Golem de 1927 dentro del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Ambientada en un mundo futurista, donde la tecnología ha evolucionado para trascender los límites del control humano, este espectáculo explora de forma curiosa al hombre y sus máquinas, fusionando la animación artesanal, el stop motion, la interpretación y la música en directo. Una propuesta en la línea personal de la Compañía que insiste en la búsqueda de otro mundo más amable para el individuo. Hay momentos de gran plasticidad.
Adolfo Simón
Danza despojada
Este fin de semana han coincidido en Madrid una serie de espectáculos de danza que tenían como denominador común, la esencialidad, el despojamiento absoluto de cualquier detalle superfluo que distrajese sobre lo que se quería contar y como.
Dentro de Madrid en danza, tres propuestas a cuál más radical y sugerente. En el Teatro de la Abadía se presentó “Tsura” que se traduce como “rostro” o “superficie”. Con esta pieza, que se ha visto por primera vez en España, la compañía OrganWorks se adentró en el concepto de identidad recurriendo al arte y la literatura, en un proyecto que une a la artista visual Midori Harima y a los músicos Masayuki Kagei y Kazunari Abe, maestro del shinobue (flauta japonesa). Sobre el escenario ocho intérpretes desplegaban una hipnótica coreografía que giraba alrededor del elemento simbólico de la máscara, descubriendo un sutil universo de poesía contenida y una fuerte vinculación con las artes escénicas tradicionales japonesas, como el teatro Noh. En la sala roja de los Teatros del Canal, Tragédie, a través de la cual, Olivier Dubois nos enfrentó a un “sentimiento del mundo”. Sobreexpuestos en su desnudez, nueve mujeres y nueve hombres se fundían, produciendo, con el roce de sus acciones y movimientos, un estrépito. Conjurando una forma corporal única y distinta que les despojaba no solo del vestido, sino también de todo su bagaje histórico, sociológico y psicológico. Y en Cuarta Pared, una experiencia única e inolvidable: MatchAtria, una instalación coreográfica multimedia que nos invitaba, a los exclusivos espectadores, a establecer un contacto íntimo con el corazón de la bailarina. El título combina las palabras “matcha” (“té”), en alusión a la ceremonia japonesa del té, y “atria”, el término anatómico para la aurícula, el atrio del corazón. En colaboración con el internacionalmente reconocido artista visual y director de cine Yoshimasa Ishibasi, la bailarina y coreógrafa japonesa Yui Kawaguchi ha diseñado “una ceremonia del corazón”. Sobre el escenario, la artista interaccionaba con proyecciones de vídeo en 3D que configuran paisajes oníricos. Mientras, una herramienta diseñada al efecto permitía a los espectadores sentir los latidos de Kawaguchi en directo, conectando con ella en una experiencia única. MatchAtria permite ver, oír, tocar y experimentar los mundos vibrantes que contiene nuestro cuerpo; más que nunca, es imposible contar lo que se sentía en el patio de butacas.
Y en Teatro Pradillo, un programa doble performático, en la primera pieza, Magdalena Leite & Aníbal Conde nos ofrecieron una sesión de dance sin ningún tipo de elemento externo añadido, los cuerpos desnudos se movían inspirados por una música que solo escuchaban ellos, una deconstrucción músico corporal curiosa y como cierre, en la segunda pieza, Luis Moreno Zamorano empieza su trabajo cuando está saludando al público al final de una supuesta pieza, lo que ocurre a partir de ese momento es el laberinto en el que el artista se sumerge para entender qué ha realizado sobre el escenario, intentando descubrir si sus miedos han sido más poderosos que el deseo de comunicar.
Adolfo Simón
Ética y memoria en los Teatros del Canal de Madrid
El cabaret de los hombres perdidos…
El cabaret de los hombres perdidos está a punto de cerrar. El ruido de una carrera alerta a los personajes que se hallan en el Tatoobar. Un muchacho es perseguido, alcanzado, golpeado. Aun así logra escabullirse y entrar en el cabaré. Todavía no sabe que esa persecución, le ha llevado a una nueva forma de vivir. Dentro le están esperando el Destino, un tatuador y Lullaby, que le curarán las heridas y escenificarán cómo puede ser su futuro. El muchacho quiere ser cantante, pero la oferta que recibe es diferente. Cuando no sabes cómo continuar, cuál debe ser el siguiente paso, cuando la vida te ha maltratado y crees que todo se ha terminado… Atención! lo único que no puedes perder es la esperanza. Todavía quedará un lugar al que puedes acudir: El Cabaret de los Hombres Perdidos. Allí te aguarda el destino, con uno o más caminos a elegir. El amor, lo sórdido, lo bello, lo divertido. El cabaret siempre ha sido el refugio de los perdedores, de los que ya han traspasado los límites…Allí puedes encontrar el cielo o el infierno. Este musical teatral de pequeño formato nos muestra el interior de un local regentado por una especie de Fausto moderno que hace y deshace a su antojo sobre los seres que quedan atrapados en sus redes. Un espectáculo con dosis de provocación y de interacción con el público que asiste a la representación; de algún modo, todos seremos víctimas esa noche de las fauces del Cabaret de los hombre perdidos. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/cabaret-hombres-perdidos/
El príncipe…
El príncipe de Maquiavelo funde textos de las obras más conocidas del autor italiano, dándole voz a un fascinante personaje para demostrarnos que el poder, de cualquier ideología y época, obedece siempre a las mismas reglas, sea cual sea el fin, sean cuales sean los medios. Cinco siglos después, El príncipe sigue siendo objeto de debate… ¿Es un manual escrito para que los gobernantes sepan cómo manejar al pueblo o es un aviso al pueblo acerca de cómo somos manejados por los gobernantes?. La ambigüedad es una constante en la obra y vida de Maquiavelo y no habría que diferenciar la una de la otra. En esta versión teatral de los textos de Maquiavelo, realizada con fino bisturí por Juan Carlos Rubio que también se ha encargado de la puesta en escena, lo que se confirma de nuevo es que Fernando Cayo es uno de los mejores actores de nuestro tiempo y que todavía no ha tenido la oportunidad de encontrar ese personaje que le dé el nivel de popularidad que se merece, para acceder a trabajos de gran proyección. De todos, modos, es una suerte para el público, tener la ocasión de ver a este alquimista de la escena transitar por ella como si fuese su espacio natural. Todo en su trabajo parece fácil pero es de una complejidad increíble. Poco a poco va desgajándose del artificio inicial del personaje para mostrarnos la vulnerabilidad del mismo al final de la pieza. Además, han organizado unos encuentros con políticos para ahondar en lo que plantea éticamente la obra que están siendo muy interesantes.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/el-principe-de-maquiavelo/
La Celia…
Musical homenaje a la vedette hispano-argentina Celia Gámez. En una excepcional recreación de Celia Gámez, Ivanna Rossi hilvana sus éxitos, sus amores y sus escándalos a través de catorce de sus canciones más emblemáticas, entre las que se cuentan Los nardos, La novia de España, Copacabana, El Pichi, El beso y Luna de España. La joven vedette argentina Celia Gámez llegó a Madrid en 1925 con apenas 21 años y merced a un hecho fortuito se convirtió de la noche a la mañana en “La Celia”, estrella absoluta de la revista que reinó en los escenarios de España durante más de 50 años. Emilio Sagi construye un emotivo recuerdo de la memoria de un tiempo que sigue presente en el recuerdo de muchos admiradores de esta famosa y querida cantante. Con unos biombos y unas líneas de bombillas, se recrea no solo una época si no también, la teatralidad de su vida y sobre todo, la de su paso por la escena nacional de la cual, fue estrella durante casi un siglo. Un musical sencillo pero lleno de poesía vivencial y musical.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-celia-musical/#tabs1-reparto
Adolfo Simón
VI Festival de Ensembles en los Teatros del Canal
Más info en: http://www.teatroscanal.com/espectaculo/festival-de-ensembles-vi/
En el ecuador del Viaje al centro de la danza
En el ecuador de este novedoso programa desarrollado en los Teatros del Canal: Viaje al centro de la danza, asistimos a un programa compuesto por cuatro piezas de distinto estilo, mostrando la variedad de formas que hay de enfrentarse a la creación de piezas en proceso. Peter Agardi presentó una propuesta de estilo vanguardista, con una poética abstracta llena de imágenes extrañas y sugerentes a través de la que nos mostró el surgimiento de un ser y la vampirización de este por un nuevo habitante de ese curioso universo. Isaso A. Cano presentó un trabajo con una carga teatral muy potente, un recorrido por la relación de una pareja donde el surrealismo se hacía presente en sus vidas. Mariela Delgado fue la más clásica de todas las piezas presentadas hasta el momento, en esta ocasión, el título tenía aroma shalesperiano: Somos Julieta. Para finalizar, una curiosa coreografía de Lucio Baglivo donde se fusionada el baile popular de verbena con el contemporáneo, una mezcla sugerente que dará mucho que hablar. Al final, todo el público se puso en pie y participó de la fiesta del baile.
Adolfo Simón
Bajo terapia dirigida por Daniel Veronese en los Teatros del Canal
Tres parejas son invitadas a participar de un aparentemente sano esparcimiento terapéutico; un movimiento apenas perceptible de la cotidianeidad. Esta maquinaria dará rienda suelta a confesiones…verdaderas y falsas, difícil de detener. A lo largo de una sesión muy particular, en un espacio concebido especialmente para esta tarea, iremos descubriendo las pequeñas miserias de cada uno de los integrantes de este juego peligroso. El teatro siempre es un espacio para reconocerse en la escena y sobre todo en el patio de butacas. Aquí, sin desvelar lo que ocurre al final y que da un giro sorprendente a la acción, todos vamos sintiendo que en uno u otro momento, nos reconocemos en lo que son o lo que ocultan de sí mismos los personajes. Una pieza de teatro contemporáneo que nos permite disfrutar de las delirantes personalidades y pactos de las parejas participantes, dejando un espacio, no solo para el humor sino también para la reflexión de cómo somos y sentimos en un mundo lleno de verdugos y víctimas cotidianos.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/bajo-terapia/
Adolfo Simón
Paula Quintana en Amarga Dulce dentro del Ciclo «Viaje al centro de la danza» en los Teatros del Canal
Paula Quintana ha abordado en esta pieza creada dentro del laboratorio de lenguajes que está resultando los trabajos realizados en el Área de danza del Canal, un tema complejo en su ejecución, el cruce entre texto y movimiento sin llegar a fusionar totalmente ambos lenguajes. Hay momentos de poética singular y preciosista, acompañados de una música exquisita pero el ritmo decae cuando se interrumpe el juego plástico dancístico por la interpretación pura y dura de un texto que tampoco aporta mucho más que clarificar la idea del personaje al que se homenajea en la pieza.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/viaje-al-centro-de-la-danza/
Adolfo Simón
Tres movimientos de danza
La cartelera de septiembre sigue avanzando a pasos de danza. Esta semana hemos asistido a tres propuestas muy diferentes.
En la sala Lagrada, dentro de Miradas al cuerpo, una pieza de Adriana Henao de Colombia, con el título de La noche oscura del alma; un viaje a lo oscuro y luminoso del pensamiento y el corazón de una mujer.
Y en Viaje al Centro de la danza en los Teatros del Canal dos propuestas de teatro danza, por un lado, Arat de la Compañía De Sangre y Raza, que combinó dos piezas de baile flamenco con un enlace de danza zíngara entre las dos piezas, creando un tríptico curioso y peculiar.
Y una obra llena de apuntes acertados que cuando se reafirme la propuesta en próximas funciones conseguirá inquietar ese juego entre teatralidad realista y danza de espectros alrededor del personaje protagonista: 34-35 de Carmelo Segura Companhia.
Adolfo Simón
Big Boy en la Sala Off del Teatro Lara
Un escenario, dos actores, mucho arte y sudor, mucho sudor. A un ritmo necesariamente frenético, Guantuguan (José Luís Montiel Chaves, Mario Ruz Martínez – en escena – y David Roldán Espejo – técnico – ) nos ponen contra las cuerdas mientras narran-miman la historia de Michael Smith y Jimmy Olsen, dos grandes amigos irlandeses que se ven forzados a probar suerte en la América de la Ley Seca. A cuatro manos, unos tirantes, un chaleco y una gorra, José Luis Montiel y Mario Ruz nos adentran a través de un montón de atmósferas y una larga lista de personajes en el devenir de los protagonistas.
Desde los incesantes 15 minutos que les llevaron a finalistas en el Talent Madrid 2014 de los Teatros del Canal (han sido compañía invitada en la edición de este año), este trabajo ha ido ganando volumen, estructural y técnico. Es significativo indicar que, en su origen, fue un ejercicio de escuela (Escuela Internacional de Teatro Mar Navarro y Andrés Hernández) con el que, como Michael y Jimmy, quisieron probar suerte en el Madrid de la Ley del IVA, LOMCE, Mordaza, (ponga aquí su terrorismo cultural preferido).
Es de agradecer ver este tipo de trabajos en el teatro. Yo diría que es obligatorio conocer el oficio desde esta perspectiva limpia y desnuda del hacer. En un formato diferente al que se suele programar en las salas, se fabrica teatro en esencia, con lo mínimo necesario. Es más, todo lo que se ha ido sumando al Big Boy de cuerpo, voz, gorra y tirantes (¡nada más!) desde la ejemplar autosuficiencia que demostraron en el Talent 2014, en mi purista juicio, subraya la riqueza de trabajo que este portento de artistas es capaz de generar en su lugar, llenando a rebosar el tiempo y el espacio con una mirada o un gesto sin necesidad de nada más.
En tiempos difíciles, es fundamental volver a los orígenes y recordar lo realmente valioso de las cosas, en este caso, del teatro. Y pueden hacerlo gracias a este pequeño gran homenaje al teatro artesano y original, que estará todos los fines de semana de agosto en la Sala Off del Teatro Lara.
Bárbara Nita.
Inseguridad social…y tal de Enrique Viana en los Teatros del Canal
Enrique Viana es un todo terreno del teatro lírico musical, creo que no hay un personaje tan particular en la escena culta de este país. Tiene conocimientos, técnica y experiencia para enfrentarse a cualquier proyecto de envergadura alrededor del bel canto y lo hace, pero también, de vez en cuando, aterriza en los escenarios con travesuras como la de este cabaret lírico-psiquiátrico en el que transita por cuplés, zarzuelas y óperas, dándole a todo un aire fresco, loco y transgresor.
Adolfo Simón
Daisy de Rodrigo García en el Festival de Otoño a Primavera
Tras su revolucionaria Muerte y reencarnación en un cowboy (2010), el siempre interesante y controvertido Rodrigo García visita de nuevo en 2015 el Festival de Otoño a Primavera con su última creación, Daisy que se puede ver este fin de semana en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Con un lenguaje depurado, la escritura de Rodrigo García exalta nuestros miedos y nuestras inercias riéndose de lo que enfada y molesta, con una poesía llena de rabia, tierna y desnuda. A través de sus textos y de su aguda escritura muestra su desconcierto ante lo absurdo del quehacer cotidiano y se afana en derrumbar los muros de las estupideces de una sociedad que considera monstruosa. Su lenguaje escénico mezcla sensaciones que hacen evolucionar con una gracia devastadora sus fieles intérpretes: Juan Loriente y Gonzalo Cunill. En Daisy hay rituales de la masonería de la cucaracha, hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas que interpreta a Beethoven, pero hay también mucho más de lo que, a primera vista, se puede apreciar en escena, todo el poso que el texto logra dejar en la mente y en los sentidos de cada espectador. De nuevo, Rodrigo García establece un pulso con el discurso expresivo y la recepción del público. No improvisa nada, todo lo que parece casual o arbitrario está elegido con precisión milimetrada. Las imágenes potentes y delirantes que nos propone propician que entremos en un estado casi hipnótico, obligándonos a desterrar nuestros prejuicios para sumergirnos en un estado de profunda percepción. La multiplicidad de lenguajes, ya que la palabra es un bisturí con el que abre nuestro cerebro, bombardean nuestros sentidos para hacernos sentir una cucaracha más en ese recipiente sonoro o esa tortuga que mueve el agua sin desplazar una gota del líquido que la rodea…Y así, sentirnos fantasmas en un paraíso inútil.
Adolfo Simón
L´Isola Disabitata de Manuel García en los Teatros del Canal
Por suerte, la ópera ha dejado de ser ese tipo de espectáculo ampuloso y desmedido en todos los sentidos. En los últimos tiempos, cada vez más a menudo, aparecen en la cartelera una serie de propuestas como la que nos ocupa que, además, es denominada: Ópera de salón. En los Teatros del Canal ya hemos tenido ocasión de ver espectáculos de pequeño formato que, gracias a su exquisitez, fomentan un público y experiencias que en los grandes coliseos no son posibles. Esta semana hay un espectáculo delicioso en la Sala Verde; una producción del Teatro Arriaga dirigida por Emilio Sagi… L´Isola Disabitata está basada en un texto del poeta Pietro Metastasio y como bien reza el título, transcurre en una isla; un espacio que siempre ha deparado buenas situaciones teatrales, sin ir más lejos, Shakespeare hace protagonista este lugar en dos de sus obras: La Tempestad y Noche de Reyes. Y es que las islas son espacios que se prestan al espejismo, a construir situaciones donde los personajes pierden la noción del tiempo y el lugar, consiguiendo de este modo que sus verdaderas emociones afloren. Ya saben, este fin de semana de festejos madrileños, puede ser un buen momento para ir a ver ópera de cerca.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/lisola-disabitata-opera/
Adolfo Simón
El Caserio de Guridi en los Teatros del Canal
Arrigorri, la aldea imaginaria de Vizcaya donde el libreto sitúa la acción de El Caserío de Guridi, tiene algo de lugar idílico congelado en el tiempo, donde sabemos que todos los problemas tendrán un final feliz. El Teatro Arriaga ha hecho posible que ese breve instante haya vuelto cuando se cumplen 85 años del estreno de esta zarzuela. La oportunidad de la presentación de este montaje en Madrid se ha convertido en un acontecimiento con entradas agotadas desde el primer día. Una puesta en escena espectacular, digna de cualquier coliseo del bel canto ha conmovido al público madrileño. Imágenes de gran belleza plástica han acompañado a las canciones y escenas de esta recordada obra musical.
Adolfo Simón
La ópera de cuatro notas de Tom Johnson en los Teatros del Canal
La ópera de cuatro notas-Comedia lírica firmada por Tom Johnson ha sido dirigida por Paco Mir para presentarla en la íntima sala verde de los Teatros del Canal. Compuesta exactamente con cuatro notas, hábilmente moldeadas para que parezcan infinitas, son interpretadas por un pianista; el libreto, escrito sin acotaciones, con el fin de que cada director de escena juegue con los cinco personajes que parodian las cinco voces de una ópera: Tenor, barítono, soprano, mezzo y bajo…Se convierte en una excusa para llenar de juego y locura el escenario. Paco Mir nos tiene acostumbrados a llenar de gags las propuestas que dirige, aquí, los cantantes y el pianista se vuelcan en un disparatado mecanismo de entradas y salidas donde dan rienda suelta a su jocosidad, haciendo las delicias del respetable. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-opera-de-cuatro-notas/
Adolfo Simón
Dos peor que uno en los Teatros del Canal
Tras el fulgurante éxito en el National Theatre, en el West End de Londres y en Broadway, llega Dos peor que uno (One man, two guvnors) a los Teatros del Canal, ambientada en una ciudad mafiosa, en los años sesenta. Un pobre chico de suburbio se convierte al mismo tiempo en el criado de dos amos: un gángster y un supercriminal. Los enredos evolucionan entre la commedia dell’arte, el vodevil, la sátira y la improvisación. Esta comedia, dirigida por Alexander Herold con texto de Paco Mir a partir de Arlequín, servidor de dos patrones de Goldoni es un juguete delicioso y disparatado donde el público es protagonista en muchos momentos. La propuesta bebe de una estética camp que funciona muy bien en nuestro imaginario para aceptar la convención sobre unos personajes y situaciones que están al límite de la realidad, rayando el comic. Hay un acierto en las transiciones de las escenas a cargo de un cuarteto musical lleno de chispa e ingenio. El decorado homenajea a las obras del music-hall donde los telones pintados recrean las diferentes localizaciones y se superponen como en un teatrito de guiñol. Los actores están exquisitos en su melodramática actuación que hace más creíble esta locura de personajes-espejo. Y la adaptación del texto a la actualidad tiene grandes aciertos y guiños a nuestra realidad mafiosa. Quedan pocos días y una larga gira, si pueden, no se la pierda. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/dos-peor-que-uno-teatro/
Adolfo Simón
IGNASI VIDAL: El teatro es un bien cultural no solo por su inmenso valor educacional, sino por el extraordinario impulso transformador que supone.
¿Qué es el teatro para ti?…
El único lugar donde tengo la seguridad de que escucho y puedo ser escuchado.
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Verás, si te soy sincero siempre he estado dentro de un teatro. Mi padre era empresario de teatro y mi madre actuó en muchísimas Revistas así que mis inicios no están muy claros si se remontan a mi niñez entrando y saliendo de los camerinos del viejo teatro Apolo de Barcelona o cuando decidí estudiar interpretación.
¿Cómo surgió que escribieses y dirigieses teatro?…
Escribir vino primero. Antes que nada soy lector. Tuve la suerte de tener un maestro que me despertó el interés por leer teatro. A todas horas leía teatro, de todo tipo. Me daba igual el estilo, la cuestión es que adoraba estar tirado en el sofá y leer sin parar. Un día, hace ya muchos años intenté escribir algo. No me gustó lo que hice pero sé que en ese error inicial se encendió en mí la pasión por la escritura. Escribir es, ante todo, tener pelotas y yo las tengo. Es exponer una parte muy íntima de ti, ponerla a la vista de todos, pero lo importante, lo realmente jodido, no es lo que piensen los demás de lo que has escrito sino lo que piensa uno mismo de lo que ha escrito. Por todo esto, escribir es pura necesidad.
Dirigir ha sido una consecuencia de la maduración personal dentro del teatro. Seguramente tenía la necesidad de dejar de pensar en mí, de olvidarme de mi culo y para ello no hay cosa mejor que pensar en un todo fuera de ti, de pensar con una consciencia fuera de tu cuerpo, que planea sobre la escena pendiente de cada pequeño detalle. Sí, dirigir me vino por la necesidad de dejar de ser el centro del universo.
¿Cómo surge el texto de El Plan?…
Hace años pasaba por una pequeña crisis existencial en la que andaba necesitado de encontrarme con mis amigos más queridos. A la vez, en un momento de éxtasis económico allá por el año 2007, veía gente a mi alrededor que no encajaba con el modelo del español de clase media de entonces, un triunfador sin miedo al futuro, que podía comprar casas, coches, vacaciones caras a la otra parte del mundo. Sencillamente me preguntaba quiénes eran aquellos que no podían hacer todas estas cosas. Un día vi una revuelta por el cierre de una fábrica de coches que trasladaba la planta a un país del este y junté todo esto con temas de actualidad. Jugué con los elementos, me divertí y sufrí a la vez y el resultado fue El plan.
Háblanos de la propuesta escénica…
La propuesta escénica actual está condicionada por el espacio en el que exhibimos El plan, La pensión de las pulgas. Es un espacio que le va como un guante al texto pues la acción transcurre en el salón de la casa de uno de los personajes. Pocos elementos pero muy característicos de un hogar en crisis. El elemento vital de la función son los actores y la necesidad del texto de ir a un hiperrealismo que hace que su presencia en escena sea mucho más contundente.
¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No, la idea final, lo que prendió la chispa fue un libro de Eduard Punset que se llama «La mente está en el cerebro». El hecho de que todos en mayor o menor medida suframos algún grado de psicopatía me resultó aterrador. Después me puse a escribir sin parar, sin detenerme, sin mirara a otra parte.
¿Cómo ha sido el proceso de escritura del texto?…
Hace años que escribí El plan. No recuerdo bien cómo fue el proceso salvo que como comentaba una vez empecé a escribir no pude parar hasta el final. Sí recuerdo que al terminar me pasé una temporada preso de la historia que yo mismo había creado.
¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la puesta en escena?…
No exactamente, he descubierto matices que yo mismo no había notado al escribirlo y sobre todo, dirigirlo me ha permitido hacer una especie de revisión, rescribir el texto y eso ha sido maravilloso en el sentido de que me di cuenta de que el teatro, la única razón de ser que tiene, es el de ponerlo en pie sobre las tablas, por mucho que tu obra esté publicada con anterioridad.
¿Qué balances haces de tus últimos trabajos para el teatro?…
Son tan distintos los unos de los otros que… El plan es hasta ahora la mayor satisfacción de mi vida profesional. Creo que en cierto modo me ha salvado artísticamente, puesto que sentía que desde hacía tiempo sólo trabajaba por dinero. Haber dirigido El plan me ha hecho ver que lo mío, a pesar de lo que pensaba, es vocación pura.
¿Cómo ves la creación teatral en estos momentos?…
Como siempre ha sido. Está tan viva como lo estaba antes a pesar del durísimo momento que atravesamos. Yo no paro de ver propuesta alucinantes por doquier.
¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
El de hacernos cambiar el rumbo de la vida. El teatro, más allá del entretenernos, que sin duda lo hace, ha de servir para transformar el mundo en el que vivimos. Esto no es nada nuevo, siempre fue así. Sin el teatro no habría habido cambios profundos en el pasado que ayudaran a progresar a la sociedad. De eso deberían ser más conscientes los que mandan y los políticos en general. El teatro es un bien cultural no solo por su inmenso valor educacional, sino por el extraordinario impulso transformador que supone.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro?…
La subida del IVA a las Artes Escénicas tiene como resultado producciones más austeras que en muchos casos resultan insuficientes para alcanzar el nivel mínimo deseable y no por la falta de talento. El gobierno debería entender que teatro siempre habrá, esté el IVA al 21% o al 298%, siempre habrá, pero el gobierno de un país serio, con aspiraciones de estar en la élite de países influyentes, debe entender que la calidad de las propuesta no depende sólo de la capacidad de artística y el talento de los creadores, también depende de las facilidades que se les dé a éstos para plasmar sus ideas. Se ha castigado injustamente al sector por razones ideológicas. Esto es lo más penoso e intolerable del tema.
Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Crear, nada más que eso. No detenerse y crear.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Lo último que he he visto fue «Por un infierno con fronteras» de Denise Despeyroux. Me pareció una de las cosas más geniales que he visto en teatro en mucho tiempo, con dos actrices sublimes, Carmela Lloret y Sara Torres, dirigidas magistralmente por la propia autora del texto, un texto que conforme lo iba escuchando en boca de las actrices me iba pareciendo más y más genial.
¿Proyectos? El 6 de abril estreno en Los Teatros del Canal otro texto mío titulado «Dignidad». Esta vez como actor, junto con Daniel Muriel dirigidos por Juan José Afonso y si todo va bien después del próximo verano estrenaré mi último texto, «Memoria o desierto» en Madrid, en el que dirigiré a un magnífico trío de actrices. Estoy, a la vez, embarcado en un nuevo texto para la nueva producción de la Fundición Sevilla. Como ves, estoy entretenido.
Cyrano de Bergerac en Los Teatros del Canal
El Festival de Otoño a Primavera nos trae un clásico francés de alto standing. Cyrano, escrito por Edmond Rostand. Una obra que nos habla sobre la vida de Hercule Savinien Cyrano de Bergerac (1619-1655), escrita en 1897 y representada por primera vez con gran éxito y revuelo el 28 de diciembre del mismo año en París, en el Théâtre de la Porte-Saint-Martin.
Todo un lujo para los sentidos en una escenografía contemporánea, despojada de adornos y en el que una especie de monte, que metafóricamente representa esa gran nariz por la que es conocido el personaje, da vida a las andanzas de uno de los primeros dramaturgos y actores franceses que supo afrontar su vida con total libertad y sin perder su orgullo. La dirección de Georges Lavaudant es impecable, destacando la sencillez con la que afronta un texto clásico y la visión contemporánea que le otorga y que hace plantearnos temas tan de actualidad como la libertad personal, la lucha por la supervivencia, el orgullo propio y el saber vivir la vida sin ataduras. Sin duda, su gran as en la manga es el actor principal que interpreta a Cyrano: Patrick Pineau. Un actor muy curtido en la poesía, que hace delicioso oír el verso francés de su boca a pesar de ese postizo que lleva pegado y que nos recuerda a esos versos de Quevedo «erase un hombre a una nariz pegado», y que ha sido la mano derecha del director en muchos montajes. Le acompaña en el papel de Roxanne una estupenda Marie Kauffmann que representa el espíritu luchador de la mujer en una época en la que no se podía permitir el lujo de ser reconocida como persona.
Todo un clásico al estilo de nuestro Don Juan que podemos disfrutar en Los Teatros del Canal todos los amantes de lo galo y que pueden descubrir los que no conocen tanto el francés.
Luis Mª García Grande.
Ne m’oublie pas (Forget me not) de Philippe Genty en los Teatros del Canal
Con Ne m’oublie pas (Forget me not), espectáculo que se ha presentado en los cuatro rincones del mundo desde su estreno en el Teatro de la Ville de París en 1992, Philippe Genty ofrece a su público uno de sus espectáculos más bellos que ha creado. Para esta recreación, Philippe Genty y Mary Underwood emprendieron un intenso trabajo de reescritura y se rodearon de nueve actores de la Escuela de teatro gestual de Verdal en Noruega. Nos ofrece aquí una odisea visual en la que actores y marionetas de tamaño humano se confunden y se mezclan, en los magníficos entornos nórdicos. Magritte es uno de los pintores más interesantes del siglo XX, todos sus cuadros son ensoñaciones, en ellos, los hombres con bombín vuelan por las nubes…Philippe Genty parece haberse inspirado en la obra de este artista para llevar a cabo su espectáculo Ne m´oublie pas, solo que un cuadro es una imagen fija en la que la imaginación del observador ha de dar movimiento a lo allí pintado. Genty, en cambio, da vida a todas esas pesadillas o sueños que recordamos a veces al despertar. Todo fluye en la escena de manera mágica, como si estuviese suspendido en el aire. Lo seres vivos y los inanimados se conjugan magistralmente en este universo imaginario que se desarrolla con asombro ante nuestros ojos. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/ne-moublie-pas-philippe-genty/
Adolfo Simón
Convocatorias y opciones laborales
Cadena Med playa Hoteles esta buscando cantantes/ bailarines con inglés para la incorporación a sus shows.
Se ofrece contrato desde Abril hasta Octubre, manutención, alojamiento y 900 euros/ mes.
Si estas interesado manda tu cv y un vídeo cantando en inglés a la siguiente dirección:
direccion.animacion@medplaya.com
http://www.medplaya.es/
————————-
El Ballet Theater Pforzheim – Director Guido Markowitz – está buscando bailarines profesionales (hombres y mujeres) para la temporada 2015/2016, con fuerte técnica clásica, técnica contemporánea urbana y habilidades de improvisación.
Se prefiere experiencia profesional.
Fecha audición: 28 de febrero de 2015 a las 11.30 horas
Lugar: Teatro de Pforzheim – Am Waisenhausplatz 5 – D-75172 Pforzheim
Para solicitar audición, por favor, envíe su solicitud incluyendo curriculum vitae, fotos y video hasta el 22/02/2015 solamente a: audition.pforzheim@hotmail.de o: Guido Markowitz – c / o teatro Pforzheim – Am Waisenhausplatz 5-75172 Pforzheim
……………………..
La Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Extremadura y el Comité de Redacción de la publicación Parábasis, editada conjuntamente por la ESAD y por la Editora Regional de Extremadura, convocan el I Concurso de Textos Escénicos Parábasis con la finalidad de estimular la creación literaria de textos teatrales y el objetivo de difundirlos y de fomentar su lectura. También es intención de este certamen la promoción desde Extremadura de nuevos valores de la literatura dramática en castellano. Este premio se convocará de manera periódica y paralela a la edición de los diferentes volúmenes de la publicación Parábasis, libro que recogerá, junto con otros trabajos de creación e investigación, los textos premiados y los accésit, si los hubiere.
Más info en: http://esadextremadura.juntaextremadura.net/index.php/galeria/222-i-concurso-de-textos-escenicos-parabasis
……………………….
¿Tienes un proyecto coreográfico?
presentálo en los TEATROS DEL CANAL
Más info en: http://www.teatroscanal.com
La Bella Durmiente de Mats Ek para Les Grands Ballets Canadiens de Montréal en los Teatros del Canal
Les Grands Ballets presentan por primera vez en España, La bella durmiente, acompañado por la música atemporal del legendario Chaikovsky, esta potente creación del coreógrafo sueco Mats Ek ofrece emoción, humor y una trama decididamente moderna. Mats Ek ya es un clásico de la coreografía contemporánea, sus lecturas escénicas de los clásicos es un referente para las nuevas generaciones. En la memoria de todos están muchos de sus emblemáticos trabajos. Ahora, una gran compañía canadiense incluye en su repertorio una de sus piezas más transgresoras. La versión que el coreógrafo ha hecho del cuento traslada a los personajes y las situaciones a un contexto absolutamente actual con la droga como trasfondo. Todo es una espectacular ensoñación en la que una familia trata de educar convenientemente a su hija pero esta, cae en las redes de la seducción y peligros de la gran ciudad. La puesta en escena es sencilla, apenas hay unos elementos en juego, pero delante de esa caja timbrada que son las paredes, un cuerpo de baile joven y muy bien dotado, convierte cada momento de la representación en la cristalización del delirio que ocurre en la mente de la protagonista una vez ha caído en la trampa de la drogadicción. Durante dos horas, la escena muta de mil y una formas, sumergiéndonos en un mundo de plasticidad oscura en busca de la luz. Un placer conocer el trabajo de esta potente formación gracias a la programación de los Teatros del Canal. http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-bella-durmiente-mats-ek-danza/
Adolfo Simón
MIGUEL ÁNGEL BERNA: La danza, como todo en esta vida, tiene que ser vocacional
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?…
Fueron de lo más espontáneo y natural. Un niño que tiene la necesidad de bailar y la posibilidad de hacerlo a través de su tradición.
¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Fueron 17 años dentro del mundo del «folclore» o mejor dicho del «folclorismo «(que nada tiene que ver con la verdadera Tradición) y 21 de búsqueda personal. Un camino muy lento pero muy intenso, con la posibilidad de ser autodidacta y poder buscar mi propio camino.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…¿Qué balance harías?…
La primera Compañía se creó en 1990, con el nombre de «Danza Viva», pero realmente comienza en 1999 cuando se presenta en Madrid, en el Circulo de Bellas Artes, con el espectáculo «RASMIA».Su evolución ha sido tanto musical como dancística. Creo que el hecho real de haber creado un lenguaje personal a través del uso de la castañuela en el dedo corazón y sobre todo el desarrollo de ésta como instrumento coreutico, ha sido un paso muy importante.
El balance es muy positivo aunque todos sabemos que estamos en un país muy difícil,en el cual creo que hay una gran pérdida de nuestra memoria histórica y en consecuencia una gran confusión e ignorancia sobre nuestra identidad, y en consecuencia genera mucha mediocridad y mucha envidia.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
En mi caso sí. He tenido la suerte de que las personas que me acompañan desde siempre hayan estado comprometidas con este trabajo. En lo musical he tenido la suerte de trabajar con grandes artistas tanto en lo profesional como en lo humano, que a veces es más importante. Alberto Artigas es un ejemplo de ello. En lo dancístico trabajar con Manuela Adamo, que entre otras cosas es mi mujer, ha sido clave para poder encontrar todas esas preguntas que nadie me respondía y que han empezado ha contestarse sobre todo a partir del espectáculo «Mediterráneo».
¿Impartes cursos habitualmente?…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
No suelo dar cursos normalmente, aunque ahora es un buen momento para poder dar a conocer este trabajo. Los objetivos son por una parte el mostrar la parte teórica y de recopilación de documentos que ayuden a comprender el porqué de este trabajo. Por otra parte está el desarrollo corporal y técnico de los pasos y el método de tocar las castañuelas en el dedo corazón. Todo basado en la propia experiencia, que en este caso es importantísimo.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
Estoy muy alejado de lo que ocurre en la danza de este país. No me identifico con ningún colectivo en especial.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Creo que es la Naturaleza la verdadera fuente de inspiración que mueve a los artistas. Fuera de ella la única posibilidad es contar nuestras propias miserias, que creo no interesen a nadie. Creo que a estas alturas todavía tenemos muchas preguntas sin contestar, y son precisamente esos temas los que nos interesan.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?… Háblanos de ello…Siempre he concebido el espectáculo como un todo, aunque a veces la gente se empeña en diseccionarlo. Todos somos piezas fundamentales ( bailarines, músicos, cantantes, técnicos, …). Por una parte es muy importante la documentación sobre el tema que vas a tratar y por otra poder aplicar tu propia experiencia real al proyecto. Es difícil hablar del hambre si no sabes realmente lo que es. Es inútil cantar una jota en japonés si no sabes cantarla de verdad en español.
Háblanos del proyecto: Mediterráneo que presentas en los Teatros del Canal…
«Mediterráneo» es una búsqueda, una investigación sobre los orígenes e influencias que ha tenido la Jota con otras culturas a través de la historia, y en ella he encontrado un fuerte nexo de unión con la Tarantella italiana, no sólo en el aspecto coreutico sino en la funcionalidad que han desempeñado los dos bailes en las tradiciones populares, entre las cuales está la función terapéutica, ya que tanto la Jota como la Tarantella, son danzas ligadas a la cura del tarantismo ( Marius Schneider «La danza de espadas y la tarantella» ).
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
A veces es difícil entender ciertas medidas, y esta del iva cultural es una de ellas. En el espectáculo «Mudéjar» hay una palabra importantísima: «el que sobrevivió». Y eso es lo que estamos haciendo, sobrevivir.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Siempre he estado trabajando con propuestas arriesgadas. Para mí no es ninguna novedad.
¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
La danza, como todo en esta vida, tiene que ser vocacional. Cuando empiezas tienes que tener muy claro que es para servirte como crecimiento y desarrollo tanto material como espiritual. El mayor enemigo que tiene un bailarín es uno mismo (incluído el espejo), y es ahí, potenciando tus virtudes y mejorando tus defectos cuando todo empieza a tener un sentido. Uno de los males peores de esta profesión es la envidia y la crítica, y curiosamente todo lo que criticamos es lo que tenemos dentro de nosotros.
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
La pregunta la invertiría directamente.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Mis dos referentes de la danza, han sido españoles. Por una parte Rafael de Córdoba, con quien tuve el privilegio de tomar alguna clase, y Antonio Gades, por la sencillez de su mensaje y lo mal que lo hemos entendido las siguientes generaciones.
¿Proyectos?…
Todos los que me ayuden a crecer como persona y como ser. Mientras sea la Naturaleza la fuente de inspiración, pienso que todo irá bien.
Mediterráneo de Miguel Ángel Berna en los Teatros del Canal
Miguel Ángel Berna y su compañía están seduciendo al público de Madrid con el ritmo impetuoso de la pizzica y la tarantella del sur de Italia, la armonía intrigante de la música popular griega y el encanto de la jota aragonesa. Si hubiera que describir con una palabra este estupendo espectáculo, sería: ELEGANCIA. El creador aragonés ha conseguido una propuesta en la que hay un gran equilibro en la suma del baile, la música, el canto, la luz, el vestuario y sumando todo ello…La atmósfera de ensoñación y ritual que hay desde la primera hasta la última pieza. Todo se va sucediendo con una suavidad que los sentidos agradecen. En el escenario de la sala roja del Canal, se presenta una producción española con una factura a la altura de muchos de los trabajos internacionales que llegan a nuestra cartelera.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/mediterraneo-miguel-angel-berna-danza/
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.