescindir.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
He pasado por todas las etapas de esta profesión; teatro aficionado, alternativo, de pequeño, mediano y gran formato. Comencé a hacer teatro a los quince años de edad y formé parte del elenco de dos compañías de teatro aficionado con las que estrené diez montajes entre 1989 y 1998. Ya estudiando en la Escuela de Cristina Rota trabajé en La Katarsis del Tomatazo durante cuatro temporadas. Nada más terminar la escuela formé mi propia compañía de teatro, Martelache, en 2002. La verdad es que no he parado y he trabajado ya en más de 50 montajes de teatro desde que me subí a un escenario por primera vez hace veinticinco años.
¿Cómo surgió que escribieses y dirigieses teatro?…
Surgió de una manera muy natural; comencé a escribir textos teatrales para montarlos con mi compañía de teatro. Con Martelache estrené en 2002 Idioteces profundas contadas por imbéciles inteligentes, la primera parte de la Trilogía idiota, con este montaje nos recorrimos toda España en más de 170 representaciones, incluso la representamos en Latinoamérica. Para nosotros, que empezábamos en el terreno profesional con una compañía propia, fue como un sueño. Diez años después, en 2013, estrenábamos al fin la tercera parte de la trilogía Somos idiotas porque es lo más inteligente que estamos representando ahora en La Escalera de Jacob.
¿Cómo surge el texto que se está representando en La Escalera de Jacob?…Háblanos de la propuesta escénica…
Tenía muchas ganas de escribir un texto sobre el mundo de la pareja. Hace tiempo leí una crítica teatral en la que se decía algo parecido a esto: “…otro montaje más sobre el mundo de la pareja, algo que está ya más que superado…”. Me pareció un comentario tan peregrino. ¿Cuándo hemos superado la fase de la pareja? Seguimos teniendo los mismos problemas de incomunicación, de falta de compromiso, inestabilidad, sinceridad, infidelidad… nunca superaremos la fase de la pareja y eso es de lo que quería hablar en el texto.
La propuesta escénica tenía que ser como en todos los montajes de la Trilogía idiota, nada de música, sólo texto de principio a fin, sin cuarta pared, los actores frente al público, sin artificio. Blanca Baltés ha dirigido el texto potenciando muchísimo el trabajo del actor, y eso es lo que más me gusta de su trabajo.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
Hice una búsqueda retrospectiva basada en mi propia experiencia y en la de la gente que me rodea basada en qué cosas afectan nuestra vida en pareja de manera más directa, qué es lo que afecta nuestro día a día. Y así fui configurando a los personajes y sus circunstancias laborales, familiares, sus deseos, sus neurosis, todo su mundo.
¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto? ¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la puesta en escena?…
Sin duda. Según iban avanzando los ensayos cambié algunos textos y me fui dando cuenta de las cosas que faltaban o sobraban. Incluso ahora, después de 50 representaciones, creo que sería capaz de cambiar algún texto. Creo que algo que me ha hecho crecer mucho como autor es tener la posibilidad de crecer los textos con las representaciones.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para el teatro?…
Ha habido varios trabajos que me han aportado mucho últimamente y cada uno de una manera muy distinta. Cerrar la Trilogía idiota me ha dado muchas cosas, primero cerrar una etapa de investigación en comedia de más de diez años y segundo tener la ocasión de publicar por primera vez. Encontrarme con el maravilloso equipo de Ediciones Irreverentes ha sido para mí todo un descubrimiento. La experiencia de volver a revisar textos escritos hace una década ha sido muy interesante y la aceptación que ha tenido el libro para mí ha sido un regalo maravilloso. Formar parte del reparto de Tomás Moro. Una utopía bajo la dirección de Tamzin Townsend ha sido para mí una experiencia excepcional. No son tantos los proyectos de gran formato en los que he trabajado y disfrutar de seis meses de gira por los mejores teatros de España ha sido muy gratificante. También mi experiencia con Venezia teatro en La Hostería de la Posta ha sido para mí un trabajo muy especial.
¿Cómo ves la creación teatral en estos momentos?…
Yo voy muchísimo al teatro y creo que sigue habiendo muchísima creatividad y muchos trabajos interesantes. Desgraciadamente ahora es muy difícil exhibir, distribuir y promocionar teatro, estamos en un momento muy difícil. Pero creo que sigue habiendo profesionales que merece la pena tener en cuenta.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Yo creo que el teatro debe demostrar que siempre está ahí, que sigue siendo y que siempre será una forma de representar la realidad y el momento actual. Ese es el sentido que ha tenido durante siglos y que creo que tiene hoy todavía: un espejo social, cultural y artístico que nos hace ver y sentir cómo somos.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
Ha sido demoledor. Las salas de teatro decidieron no subir los precios y asumir la reducción en los ingresos. Ha sido un auténtico revés para un negocio que ya era complicado de defender. Y es bastante fácil ver la repercusión que ha tenido: más de 970 empresas culturales han cerrado en cuatro años. Es una cifra terrible. Para mí ha sido bastante triste ver cómo gente muy interesante que llevaba batallando mucho tiempo ha dejado de luchar por cansancio, por desgaste.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Creo que sólo mirando a nuestro alrededor tenemos un material más que valioso para seguir creando. Tenemos que seguir ideando propuestas interesantes para que el público no deje de llenar las salas de teatro. La crisis nos puede quitar cosas pero jamás la capacidad de inventar, crear e imaginar.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente? ¿Qué te pareció?…
Una de las últimas obras que he visto es La última sesión de Freud, me ha parecido un montaje maravilloso, con dos actores que se comen la escena a cada palabra, a cada paso, con cada expresión. La recomiendo completamente.
¿Proyectos?…
Tengo varios proyectos: pronto se estrenará en México D.F. una de mis piezas de microteatro Histerias de amor. Acabo de terminar un montaje unipersonal para la actriz Carmen Ruiz que se titula Lo que cuesta la vida y que espero que vea la luz el año próximo y también en México se estrenará mi primer drama Nubes frente a un espejo, eso será ya en la primavera de 2016.
RAFA CASTEJÓN: El teatro es un lugar de encuentro y reflexión
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues prácticamente desde que nací estoy en ello.
Mis padres eran actores así que mamé el teatro desde el principio. Dormía en las cestas de la ropa, tomaba la papilla con los técnicos…En las compañías de zarzuela donde mis padres estaban contratados siempre que había un papel de niño lo hacía yo: La revoltosa, Agua, azucarillos y aguardiente, El bateo, La leyenda del beso, y un largo etc. La primera vez que salí a un escenario tenía 4 años. Durante años trabajé en compañías de zarzuela; en la Compañía “Isaac Albéniz” cuyo empresario era Juanjo Seoane y su director Ángel Fdez. Montesinos, en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela cuyo director era Joaquín Deus, combinándolo con mis estudios, hasta la edad de 12 años. Ahí me tomé un respiro de las tablas y me dediqué a estudiar exclusivamente. A los 19 “retomé” la carrera y hasta ahora.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Di mis pasitos como técnico de iluminación y regidor pero al final me decanté por la interpretación. La cabra tira al monte.
¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Un lugar de encuentro y reflexión. Y según el tipo de teatro un arte imprescindible y necesario.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He cumplido ya las bodas de plata como profesional. 25 años.
Creo que el balance es muy positivo. Tengo mucha suerte de poder vivir exclusivamente de la actuación, que me apasiona. Esto, lamentablemente, no lo pueden decir muchos compañeros en estos momentos tan duros para la profesión. Me siento privilegiado. También reconozco que trabajo muy duro para que esto sea así pero con todo y con eso algunas veces tampoco depende sólo de ti.
He podido trabajar con directores excelentes: Helena Pimenta, Juan Carlos Corazza, Calixto Bieito, Adolfo Marsillach, mi hermano Jesús Castejón, Tamzin Townsend, Juan Carlos Perez de la Fuente, Emilio Sagi y un largo etc.
He interpretado papeles maravillosos, entre otros: el Marqués de Poza del Don Carlos de Schiller, el Don García de La verdad sospechosa, el Autor de Comedia sin título, Samuel en El niño judío, Carlos en el Método Gronholm, y taaantos otros…
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siempre recuerdo las palabras que les dirige Hamlet a los actores. «…cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida; mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento…»
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Desde que en el 2012 entrara a dirigir la compañía Helena Pimenta y me llamara trabajo en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Una etapa maravillosa con tres exitazos consecutivos y con grandes compañeros de reparto; “La vida es sueño”, “La verdad sospechosa” y “Donde hay agravios no hay celos”.
¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Aparte de actor, dentro de la Compañía Teatro de la Reunión, soy productor junto a Juan Carlos Corazza de la misma, así que siempre estamos pensando, dentro de nuestras modestas posibilidades, en textos para poder llevar a escena. Juan Carlos organizó un taller de investigación y creación sobre varias obras cortas de Strindberg en el Centro Cultural Conde Duque, donde en estos momentos Teatro de la Reunión tiene su sede, e invitamos a Antonio Fuentes (el director y programador del Teatro Lara) a ver este trabajo, a Antonio le encantó y nos propuso llevarlo al Lara.
Elegimos dos obras de las cinco con las que estábamos trabajando en ese taller y empezamos la preproducción, producción y explotación de lo que Juan Carlos llamó “Hambre, locura y genio” título genérico que abarca las dos obras “Débito y crédito” (si no me equivoco nunca representada en nuestro país) y “El pelícano”, esta obra mas conocida y representada, del autor sueco mas importante de todos los tiempos.
La temporada en el Off del Lara ha sido un éxito total de crítica y público con el 100% de ocupación y con muchísima gente quedándose en la calle sin entradas.
¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No me gusta mucho la palabra método, la verdad. Lo asocio con una especie de rigidez.
Y creo que tiene que ser todo lo contrario. Flexibilidad, movimiento, búsqueda, investigación. Probar de una manera u otra hasta que encuentras la mejor para esa historia y ese personaje. Ser objetivo. Dejar el ego en la puerta de la sala de ensayo. No juzgarte ni juzgar. Alimentar la imaginación. Confianza.
Si se necesita mucho compromiso con el trabajo y con la profesión. Mucho ensayo. En casa, con los compañeros… trabajo, trabajo y trabajo. No decía eso Chejov en Tres hermanas??
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es la muerte!!
Pero si hay compañías que tienen que suspender su gira por el maldito iva!!!!
Y otras que no pueden ni empezar a trabajar!!
Y los números no le salen al gobierno. Está comprobado que se recauda menos porque desaparece el tejido industrial!! Entonces???? Por qué no lo bajan ya???
A nuestra compañía (16 personas en este momento) nos mata. Llega la hoja de taquilla y es para echarse a llorar!!
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lamento decirlo pero han sido unos meses de tanto trabajo con “Hambre, locura y genio” y “Donde hay agravios no hay celos” que tengo la sensación de que lo último que vi fue a la Xirgu en Yerma!!!! 🙂
¿Proyectos?…
La gira de «Donde hay agravios no hay celos” con la CNTC, después….los Dioses dirán…
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Esa: seguir creando!! E intentar que sea con profundidad!!
SILVIA DE PÉ: El teatro es un lugar donde todo es posible
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…No encajaba en ninguna actividad extraescolar en el cole. En fútbol era muy mala, corría hacía mi propia portería. Me echaron. La gimnasia rítmica me parecía un rollo. Le supliqué a mi madre que me sacara de allí. Un día de sexto de E.G.B. anunciaron que empezaba un curso de teatro y pensé: «mmm esto puede ser divertido», me apunté y flipé en la primera clase, me acuerdo que llegué a casa y le conté a mi madre: «mamá, no te lo vas a creer, pero es posible hablar con la tripa» y me envenené. Tenía 11 años.
¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
¿Que si puse copas? Sí, claro. Un buen actor que se precie debe hacerlo. Jajajajaja. Sí, además de actuar, también dirijo de vez en cuando. Me encanta y me divierte mucho.
¿Qué es el teatro para ti?…Es un lugar donde todo es posible. Es magia.
¿Por qué haces teatro?…Porque me alimenta y me hace muy feliz .
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…Un balance muy positivo. He sido coherente casi siempre, he trabajado mucho, he disfrutado y sufrido mucho también, me ha hecho mejor persona, y desde hace 12 años (llevo 18) sólo como de mi vocación, así que sí, un balance muy positivo.
¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…La misma de ayer, la misma de siempre. Es muy básica. Es el alimento del alma y del espíritu y como tal, lo necesitamos para sobrevivir. Es una cuestión de vida o muerte.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
La mayor parte del 2014 he estado con «Verónica» una obra de miedo, escrita y codirigida por mi admirado Carlos Molinero, que talento tiene este hombre! El otro director es el incombustible Gabriel Olivares con el que trabajo en otros proyectos. Estrenamos en el Lara y luego estuvimos hasta Noviembre en el Maravillas. Una experiencia muy interesante, la verdad, no hay obras de teatro de miedo. Yo quise hacer una hace 15 años y fue muy complicado. Este proyecto me ha brindado la oportunidad de explorar ese género tan inusual en el teatro y además acompañada de un lujo de actrices/amigas/compañeras, Ana Villa, Cecilia Solaguren y Lorena Berdún. Tenerlas al lado ha sido un regalo cada día.
Paralelamente a «Verónica» estuve con funciones de «Los Menudillos del Sol de York» dirigido por un hombre de teatro y amigo desde hace 18 años (empezamos juntos en esto, en Zaragoza) Alberto Castrillo Ferrer. Una propuesta teatral interesantísima. Varias piezas de 45 minutos escritas por Daniel Dalmaroni (vino a vernos desde Argentina) con un enrome sentido del humor, negro y ácido y de una inteligencia desbordante. Y acompañada de unos seres entrañables (si es que soy una afortunada!!!), Nacho Rubio, Antonia Paso, Julián Ortega, Laura Gómez Lacueva, Carlos Urrutia, Elena de Frutos, Javier Ortiz y Patricia Estremera. Lo retomamos ahora, a partir de Marzo estaremos todos los martes en el Teatro Fígaro.
También he tenido funciones este año y temporada en Barcelona de «Tomás Moro, una utopía» obra dirigida por Tamzin Townsend (es un divertimento trabajar con ella y un placer que no hay que perderse) y con la que hicimos temporada en Noviembre del 2013 en el Fernán Gomez con grandes compañeros también (que le voy a hacer si tengo suerte con los compis!) Jordi Aguilar, Lola Velacoracho, Chema Rodriguez, Dani Ortiz, Paco Déniz, César Sánchez, Ricardo Cristóbal, Sandra Arpa, Jose Luis Patiño, Angel Ruiz, Richard Collins Moore, Manu Hernández.
También un par de Microteatros escritos por José I. Tofé, el autor de «El Tesorero» y dirigidos por mí: «Menuda Mañanita» con Joan Carles Suau, Mario Tardón y Ricardo Cristóbal y «Pesadilla en el Microteatro» con Antonio Ponce y Mario Tardón. Con este plantel de casting, una experiencia deliciosa, como no podía ser de otra manera.
Después, a finales de Octubre, se solaparon dos proyectos, «En el baño» con Olivares y «Perdona si te mato, amor» dirigida por Castrillo-Ferrer y con ésta he terminado y he empezado el año y no se me ocurre otro modo de empezarlo mejor. Colgando cartel de localidades agotadas, el público aplaudiendo a rabiar, riendo sin parar, diciendo en alto «esto es teatro!!».Que dos meses más maravillosos!!! Ha sido un proyecto PERFECTO a todos los niveles. Pocas veces pasa y ésta es una de esas veces. Y con un equipo de quitarse el sombrero y hacer genuflexiones. No puedo nombrar a todo el mundo pero todos y cada uno de ellos profesionales como la copa de un pino y buena gente, gente buena, incluido el equipo del Matadero. En el escenario vivía un sueño cada día de función al lado de Nacho Rubio, Antonia Paso, Rafa Blanca, Julián Ortega y Javi Coll. Y por supuesto, Encarni Corrales. Amigos para siempre ya.
Creo que la cosa no termina aquí…no debería, desde luego, sería un gran error………….Veranos de la Villa…es muy probable…
¿Cómo surgió tu participación en la obra que estrenáis en el Teatro Arlequín…?…Háblanos de este trabajo…
Más bien en la cocina! En el entrenamiento/investigación con Gabriel Olivares. Ya estaba con él en otro proyecto que empezó en Septiembre «El Debut», una peli experimental, y me invitó a formar parte de «En el Baño» que ya venían cocinándolo desde hacía unos meses.
Esta obra ya la estrenaron mis queridas compañeras, Ana Villa, Marian Aguilera, María Kaltembacher, Eva Higueras, Roser Pujol y Mónica Vic en Noviembre del 2014. La que se estrenó el 31 de Enero con el personaje de Coco, soy yo.
¿Cómo ha sido el trabajo con el director?…Gabriel es la búsqueda, la investigación y el inconformismo. Valores muy buenos para un director, bajo mi punto de vista. Hemos explorado mucho con «puntos de vista» (Anne Bogart) y «suzuki». Un proceso enriquecedor, muy creativo y agotador, pero ya aprendí con mi maestra Mar Navarro que hay que sudar la camiseta, así que ha sido muy estimulante. Este método de trabajo de Gabriel te obliga a ser directora además de actriz en el escenario, a tener más responsabilidad, por lo tanto, a ser consciente de todo lo que es el acto teatral, a responder en el momento, en definitiva a que la cosa esté viva pero ¿acaso no se trata de eso? Yo soy exigente con mi trabajo y me gusta que mi director lo sea también.
¿Cómo creas tus personajes?…Aquí tengo una contradicción, no creo en el «personaje», aunque luego pienso: «que bonita es Coco» o «como quiero a Madeleine». Ves! es contradictorio!.
¿Tienes un método?…Parto siempre de mí en «esa situación» y digo las palabras que están escritas en el texto con la sensación de que no podría decir otras, de que son las perfectas, las necesarias. A esto le sumo el intentar no chocarme con los muebles (no es tan sencillo como parece, sobre todo cuando trabajas en un espacio de 2X2) y, a veces, da buenos resultados, a veces, cobra vida durante un rato algo parecido a un «personaje». Casi siempre los hallazgos más alucinantes los encuentro en mis compañeros, en cómo me hablan, en cómo me miran. A veces, sólo hay que mantener los ojos y las orejas bien abiertos.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
O lo asume la compañía o lo asume el público que compra esa entrada. Insostenible en muchos casos. Han cerrado salas de teatro, compañías y muchos proyectos interesantes y necesarios no han llegado ni a nacer. Es una locura se mire por donde se mire, en fin…
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
He visto muchos montajes este año pasado y algunos muy buenos, pero me viene una y otra vez a la cabeza «El triángulo azul» de Laila Ripoll y Mariano Llorente, dirigido por Laila. Debería ser Patrimonio Nacional este espectáculo, no entiendo que sólo estuviera un mes en cartel. Me parece absurdo y me cabrea. No tiene sentido.
Me conmovió, me sacudió, me enseñó, me hizo reflexionar y está claro que me ha marcado. Recuerdo que estuve llorando, con hipo, todo el camino, desde la plaza de Lavapies hasta Callao. Catarsis, también. Una catarsis en toda regla.
¿Proyectos?…
Estoy dirigiendo una pieza corta para microteatro que se estrena el 10 de febrero. Se llama «Intelecplastia» un texto muy ingenioso de Maria Eugenia Rodriguez. Las actrices son Ana Belén Serrano y Laura Salido, una combinación muy interesante. Nos estamos divirtiendo mucho montándola, así que yo creo que va a salir algo bueno de aquí, seguro.
Como comentaba antes volvemos con «Los menudillos» o mejor dicho «Crímenes de andar por casa» que es su nombre ahora. Estaremos en el Fígaro los martes, a partir de Marzo.
Ensayando ya «Our Town» dirigido por Gabriel Olivares que se estrena el próximo 23 de abril en el Fernán Gómez y estaremos hasta el 17 de Mayo.
Remontaré (por tercera vez, siempre diferente) y retomaré en Junio «Pudor», un espectáculo de literatura erótica, con mi amigo y compañero Jose Carrillo.
Y un secreto, un secreto muy bonito y personal del que no voy a contar nada pero que espero parir antes de que acabe el 2015.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Como dice mi padre: «el que come, escapa!».
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Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Babel de Andrew Bovell en el Teatro Marquina – Dirección: Tamzin Townsend
Los seres humanos somos como muñecas rusas, dentro de nosotros hay otro y otro y otro…Y a veces, tenemos la sensación de haber vivido la misma situación con otra persona o un olor nos descubre un secreto…Babel tiene una estructura dramática fantástica y endiablada…es un juguete perfecto para que un buen reparto como es el de esta función…Aitana Sánchez Gijón, Pedro Casablanc, Jorge Bosch y Pilar Castro…se desdoblen y transformen en esas múltiples figuras que van surgiendo de la muñeca rusa…Los personajes son como rios que se van cruzando y transformando hasta desembocar en un mar de confusión emocional…Cuando salimos del teatro… la primera pregunta que me asalta es…¿Son un solo personaje?¿Son varias caras del mismo?¿Son muchos que se cruzan y confunden?…Y así nace…Babel, un lugar de incomunicación eterna…Relaciones personales que se dibujan y emborronan a cada palabra o gesto…Para terminar siendo más reales en lo imaginado. Tamzin Townsend realiza uno de sus trabajos de dirección más delicado y ajustado de los presentados en Madrid en los últimos tiempos.
Adolfo Simón
“Verano”. Jorge Roelas. Centro de Arte Fernán Gómez.
Que Revienten los Artistas 
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