Mark Morris Dance Group en el Teatro Real presenta «L’allegro, il Penseroso ed il Moderato»
Es todo un placer ver a un grupo compacto de bailarines ejecutando una obra con brío y ganas y si es en el Teatro Real y de la Mano de Mark Morris y con orquesta y coro en directo es algo más que supremo.
Morris nos trae una obra neoclásica, en la línea de Béjart, creada con la música de Händel en 1988 en la que se aprecian las reminiscencias de la época en una escenografía minimalista de Adrianne Lobel y un vestuario algo vaporoso para estas épocas pero todo ello elegido con un gusto increíble y muy adecuado para representar lo que se pretende: Una sucesión de estampas basadas en los cuadros de William Blake.
Los bailarines recrean las escenas en un escenario compuesto por marcos y telones lisos que van cambiando constantemente y en el que predomina la importancia de la tonalidad y el conjunto grupal de los bailarines que compondrán cada escena con una ejecución impecable y completamente sincronizada. La evolución de estas tonalidades de tonos apagados y clásicos hacia tonos más coloristas en la segunda parte provoca también una subida en el pulso de la coreografía y por lo tanto una evolución hacia arriba que hace que salgamos con optimismo y ganas de disfrutar de los amigos y de la sociedad en la que vivimos. El hombre como animal social es, en definitiva, lo que nos quiere mostrar Morris.
Una obra «clásica» en la que podemos disfrutar con la presencia de las sopranos Sarah-Jane Brandon y Elizabeth Watts, el tenor James Gilchrist y el bajo Andrew Foster-Williams, quienes, junto al Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real, interpretarán la bella partitura de Händel L’Allegro, il Penseroso ed il Moderato bajo la dirección de la maestra Jane Glover.
Una buenísima elección para el fin de semana. Aprovechen y dense un lujo de los de verdad.
Luis Mª García Grande
Cuentos infantiles de temática homosexual
Una sugerencia para evitar la homofobia…
Nadie es superior o inferior a nadie por el hecho de ser diferente. La diferencia nos hace únicos como seres humanos y eso ya por sí mismo es un valor impagable.
La ONGPOR LA NO DISCRIMINACIÓN es consciente de la escasez de publicaciones dirigidas al público infantil en las que se desarrolle alguna historia que tenga relación con la diversidad sexual, también es consciente de los prejuicios de parte de la sociedad en relacionar ciertos conceptos, como pueden ser “homosexualidad” e “infancia”, por ello pone a disposición de todo el que lo desee, una relación de cuentos infantiles que tratan la diversidad sexual y afectiva y la familia homoparental, de DESCARGAGRATUITA en su página web (ong-nd.org).
ÁLVARO LAVÍN: Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores
¿Cómo surgió Meridional?…
En el verano de 1991, Julio Salvatierra y yo, que estábamos estudiando en la RESAD, nos fuimos a Reggio Emilia a aprender Commedia dell’Arte con Antonio Fava. Allí coincidimos con actores de medio mundo y, al finalizar el curso decidimos con Miguel Seabra (portugués) y Stéfano Filippi (italiano) juntarnos al verano siguiente para iniciar un proceso de trabajo basado en las técnicas que habíamos aprendido. Así surgió nuestro primer espectáculo “Ki fatxiamu noi kui” que significó el pistoletazo de salida para nuestro Teatro Meridional y con el que tuvimos la fortuna de girar por medio mundo.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
No hay una forma establecida de iniciar un proyecto. Cada uno de los montajes ha tenido un inicio particular. Alguno de nosotros tres (Julio Salvatierra, Marina Seresesky o yo) comparte con los otros una inquietud, una idea que le emociona y cuando la rueda empieza a girar ya no hay quien la pare.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Los que me conocen saben de mi naturaleza optimista pero es que ni en el mejor de mis sueños me hubiera imaginado así, trabajando en lo que me apasiona y con una estructura donde poder hacer realidad tantos y tan diferentes proyectos. Me siento enormemente afortunado y no lo oculto. Ahora, trabajo día y noche, te lo puedo asegurar.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Creo que la evolución de Meridional ha ido pareja a nuestro crecimiento como personas. Siempre hemos entendido que la estructura que habíamos creado tenía que estar a nuestro servicio y nunca a la inversa. Eso nos ha dado una enorme libertad a la hora de afrontar nuevos proyectos. Empezamos montando espectáculos gestuales, onomatopéyicos casi, saltamos al teatro de texto, luego comenzamos a producir adaptaciones de autores clásicos, llevamos a escena nuestros propios textos (Julio Salvatierra), iniciamos una rudimentaria experimentación con la imagen en el teatro y hace 6 años, gracias al empuje creativo de Marina Seresesky, empezamos a producir cine. Ojalá que como personas hayamos sabido aprovechar todo lo que estas producciones nos han legado.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Siempre digo que es fundamental rodearte de creadores con tanto talento que te hagan aparecer ante los demás mejor de lo que realmente eres. Sinceramente, me veo así. No solo tengo los mejores compañeros de viaje en Marina Seresesky y Julio Salvatierra, a los que admiro y con quien continuo disfrutando como el primer día, es que durante estos años, han ido acercándose a Meridional una serie de artistas con mucho talento sin los cuales todo este tiempo hubiera sido no solo diferente sino mucho más aburrido. Gente como Luis Perdiguero, Mariano Marín, Tomás Charte, nuestros compañeros Chani Martín, Elvira Cuadrupani, Eugenio Villota, Iván Villanueva, etc, etc
¿Cómo ha influido tener un autor que colabora en los proyectos desde su origen?…
Influye enormemente en todas las etapas de la creación de un nuevo montaje. La dramaturgia y la puesta en escena siempre las hemos entendido como algo de lo que se puede y se debe debatir para mejorarlo. Empezamos con un texto que se va transformando durante los ensayos gracias a las aportaciones y sugerencias del director y de los actores. El trabajo del dramaturgo también consiste en terminar de dar forma a esa transformación y en ayudar a encontrar una manera propia de contar historias.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…
Sin duda alguna. Para nosotros no hay nada mejor para trabajar que la tranquilidad. Y tener nuestro local de ensayos nos ayuda a crear las condiciones necesarias para iniciar cada proceso. Hace años un buen amigo nos aconsejó que buscáramos un lugar donde poder encontrarnos cada vez. Tuvimos suerte en seguir su consejo.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Imagina no tener a nadie que te diga cuando terminar un ensayo o cuando empezarlo. Ese lugar te permite poder acompañar las aportaciones de los actores sin presiones innecesarias. Además de acoger los procesos de trabajo de otras compañías, amigos…
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…
Como director, el tiempo me ha ido enseñando que lo más inteligente es abrir bien las orejas para poder escuchar con claridad lo que los demás piensan y así, mejorar tu trabajo. Y es lo que hago, intentar dar a cada uno su espacio para que se sienta confortable y aporte. Desde luego no siempre lo consigo, claro está. En teatro no existe la fórmula exacta que te permite ser cómplice de todo el mundo.
Cuando hay que tomar una decisión definitiva, esa me corresponde a mi, aún a riesgo de meter la pata hasta el fondo.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Creo que debemos llevar a cabo proyectos que nos ilusionen, que nos sean necesarios, que nos permitan opinar, proponer, independientemente de la situación en la que nos encontremos. Siempre, pero sobre todo en estos momentos de tantas dificultades para toda la sociedad, las gentes que trabajamos en el sector cultural tenemos la “obligación” de utilizar todos nuestros recursos artísticos para intentar mejorar la sociedad en la que vivimos.
¿Cuál ha sido el recorrido del montaje que presentáis en Cuarta Pared?…
“Qfwfq. Una historia del universo” se estrenó, en su primera versión, el año 1999. Ese montaje recorrió toda la geografía española e hizo numerosas giras por Latinoamérica.
Ahora, con este “Qfwfq” revisitado, desde su estreno a final de enero en el Teatro El Castillo de Villafranca del Bierzo, hemos girado ya por la Comunidad de Madrid, Canarias, País Vasco, Valencia y hemos hecho una pequeña temporada en Barcelona.
Para presentar el espectáculo en Madrid siempre pensamos que la Cuarta Pared era el espacio natural para esta función por la complicidad y amistad que tenemos desde hace años con todo el equipo de la sala y porque, como ellos disfrutan tanto con su trabajo, te hacen sentir en casa. Y no hay nada mejor que hacer teatro en casa, rodeado de amigos y “familia”.
¿Tenéis otros espectáculos en repertorio?…
Meridional nación como una compañía de repertorio, viajera. Seguimos representando los espectáculos que continúan emocionándonos. Es verdad que las obligaciones profesionales de cada uno de nosotros son cada vez mayores pero intentamos mantener vivos nuestros trabajos más representativos (“Miguel Hernández” “Calisto. Historia de un personaje” “Negra!”)
¿En gira?…
“Romeo. Versión montesca de la tragedia de Verona” continua su gira por España y en septiembre viaja al Festival Internacional de Teatro de Nuevo León que se celebra en Monterrey, México. Continuamos también representando “Miguel Hernández” y “Qfwfq” viajará pronto por Galicia, Aragón, vamos a Málaga, y de nuevo al País Vasco. Esperamos mantenerlo vivo mucho tiempo.
¿Cómo surgen los trabajos audiovisuales realizados por el equipo de Meridional?…
Desde hace tiempo nos interesa la idea de jugar con las imágenes en nuestros montajes teatrales. Empezamos incluyendo fotografías en “Miguel Hernández”, imágenes en movimiento en “Como ser Leonardo”, películas propias en “La verdadera historia de los hermanos Marx” y cuando hace unos años Marina Seresesky empieza a presentarnos sus guiones de cortometrajes nos entusiasmamos al instante y decidimos producirlos. Sus trabajos han ido teniendo cada vez más proyección hasta el punto de haber sido nominados a los Premios Goya con “La boda”, nuestro último corto. Lo natural era continuar produciendo y en esas estamos. En un futuro próximo rodaremos nuestro primer largometraje de ficción, escrito y dirigido por Marina, titulado “La puerta abierta” y que protagonizarán Carmen Machi, Amparo Baró y Asier Etxeandía.
¿Están conectados con la teatralidad de la Compañía?…
Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores. Todos somos actores, sobre todas las cosas. Trabajamos con un dramaturgo que no solo escribe para nosotros sino que, mientras lo hace, ya sabe qué actor va a interpretar cada uno de sus personajes. Y creo que el trabajo que Marina desarrolla en nuestros proyectos audiovisuales tiene una de sus características principales (aunque no es la única) en la relación que desarrolla con los actores a los que dirige.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…De Meridional o con otras compañías…
En cine, además de “La puerta abierta”, ya casi en fase de preproducción, estamos desarrollando otros tres proyectos de largometraje y una coproducción de un guión ajeno. En breve soñamos con grabar el piloto de un serie para televisión también escrita por Marina.
En teatro estrenaremos una nueva producción en el segundo trimestre del 2015. Un texto original de Julio Salvatierra que seguramente coproduciremos en varias autonomías. También trabajamos en una adaptación del “Rey Lear” que, desde hace un tiempo, queremos producir.
Pondremos todo nuestro empeño en sacar adelante estos proyectos y si no lo conseguimos seguro que sacaremos algo grande del tiempo que les estamos dedicando. Voluntad no va a faltar.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No hay más que ver todas las compañías que se van quedando en el camino. Estructuras de producción artística que además eran una fuente constante de creación de empleo en un sector tan precario como es el nuestro. Por no hablar de todas aquellas que ni siquiera han tenido la oportunidad de nacer.
Con la situación actual es de locos hacer temporadas en ciudades que no sean aquellas de donde son las compañías. El margen de beneficio, si lo había, desapareció con la brutal e insensata subida del IVA. No me explico como los responsables de estas decisiones que se han demostrado erróneas no rectifican inmediatamente para intentar subsanar las enormes consecuencias negativas. Y si en teatro estamos sufriendo, en el cine la situación es catastrófica con las pocas productoras que se atreven a rodar produciendo sus películas en el extranjero donde se sienten mucho más cuidadas y protegidas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Misántropo” de Kamikaze Producciones. Me dejó sin palabras.
PROGRAMA 07: COLLAGE
Del 8 al 11 de julio en Sukaldea de Tabakalera.
El Programa 07 que se realizará del 8 al 11 de julio, toma como referencia la técnica artística de juntar elementos diversos para crear un todo y plantea una reflexión en torno al arte del ensamblaje: desde las vanguardias en blanco y negro hasta el píxel contemporáneo de la era del cut and copy.
Hemos invitado a la programadora audiovisual y artista Gloria Vilches para que comisarie este programa, que se inicia con su personal relato y reflexión sobre la historia del collage y que sigue con un taller donde poner en práctica el arte de las tijeras.
Y de las manos al ojo con dos sesiones de proyección propuestas por Vilches: por un lado cortos experimentales que utilizan la técnica del corta y pega y por otro, un clásico del cine experimental de vanguardia: el largometraje Las margaritas de Vera Chytilová.
El programa lo completamos con la invitación a dos artistas, Azucena Vieites, para que nos cuenten el uso que hacen de la idea de collage en sus trabajos artísticos.
PROGRAMA DETALLADO:
– 8 de julio
Coloquio «Dichosos los ojos, una aproximación al collage»
19:00 en Sukaldea de Tabakalera
Gloria Vilches propone un recorrido personal a través de la historia del collage en papel. En este coloquio, a partir de una profusa selección de imágenes, se tratarán los movimientos artísticos que han empleado este recurso y se expondrán distintas posibilidades técnicas y estilísticas.
– 9-11 de julio
Taller «Perlas finas bien molidas»
10:00-13:00 en Sukaldea de Tabakalera (Inscripción)
Las tres sesiones del taller se dedicarán a la elaboración de collages a partir de una serie de ejercicios prácticos. Se trata de crear un espacio de conocimiento, pero ante todo de trabajar con las manos, para aprender y experimentar con diferentes técnicas y materiales.
– 9 de julio
«Cortes, cortos, cortes: sesión de cortometrajes y collage»
19:00 en Sukaldea de Tabakalera
Isabel Herguera será la invitada a esta proyección para hablar, junto a Gloria Vilches, de su trabajo. En esta sesión proyectaremos cortos de diferentes autores:
·Jamestown Baloos, Robert Breer, 1957, 6 min.
·Science Friction, Stan Vanderbeek, 1959, 10 min.
·Tango, Zbigniew Rybczynski, 1981, 8 min.
·Pony Glass, Lewis Klahr, 1997, 15 min.
·Mountain Trip (Höhenrausch), Siegfried Fruhauf, 1999, 4 min.
·Fast Film, Virgil Widrich, 2003, 14 min.
·Cats Amore, Martha Colburn, 2002, 2’30 min.
·The Action, David Matarasso, 2012, Muda, 3’30 min.
·Spain loves you, Isabel Herguera, 1988, 6 min.
– 10 de julio
Proyección Las Margaritas (Sedmikrásky)
19:00 en Sukaldea de Tabakalera
LAS MARGARITAS (Sedmikrásky), Vera Chytilová, Checoslovaquia, 1966, 74′.
Dos amigas protagonizan una cadena de aventuras alocadas, desafiando las buenas costumbres y dinamitando todo tipo de tabús morales. Se trata de una de las películas más importantes de la «nueva ola» de cine checo de los sesenta y la cinta más destacada de la recientemente fallecida Vera Chytilová. Una joya indiscutible del cine collage.
– 11 de julio
Sesión con Usoa Fullaondo
19:00 en Sukaldea de Tabakalera
Podríamos preguntarnos: ¿Qué fue del collage? ¿Hacia dónde va? ¿Hacia dónde fue? ¿Sigue existiendo? ¿Qué será del collage, en las prácticas contemporáneas?
La artista Usoa Fullaondo expondrá sus procesos de trabajo y su relación con el collage. Fullaondo hablará del collage como metodología en diferentes soportes. Para ello, proyectará imágenes de sus trabajos y alternará con ejemplos y referencias.
Más info en: http://www.tabakalera.eu
ABIERTA CONVOCATORIA DE PROPUESTAS PARA MADFERIA 2015
La XI Edición de MADferia que se celebrará en Madrid del 20 al 23 de enero de 2015 abre la convocatoria para presentar propuestas, la ficha límite de entrega es hasta el 11 de septiembre.
Más info en: https://www.facebook.com/artemad.madrid?fref=nf
Ayudas del Ministerio de Cultura
Ya se encuentran publicadas en nuestra web sendas propuestas de Resolución Provisional de las Ayudas a la danza, la lírica y la música, así como de las Ayudas a la difusión del teatro y del circo y a la comunicación teatral y circense, correspondientes al año 2014.
El plazo para presentar la documentación referida en dichas Resoluciones es de quince días hábiles (del 27 de junio al 14 de julio, ambos inclusive).
El plazo para presentar alegaciones es de diez días hábiles (del 27 de junio al 8 de julio, ambos inclusive).
Todo ello puede consultarlo en el apartado “Concesión provisional” en los siguientes enlaces de nuestra web:
http://www.mcu.es/artesEscenicas/SC/becasAyudasSubvenciones/MusicaDanza2014.html
http://www.mcu.es/artesEscenicas/SC/becasAyudasSubvenciones/TeatroCirco2014.html
23º Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco
El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco es una plataforma de exhibición y concurso de nuevas obras coreográficas, en el género de la Danza Española, que se celebra anualmente en Madrid. El Certamen se fundó en 1992 en el Teatro Albéniz, donde se presentaron diecisiete ediciones hasta el cierre del teatro en 2008. En el año 2012, nació el Premio Suma Flamenca a la Joven Promesa del Flamenco iniciando una relación entre el festival flamenco de la Comunidad de Madrid Suma Flamenca y el Certamen. En esta edición, el Certamen vuelve a sus fechas originales, en verano para integrarse como una extensión del festival Suma Flamenca.
Durante las dos primeras noches se presentan siete obras de creación nuevas, muchas acompañadas por música original, que optan a los premios de coreografía grupal, coreografía de solo, bailarín sobresaliente, música original para danza y más premios.
En la última jornada se presenta la final en que los bailarines y músicos de las piezas finalistas lo dan todo en el escenario ante el jurado y el público. Los artistas invitados, entre lo más destacado del panorama actual del ballet flamenco, actuarán durante la última deliberación del jurado. Finalmente, la entrega de premios es la fiesta anual del mundo de la danza española en Madrid, capital histórico de lo último y más selecto de la danza flamenca.
El Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco se estableció en 1992 con la intención de ofrecer incentivos a un emergente movimiento de nueva creación, en el género de la Danza Española. El Certamen promueve la colaboración entre compositores y coreógrafos, y el alto nivel técnico y artístico de bailarines e intérpretes. Ha contribuido a afianzar el movimiento del nuevo ballet flamenco, otorgando el reconocimiento y prestigio a jóvenes coreógrafos que han arriesgado en líneas de enriquecimiento de la Danza Española. Se han valorado, igualmente, las iniciativas de recuperación e investigación de formas tradicionales, como el nuevo folklore y la Escuela Bolera. Lleva veintidós años apostando por la renovación y la preservación de un arte vivo que evoluciona constantemente y con sana vitalidad.
Las carreras de numerosos creadores y bailarines jóvenes que representan el movimiento de la nueva danza española y ballet flamenco de las últimas generaciones se han lanzado a partir de un éxito en el Certamen. Ha servido como un motor impulsor y catalizador del movimiento de nueva creación en el ballet flamenco. Algunos premiados y participantes en el Certamen han sido Ángel Rojas, Carlos Rodríguez, Adrián Galia, Elvira Andrés, Rafael Amargo, Juan Carlos Lérida, Fernando Romero, Florencio Campo, Antonio Canales, Montse Sánchez, Ramón Baeza, Blanca Lí, Mariano Cruceta, Miguel Ángel Berna, Mayte Bajo, Rafaela Carrasco, Rocío Molina, Antonio Najarro, Carlos Chamorro, Manuel Segovia, Daniel Doña, Sara Calero, Nani Paños, Gemma Morado, Rubén Olmo, Olga Pericet, Selene Muñoz, Jonathan Miró, Manuel Liñán, Miguel Ángel Corbacho, Adrián Santana, Guadalupe Torres, Nino de los Reyes, Jesús Carmona, José Maldonado y muchos más. Todos estos jóvenes coreógrafos se presentaron al Certamen en un momento ascendente de sus carreras. Ahora son nombres conocidos dentro y fuera de España y forman parte de las carteleras de festivales como Suma Flamenca, el Festival de Jerez, la Bienal de Sevilla y los más importantes festivales de flamenco internacionales como Flamenco Festival New York y Flamenco Festival London. Bailarines y coreógrafos premiados en el Certamen llenan los teatros City Center de Nueva York, Sadler’s Wells de Londres y el Teatro Stanislavski de Moscú.
Para 2014 se propone repartir premios económicos, además de otros premios de colaboración, la mayoría que conllevan contratos remunerados y un cachet-ayuda a todas las coreografías seleccionadas.
- Primer Premio de Coreografía
- Segundo Premio de Coreografía
- Primer Premio a una Coreografía de Solo
- Segundo Premio a una Coreografía de Solo
- Premio Fundación AISGE a un/a Bailarín/a Sobresaliente
- Premio a una Composición de Música Original para Danza Española
- Premio Suma Flamenca a la joven promesa del flamenco. La coreografía ganadora será programada, con cachet, en el Festival Suma Flamenca de 2015
- Premio Ballet Nacional de España. Un bailarín será invitado a hacer una residencia en el BNE, durante un período de entre una semana y un mes.
- Premio Conservatorio Superior de Danza de Madrid. Un coreógrafo será contratado, con remuneración, para montar su pieza en el taller de alumnos.
- Premio Universidad Europea de Madrid. El premio consiste en la contratación remunerada para montar una coreografía en el taller de danza UEM (Grado en Ciencias de la Danza) en 2014 o 2015.
- Premio Flamenco Vivo Carlota Santana Nueva York*.Consiste en un encargo remunerado a un coreógrafo para montar una coreografía en Nueva York en 2015
- Premio de diseño de Vestuario
(*) Premio de nueva creación para la compañía de danza española más arraigada y activa en los Estados Unidos, Flamenco Vivo Carlota Santana. El premio incluye un honorario por la creación, viaje a Nueva York, residencia de 7-10 días, con alojamiento y dietas incluidos. El coreógrafo tendrá la oportunidad de conectar e interactuar con la comunidad dancística de Nueva York, y participar en varias actividades. La coreografía de encargo formará parte del repertorio de Flamenco Vivo, y el coreógrafo recibirá mención como el creador. Flamenco Vivo mantiene una temporada anual en el Joyce Theatre de Nueva York además de tener extensas giras por todo el territorio de Estados Unidos.www.flamenco-vivo.org
Buscando a Carmen en Sevilla
En estos tiempos en que todo va tan deprisa, en los que se emplea la palabra investigación o proceso alegremente, es una oportunidad única la que ha propiciado la SGAE para que un grupo de profesionales de la danza, la música, el audiovisual y las artes escénicas nos encontremos en una ciudad como Sevilla para nutrirnos de especialistas sobre el mito de Carmen como son Luis Francisco Martínez Montiel o José Manuel Rodríguez Gordillo y que, por la tarde, nos encontremos en sesiones de trabajo práctico con creadores como Teresa Nieto, Antonio Álamo, David del Puerto o Pablo Berger. El viaje no ha hecho nada más que empezar, solo llevamos dos sesiones, pero ya se huele el perfume de Carmen en el aire.
Adolfo Simón
Exposiciones de interés
Consultar la web de:
Museo Centro de Arte Reina Sofía
Fundación Telefónica de Madrid
Fundaciò Antoni Tapies de Barcelona
Festivales, convocatorias y ciclos
Consultar la web de:
Artescena, Festival Internacional de Nuevos Lenguajes Escénicos de Ávila
XXXII Semana de Teatro de Pola de Siero
Óperas Primas VIII Edición – Convocatoria abierta
Jornadas pop en el Thyssen
3 días con especialistas para hablar sobre los grandes mitos del arte pop: Warhol, Lichtenstein, Hamilton, Equipo Crónica…
Del 9 al 11 de julio. Museo Thyssen Bornemisza. Madrid
Con motivo de la exposición Mitos del pop (que se puede visitar hasta el 15 de septiembre), se celebran estas Jornadas pop en el salón de actos del Museo Thyssen. A lo largo de tres días (9, 10 y 11 de julio), especialistas en diferentes materias acercarán a los asistentes a los últimos estudios críticos que han abierto nuevos caminos de interpretación del arte pop.
La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la alta y la baja cultura e inauguró un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético que se ha prolongado hasta nuestros días.
Participan Guillermo Solana, Paloma Alarcó, Thomas Crow, Estrella de Diego, Rafa Cervera, Francisco Calvo Serraller, Tomás Llorens, Valeriano Bozal, Bernardo Pinto de Almeida y el artista Darío Villaba.
Jornadas pop
9 / 10 / 11 julio 2014
Lugar
Salón de actos del Museo Thyssen-Bornemisza.
Fechas y horarios
9 de julio de 15:30 a 18:30 h.
10 de julio de 09:00 a 18:30 h.
11 de julio de 09:00 a 14:00 h.
Precio
Estudiantes: 30 €
Amigos del Museo: 50 €
Público general: 60 €
Información y matrícula
A partir del 23 de junio:
Programación especial del Orgullo en Nave 73
Madrid está de celebración esta semana y en Nave 73 queremos sumarnos a la reivindicación “por quienes no pueden” con una programación Especial Orgullo que tendrá lugar los próximos días 3, 4 y 5 de julio.
Más info en la web de Nave 73
Pia Tedesco: “Crear es una necesidad inherente al hombre.»
¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé a estudiar en el Instituto, hicimos algunas cositas, fuimos a un festival…
Me encantaba ver teatro. Una de las cosas que más recuerdo es una versión de “Don Gil de las Calzas Verdes” en el Teatro San Martín de Buenos Aires. Yo era muy pequeña y esa puesta en escena me dejó fascinada. Todavía puedo tararear la melodía que cantaban al final de la función.
Luego estudié con varios y buenos profesores, hasta que llegué al estudio de la (norte) americana Joy Morris que acababa de llegar a Argentina de la mano de Leonardo Sbaraglia. Él, fascinado, le había organizado un workshop en la ciudad. Estudiando con ella, encontré mi fortaleza para el escenario. Luego trabajé para ella tres años y pude asistir a todos sus cursos, talleres y seminarios durante ese tiempo (unos cinco días a la semana, y las clases duraban de catro a ocho horas, según el formato).
Lo primero hice fue un musical bastante raro (jjj) y luego empecé a hacer teatro independiente, o clásicos y a montar mis propias cositas en Buenos Aires.
¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
El balance es muy positivo. Excelente.
Hubo muchos “desvíos” en el camino, pero fueron, en realidad momentos de aprendizaje que ahora me lo dan todo. Cada cosa extraña que he probado me ha servido para convertirme en este personaje que bebe de infinitas fuentes y se expresa a través de distintas disciplinas.
Me encanta trabajar para otros, y, sin embargo, puedo montar y dirigir espectáculos. Eso me hace muy libre, y cada vez que decido servir al proyecto de otro, lo hago con entrega y cariño, porque sé lo que cuesta crear algo desde cero.
Seré siempre aprendiz. Eso me encanta. Y, poco a poco, también soy cada vez más maestra en ciertas cosas.
El balance es positivo, muy positivo. Amo lo que hago.
¿Qué sentido ha de tener el teatro para la sociedad en la que vivimos?..
Hay que hacer teatro como quien vive:
Uno vive, porque siente deseos de vivir, y después le buscas la explicación.
El primer sentido, lo encuentro para mí misma.
Hay una frase de Picasso que me impactó mucho: “El arte es una mentira que nos acerca a la verdad”.
Como artistas, transformamos nuestros propios fantasmas en amigos, hablamos de ellos como si fueran los de otro. Hacemos humor donde hay dolor. Ponemos la lupa en cosas diminutas… creamos un mundo paralelo en el que tratamos las verdades, las procesamos, las convertimos en la única verdad del momento. Y, así, somos capaces de enfrentarnos, función tras función a hechos con los que nos costaría mucho más relacionarnos si no fuese porque el teatro rodea todo de magia.
De la misma manera, y muchas veces sin quererlo, acercamos al público a esas mismas cosas a las que no le dedicaría más de un pensamiento, si no estuviesen rodeadas de esa magia del teatro, si no fuesen el conflicto de un personaje al que queremos, o si no se oyesen a través de una música preciosa.
Es decir, el teatro, tiene la capacidad (aunque siempre depende de quien esté en la butaca, suelo, silla o cojín, que no todo son teatros a la italiana) de enfrentarnos por propia voluntad, a realidades que a veces evitamos o que se nos escapan.
El sentido del teatro es hablar de lo que no se habla, mostrar lo que no se muestra. Poner la lupa donde interesa. Despertar la imaginación, provocar, inspirar.
El teatro funciona muchas veces como la expresión del inconciente colectivo. Y eso es muy grande.
¿Cómo surgen las ideas y los proyectos en los que te embarcas?¿Qué te anima a participar en ellos?…
Siempre, siempre son proyectos en los que siento que tengo algo que decir, que aportar. Ya sean míos, compartidos o de otros.
Me anima a participar en un proyecto, como te decía, el hecho de sentir que lo que se cuenta o cómo se lo cuenta, vibra con alguna cuerda de mi instrumento personal.
Otra de las cosas que me atraen son los desafíos, las ideas descabelladas (tengo bastante trayectoria embarcándome en cosas ‘imposibles’ que finalmente han resultado exitosas – o no!).
Y algo más que me seduce es el colaborar con gente con la que me siento orgullosa y feliz de trabajar (pueden ser distintos los motivos: admiración, cariño, respeto…).
¿Cómo surgió el cabaret que presentarás en TEATRO del BARRIO…?…Háblanos de este proyecto y tu trabajo en él…
“Bordeaux, Historias de Cabaret” es una maravilla de criatura.
Es divertido, original. Tiene música, tiene teatro.
Tiene las proyecciones de Eponine Franckx, y una banda de músicos en directo que es una maravilla.
Investigué sobre canciones de cabaret de todos los tiempos y varios continentes y me quedé con lo más divertido y especial que encontré. Luego traduje casi todas las letras (son una maravilla y merecen ser traducidas con cariño y comprendidas al instante por el espectador).
Cada canción es muy potente en sí misma. Tanto por los arreglos como por los textos.
Una vez, después de dar un concierto, me dijeron algo que cambió mi vida. “Cantas muy bien todas estas canciones, pero es un camino ya recorrido. Lo que hay que hacer es algo que nadie más pueda hacer”.
Y dejé de buscar tanto en lo que otros hacían. De hecho, hace cinco años, cuando empecé a hacer cabaret en España, había muy poquita gente que lo hiciera, y mucha menos gente que lo hiciera con respeto o calidad. La gente de “La vi e bel” es excelente, o el cabaret que montaron Jorge Usón y Carmen Barrantes con las canciones de Boris Vian… Pero en general se confunde el Cabaret con el circo o el vodevil.
Porque lo único que nadie puede hacer es lo que uno es: una mezcla única de experiencias y conocimientos.
Cada cual tiene esa receta maestra en su esencia, y me dediqué a buscar la mía. Canto canciones de otros, y canciones mías. Digo textos de otros y textos míos. Genero mi propio imaginario que bebe de muchos imaginarios. Pero todo lo paso por mi “émbolo transformador”.
¿Cómo preparas los personajes?¿Tienes algún método?…
Ahora, con “Bordeaux, Historias de Cabaret” son casi todo canciones.
Y cada canción la trato como si de un monólogo o escena se tratase. En realidad son eso: pequeñas obras dramáticas de corta duración, en las que, además, cantas.
Suelo trabajar un personaje para todo el espectáculo y luego afinar cada escena.
He trabajado con maestros que buscaban desde fuera hacia adentro y al revés, también. Combino todo a lo que he tenido acceso, cada momento, cada día, cada desafío es distinto e investigo hasta que doy con la esencia que quiero transmitiry luego busco los medios para hacerlo: desde el pasado del personaje, imágenes, vestuario… Pero sobre todo trabajo el aquí y ahora. En un escenario no hay nada más que la verdad que sucede momento a momento, y de ella me nutro para devolverla transformada.
¿En qué proyectos has participado durante el último año?…
Este año he estado en varias cosas interesantes.
Como cantante he participado en el próximo disco de Víctor Coyote, que, ya os lo aviso, es genial.
He estado actuando en Argentina por primera vez desde que vine a vivir a Madrid y compartí escenario con gente fabulosa.
Estoy componiendo canciones para mi próximo disco.
He actuado en la gala de los Premios Max rodeada de unos artistazos enormes y dirigida por Mariano de Paco, que es uno de los directores con más carisma que conozco.
Hemos celebrado la Sexta Edición del CABARET FLOTANTE, una fiesta que ha nacido de la unión de imaginarios entre Raúl Márquez (violinista único de jazz y flamenco) y yo. El Cabaret Flotante es uno de los eventos más bonitos que te puedas imaginar (buscad fotos en las redes y lo comprobaréis): una Cabaret Jam Session en Barcas que organizamos anualmente en la Casa de Campo de Madrid, en la que todo tipo de disciplina artística es bienvenida, y pronto se hará en más sitios.
He seguido con las funciones de “Bordeaux, Historias de Cabaret”.
He retomado la enseñanza del canto, así que tengo varios alumnos.
Y algunas cosillas más por ahí!.
¿Qué proyectos tienes entre manos?…
Ufff! Jajaja! Bastantes. Dos o tres, que son muchos!
Aunque prefiero mostrarlos cuando esos “niños” hablen por sí mismos. Hay cosas potentes gestándose.
Por lo pronto, el “Cabaret Flotante” crece, e inspira a muchos de nosotros para trabajar en ello.
Sigo haciendo teatro y musiquita.
¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Los recortes son sólo un reflejo de la política cultural que se lleva adelante.
Las prioridades de una nación deberían ser educación, salud y cultura. Eso, si te interesa crear una nación fuerte y pensante.
Si lo que se quiere es devaluar el valor de la vida creando miedo, y minando la moral, si lo que se hace es alejar a las personas del conocimiento, es porque en vez de buscar guiar a un pueblo fuerte, lo que se busca es dominar a un pueblo débil desde el temor.
Y nuestros gobiernos son sólo el reflejo de lo que apoyamos a pequeña escala. Cuando dejemos de creer que el dinero lo es todo, dejarán de dominarnos desde el dinero, desde las hipotecas, desde los pequeños o grandes sobornos.
Así que más vale que leamos, aprendamos y amemos: son las mayores rebeliones posibles ante la mediocridad.
La falta de amor te vuelve indiferente ante el sufrimiento de otros.
Foto: José Luis Castelló Ramo
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Ahora mismo: La Ópera del Malandro. En el Centro Cultural de la Villa.
Artistas talentosos en escena, un libro basado en la “Ópera de los tres peniques” de Brecht.
Un tema interesante: el pez que se muerde la cola.
Una sociedad que se estafa y se roba a sí misma constantemente, y es tan ciega que cree que la culpa la tienen los demás.
¿Alguna sugerencia para seguir creando y haciendo teatro en tiempos de crisis?…
Crear es una necesidad inherente al hombre.
Quien renuncia a crear, renuncia a su alma. Crear de la manera que sea.
Debes contar lo que necesites contar, con los medios con los que cuentes ahora. Más adelante serás otro, serás mejor, serás más rico o más reconocido, o no estarás. Crear en el presente es lo único que tienes y lo que te hace artista.
Todo es teatro: Desde bailar frente a un fuego para otros hasta actuar en el Teatro Real dirigido por Bob Wilson.
Lo relevante es la importancia que le des. Y eso te lleva a donde tienes que estar.
Arrancan los Festivales de verano en España-I
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Y vive unas vacaciones escénicas.
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Que Revienten los Artistas 
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