ÁLVARO LAVÍN: Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores
¿Cómo surgió Meridional?…
En el verano de 1991, Julio Salvatierra y yo, que estábamos estudiando en la RESAD, nos fuimos a Reggio Emilia a aprender Commedia dell’Arte con Antonio Fava. Allí coincidimos con actores de medio mundo y, al finalizar el curso decidimos con Miguel Seabra (portugués) y Stéfano Filippi (italiano) juntarnos al verano siguiente para iniciar un proceso de trabajo basado en las técnicas que habíamos aprendido. Así surgió nuestro primer espectáculo “Ki fatxiamu noi kui” que significó el pistoletazo de salida para nuestro Teatro Meridional y con el que tuvimos la fortuna de girar por medio mundo.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
No hay una forma establecida de iniciar un proyecto. Cada uno de los montajes ha tenido un inicio particular. Alguno de nosotros tres (Julio Salvatierra, Marina Seresesky o yo) comparte con los otros una inquietud, una idea que le emociona y cuando la rueda empieza a girar ya no hay quien la pare.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…
Los que me conocen saben de mi naturaleza optimista pero es que ni en el mejor de mis sueños me hubiera imaginado así, trabajando en lo que me apasiona y con una estructura donde poder hacer realidad tantos y tan diferentes proyectos. Me siento enormemente afortunado y no lo oculto. Ahora, trabajo día y noche, te lo puedo asegurar.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
Creo que la evolución de Meridional ha ido pareja a nuestro crecimiento como personas. Siempre hemos entendido que la estructura que habíamos creado tenía que estar a nuestro servicio y nunca a la inversa. Eso nos ha dado una enorme libertad a la hora de afrontar nuevos proyectos. Empezamos montando espectáculos gestuales, onomatopéyicos casi, saltamos al teatro de texto, luego comenzamos a producir adaptaciones de autores clásicos, llevamos a escena nuestros propios textos (Julio Salvatierra), iniciamos una rudimentaria experimentación con la imagen en el teatro y hace 6 años, gracias al empuje creativo de Marina Seresesky, empezamos a producir cine. Ojalá que como personas hayamos sabido aprovechar todo lo que estas producciones nos han legado.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Siempre digo que es fundamental rodearte de creadores con tanto talento que te hagan aparecer ante los demás mejor de lo que realmente eres. Sinceramente, me veo así. No solo tengo los mejores compañeros de viaje en Marina Seresesky y Julio Salvatierra, a los que admiro y con quien continuo disfrutando como el primer día, es que durante estos años, han ido acercándose a Meridional una serie de artistas con mucho talento sin los cuales todo este tiempo hubiera sido no solo diferente sino mucho más aburrido. Gente como Luis Perdiguero, Mariano Marín, Tomás Charte, nuestros compañeros Chani Martín, Elvira Cuadrupani, Eugenio Villota, Iván Villanueva, etc, etc
¿Cómo ha influido tener un autor que colabora en los proyectos desde su origen?…
Influye enormemente en todas las etapas de la creación de un nuevo montaje. La dramaturgia y la puesta en escena siempre las hemos entendido como algo de lo que se puede y se debe debatir para mejorarlo. Empezamos con un texto que se va transformando durante los ensayos gracias a las aportaciones y sugerencias del director y de los actores. El trabajo del dramaturgo también consiste en terminar de dar forma a esa transformación y en ayudar a encontrar una manera propia de contar historias.
¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…
Sin duda alguna. Para nosotros no hay nada mejor para trabajar que la tranquilidad. Y tener nuestro local de ensayos nos ayuda a crear las condiciones necesarias para iniciar cada proceso. Hace años un buen amigo nos aconsejó que buscáramos un lugar donde poder encontrarnos cada vez. Tuvimos suerte en seguir su consejo.
¿Se trabaja así con menos presión?…
Imagina no tener a nadie que te diga cuando terminar un ensayo o cuando empezarlo. Ese lugar te permite poder acompañar las aportaciones de los actores sin presiones innecesarias. Además de acoger los procesos de trabajo de otras compañías, amigos…
¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…
Como director, el tiempo me ha ido enseñando que lo más inteligente es abrir bien las orejas para poder escuchar con claridad lo que los demás piensan y así, mejorar tu trabajo. Y es lo que hago, intentar dar a cada uno su espacio para que se sienta confortable y aporte. Desde luego no siempre lo consigo, claro está. En teatro no existe la fórmula exacta que te permite ser cómplice de todo el mundo.
Cuando hay que tomar una decisión definitiva, esa me corresponde a mi, aún a riesgo de meter la pata hasta el fondo.
¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Creo que debemos llevar a cabo proyectos que nos ilusionen, que nos sean necesarios, que nos permitan opinar, proponer, independientemente de la situación en la que nos encontremos. Siempre, pero sobre todo en estos momentos de tantas dificultades para toda la sociedad, las gentes que trabajamos en el sector cultural tenemos la “obligación” de utilizar todos nuestros recursos artísticos para intentar mejorar la sociedad en la que vivimos.
¿Cuál ha sido el recorrido del montaje que presentáis en Cuarta Pared?…
“Qfwfq. Una historia del universo” se estrenó, en su primera versión, el año 1999. Ese montaje recorrió toda la geografía española e hizo numerosas giras por Latinoamérica.
Ahora, con este “Qfwfq” revisitado, desde su estreno a final de enero en el Teatro El Castillo de Villafranca del Bierzo, hemos girado ya por la Comunidad de Madrid, Canarias, País Vasco, Valencia y hemos hecho una pequeña temporada en Barcelona.
Para presentar el espectáculo en Madrid siempre pensamos que la Cuarta Pared era el espacio natural para esta función por la complicidad y amistad que tenemos desde hace años con todo el equipo de la sala y porque, como ellos disfrutan tanto con su trabajo, te hacen sentir en casa. Y no hay nada mejor que hacer teatro en casa, rodeado de amigos y “familia”.
¿Tenéis otros espectáculos en repertorio?…
Meridional nación como una compañía de repertorio, viajera. Seguimos representando los espectáculos que continúan emocionándonos. Es verdad que las obligaciones profesionales de cada uno de nosotros son cada vez mayores pero intentamos mantener vivos nuestros trabajos más representativos (“Miguel Hernández” “Calisto. Historia de un personaje” “Negra!”)
¿En gira?…
“Romeo. Versión montesca de la tragedia de Verona” continua su gira por España y en septiembre viaja al Festival Internacional de Teatro de Nuevo León que se celebra en Monterrey, México. Continuamos también representando “Miguel Hernández” y “Qfwfq” viajará pronto por Galicia, Aragón, vamos a Málaga, y de nuevo al País Vasco. Esperamos mantenerlo vivo mucho tiempo.
¿Cómo surgen los trabajos audiovisuales realizados por el equipo de Meridional?…
Desde hace tiempo nos interesa la idea de jugar con las imágenes en nuestros montajes teatrales. Empezamos incluyendo fotografías en “Miguel Hernández”, imágenes en movimiento en “Como ser Leonardo”, películas propias en “La verdadera historia de los hermanos Marx” y cuando hace unos años Marina Seresesky empieza a presentarnos sus guiones de cortometrajes nos entusiasmamos al instante y decidimos producirlos. Sus trabajos han ido teniendo cada vez más proyección hasta el punto de haber sido nominados a los Premios Goya con “La boda”, nuestro último corto. Lo natural era continuar produciendo y en esas estamos. En un futuro próximo rodaremos nuestro primer largometraje de ficción, escrito y dirigido por Marina, titulado “La puerta abierta” y que protagonizarán Carmen Machi, Amparo Baró y Asier Etxeandía.
¿Están conectados con la teatralidad de la Compañía?…
Nuestras producciones teatrales descansan fundamentalmente en el trabajo de los actores. Todos somos actores, sobre todas las cosas. Trabajamos con un dramaturgo que no solo escribe para nosotros sino que, mientras lo hace, ya sabe qué actor va a interpretar cada uno de sus personajes. Y creo que el trabajo que Marina desarrolla en nuestros proyectos audiovisuales tiene una de sus características principales (aunque no es la única) en la relación que desarrolla con los actores a los que dirige.
¿Qué proyectos tenéis entre manos?…De Meridional o con otras compañías…
En cine, además de “La puerta abierta”, ya casi en fase de preproducción, estamos desarrollando otros tres proyectos de largometraje y una coproducción de un guión ajeno. En breve soñamos con grabar el piloto de un serie para televisión también escrita por Marina.
En teatro estrenaremos una nueva producción en el segundo trimestre del 2015. Un texto original de Julio Salvatierra que seguramente coproduciremos en varias autonomías. También trabajamos en una adaptación del “Rey Lear” que, desde hace un tiempo, queremos producir.
Pondremos todo nuestro empeño en sacar adelante estos proyectos y si no lo conseguimos seguro que sacaremos algo grande del tiempo que les estamos dedicando. Voluntad no va a faltar.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No hay más que ver todas las compañías que se van quedando en el camino. Estructuras de producción artística que además eran una fuente constante de creación de empleo en un sector tan precario como es el nuestro. Por no hablar de todas aquellas que ni siquiera han tenido la oportunidad de nacer.
Con la situación actual es de locos hacer temporadas en ciudades que no sean aquellas de donde son las compañías. El margen de beneficio, si lo había, desapareció con la brutal e insensata subida del IVA. No me explico como los responsables de estas decisiones que se han demostrado erróneas no rectifican inmediatamente para intentar subsanar las enormes consecuencias negativas. Y si en teatro estamos sufriendo, en el cine la situación es catastrófica con las pocas productoras que se atreven a rodar produciendo sus películas en el extranjero donde se sienten mucho más cuidadas y protegidas.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Misántropo” de Kamikaze Producciones. Me dejó sin palabras.
INMA CUEVAS nos habla de su intenso trabajo en los últimos proyectos escénicos.
¿Qué es el teatro para ti?…
Donde crezco, donde me refugio, donde respiro. La libertad. A donde acudo para hacerme mayor, para volver a ser niña, donde juego, donde sueño.
¿Por qué haces teatro?…
Porque un día decidí que allí, encima de un escenario podía ser.
¿Qué balance haces de tu trayectoria como actriz?…
Más que positivo, soy muy afortunada.
El esfuerzo se ve recompensado.
¿Cómo surge tu participación en los proyectos en que estás implicada ahora?…
De muy diversas maneras.
Juan Mairena, director y autor de Cerda se puso en contacto conmigo para ofrecerme un personaje en su obra. Lo leí, me apasionó su lírica y su sentido del humor. Entendí cada palabra y el porqué de cada coma. Delirante y valiente.
Pablo Muñoz -Chápuli, director de No son maneras de tratar a una dama, me conocía de haber trabajado en una producción anterior, Anda que no te quiero, parece que mi locura y mi comicidad le atrajo para colaborar en este gran musical del Off Broadway, lo único que le faltaba era saber si daba la nota, y ahí la he estado dando con fortuna.
True West es el más personal de todos. Mis compañeros de Los últimos días de Judas Iscariote , Alberto Berzal ,Luis Rallo e Israel Frías llevaban mucho tiempo soñando con poner en pie este texto de Sam Shepard. Quisieron contar conmigo y ahí estuvímos los lunes de Marzo, en el Hall del Teatro Lara bajo una impecable dirección de José Carlos Plaza.
MBIG llegó de la mano de José Martret. Imagino que entre los pasillos de La casa de la portera e iluminada por los cirios de Sor Cicilia, Martret vio la luz para enfundarme en una deliciosa Camelia a la que la debo tantas satisfacciones…
¿Cómo fue el proceso de creación en cada una de las propuestas?…
Cada proyecto nace de un lugar distinto, con compañeros que aportan desde perspectivas diferentes, pero siempre los abordo desde la ilusión, el compromiso y el rigor.
¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear tus personajes?…
Todos ellos están llenos de matices partiendo primero del propio texto.. porque ahí están muchas de las respuestas y luego añadiendoles color con todas las referencias posibles, desde lo que te dice el director de primera partida y leyendo sobre el autor, un perfume, una obra pictórica, una banda sonora particular, alguna serie de tv, viajando y descubriendo con tu imaginación lugares donde nunca has estado. Improvisando entre cajas. Dejandote llevar por lo que te proponen otros. Cuantas más referencias tengas más rico es el personaje.
Camelia de MBIG siempre despierta a la mañana cantando a Frank Sinatra, por ejemplo.
¿Cómo preparas los personajes?…¿Cuál es tu método?…
Después de un camino andado seleccionas lo mejor de cada casa, lo que de verdad crees que concuerda con tu forma de trabajar y de jugar con un texto, con un personaje, con tu compañero, con el público.
El rigor, la intuición y el trabajo constante. Ese es mi método. Saber lo que uno dice, a quién y por qué. Preparar el cuerpo y seguir descubriendo.
¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
Cualquiera que nos remueva en la butaca, cualquiera que al salir sigamos pensando que estamos vivos.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
Por un lado parece que al haber poco presupuesto todo vale encima de un escenario y además se están recortando mucho los sueldos. Ya no se puede vivir de hacer un espectáculo, haces varios a la vez, o te buscas un trabajo alternativo como es el caso de muchos de nosotros… y por otro están surgiendo grandes propuestas teatrales que hacen que valga la pena seguir luchando a pesar de los obstáculos que nos ponen.
¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Eso mismo, seguir creando. Los actores siempre estuvimos en crisis. Perseverancia y pensar que se puede.
¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
La visita escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa con Rosa Mariscal e Ivan Villanueva. Gran texto, grandes personajes. Delicada, poderosa, exquisita y al estómago.
¿Que ha significado el premio de la Unión de actores?…
He recibido todo el cariño y más por parte de mis compañeros actores. Después de todo un año trabajando duro este reconocimiento me alienta a seguir caminando. Muy agradecida.
¿Proyectos?…
Sigo con MBIG hasta el 13 de Abril y en Mayo estrenaré un proyecto muy personal y necesario en la sala Kubik Fabrik.
Muy pronto os iré contando.
La visita de Antonio Muñoz de Mesa en La pensión de las pulgas
Tras meses programada en La casa de la portera y con listas de espera para poder disfrutar de esta inquietante visita escrita por Antonio Muñoz de Mesa, los responsables de este espacio que también lo son del recién inaugurado La pensión de las pulgas, han decidido trasladar la obra a este último lugar, donde puede ser vista por más espectadores en cada representación. Cuando vi en un ensayo general este texto y puesta en escena de Antonio Muñoz de Mesa me quedé atrapado en la butaca, de repente, me sentí ante una de esas piezas perturbadoras que no se sabe bien si lo que descoloca es lo que pasa o lo que imaginamos, ahora, tras muchas funciones, la obra ha crecido en intensidad. El gran hallazgo del teatro y de esta obra aparentemente sencilla pero de una complejidad profunda por el tema que trata y como lo trata…El teatro ha de provocar mundos en la mente del público. Viéndola me venía a la mente El veneno del teatro o La huella…esos pedazos de ficción inmortales que son un combate para que dos buenos actores hagan un pulso escénico hasta el último minuto. En esta ocasión, Iván Villanueva y Rosa Mariscal tejen una tela de araña macabra tratando de que el otro quede atrapado, con el peligro que supone que, al final, el cazador sea cazado. Se han escrito muchas obras sobre los desastres que las religiones hacen a la Humanidad pero terminan ocupando unos renglones escritos en la historia, en La visita, ocurren cosas que son tan antiguas como el tiempo y que es lo perturbador de verdad, saber que el bien y el mal no son exclusividad de unos u otros si no que habita en todos, solo hay que girar un poco la mirada para ver el mundo desde otra perspectiva. Acudan a ver La visita, es teatro-teatro.
Adolfo Simón
Carlos Be nos habla de sus experiencias escénicas como autor y director
¿Cómo surgió The Zombie Company?…
En el año 2003, Fran Arráez me anima a montar “Eloísa y el domador de mariposas”, mi primera obra teatral, y la estrenamos en el Teatre Artenbrut. Vivíamos en la Barcelona más bohemia de inicios de siglo y nos dábamos cita en un ático inmenso en el barrio del Borne, en la calle de Mercaders. De aquella época conozco también a Mentxu Romero, que ahora mismo actúa en “Autostop” junto con Juan Caballero en el Teatro Lara y es que, en torno al año 2010, llegamos los tres a Madrid, sede actual de la compañía, y aquí seguimos.
¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la compañía?…
La compañía se funda para poner en escena mis textos. En la mayoría de los montajes, la dirección corre por mi cuenta pero hay un par de excepciones maravillosas en las que profesionales muy allegados han tomado las riendas de los montajes: Álex D. Capo, que dirige “Noel Road 25: a genius like us” en 2005, y Fran Arráez, que firma la dirección de “Autostop”.
También existe una excepción en lo que concierne a la autoría: hace dos años presentamos en el Teatro Lara la lectura dramatizada de “Locuras cotidianas” de Petr Zelenka, un autor contemporáneo checo sin parangón, lo cual nos permitió conocer a actores afincados en Madrid de la talla de Alfonso Torregrosa, Esperanza Elipe, Pepa Rus e Iván Ugalde, entre otros.
¿Qué balance haces de estos años de existencia de la compañía?…
Muy bueno. Después de diez años, hemos tenido el privilegio de trabajar con grandes profesionales de la escena y hemos compartido, aprendido y mejorado en muchos aspectos, ¡y queremos que continúe así!.
¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Por supuesto, aunque siempre estamos abiertos a nuevos talentos. En principio, el equipo artístico-técnico de un espectáculo se plantea según las necesidades concretas de esa propuesta, independientemente de los equipos de otros espectáculos de la compañía. Es verdad que hay profesionales, como el iluminador Jesús Antón y el escenógrafo Alberto Puraenvidia, por ejemplo, con los cuales es un honor contar entre las filas de los Zombies proyecto tras proyecto.
Has escrito o adaptado textos para The Zombie Company. ¿Se modifican en los ensayos?…
Depende el texto. Hay obras que se han escrito ex profeso para sus actores, como “Peceras” y “Elepé”, protagonizadas por Fran Arráez, Carmen Mayordomo e Iván Ugalde. Ello facilita que el texto, en principio, siente como un guante al actor sin olvidar el desafío que siempre debe representar para quienes encarnen esos papeles.
En éste y en otros muchos aspectos, un montaje bastante excepcional fue el de “Peceras” –quienes la vieron recordarán los cerca de veinte minutos de improvisación a los que se enfrentan los actores nada más empezar la obra–. En “Peceras” los actores también generaron fragmentos de texto durante los ensayos como parte de la creación.
En cambio, otras obras como “Exhumación”, “Muere, Numancia, muere” o “Dorian” requieren otro planteamiento desde los ensayos, pues son obras extremadamente frágiles a la hora de soportar modificaciones textuales.
¿Cómo es el diálogo entre el director y el autor en los procesos?…
Ese diálogo se resuelve desde el primer día de ensayo, cuando el director comunica a los actores y el resto del equipo que al autor hay que darle por muerto y cualquier duda se soluciona directamente con dirección. Aunque en realidad siga vivo, dice el autor, vamos a tratarle con la holgura que sólo otorgan los autores muertos.
¿Qué evolución has hecho como dramaturgo a lo largo de tu trayectoria como autor?…
Sobre todo valoro la influencia positiva que el hecho de dirigir ha aportado a la escritura. Se aprende a controlar la organicidad del texto, a dominar la respiración del discurso y también a que los actores que tomen impulso para volar ayudados por la cadencia del texto, entre otros temas.
¿Cómo enfocas la escritura de un texto de encargo?…
Como cualquier obra que escribo motu proprio, la verdad. Tengo que aclarar que he tenido la oportunidad de aceptar sólo encargos que me interesasen. Las propuestas buenas pueden llegarle al escritor de cualquier lado, hay que estar siempre atento a las necesidades de los demás y a las historias que quieren contar.
¿Cómo surge el proyecto que presentáis en el Teatro Lara? Háblanos del texto y de cómo ha enfocado el director la puesta en escena…
El proyecto surge de la lectura de “Falešný autostop” de Milan Kundera por parte de Fran Arráez, su director. Fran me comenta que encuentra en este relato muchos paralelismos con el imaginario de mi obra y de ahí nace la necesidad de acercarlo a mi mundo. La puesta en escena de Fran propone varios viajes: por un lado con el pensamiento de los personajes, que se recrea en un espacio diferente al del viaje real de Jupe y Dana, y que refleja a veces lo más oculto y a veces lo más externo y estereotipado de la relación; por otra parte, el propio juego en el que se embarcan los protagonistas, que es totalmente emocional y supone un reto para los actores, que han sido muy generosos y valientes dándolo todo y poniéndose en las manos de su director. También Jesús Antón y Alberto Puraenvidia, al cargo de las luces y la escenografía, han logrado recrear esos espacios irreales de pensamiento aportándoles mucha elegancia e ironía.
¿Qué montaje que hayas visto últimamente te ha interesado?…
Los más recientes son bogotanos, del Teatro Varasanta y Proyecto 2046. Al viajar bastante últimamente tengo grandes lagunas y me pierdo muchos espectáculos, pero afortunadamente hay buen teatro en todas partes. A mi regreso a Madrid me gustó mucho “La visita” en La Casa de la Portera, escrita y dirigida por Antonio Muñoz de Mesa e interpretada por Rosa Mariscal e Iván Villanueva, un espectáculo de pequeño formato que roza la perfección.
Háblanos de las últimas experiencias como director fuera de España…
En otoño del año pasado dirigí en Bogotá “Muere, Numancia, muere” con estudiantes de último curso de interpretación de la Academia Superior de Artes de Bogotá, facultad de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. El espíritu teatral existe en todas partes del mundo y eso me permite sentirme como en casa en cualquier teatro, aunque debo confesar que la ciudad me sobrecogió. Recuerdo mi sorpresa inicial al comprobar con qué naturalidad los actores abordaban las escenas más violentas de la obra. No tardé en comprender los motivos. Siempre cuento que en Bogotá me habitué a ver muertos cada día por la calle y, junto a Cecilia García, la directora de Proyecto 2046, guardo una visión sin igual, la de las puertas del infierno, porque esas puertas existen y se encuentran en Bogotá, exactamente enfrente de una colchonería en la zona conocida como la Ele del Bronx. Gracias a estas visiones y más, comprendí que la violencia posee muy diversos y me vi obligado a adaptar la puesta en escena de la obra a una intensidad inédita para mí. Como director supuso un reto que se logró y con creces; pero como persona, fue aceptar algo muy duro.
Antonio Muñoz de Mesa nos habla de su experiencia con el teatro
¿Qué es el teatro para ti?…
El Teatro es un juego de descubrimiento de uno mismo a través del otro. Es un «pilla pilla» donde el actor se la liga y el espectador trata de que no le capturen. Si el espectáculo es bueno, el espectador se la termina ligando.
¿Por qué haces teatro?…
Por lo mismo que hago pis. Está el riñón, el uréter, la vejiga, la uretra, las glándulas sudoríparas, los pulmones, el hígado y el Teatro.
¿Cómo surgió el proyecto de La Visita?…
Leo una noticia en la prensa: «La Iglesia equipara el abuso sexual de un cura en Holanda con un accidente laboral». No me lo puedo creer. Escribo el texto entre otras cosas para «entender» esta noticia. Lo termino y se lo doy a Olga Margallo, a Iván Villanueva y a Rosa Mariscal. Les gusta y lo hacemos 🙂
¿De qué va el texto?¿Cómo ha sido el proceso de escritura?…
El Texto va de cómo el beneficio económico se coloca por encima del bien común en una institución supuestamente altruista. «La Visita» es un thriller donde se pone de manifiesto cómo el ser humano corrompe las instituciones que supuestamente le protegen. El proceso de escritura fue muy interesante porque al principio lo escribí para dos actores y terminé cambiando el personaje del agente de seguros por el de una mujer para añadirle otro conflicto más: el de la lucha de sexos. Las instituciones religiosas, en su gran mayoría, siguen imponiendo el Patriarcado. El otro día mi hija me preguntó que por qué Dios es hombre y con barba y no mujer y con minifalda.
¿Qué lectura escénica se ha hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Hemos jugado básicamente con el lenguaje del thriller y con un proceso simbiótico donde ambos personajes, al principio enfrentados, se transmutan el uno en el otro. Una especie de «milagro» en el que la agente de seguros termina dando el sermón de la montaña y el sacerdote hace apología de los mercados. Desde el punto de vista plástico se juega con la metáfora del fútbol como elemento que aglutina la Iglesia y el Mercado.
¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autor?…
Estreno lo que escribo. No puedo pedir más. El balance es muy bueno desde este punto de vista porque me permite madurar como autor. Puedo ver físicamente lo que sólo estaba escrito en papel. Puedo observar la reacción del público a lo que escribo. Puedo sacar conclusiones de lo que funciona, de lo que emociona y también de lo que falla o es pretencioso.
¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Estás escribiendo algún texto ahora?…
Estoy escribiendo un nuevo texto que espero estrenar la temporada que viene y esta temporada estreno «La Mala Memoria», dirigida por Julián Fuentes-Reta con Ruth Gabriel, Liberto Rabal, Asunción Balaguer y Carlos Álvarez Novoa. Como autor soy cada vez menos exhibicionista y más técnico. Me interesa mucho más la carpintería teatral como medio para contar una historia y provocar emociones que encontrar un «estilo propio». Hace años mi obsesión era imponer «mi estilo» a una historia. Hoy no. Es una liberación.
¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
El Teatro tiene que profesionalizar aún más sus herramientas de captación de público. Desde el punto de vista artístico no tenemos tanto problema. Hay profesionales muy buenos en todas las áreas. Me preocupa más la comunión con el público. Madrid está profundizando en su relación con el público a través de nuevos espacios y propuestas, como «La Casa de la Portera» pero necesitamos renovar también los espacios «tradicionales» para que no se relacione el Teatro con la Arqueología. Mi hija me cuenta que a veces ella tiene la sensación de que la llevan al Teatro como la llevarían a ver vasijas de la Grecia Clásica. Propuestas como «Mi Primer Clásico» que ha puesto en marcha el equipo de Helena Pimenta son revolucionarias porque incluyen al espectador en la estrategia de programación. En una estrategia de programación el espectador debería tener el mismo peso que los autores, los directores y los repartos que se proponen. El público es la estrella del evento teatral. Con esto no estoy diciendo que hay que darle al público lo que quiere ver. Entre otras cosas porque el público (y me incluyo) lo que quiere es «DESCUBRIR», y este verbo se carga el argumento anterior.
¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
El verbo «afectar» se queda muy corto. La subida del IVA es Terrorismo de Estado. La identidad y el valor de las personas madura con la Educación, la Cultura y la Sanidad. Las consecuencias de estas «políticas de ajuste» se pueden resumir en el «sálvese quien pueda». En este país estamos secuestrados por un bipartidismo artificial que se empeña en rentabilizar las dos Españas para perpetuar unas organizaciones que ya no nos representan de manera adecuada. Se supone que «la masa» es ahora más inteligente y tiene más voz y criterio que cuando se crearon las democracias del siglo XIX. La militancia y las ideologías deben dejar paso a «las inteligencias» y a las ideas. El Teatro también vive secuestrado por su «Síndrome de la Izquierda». Los espejismos ideológicos nos impiden avanzar hacia una sociedad donde la tecnología, la educación, la economía y la cultura se pongan al servicio del bien común. Estoy hablando de una sociedad en red que a su vez sirva de red (para caídas como las que acabamos de sufrir). Lo mismo que la industria discográfica, cinematográfica y editorial están haciendo una transición de lo analógico a lo digital donde el público influye en los productos que demanda, la Democracia está obligada a abrirse y descentralizar sus centros de decisión. La clase política le tiene miedo al ciudadano en lugar de aprovecharse de su potencial. Desde este punto de vista el Teatro debe ser incluyente y no excluyente. Es una de las misiones del arte. Lo más radical que podríamos hacer ahora desde los escenarios es «desradicalizar» al espectador. Liberarle de la herencia «Izquierda vs Derecha». No hablo de ser apolítico. Hablo de actualizar unos modelos políticos que provocan mucho sufrimiento en el mundo. Desde el Teatro podemos contribuir a esta evolución contando historias que empoderen al espectador. Se ha hecho siempre. Mira «Antígona» de Sófocles.
¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
«Los Iluminados», «Cosas Nuestras de Nosotros Mismos» y «Feel Good». Tres espectáculos muy distintos que demuestran un altísimo nivel artístico y una comunión brutal con el público. Espectáculos muy emocionantes y comprometidos sin ser militantes. Me gusta el Teatro que tiene muchos niveles de lectura pero que nunca sacrifica el elemento popular de «enganchar» al espectador. En este sentido me encanta el Teatro Aficionado. Cuando me peleo con mi profesión voy a ver a grupos aficionados 🙂
¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
Lo peor que podemos hacer en estos tiempos es rebajar la calidad de lo que producimos. La salvación está en seguir buscando la excelencia. Seguir teniendo como norte la calidad de los espectáculos.
«La Visita» en La casa de la portera
Dos vocaciones muy diferentes, pero al fin y al cabo, vocaciones: abogado y cura. Dos vidas unidas por el interés económico y el riesgo de sufrir un «accidente». ¿Interviene la voluntad en ciertos «accidentes»? ¿Puede una aseguradora cubrir ciertos «accidentes» en los que el deseo ha vencido a la voluntad? ¿nos presta Dios esa seguridad que todos queremos tener en nuestra vida o es mejor contratar un seguro por si acaso? ¿Puede ser más férrea la moral de un sacerdote, orientado a hacer el bien o la moral de un agente de seguros y abogado, orientada a encontrar la mejor solución para su cliente? Todos los filósofos se han planteado qué es la moral, sus límites y su perversión y ahora nosotros deberíamos reflexionar a la hora de elegir ciertas cosas, como por ejemplo… ¿A qué colegio llevamos a nuestro hijo?
La casa de la portera nos presenta una nueva apuesta con este dilema, escrito y dirigido por Antonio Muñoz de Mesa e interpretado por Rosa Mariscal e Iván Villanueva, en el que nos adentramos en una historia basada en hechos reales que nos removerá conciencias y moral y, una vez más, no nos va a dejar indiferentes.
Luis Mª García.
Que Revienten los Artistas 
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