Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Pier Paolo Alvaro: Creo que el amor por tu trabajo es la base de toda inspiración.

pier¿Cómo fueron tus inicios en el diseño de vestuario?…
Desde siempre, es un sueño que me acompaña, que se remonta a mi mas
temprana niñez, Barry Lyndon en el cine, Giselle en el ballet y El Dulce pájaro de la
Juventud en el teatro ayudaron a alimentar y a confirmar que mi destino iba a estar
indisolublemente ligado a este mundo.
Todo comenzó con la danza; con apenas 20 años un destacado bailarín y
coreógrafo me dio la oportunidad de crear el vestuario para un espectáculo de su
compañía de danza contemporánea que asumí con la emoción y la ilusión de la
juventud y seguro de que comenzaba un largo camino. Luego y como premonición
de mi destino mi segundo trabajo me adentro en el mundo de las compañías de
danzas flamenca, compañías que llenan espacios muy importantes a lo largo de
todo el continente americano en mi caso con una compañía radicada en Estados
Unidos, y para dicha compañía tuve la oportunidad de recrear una versión de las
inmortales danzas ritual del fuego de Miguel de Falla. De esto inicios a pasado el
tiempo pero te confieso que el deseo y la necesidad de crear tienen la misma
ilusión del primer día.

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¿Qué balance haces sobre tu trayectoria?…
Hacer balance sobre mi trayectoria se me torna difícil, pues con esta pregunta me
percato que toda mi vida desde hace mas de 20 años, todos y cada uno de mis
días los he dedicado a dibujar y crear, podría decir que estoy feliz, podría, pero no
satisfecho en realidad creo que el único balance que puede tener un creativo es el
que le otorgan los años de trabajo y la honestidad con el arte.

¿Cómo surgen las ideas cuando te proponen el diseño de vestuario para un
espectáculo teatral?…¿Qué te inspira?…
Después de leer minuciosamente el texto que es en realidad el motor donde
comenzara a brotar para mi un nuevo mundo. será el director y sus inquietudes
tanto filosóficas como estéticas, las que me ayudaran a encontrar gran parte del
camino. otro aspecto a tener en cuenta será el acercamiento con los actores,
pues son ellos los portadores de una gran información que se encuentra en su
energía, en su forma de proyectase que definen muchos resultados en el diseño.
Pero sin lugar a dudas, en realidad creo que el amor por tu trabajo es la base de
toda inspiración.

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Háblanos de los últimos trabajos para la escena…
Tendríamos que centrarnos en algunos ejemplos pues en este ultimo año he tenido
la oportunidad de participar casi simultáneamente en varios proyectos, todos me
han llenado de experiencias y satisfacción. Un reto estético por ejemplo lo
constituyo EL Eterno Croen ( Manuel De), que al contar con una dramaturgia
excelentemente planteada me fue fácil adentrarme en un mundo donde viven
personajes tan recurridos por el teatro, y en muchas ocasiones por el cine, que
forman parte indiscutible de la esencia del teatro clásico y universal, sentí como
creativo la necesidad y el deber de encontrar una propuesta que acompañara de
forma racional y estética, una vez mas a la legendaria Yocasta .
Otra experiencia muy satisfactoria la encontré en el trabajo de la puesta en escena
de Los Buitres, (Carles Harillo) en este caso había que crear un mundo que
pertenece a los sueños e inquietudes a veces delirantes de un dramaturgo y a la
vez director que de forma generosa me permitió participar y colaborar para
plasmar un mundo alucinante lleno de personajes tratando de escapar de su propio
mundo, en realidad mas que hablar de mis experiencias tendría que dar las
gracias a estos prometedores e inteligentes artistas por darme la oportunidad de
ayudarlos a construir su obra.

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¿Cómo ha sido el trabajo con los distintos directores?…
Tal vez trabajar con distintos directores puede ser una de las ventajas que mas
enriquecen mi trabajo. Todos y cada uno de ellos me han ayudado a reflexionar, a
descubrir nuevos caminos y a encontrar en el diseño muchas respuestas.
creo que en la medida que se amplia el horizonte tanto humano como artístico
ganaremos todos ganara el arte que debe ser nuestro objetivo.

¿Cuánto margen has tenido para probar durante los procesos de creación de los
espectáculos?…Muy poco. Siempre el margen será poco, cuando el trabajo se encierra en los espacios de la
creación no existe el margen de tiempo, apenas existe la razón todo se torna en
una especie de delirio donde ya el margen y el tiempo es pura anécdota.

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¿Tienes algún proyecto previsto para la escena?…
Siempre estoy soñando con miles de proyectos, soñar es casi un estado normal
para las personas que necesitamos crear para sentirnos útiles, pero te puedo
contar que tengo dos nuevos proyectos el mas inmediato se presentara en nave 73
en el mes de octubre escrito dirigido por Iñigo Guadiano y producido por la Caja
Negra Teatro y Tinglado producciones, con Sara Luesma a la cabeza de la
producción y con un elenco de actores de desmesurado talento, el otro proyecto lo
dejamos todavía en las patas del escenario para tener la oportunidad de hablar
en otro momento.

¿Te ha tentado alguna vez desarrollar otras facetas más allá del diseño de
vestuario para la escena?…
En varias ocasiones he podido trabajar como director de arte y escenógrafo por
ejemplo en el mes de agosto compartí la dirección de arte y realice el vestuario
para un cortometraje rodado en Extremadura. En los Buitres el trabajo de
escenografía y la dirección de arte también tiene mi firma y en los próximos dos
trabajos que subirán a escena tendré la oportunidad de confrontarme en una
trilogía creativa vestuario-arte-escenografía.

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¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en tu trabajo?…
Creo que nos asfixia, sobretodo a los directores y actores,
Este tipo de medidas establecidas por los gobiernos parten de la impunidad mas
absoluta y de la falta de sensibilidad de los políticos, recuerda que un pueblo culto
será siempre libre y dueño de sus actos y todos los trabajadores del teatro
tenemos como deber ayudar a enriquecer y a fortalecer la cultura y las esperanzas
de que algún día con nuestro esfuerzo y nuestra dedicación no solo el teatro
sino las artes en general ocuparan el lugar que les corresponde, creo que no
debemos reparar en la insensibilidad de los poderes que rigen nuestra cultura
tenemos que defender nuestro teatro y en el momento que nos falten las fuerzas,
las que nos queden, serán para levantar el telón.

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¿Sueles ir a ver espectáculos de danza o teatro?…¿Qué montaje que hayas visto
últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Los momentos mas importantes de toda mi vida los celebro asistiendo al teatro y al
ballet, son para mi, espacios llenos de tanta mística y buenas intenciones que
hacen que todo tenga sentido, es el lugar donde encuentro casi todas mis
repuestas.
Hay una puesta en escena que disfrute desde que se encendió el primer foco y te
hablo de Pingüinas de Arrabal y dirigida por Juan Carlos Pérez de la Fuente, obra
representada en el matadero, un espectáculo lleno de actuaciones soberbias, una
escenografía radiante, un trabajo de luces de luces de grandes vuelos esteticos y
un texto que nos deja la posibilidad de seguir aprendiendo y de confrontarnos
como testigo de nuestro tiempo.
En cuanto a la Danza tuve la dicha de estar en la ultima temporada de ballet de la
Scala de Milano donde disfrute de Tamara Rojo, una de las bailarinas mas
importantes actualmente del mundo que como otros bailarines Españoles de
renombre internacional viven inexplicablemente en una especie de exilio obligado.
Te confieso que esta historia de nuestros bailarines, maravillando al mundo sin
apenas pisar casi nunca nuestra escena me produce un inquietante
cuestionamiento y entre tantas respuestas creo que existe la posibilidad de que el
clímax de bienestar estético y humano que tramiten las artes cuando llegan a los
pueblos asustan algunos de los poderosos que dictan nuestra escena.!

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Amar, si fronteras, sin términos, amar


Los Lunes del Español

Las actividades culturales del Teatro Español comienzan hoy día 5 de octubre con el ciclo de Encuentros organizados por el Teatro Español en colaboración con la Academia de las Artes Escénicas de España.

ENCUENTROS EN EL TEATRO ESPAÑOL

Ciclo de coloquios y conferencias. Organiza Teatro Español y Academia de las Artes Escénicas de España

LA DEFENSA DEL DRAMATURGO EN ESPAÑA
Presenta: Juan Carlos Pérez de la Fuente (Teatro Español)
Intervienen: César Oliva (Universidad de Murcia)/Ignacio del Moral (AAT), Paloma Pedrero (SGAE) y Jose Luis Alonso de Santos (AAEE)
Entrada libre hasta completar aforo.
Fecha Lunes 5 de octubre de 2015
Sala Teatro Español – Espacio Pérez Galdós
Horario 20h.


Estreno de temporada el el Teatro Español

“El Teatro Español tiene que ser la casa de todos”. Con estas palabras, en boca de su director, Juan Carlos Pérez de la Fuente, se ha inaugurado la gala de presentación de la nueva temporada 15-16. Una programación que es la primera completamente seleccionada y dirigida por Pérez de la Fuente y que apuesta por una democracia, innovación y apertura de puertas en el teatro.

La gala ha reunido, para que participen y nos muestren lo que van a hacer, a todos y cada uno de los participantes en la programación en una especie de bosque de sillas dispersas por el escenario por el que se paseaba una espléndida Carmen Conesa ejerciendo de maestra de ceremonias y anfitriona consorte. Una buena escenografía viva para representar esa idea de comunidad teatral en la que cabe todo el mundo y todas las tendencias. Actores, directores, dramaturgos y demás familia como Pepón Nieto, Rossy de Palma, Chevi Muraday, José Luis alonso de Santos, Carmen Elías o José Sacristan se han prestado a representar la nueva temporada cargada de caras conocidas y nuevos talentos que se han consolidado en este arte. Además, hemos podido ver una silla vacía con una gorgera solitaria para dar representación a Cervantes, el gran denostado y olvidado del teatro español que será rescatado a lo largo del año con “El cerco de Numancia”.

Entre las novedades que ha propuesto el equipo del Teatro Español se cuentan las siguientes:

  • La creación de un nuevo espacio de tertulias “Espacio Pérez Galdós”: Este nuevo espacio situado en un patio-distribuidor en el edificio del Español y que será coordinado por el dramaturgo y director  Pedro Víllora y que iniciará la tertulia con tres prestigiosos periodistas al frente: Juan Cruz, Antonio Lucas y Laura Revuelta para hablar del sentir de la calle. En este espacio también se va a dar voz a las nuevas tecnologías para compartir la información y por eso se ha invitado a la mayoría de los bloggers dedicados a las artes escénicas a participar en el proyecto mediante el nombre de #LosLocosdelEspañol.
  • El nuevo espacio de exposiciones Andrea D’Odorico que se inaugurará en la Sala de los Balcones del Teatro Español para albergar exposiciones relacionadas con la vida teatral con la exposición “Andrea D’Odorico.Los espejos del alma”.
  • El teatro en la calle tendrá su manifestación con la nueva iniciativa de El Español en el Barrio de las Letras, que será coordinado por el dramaturgo Alberto Conejero para celebrar en el barrio más cervantino de Madrid los cuatro siglos de la publicación de la segunda parte de El Quijote, uniendo algunas de las voces más significativas de la dramaturgia española contemporánea.
  • La apertura hacia el teatro latinoamericano con un nuevo ciclo que aunará obras de Uruguay, México y Argentina.

Pero hay mucho más, aparte de las innovaciones, un montón de programación para todos los gustos y con una excelente calidad que pueden consultar en la web del Español y deambulando por los diversos espacios que se reparten por Madrid.

Luis Mª García Grande

 

 

 


Cambian los tiempos

Si, los tiempos cambian, suerte de ello…Solo que hay, siempre, por una parte de la sociedad, resistencia a adaptarse a esos cambios. La llegada de internet y las redes sociales ha sido una revolución que, a los que nos ha pillado con cierta edad, nos resulta difícil entender su uso y posibilidades. Pero ahí están las pruebas, todo lo que no está en internet no existe, los que hemos sido artesanos de la comunicación e hicimos la primera revista hace más de veinticinco años, doblando pliegos de papel, sabemos que eso, hoy, es solo un objeto poético para adquirir y guardar como un libro de arte, pero hoy, la comunicación y la información está en las redes sociales, el resto es un barco al que se sigue descargando de peso y páginas pero con rumbo incierto. Hago todo este preámbulo porque todavía nos cuesta hacer entender a los diferentes departamentos que tiene que ver con la producción, programación o realización de productos escénicos que, nuestros vehículos informativos en internet son los que más pueden hacer llegar su material en las mejores condiciones y al máximo de público posible y…de manera inmediata!. Por suerte, no siempre hay que estar convenciendo de lo evidente y ya hay gestos que empiezan a proporcionar respecto a las nuevas formas de comunicación. Ayer sábado fuimos invitados, un grupo de creadores de la información virtual, por el nuevo Director del Teatro Español de Madrid, Juan Carlos Pérez de la Fuente que, con este gesto inteligente, se prestaba a escuchar todas la sugerencias que le propusimos para que nuestros trabajo y el de ellos al preparar la programación que está a punto de presentarse para la temporada 2015-16 sea lo más efectiva y eficiente para la Institución que él dirige, para el público de Madrid y visitantes que a fin de cuentas es a quién va dirigido y para que nuestra tarea diaria sea facilitada y apoyada con la mayor generosidad y respeto posible. Por una vez no hemos recibido una llamada pidiendo que asistamos a una rueda de prensa o un pase gráfico sino que se nos ha convocado a dialogar sobre el arte y los nuevos medios de comunicación. Ojalá no sea la única ocasión ni con el único Centro de Creación de este país.
Adolfo Simónteatroespañol


Pingüinas de Fernando Arrabal en el Matadero de Madrid

Estoy convencido que, Fernando Arrabal, al saber que sus Pingüinas se estrenaría en un antiguo matadero, se relamería de placer. Creo que uno de los grandes aciertos de esta producción es la elección de ese espacio, un lugar crepuscular donde la muerte y el silencio han habitado siempre por igual. Intento imaginar el momento de la escritura de esta pieza y visualizo la mente de Arrabal girando frenéticamente como los derviches, como la centrifugadora de una lavadora…y así, mezclando el pasado, el presente y el futuro…llena las páginas escénicas de frases con las que expresa lo que realmente ocurrió en la mente de Cervantes cuando imaginó su obra y las circunstancias en las que la escribió. Y así, como de una transfusión apocalíptica, el cerebro del autor del Quijote recorre las venas plumíferas del tiempo para ser engullido por la masa encefalográfica de Arrabal…Y ahí aparece también lo que rodea al autor de Pingüinas…este mundo frenético de hoy, dominado por las nuevas tecnologías donde el sexo es Dios…y el mundo ha perdido el sentido de la trascendencia…Y llena la boca y los cuerpos de las pingüinas de palabras soeces y luminosas. Las diez intérpretes y en especial las protagonistas: Ana Torrente, Marta Poveda y María Hervas, llenan el espacio con un trabajo intenso y desbordante; sigo pensando que no hay nada como las actrices españolas, cuando encuentran el vehículo y aquí están las motos-jinete, se convierten en seres de otra dimensión. Y conectando todo, sobre ese eje mecánico, columna vertebral del espacio escénico, está Juan Carlos Pérez de la Fuente que, de nuevo, estalla las paredes del teatro para hacer un rito salvaje y futurista, llenando el aire de una enloquecida bacanal teatral.
Adolfo Simón

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Jesús Cracio: El teatro ha de educar en el conocimiento de la vida

cracio¿Cómo surge el proyecto que presentas en el Matadero?…
EL PROYECTO NACE DE UN OFRECIMIENTO QUE ME HACEN DESDE LA DIRECCIÓN DEL TEATRO ESPAÑOL (JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE Y ROSARIO CALLEJA) CON MOTIVO DE SELLAR CON EL NOMBRE DE MAX AUB UNA DE LAS SALAS DEL MATADERO, ME INVITAN A REALIZAR UN MONTAJE CON TEXTOS DE MAX AUB. ..

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Háblanos del proceso dramatúrgico y del montaje…
A PARTIR DE ESE DIA (14 DE FEBRERO PARA ESTRENAR EL 14 DE MAYO…) COMIENZO A BUSCAR LIBROS Y DOCUMENTACIÓN DE MAX AUB: TEATRO, TEATRO BREVE, CUENTOS, POESÍA, NOVELA, SUS DIARIOS, ESTUDIOS SOBRE MAX AUB… Y UN SIN FIN DE LIBROS INCATALOGABLES. DUERMO, COMO, ME DUCHO, PASEO, MONTO EN BICI CON MAX AUB. KILÓMETROS Y KILÓMETROS DE PALABRAS ESCRITAS REVOLOTEAN SIN CESAR EN MI CABEZA. COMIENZO A ELEGIR LOS TEXTOS. BAJO UNA PREMISAS INTOCABLES: FIDELIDAD AL MUNDO DEL AUTOR, TEXTOS QUE TENGAN REPERCUSIÓN Y ACTUALIDAD, NO DESECHAR NINGÚN PALO DE SUS VARIOPINTOS ESCRITOS.. A LOS ENSAYOS LLEGO CON UN TEXTO -BORRADOR CASI TERMINADO QUE FUE VARIANDO Y TOMANDO FORMA DEFINITIVA CON EL TRABAJO DE LOS ENSAYOS. A LA HORA DE HACER REPARTOS NO BUSCO ACTORESTRICES DISPONIBLES SINO DISPUESTOS.EN ESTA CASO IBA MAS ALLÁ: NECESITABA ACTORESTRICES QUE CANTARAN, BAILARAN , QUE SUPIERAN INVOLUCRARSE EN EL PROCESO SIN PREJUICIOS, SIN MIEDOS…

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¿De qué va la obra?…
ES UN COLLAGE CERCANO AL CABARET LITERARIO (O VICEVERSA) EN EL QUE SE AÚNA LA PALABRA, LA DANZA Y LA MÚSICA. UN RETRATO MINIMALISTA DE LA VIDA Y OBRA DE MAX AUB. UN COKCTAIL CON LOS MEJORES Y MAS ACTUALES ELIXIRES DE M.A.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación durante los ensayos?…
PLANTEÉ EL TRABAJO COMO UN PROCESO EN CREACIÓN. SILVIA DE MARTA YA TENÍA LA MAQUETA DE LA ESCENOGRAFÍA DESPUES DE VARIOS DÍAS CONVERSACIONES. TRABAJO DESDE LA DRAMATURGIA ESPACIAL Y DE LA LUZ. CON PILAR VELASCO IBA PROBANDO EN LA MAQUETA LAS DIVERSAS ATMÓSFERAS LUMÍNICAS. TENGO QUE SABER CON NITIDEZ POR DONDE HABITAN LOS ACTORES EN EL ESPACIO. CON EL BORRADOR DEL TEXTO EN LA MANO FUIMOS ENSAYANDO ESCENAS QUE LOS ACTORES NO SABÍAN DONDE IBAN SITUADAS DENTRO DEL DESARROLLO DE LA OBRA. EL TRABAJO CON CELIA LAGUNA (PIANISTA) FUE EXHAUSTIVO. LA MÚSICA DEBÍA ENVOLVER EL ESPECTÁCULO. ME DEJO LLEVAR MUCHO POR LA FISICIDAD DE LOS ACTORESTRICES: SU CUERPO, SU FORMA DE DECIR, SUS VIRTUDES, SUS CARENCIAS (HAY QUE CONVERTIR SIEMPRE EL OBSTÁCULO EN TRAMPOLÍN). AUNQUE DENTRO DE MI CABEZA YA ESTABA EL DESARROLLO EMOCIONAL Y DRÁMATÚRGICO DEL “TODO”, ALGUNAS ESCENAS FUERON CAMBIANDO DE LUGAR POR NECESIDADES ACTORALES.SABÍA COMO IBA A EMPEZAR Y COMO IBA A TERMINAR.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear este espectáculo?…
EMPECÉ A DEDICARME AL TEATRO CUANDO TENÌA 18 AÑOS. HAN PASADO 51. MEDIO SIGLO DE VER Y HACER TEATRO.DE VIVIR POR Y PARA.

Háblanos de los últimos proyectos teatrales que has realizado…
COMO SIEMPRE EN MI TRAYECTORIA PASO DEL OFF A LOS TEATROS INSTITUCIONALES EN UN ABRIR Y CERRAR DE OJOS. EL PASADO AÑO ESTRENÉ EN LA SALA “UMBRAL DE PRIMAVERA” UN MONTAJE DE UN POEMA DE LA POETISA SYLVIA PLATH “TRES MUJERES”. EN FEBRERO DE ESTE AÑO REALIZÉ UNA LECTURA DRAMATIZADA EN LA COMPAÑIA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE LA OBRA DE MARÍA DE ZAYAS, “LA TRAICIÓN EN LA AMISTAD”, EN EL TEATRO PAVÓN. Y UNA SEMANA DESPUES COMENCÉ CON LA DRAMATURIGIA DE MAX AUB.

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¿Por qué haces teatro?…
HA IDO CAMBIANDO EL POR QUÉ CON EL PASO DEL TIEMPO. EMPECÉ EN EL TEATRO PARA INTENTAR SALVARME DE LA DICTADURA FRANQUISTA. NO QUERÍA SER IGUAL A LOS QUE ME RODEABAN. HOY DIA PODRÍA DECIR QUE ES COMO EL AIRE QUE RESPIRO. PERO COMO SE PREGUNTA MAX AUB “¿QUIEN SOY? ¿EL QUE FUÍ O EL QUE AHORA SOY?” ..

¿Cómo fueron tus orígenes en el mundo del espectáculo?…
CON EL TEATRO INDEPENDIENTE DE LOS AÑOS 60-70. PERTENECÍ A VARIOS GRUPOS EN LOS CUALES SE FORJÓ MI CONOCIMIENTO Y COMPROMISO TEATRAL: “LA MÁSCARA” (GIJÓN). Y YA EN MADRID CON “LOS GOLIARDOS”, “EL ESPOLÓN DEL GALLO”, “EL GAYO VALLECANO”…

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director/autor?…
NO CAMBIARÍA NADA DE LO QUE HE HECHO. CREO QUE EN MI CURRICULO VOY AÑADIR “LO QUE NO HE HECHO”. EN LA TRAYECTORIA DE UN PROFESIONAL DEBE DE SER TAN IMPORTANTE LO REALIZADO COMO AQUELLO DE LO QUE TE HAS LIBRADO O NO QUERIDO HACER.

¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
ME ALEGRO QUE ME HAGAS ESTA PREGUNTA PERO NECESITARÍA COMO MÍNIMO DIEZ HOJAS. RESUMIENDO: EDUCAR EN EL CONOCIMIENTO DE LA VIDA. UNA OBRA DE TEATRO SE ENSAYA PERO LA VIDA NO.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?.
SI NO SON LOS RECORTES Y EL IVA SIEMPRE HABRÁ ALGO QUE NOS ESTARÁ PATEANDO. EL ESTADO-AL MENOS EN ESPAÑA- NO AMA NI DEFIENDE EL TEATRO. EL TEATRO ES UN ARMA PELIGROSA. HACE PENSAR. TIENE LA INMEDIATEZ Y LA COMUNICACIÓN DIRECTA QUE NO TIENEN OTRAS ARTES. “LA BOTA QUE NOS PISA SIEMPRE SERÁ LA MISMA BOTA”(…O ALGO PARECIDO…). BERTOLD BRECHT.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
UN MONÓLOGO DE ISABELLA ROSSELLINI SOBRE LA SEXUALIDAD DE LOS ANIMALES. EMOCIONANTE

¿Proyectos?…
EN OCTUBRE (TOCO MADERA…) ESPERO ESTRENAR “LA PRUEBA” DE LUKAS BÂFUSS, PROYECTO CON EL LLEVO DANDO VUELTAS DESDE HACE 2 AÑOS. LUKAS BÂRFUSS ME FASCINA. HEMOS CONSEGUIDO UN DINERITO POR MEDIO CROWFUNDING Y NOS PONEMOS MANOS A LA OBRA.

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RAFA CASTEJÓN: El teatro es un lugar de encuentro y reflexión

rafa¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Pues prácticamente desde que nací estoy en ello.
Mis padres eran actores así que mamé el teatro desde el principio. Dormía en las cestas de la ropa, tomaba la papilla con los técnicos…En las compañías de zarzuela donde mis padres estaban contratados siempre que había un papel de niño lo hacía yo: La revoltosa, Agua, azucarillos y aguardiente, El bateo, La leyenda del beso, y un largo etc. La primera vez que salí a un escenario tenía 4 años. Durante años trabajé en compañías de zarzuela; en la Compañía “Isaac Albéniz” cuyo empresario era Juanjo Seoane y su director Ángel Fdez. Montesinos, en el Teatro Lírico Nacional La Zarzuela cuyo director era Joaquín Deus, combinándolo con mis estudios, hasta la edad de 12 años. Ahí me tomé un respiro de las tablas y me dediqué a estudiar exclusivamente. A los 19 “retomé” la carrera y hasta ahora.

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Di mis pasitos como técnico de iluminación y regidor pero al final me decanté por la interpretación. La cabra tira al monte.

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Un lugar de encuentro y reflexión. Y según el tipo de teatro un arte imprescindible y necesario.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
He cumplido ya las bodas de plata como profesional. 25 años.
Creo que el balance es muy positivo. Tengo mucha suerte de poder vivir exclusivamente de la actuación, que me apasiona. Esto, lamentablemente, no lo pueden decir muchos compañeros en estos momentos tan duros para la profesión. Me siento privilegiado. También reconozco que trabajo muy duro para que esto sea así pero con todo y con eso algunas veces tampoco depende sólo de ti. 
He podido trabajar con directores excelentes: Helena Pimenta, Juan Carlos Corazza, Calixto Bieito, Adolfo Marsillach, mi hermano Jesús Castejón, Tamzin Townsend, Juan Carlos Perez de la Fuente, Emilio Sagi y un largo etc.
He interpretado papeles maravillosos, entre otros: el Marqués de Poza del Don Carlos de Schiller, el Don García de La verdad sospechosa, el Autor de Comedia sin título, Samuel en El niño judío, Carlos en el Método Gronholm, y taaantos otros…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Siempre recuerdo las palabras que les dirige Hamlet a los actores. “…cuyo objeto ha sido y sigue siendo poner un espejo ante la vida; mostrar la faz de la virtud, el semblante del vicio y la forma y carácter de toda época y momento…”

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Desde que en el 2012 entrara a dirigir la compañía Helena Pimenta y me llamara trabajo en la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Una etapa maravillosa con tres exitazos consecutivos y con grandes compañeros de reparto; “La vida es sueño”, “La verdad sospechosa” y “Donde hay agravios no hay celos”.

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¿Cómo surgió tu participación en el montaje de Hambre, locura y genio…?…Háblanos de este trabajo…
Aparte de actor, dentro de la Compañía Teatro de la Reunión, soy productor junto a Juan Carlos Corazza de la misma, así que siempre estamos pensando, dentro de nuestras modestas posibilidades, en textos para poder llevar a escena. Juan Carlos organizó un taller de investigación y creación sobre varias obras cortas de Strindberg en el Centro Cultural Conde Duque, donde en estos momentos Teatro de la Reunión tiene su sede, e invitamos a Antonio Fuentes (el director y programador del Teatro Lara) a ver este trabajo, a Antonio le encantó y nos propuso llevarlo al Lara.
Elegimos dos obras de las cinco con las que estábamos trabajando en ese taller y empezamos la preproducción, producción y explotación de lo que Juan Carlos llamó “Hambre, locura y genio” título genérico que abarca las dos obras “Débito y crédito” (si no me equivoco nunca representada en nuestro país) y “El pelícano”, esta obra mas conocida y representada, del autor sueco mas importante de todos los tiempos.
La temporada en el Off del Lara ha sido un éxito total de crítica y público con el 100% de ocupación y con muchísima gente quedándose en la calle sin entradas.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
No me gusta mucho la palabra método, la verdad. Lo asocio con una especie de rigidez.
Y creo que tiene que ser todo lo contrario. Flexibilidad, movimiento, búsqueda, investigación. Probar de una manera u otra hasta que encuentras la mejor para esa historia y ese personaje. Ser objetivo. Dejar el ego en la puerta de la sala de ensayo. No juzgarte ni juzgar. Alimentar la imaginación. Confianza.
Si se necesita mucho compromiso con el trabajo y con la profesión. Mucho ensayo. En casa, con los compañeros… trabajo, trabajo y trabajo. No decía eso Chejov en Tres hermanas??

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Es la muerte!!
Pero si hay compañías que tienen que suspender su gira por el maldito iva!!!!
Y otras que no pueden ni empezar a trabajar!!
Y los números no le salen al gobierno. Está comprobado que se recauda menos porque desaparece el tejido industrial!! Entonces???? Por qué no lo bajan ya???
A nuestra compañía (16 personas en este momento) nos mata. Llega la hoja de taquilla y es para echarse a llorar!!

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Lamento decirlo pero han sido unos meses de tanto trabajo con “Hambre, locura y genio” y “Donde hay agravios no hay celos” que tengo la sensación de que lo último que vi fue a la Xirgu en Yerma!!!! 🙂

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¿Proyectos?…
La gira de “Donde hay agravios no hay celos” con la CNTC, después….los Dioses dirán…

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Esa: seguir creando!! E intentar que sea con profundidad!!

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Francisco Vidal nos habla de su larga trayectoria como actor y director

vidal¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé en el Teatro Universitario a los 17 años. Gané un premio de interpretación y se marcó mi destino. A los 18 comencé a trabajar con Miguel Narros y William Layton como profesores. Y a los 24 estrenamos “El proceso por lasombra de un burro” de Durretmatt, dirigida por José Carlos Plaza. En 1991 abordé también la dirección con “La isla” de Athol Fuggard. Fué motivado por un bache como actor y ya llevo más de 30 obras. Me apasionan las dos cosas por igual. Pero cuando soy actor me olvido por completo que soy director y me mantengo muy disciplinado.

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¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria como actor, director y pedagogo?…
Ha sido un camino largo y bueno. He tenido la suerte de trabajar mucho y casi siempre en cosas interesantes. He estado siempre aprendiendo y oyendo a muchos a los que admiro. Y poniendo en duda muchas cosas para cambiarlas o reafirmarme. Y en el camino estoy, sigo haciéndolo. Tratando tambien de transmitir mis experiencias…y mis dudas a las generaciones más jóvenes.

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¿Qué diferencia hay para tí del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?
Había mucho trabajo. El público estaba preocupado por la cultura. Por la última obra, por el último libro, la última película. Pero a los jóvenes les costaba mucho entrar en la rueda profesional. Sin embargo hoy se encuentran mejor preparados, son más responsables y buscan la excelencia. En cuanto a directores teníamos a José Luis Alonso, Miguel Narros, Adolfo Marsillach… Y productores con ánimo de riesgo. Estábamos al día de las obras más importantes internacionalmente. Y había muchos autores españoles que estrenaban. Lo peor era la censura, pero se intentaba pasar por encima. Hoy los autores estrenan poco, salvo alguna figura, salvo en las salas alternativas, y el riesgo está limitado a ellas que alimentan los deseos de un teatro distinto.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que teembarcas? ¿Qué te anima a participar en ellos?…
Pueden surgir por muchas razones. Sobre todo por mi creencia de la obra, poque despierte mi emoción o mi humor, o las dos cosas unidas, porque el estilo que más me gusta es la tragicomedia. Porque sea actual, o despierten cosas actuales, pues el teatro como museo no me atrae. Sigo con el equipo posible y la posible financiación. Muy complejo.

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¿Cómo surgió tu participación en Napoles millonaria?…
Siempre he sido un gran admirador de Eduardo de Filippo.Cuando cayó en mis manos la obra me impactó y me divirtió, y desgraciadamente, era muy actual. Había un problema, once actores. Pero no podemos dejar de conocer obras importantes por la extensión de su reparto. Lo más dificil fué conseguir su estilo. Y el trabajo con los actores fué muy gratificante.

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¿En qué proyectos has participado en el último año?…
He participado en TV. Pero en teatro ningún otro.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
He acabado de montar una obra sobre la memoria histórica:
“El valle de los cautivos”. Otra vez con el Teatro del Laberinto, que irá a principios de temporada. Es de un autor nuevo, Pedro Martín Cedillo. Magnífico y con mucha magia. Va a sorprender. También preparo “El zoo de Cristal” de Tennesee Williams para el productor Eduardo Galán y “En manos del enemigo” de José Luis Alonso de Santos para Enrique Salaberría. Tambien me interesa una obra de Noel Coward, “La vida manda”.

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¿Qué obra te hubiera gustado hacer y no pudíste?…
Hay muchas: Rey Lear, Los bandidos, los últimos Arniches; aunque hice “El Sr. Badanas” y miles más. Mi ideal sería que me tocase la lotería y producir 10 obras al año, 5 de las grandes obras internacionales y 5 de autores contemporaneos españoles. Pero me temo que me voy a quedar con las ganas.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. A los proyectos del teatro? Sobre todo a que hay que ir sobre seguro. No caben riesgos. Si el teatro es un negocio limitado, a no ser que tengas un enorme éxito, ahora no hay casi salida.

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¿Qué montaje que hayas visto ultimamente te ha interesado? ¿Por qué?…
“Ahora empiezan las vacaciones” de Strindberg, en La casa de la portera. Por la versión de Paco Bezerra, llena de inteligencia; por su dirección y sus actores. “El duelo” de Chejov, por una compañía procedente de Rusia, por su manejo de la teatralidad y el espacio…Dirección y actores. Y ayer mismo “Dionisio Ridruejo” por la complejidad de la obra de Ignacio Amestoy, que nos habla de una manera adulta, por la dirección de Juan Carlos Perez de la Fuente, su escenografía y expresividad teatralidad y mucho, mucho por los actores. El director de Strindberg es Luis Luque. No nombro a los actores porque son muchos y muy buenos. Todos estan magnificos y se puede ver por Internet.

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¿Alguna sugerencia para seguircreando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Hay que seguir haciendo teatro donde sea y como sea. El público se lo merece y nos necesita. Y nosotros no sabemos vivir sin él.

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DANIEL MURIEL nos habla de sus últimos trabajos para la escena

muriel¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro es vida. Es un arte que muestra otros mundos. Es entretenimiento. Me encanta que el teatro modifique de algún modo al público. Hacerles sentir, reflexionar, reír, que olviden por un momento sus vidas y vivan otras historias. Como actor también disfruto con ese viaje, que varía mucho dependiendo del tipo de función.

¿Qué balance haces de tu trayectoria como actor?…
La verdad es que me siento muy afortunado. Llevo 16 años ya como profesional y vivir de esto ya es un privilegio. He tenido mucha suerte de trabajar con grandes directores de este país, lo que me ha hecho crecer como actor.

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¿Cómo surge el proyecto de Dionisio Ridruejo?…Háblanos de tu personaje…
Conocí a Juan Carlos Pérez de la Fuente hace unos años y siempre quisimos trabajar juntos. Surgió esta posibilidad y no me lo pensé.
Mi personaje es el Capitán Alonso, un miembro de la Unión Militar Democrática, algo que en el año 75 conllevaba la cárcel o algo peor. Por suerte soy hijo de un General y por eso he acabado en este “centro de rehabilitación” militar. El viaje de estar con estos personajes hace que se replantee todo su mundo.

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¿Cómo fue el proceso de creación?…
La obra es muy compleja pero Juan Carlos es un gran director y ha sabido llegar a la esencia de la función con sencillez. Además hemos entrenado cada día baloncesto, canto.. Ha sido muy divertido.

¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tu personaje?…
Hay bastante material de estos militares de la UMD en internet. Fotos, entrevistas.. Sin fijarme en ninguno en particular sí he partido de esos personajes reales para crear a mi Capitán Alonso. Esa parte de investigación del trabajo es muy enriquecedora, muy interesante.

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¿Qué balances haces de tus últimos trabajos como actor en teatro?…Háblanos de ellos…
Ahora mismo estoy haciendo “Los miércoles no existen” de Peris Romano los fines de semana en el Teatro Lara. Una obra muy fresca, muy divertida. Mi personaje es Hugo, un vividor bastante descerebrado. Es una maravilla hacer reír al público durante casi 2 horas.
A la vez estoy los lunes, también en el Lara con “Las heridas del viento” de Juan Carlos Rubio. Una obra intimista, muy poética, con una inmensa Kiti Manver. Una gozada de función que el público disfruta enormemente.

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¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
No tengo ningún método en concreto. Creo que todo esta en el texto, ahí es donde hay que buscar el personaje, escuchar al director para ver qué estamos contando y luego hacer los deberes en casa. Un actor tiene que ser disciplinado.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que está muy bien entretener y hacer que el público desconecte por un rato de sus vidas. Pero el teatro puede y debe ir un poco más allá. Deberíamos hacer reflexionar a la gente con textos inteligentes y dejarles tocados de algún modo. Que las obras perduren en sus cabezas por un tiempo.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
La subida del IVA es algo que tendrán que rectificar, esperemos que pronto, porque es un problema muy grave. Los teatros y los productores están aguantando como pueden pero realmente este es un mundo que da de comer a mucha gente (actores, técnicos, acomodadores..) y cuyos puestos de trabajo peligran. Aparte de que la cultura es nuestro legado a la historia. Si nos cargamos eso…

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¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Siempre hay modos de crear con pocos medios. Sin ir más lejos, “Las heridas del viento” está hecha con 4 focos y 2 sillas. No usamos más. Un buen texto con trabajo y talento. No hace falta más.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Una de las últimas ha sido “El viaje a ninguna parte”, una maravillosa historia sobre el mundo de los cómicos de la legua. Gran montaje. También “Locos por el té” para reírte durante 2 horas.

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¿Proyectos?…
Entre los proyectos que vienen, el que más me apetece es el retome del monólogo que hicimos la temporada pasada “Agonía y éxtasis de Steve Jobs” dirigido por David Serrano. Y que vengan muchos más.

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Ignacio Amestoy nos regala con sus sabias reflexiones sobre el teatro.

igna¿Qué es el teatro para ti?…
Lo que fue para los griegos. Un espacio dentro de nuestra contemporaneidad, en el que el ser humano, representado por un actor, vive una anagnórisis, el reconocimiento de un error, que es contemplado por otro ser humano, el espectador, que participa con su catarsis en el hecho escénico compartido.

¿Por qué escribes teatro?…
Para indagar, a través del teatro, en esa dialéctica entre esos dos polos del hecho escénico, reconocimiento de errores y conexión con el ciudadano, dentro de la contemporaneidad.

¿Qué balance haces de tu larga trayectoria como autor?…
A través de una treintena de obras he procurado indagar con honestidad en unas problemáticas de mi contemporaneidad: la mujer en la encrucijada actual, la violencia en mi País Vasco, la verdad de nuestra historia o la lucha por la felicidad del ser humano. Y ahí sigo.

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¿Cómo surge el proyecto de Dionisio Ridruejo?…
Salvador de Madariaga nos vino a decir que no podremos comprender nunca la trayectoria de hombres honestos como Ridruejo si no indagamos en lo que de verdad ha representado en España su Ejército. Procuré hacer esa indagación.

Háblanos de la obra…
En el ámbito de una residencia de descanso militar, un coronel que compartió la disparatada aventura nazi de la División Azul con Dionisio Ridruejo, vive la muerte de la persona a la que le hubiera gustado imitar en su enfrentamiento con Franco, y llegar a defender la democracia.

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¿Cómo fue el proceso de creación del texto?…
Me interesó enfrentar la vida de ese coronel con el tránsito de Dionisio Ridruejo del fascismo, de la Falange franquista, a la democracia, en su Unión Social Demócrata Española, la USDE. Con la presencia en escena de un joven capitán miembro de la Unión Militar Democrática, una UMD que no ha sido resarcida, si es que lo ha sido, hasta 2009.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que partiste para crear este texto?…
Muchos referentes, fue una de las primeras obras. Intento conjuntar el teatro ritual con el teatro documento. Hay en la obra una pieza oratoria inédita del periodo más fascista de Ridruejo, de 1940 en Valencia, y su discurso del 75, en el hotel Mindanao, antes de morir, en la presentación de la USDE, plenamente democrático. Al recordado Moisés Pérez Coterillo le interesó el intento de “biomecánica” que había en la pieza, de los militares jugando al baloncesto con precisión, o los meticulosos ensayos de cantos gregorianos.

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¿Pudiste seguir el proceso de puesta en escena?…
Hemos de partir del hecho de que esta obra se escribió al pairo del 23-F, hace más de treinta años. Fue editada por Juan Barja, en Akal, en 1983. Luego, por Juan Serraller, en Fundamentos, en 1996. El que Ernesto Caballero la haya programado es todo un compromiso. La producción por parte de Pérez de la Fuente y Rosario Calleja ha sido también todo un compromiso. La interpretación de Ernesto Arias y los demás actores es también todo un compromiso. A esta obra se la ha tenido mucho miedo. Juan Carlos Pérez de la Fuente, que ha hecho un montaje absolutamente fiel, por una parte, y vigorizador, por otra, me tuvo al tanto de sus propósitos. La elección de actores, fundamental, para la puesta en escena, fue compartida. En otras ocasiones, con Geroa, Gasteiz o Távora he estado a pie de obra para conformar los textos, por las problemática –vasca– de los textos. Aquí, Pérez de la Fuente no ha tocado el texto de hace treinta años, que sigue vigente. Incluso, más vigente. Juan Carlos ha sido el director lúcido para este montaje. Lo ritual y lo real, son tesituras que las domina bien, como se vio en montajes como “La fundación”, de Buero, “San Juan”, de Max Aub”, “Cementerio de Automóviles” o su genial “Pelo de tormenta”, de Nieva. En aquella etapa del CDN, que ha sido felizmente seguida por Ernesto Caballero en pro del teatro español.

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¿Qué te motiva o inspira para escribir teatro?…
La realidad. La contemporaneidad. Casi siempre, el buscar la verdad de los personajes, sean históricos o no, en esta España teñida por la mentira.

¿Opinas, como algunos autores, que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
El texto es un pretexto para el hecho escénico. Una vez que lo escribes, que se publique. Y que los recreadores lo hagan en su contemporaneidad. La propiedad del texto es limitada. El autor no debe ser un censor de su obra. Tampoco, mucho menos, un auto-censor. Abunda la autocensura. Ajustándose a lo que se dice como políticamente, socialmente o económicamente “correcto”.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
De búsqueda de la verdad del ser humano. Y de las verdades de nuestro vivir.

¿Cómo ves la autoría teatral en nuestro país en estos momentos?
Abriéndose a esas verdades, sin miedos. Pongamos Alberto San Juan, como ejemplo.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
He visto el montaje de “Dalí versus Picasso”, de Arrabal, realizado también por Juan Carlos Pérez de la Fuente. La última obra de Arrabal en la que ahonda dramáticamente, desde su estética, en las complejas personalidades de Picasso y Dalí. Arrabal, un autor a reivindicar.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del IVA es demoledora no sólo para el teatro sino para toda la cultura. Parece como si el Gobierno de Rajoy se propusiera hundir nuestra cultura. Entre cultura y poder ha de existir una dialéctica. Eliminando a la cultura sólo nos queda el poder. Hay miedo a la cultura. La cuestión es si este hecho es local o global.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Seguir creando, sin miedos.

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¿Proyectos?…
El texto del filósofo Javier Gomá, “Aquiles en el gineceo” me inspiró una obra, “Aquiles tiene un problema”, en la que se habla de la necesidad del compromiso del joven Aquiles, abandonando gineceos, y enfrentándose a su realización sin miedos, aunque esa decisión le cueste la vida. Y he vuelto a una obra que se llama “Sangre de reyes. La reina inglesa de Alfonso XIII”, que sucede a la pieza “Violetas para un Borbón. La reina austriaca de Alfonso XII” –que ya estrené, no sin polémica–, en una tetralogía en la que también entrarían Don Juan y Juan Carlos.

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LUISA MARTÍN nos habla de sus últimos proyectos como actriz.

luisa¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Maravillosos.
Estudié en la RESAD con Angel Gutierrez y el propició la creación de un grupo, nos organizamos y bajo su Direccion comenzamos a trabajar, a viajar. Lo hacíamos todo, fue apasionante y muy instructivo.

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria en teatro?…
Bueno, buenísimo.
He ido muy poco a poco y sin darme cuenta han pasado mas de 30 años.

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¿Qué diferencia hay para ti del teatro que se hacía en tus principios al que se hace hoy en día?…
Al principio era teatro en grupo, ” teatro independiente” ahora ya no tengo que cargar ni descargar, pero la ilusión es la misma o mayor.
En cuanto a lo que se hacía y se hace, siempre hubo de todo y sigue habiendo de todo.

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¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
De muchas maneras, alguien que me conoce, algún amigo, proyectos que le llegan a mi representante etc.
Básicamente me anima el corazón, me dejo llevar por la primera impresión.

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¿Cómo surgió tu participación en EL ARTE DE LA ENTREVISTA?…Háblanos de este proyecto y tu participación en él…
Una mañana de verano me llamó Cuco Afonso, me lo contó, me envió el texto, lo leí y aquí estoy.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
“El show de Kafka” ” Palabra de actriz” en teatro.
“frágiles” , “B&B ” en tv.

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¿Qué proyectos tienes entre manos?…
El lunes estrené B&B y el viernes estreno El Arte de la Entrevista, por ahora esos son mis proyectos.

¿Hay algún proyecto que nunca pudiste realizar y te gustaría?…
No.

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¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mucho, muchísimo, el IVA ha conseguido que la taquilla se redujera un 30% , ellos lo saben, ni siquiera ha salido rentable y en cambio ha hecho desaparecer a muchas compañías y ha mandado a muchos profesionales al paro. No ha sido una buena medida.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ví “Dalí versus Picaso” me encantó, Juan Carlos Perez De la fuente ha hecho un magnifico espectáculo con un texto dificilísimo y los actores están geniales. ( y eso que solo vi un ensayo general)

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¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
¿Quien soy yo para sugerir nada?… Ánimo es lo único que se puede decir.
Al contrario, si pudiera, si valiera, exigiría que los políticos de los que depende la cultura asistan al teatro, vivan de cerca el teatro, conserven el teatro y lo preserven de consideraciones que no hacen mas que dañarlo.

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Orquesta de Señoritas de Juan Carlos Pérez de la Fuente en el Teatro Amaya.

Una versión patria de la obra de Jean Anouilh, que escribió en 1957 y se estrenó en 1962, nos sorprende en el teatro Amaya. La obra se basa en el juego de la apariencia y la realidad en la vida de seis mujeres artistas que, sin embargo, se sienten frustradas.

Pérez de la Fuente quiere evocar en su versión la posguerra española a través del “género frívolo”: las varietés y la verdad es que no nos deja indiferentes. La música recordando a las grandes cupletistas del siglo XX y la escenografía y vestuario forman un conjunto redondo al que Juan Ribó y Víctor Ullate Roche saben sacar muy buen partido a temas como “La Vaselina” o “La Regadera”.  En un ambiente sorprendente por el “reciclado” –construido con envases reciclables- y distendido y aprovechando la inspiración del vestuario de Juan Retana, “el figurinista de las estrellas”  nos sumergimos en el Madrid de los mil placeres en el que el cabaret era el sinónimo de perdición y vicio y en el que se enmascaraban las alegrías y las tristezas.

Hay que destacar también el maquillaje que nos puede recordar a ciertas películas de Bob Fosse y que imprime una especie de patetismo que ayuda al hilo conductor de la obra que se debate entre el llanto y la pluma, mucha pluma.

Luis Mª García.


El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya

El show de Kafka con Luisa Martín en el Teatro Amaya
Versión libre de Ignacio García May sobre Informe para una academia de Franz Kafka
Dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente
Informe para una academia es un bombón tentador para cualquier actor porque permite un buen ejercicio interpretativo, todos los grandes actores han sucumbido a él, pero nunca, que yo sepa, se había interpretado por una actriz, en esta ocasión, además, por una gran actriz de larga trayectoria. La última vez que vimos en nuestros escenarios a Luisa Martín fue como la madre de los Conway, en el anterior montaje de Pérez de la Fuente, allí daba vida a una señora de alta alcurnia con una familia bastante conflictiva…Aquí, en El show de Kafka, da un giro radical como solo las grandes lo realizan y se mete, arriesgando al máximo, en la piel de este simio que ha de dar cuenta de su “civilización” mientras se le cuela por momentos, inevitablemente, el animal que lleva dentro. La propuesta es muy sencilla, este ser “evolucionado” ha sido galardonado y tras recibir el premio por su evolución, es entrevistada sobre su vida actual. Hay un guiño a como se entiende la grandeza hoy en día, ese minuto de gloria miserable conseguido en los medios de comunicación rosa, a sucumbir a la imitación del que consigue todo con el mínimo esfuerzo. Luisa Martín realiza un exquisito trabajo en el que pone su cuerpo al servicio de una mostruosidad de diseño, con un físico marcado por heridas y golpes. Es un placer seguir disfrutando de las actrices funambulistas de nuestra escena, siempre dispuestas a dar el salto más difícil.
Adolfo Simón


Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.

Núria Gallardo hace, en esta entrevista, un recorrido por su ya larga trayectoria.

Aunque parezca mentira… ¿Llevas cuántos años trabajando?…

Muchos, afortunadamente… Empecé a los 8 años en TVE haciendo un “Estudio 1” llamado “Almudena o Historia de sus personajes”. Sumando, sumando casi 37 años trabajando. Y espero que sean muchos más.

Me gustaría que hicieras un recorrido por ese tiempo…y cuéntame tu experiencia en alguno de los proyectos, vale?…

Uff… Sería muy largo pero te puedo decir que he trabajado con directores maravillosos. Desde Pedro Amalio López, Alfredo Castellón o Manolo Gutiérrez Aragón en televisión; Fernando Fernán Gómez en cine; o Jesús Cracio, Lluís Pascual, Calixto Bieito, Juan Carlos Pérez de la Fuente, Amelia Ochandiano, Miguel Narros o José Carlos Plaza en teatro, entre otros.
Mi primer director de teatro fue el maravilloso José Luis Alonso, qué te voy a contar… maestro de maestros… y he trabajado con actores de la talla de José Bódalo, Guillermo Marín, José María Rodero, Carlos Lucena, Manuel Galiana, Carlos Hipólito, Helio Pedregal, Blanca Portillo, Marisa Paredes, Chema Muñoz, Luisa Martín… He tenido y tengo la suerte de trabajar con tres generaciones diferentes: la de mis padres, la mía y la nueva generación.
Siempre que me embarco en un proyecto me entrego con toda el alma. Cada uno de ellos ha tenido su momento, pero lo que sí te puedo decir es que con los años aumenta la responsabilidad y las mariposas en el estómago antes de salir al escenario.
En el periodo de la infancia, el trabajo era para mí algo que se acercaba más al juego; mientras mis amigas jugaban con muñecas yo lo hacía con personajes…; entre los 12 y 14 años esta profesión se definió como lo que más me gustaba hacer en el mundo, mi futuro; fue cuando el teatro entró en mi vida y a partir de entonces empecé a estudiar, a prepararme, a continuar con mi formación hasta ahora….

¿Has tenido la tentación de escribir o dirigir alguna vez?…

Sí, he dirigido en 6 ocasiones y es algo que me apasiona. Y, si tengo la oportunidad, me gustaría seguir haciéndolo.
La última fue “La casa de Bernarda Alba” de F.G.Lorca y antes en Ibiza con producción de Antonio Cantos dirigí “La Ley De La Selva” de Elvira Lindo. Y previamente, “Faustina; Madre De Alejandro Casona” de Pilar Murillo; “Trío De Dos” de Jesús Alonso; “En Todas Las Nubes Hay Un Dragón” de Javier Albalá y “La Soledad Del Actor” de Joaquín Casares.
En cuanto a escribir, ya me gustaría…. Hago mis pinitos con mis niños en el Programa de Voluntariado de Cruz Roja para Centros de Día Infantil escribiendo obritas cortas para fin de curso y Navidad… pero son palabras mayores.

 

¿Qué te hace decidirte a la hora de participar en un proyecto?…

El texto, el personaje, el director, los compañeros… lo que la historia nos quiere contar,… todo un poco. Pero lo más importante es que me enamore del proyecto que se va a crear porque es/será una parte de mi vida durante un tiempo y hay que darlo todo, tengo que estar enamorada… jajaja.
He tenido mucha suerte ya que tanto las obras que me han ofrecido como los directores con los que he trabajado han sido de lujo y con ofertas como éstas es fácil enamorarse…
Además cada una de ellas ha surgido en el momento justo para hacerme seguir creciendo como profesional y como persona.

¿Qué pasa con la televisión y el cine con Núria Gallardo?…

Eso me pregunto yo,….. Y mira que les tiro los tejos… y ellos ni caso!!!
Bromas aparte, supongo que hubo un momento en mi vida en el fui encadenando un montaje tras otro de teatro y cuando me di cuenta ya se habían olvidado de mi. Ya sabes, como decía Fernando Fernán Gómez en “El Viaje a Ninguna Parte”: “¡Si te olvidas de las cosas/gente es fácil que los demás se olviden de ti!” y si yo dejé de aparecer en la pequeña pantalla la gente se olvidó de que seguía estando allí para trabajar…
A pesar de todo, tengo confianza en que reanudemos nuestras relaciones en breve y a algún director se le ocurra salirse de lo habitual y se acuerde de mí.

 

¿En qué medida tiene que ver que tu familia sea de artistas para que te hayas dedicado a este mundo?…

En todas las medidas… Ten en cuenta que, cuando yo era un bebé, los técnicos de las compañías de teatro dónde trabajaban les hacían a mis padres una cunita de madera para que durmiera en el camerino en las giras… Conocía todas las funciones, las veía entre cajas con “Burguitos” el apuntador y, si se descuidaban, me colaba en el escenario para actuar. Con estos antecedentes, creo que estaba abocada a terminar siendo actriz. Lo que sí me remarcaron los dos es que era y es un mundo muy difícil; hay “siempre” poco trabajo, se pasa “hambre”,…. Y todo tipo de cosas para que me desenamorara de mi profesión pero, como ves, aquí estoy.

 

¿Cómo te preparas un personaje?…

Primero empiezo por la obra, qué queremos contar, en qué estilo nos vamos a mover, que significa para nosotros, si es espejo de la realidad de ahora y en qué medida…. Y después abordo el personaje.
Quién es, qué busca, qué quiere, cuáles son sus cualidades, qué le ha llevado a hacer lo que hace… pero desde parámetros simples, fáciles de traducir al entendimiento y de identificar. Después encuentro los puntos comunes desde lo emocional (lo que me acerca y lo que me aleja del personaje) y para todo esto también me dejo llevar por la intuición. Después hay que ir a ensayar el primer día y compartir tu investigación con el equipo de dirección y compañeros y a partir de ahí empezar a crear.
Me gusta la confianza y entrega que hago a la dirección…. Es una pieza clave ya que son mis ojos desde fuera cuando yo estoy sumergida dentro, por eso es muy importante que todos estemos contando la misma historia, el mismo sueño y desde ahí, volar.

¿Qué importancia ha tenido la formación en tu trayectoria?…

Ha sido y es muy importante en mi vida. Desde el año 86/87 que empecé a estudiar en el Laboratorio de William Layton, no he dejado de seguir investigando y formándome…
Creo que es fundamental como profesional y como persona, ya que nosotros creamos a partir de un material sensible como es el “ser humano” que, como la vida misma, está en constante evolución y descubrimiento y cuantas más armas tenga para conocer a mi personaje, más fácil me resultará llegar a su esencia.
Además, es importante que estés en constante estado de actividad porque nunca sabes cuándo te van a llamar para trabajar y como dice mi maestro “Que cuando la inspiración te llegue, te pille trabajando”.

¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país tras los últimos recortes y subida del I.V.A.?…

La subida del I.V.A…. un despropósito, una locura, no creo que se tenga idea de las repercusiones que todo esto va a causar.
La cultura y la educación deberían ser los parámetros con los que se mide la riqueza de un país… y está claro que alguien no estudió esa lección de pequeño.
No sólo va a perjudicar al trabajo del actor, sino al de toda la arquitectura teatral. Ya no se pueden hacer giras/bolos porque los teatros/ayuntamientos no tienen dinero para pagar, no hay apuestas para la formación e investigación (seguro que los recortes acabarán con las pequeñas ayudas a las salas y escuelas), algunos no podrán resistir el envite y tendrán que clausurar sus salas… no me quiero poner catastrófica pero si querían elegir mal de dónde recortar lo han hecho de lujo.
La educación y la cultura son el futuro de un país… ellos mismos deberían saberlo.
Claro que siempre podemos terminar “vendiendo zanahorias”, verdad?
Somos más ingeniosos y seguro que terminaremos saliendo adelante.

¿Qué proyecto tienes entre manos para los próximos meses?…

Pues ahora mismo no tengo nada entre manos. Acabo de participar en un Taller de Investigación teatral con Andrés Lima y salgo con el corazón lleno y el alma inspirada. Y voy a seguir preparándome, evolucionando, creciendo y sorprendiéndome.
Antes del verano realicé un curso de Teatro musical con Carmen Conesa, Concha Milla, Denise Perikidis y Lola Barroso…. Imagínate, ahora estoy descubriendo mi faceta como cantante y, además, continuaré mi formación audiovisual con Macarena Pombo en Central de Cine, investigación teatral con Jose Carlos Plaza,…etc.
Como verás, no me gusta estar quieta… soy hiperactiva,… bueno además de mi voluntariado con mis niños que son mi otra pasión (estoy diplomada en Magisterio Infantil).

 

¿Cuál ha sido la última obra que has visto?¿Qué te pareció?…

He visto “La Vida es Sueño” dirigido por Helena Pimenta e interpretado por Blanca Portillo, Joaquín Notario, Fernando Sansegundo, Marta Poveda, Pepa Pedroche, David Lorente, Rafa Castejón,…etc., y me dejo emocionada.
Yo ya conocía la función (hice Rosaura con Calixto Bieito), pero más allá de la estupenda interpretación y la belleza del montaje, lo que se trasluce es un equipo de gente, unida y de acuerdo en la concepción de una idea y lanzándose al vacío. Las palabras y la acción de Calderón toman forma y llegan al espectador y le tocan con sencillez y profundidad.
Y también he visto a Ana Belén en el Teatro Español haciendo un recital “A los hombres que amé” y estuvo maravillosa, grande, inmensa. De Ana no puedo más que expresar mi admiración ya que soy fan número uno desde que era pequeña. Sería un sueño para mí trabajar algún día con ella.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

No dejar de prepararse y no dejar de hacer. Nosotros estamos en perpetuo estado de crisis. El teatro es un “enfermo moribundo” desde que yo soy consciente de esta profesión pero ahí seguimos.
Si como dice Hamlet “El teatro es espejo de la realidad” la verdad es que ahora tenemos un buen suministro para poder ser su espejo, su crítica, su guía….
El hambre agudiza el ingenio, así que habrá que seguir luchando por lo que creemos, lo que soñamos con ilusión e imaginación y sino…. “venderemos zanahorias”.
Le gusta el teatro? Compre una zanahoria!!
http://www.publico.es/culturas/442245/le-gusta-el-teatro-compre-una-zanahoria


Pedro Villora reflexiona en esta entrevista sobre sus facetas de autor y profesor.

¿Cómo surgió el proyecto del texto tuyo que va a ser estrenado en Italia?, háblame de él…

Durante mi estancia como becario de la Real Academia de España en Roma conocí a varios dramaturgos y directores italianos. Entre otros, vi algún espectáculo de Massimo de Michele, un antiguo colaborador de Giorgio Strehler que había dirigido obras de Genet y Pasolini, precisamente dos de mis referentes. También había dirigido un texto de Rodrigo García. Me preguntó por mis obras, le hablé de varias, y se interesó por “Bésame macho”. Encargó su traducción y meses después, cuando ya había regresado a España, me escribió para decirme que quería montarla. Todo ha sido sorprendentemente sencillo y fácil. Para mí es extraño porque esta obra jamás ha sido estrenada en España y, sin embargo, ha generado artículos y conferencias en Estados Unidos y Alemania, ha representado a España en el Festival de Dramaturgia Europa Contemporánea de Chile, se está componiendo en Francia una ópera usándola como libreto y ahora mismo se está traduciendo al griego para hacerse allí. Y aquí, en cambio, apenas nadie la conoce.

¿Cómo fue tu experiencia en la estancia que hiciste en ROMA?…

La Academia de España en Roma es una institución llena de posibilidades que, por desgracia, lleva demasiados años siendo dirigida por diplomáticos y políticos, y no por artistas con capacidad de gestión. Necesita una auténtica renovación tanto para que pueda volver a integrarse en la vida cultural romana como para que los becarios tengan interlocutores que comprendan los procesos creativos. Pese a ello, la experiencia ha sido maravillosa porque he tenido la oportunidad de conocer bien la que desde hace años es mi ciudad favorita. Me siento mucho más a gusto en entornos antiguos que allí donde se privilegia la actualidad, la modernidad y lo último.

¿Cómo es el teatro en ese país?…

Tan bueno y tan malo como en cualquier otro país de nuestro entorno. He visto teatro clásico sobrecargado de importancia y teatro contemporáneo de fácil provocación, pero también obras hermosísimas. Además he visitado varias escuelas y facultades y he comprobado la gran calidad de los estudios técnicos y de diseño escenográfico. Creo que en ese terreno Italia es un referente.

¿Qué conocimiento tienen ellos de nuestros autores, compañías, directores?…

Casi tan escaso como a la inversa. Si nosotros aún hablamos de Strehler, Ronconi o Pier Luigi Pizzi, ellos han avanzado un poco para llegar a Lluis Pasqual, Calixto Bieito y Álex Rigola. Como compañía, la más conocida es La Fura dels Baus gracias a los montajes de ópera. En cuanto a autores, el páramo tras Lorca y Arrabal apenas da lugar para algún texto de Belbel, Mayorga o Rodrigo García. Eso dentro del ámbito teatral y crítico más especializado. En el entorno académico y universitario es distinto, porque hispanistas y traductores se alían para publicar de vez en cuando antologías de teatro contemporáneo e incluir a gente como López Mozo o Alberto Miralles en los estudios de posgrado.

Vuelves a la RESAD como profesor…¿Qué ha cambiado en tu visión de la pedagogía en este tiempo de pausa que has tenido en las clases?…

Creo que entender la formación como simple desarrollo de las inclinaciones vocacionales da lugar a un conocimiento muy parcial de las potencialidades del individuo. Me gusta la formación global con una gran base teórica que permita no solo hacer lo que se entiende, sino entender lo que se hace. Y se puede cambiar “entender” por “gustar” o “apreciar”. Me parece importante ahondar en lo que aparentemente no le va a uno: lo cómico si se es trágico, lo dramático si se tiende a lo posdramático…

¿Cómo ves el plan de formación de la RESAD a nivel dramaturgico?…

Dramaturgia y Dirección de Escena no son dos carreras distintas, sino la misma con dos recorridos diferentes. El nuevo plan de estudios, originado por el Plan Bolonia, incluye formación en escritura para los directores y en dirección para los dramaturgos. Me parece imprescindible porque, continuando con la pregunta anterior, no creo en las especializaciones en teatro. Todos debemos ser capaces de hacer de todo, aunque luego tengamos nuestras preferencias. En ese sentido, también me parece adecuado que se potencien en los primeros años las técnicas de escritura dramática aunque haya alumnos que tengan mayor interés por lo posdramático. Los ejercicios son fundamentales para conocer los orígenes y ser conscientes de qué renovación se produce con otro tipo de técnicas posteriores.

¿Estás escribiendo algún texto en este momento?¿De qué va?…

Ahora mismo estoy disponible para estudiar encargos. Me gusta trabajar en colaboración con directores o dramaturgos. Pero prefiero no hablar de proyectos no terminados porque igual los dejo en el cajón para siempre.

¿Hay algún proyecto de puesta en escena sobre algún texto tuyo en nuestra ciudad?…

No. Desde que estrené “El juglar del Cid” en el Teatro Alfil no se ha vuelto a hacer nada mío en Madrid. Por eso he decidido producir y dirigir yo mismo mi próximo espectáculo.

¿Qué te pareció la creación del FRINGE MADRID?…

Sólo he visto el trabajo de Marco Calvani, a quien había conocido en Roma, así que no puedo opinar porque no sé cómo se ha organizado el festival ni qué logros artísticos ha obtenido. Por principio, cualquier ayuda a la promoción del teatro alternativo o independiente me interesa.

¿Qué montaje de teatro has visto ultimamente?¿Qué te pareció?…

Dejé de hacer crítica teatral porque no me apetecía escribir sobre cosas que no me gustaban, así que prefiero comentar solo trabajos que me agradan. Me ha encantado “Orquesta de señoritas”, como casi todo lo que hace Juan Carlos Pérez de la Fuente. Solo tuve ocasión de trabajar con él haciéndole la versión de “La vida es sueño”, pero repetiría sin dudarlo porque comparto en buena medida su sentido de la ceremonia.

¿Crees que va a cambiar el panorama teatral tras los recortes y la subida de I.V.A.?…

El panorama teatral debe cambiar siempre tras cualquier circunstancia, y todavía mejor si es él el que logra cambiar las circunstancias. El excesivo dispendio en algunos teatros públicos había llevado a cierto aburguesamiento, con una pretendida modernidad muy domesticada. En ese sentido no me parece mal que se intente trabajar con menos. Ahora bien, el I.V.A. es una cuestión distinta a los recortes, porque el encarecimiento de los costes de producción acarrea una subida al consumidor que seguramente rechazará: nos costará más hacer trabajos para cada vez menos gente, con lo que la oferta tenderá a desaparecer. Dudo mucho que el teatro tenga capacidad para sobrevivir si esta situación se mantiene en el tiempo. Pero confío en que no se mantenga.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…

Como he dicho antes, es precisamente ahora cuando voy a producir un espectáculo por primera vez. Prefiero que la crisis me pille trabajando que no en casa doliéndome de lo difícil que es hacer nada.