Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Manuel Liñán: No podemos limitar el arte. si no…estamos muertos.

liñan¿Cómo fueron tus inicios en la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Fue en la escuela en Granada, con 6 ó 7 años. Se impartían clases extraescolares de flamenco. Con el tiempo, después de estudiar con muchos maestros, va surgiendo de manera natural tu propia forma de expresarte; he intentado enriquecerme de todo lo que he podido. Me considero una persona curiosa e inquieta.

¿Qué evolución has hecho a lo largo de este tiempo?…¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Bueno, con el paso del tiempo uno se exige mas, intenta superarse. Creo que esa es mi evolución, nunca estar parado.
Estoy feliz de mi trayectoria, soy una persona constante y quiero seguir siéndolo.

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¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Sí, lo es. Es importante, por supuesto, rodearte de lo mejor, pues siempre va a engrandecer el espectáculo: sonido, iluminación, vestuario, etc. También colaboraciones si el espectáculo, o lo que quieres expresar, lo requiere. Todo lo que se muestra en el escenario es importante, todo aporta.

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¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
Bueno, pues el panorama está difícil. A nuestra generación le esta tocando vivir una etapa complicada, no es fácil mantener una compañía de baile, ponerla en pie, llevarla a un escenario y cuidarla cada día. Todo esto, que pienso que debería ser normal «para el arte mas exportado de nuestro país», se convierte en un lujo.
Hay grandes bailarines, muchos artistas con inquietudes, pero se dan pocas oportunidades para exponer nuestra danza.

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¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Todo lo que me inquieta: mis miedos, mis dudas, mis vivencias. Ahora estoy en un momento en el que me apetece hacer lo que quiera, sin miedos; recuperar un poco esa inocencia del niño que fantasea y se muestra de una manera natural, antes de que la sociedad empiece a guiarlo por caminos establecidos.

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¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Cada trabajo es un proceso diferente. Me gusta compartir lo que voy a hacer con mis compañeros, hacerlos partícipes para que lo sientan también suyo.
Elegir bien la música y la composición adecuada para el espectáculo, investigar, muchas dudas, jeje, cuidar la luces y el vestuario, compartir opiniones y, sobre todo, intentar disfrutar del proceso del montaje.

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Háblanos del proyecto que presentas en Flamenco Madrid 2015…
Sinergia es para mí un espectáculo especial, minimalista, donde cuento solamente con los pilares fundamentales del flamenco -cante y guitarra- y hago un trabajo especifico con cada artista, llenándome así de lo que ellos me trasmiten.
Intento exponer la importancia de estos elementos y de lo relevante que es para mí lo que me hacen sentir, ya que la coreografía se va construyendo a medida que avanza el espectáculo, exponiéndola desnuda, sin adornos, apoyada por mis compañeros de cante y guitarra y obteniendo como resultado la misma coreografía mas enriquecida.
Se mueve entre la tradición y la vanguardia, por así decirlo.

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¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del IVA a tu trabajo?…
Ufffff. ¡¡Es horrible, vamos!! El IVA, ahhhh, cruzo los dedos cada vez que hago la declaración, muchísimos impuestos, parte de mi sueldo para los impuestos, horrible. No entiendo cómo podemos pagar tanto IVA. Pediría un poco mas de arte para que lo bajen.

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¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Sí, claro, ¿por qué no? Cada uno debe hacer lo que quiera hacer, no podemos limitar el arte. Si no, estamos muertos.

¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Muchos y algunos españoles: Carmen Amaya, Antonio, Pina Bausch, etc….

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¿Proyectos?…
Estoy en ello. Ummmmm, jejeje.

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Madrid en Danza con duende flamenco

En esta edición de Madrid en Danza en la que ha habido todo tipo de técnicas dancísticas, con un nivel muy potente, ha habido dos propuestas de flamenco que dan luz sobre las amplias posibilidades que tiene hoy en día este arte. Por un lado, ciñéndose al clasicismo de los palos flamencos pero con atrevimiento en la puesta en escena, Manuel Liñán ha presentado «Nómada», un recorrido vital y entusiasta sobre las diferentes maneras de bailar en nuestro país pero con una mirada esteta y una ejecución de entrega total, a cuerpo abierto. Un montaje que debería volver pronto a nuestra cartelera para hacer el deleite del público que acude al teatro al encuentro del duende. Antes, Rocío Molina presentó Bosque Ardora en el que nos introdujo en un bosque mágico donde todo estaba al revés… los árboles, la música, los cuerpos. La artista indaga sobre técnicas contemporáneas de la escena y el baile para hacer que el flamenco prolongue su sombra más allá del tópico. Un espectáculo para el que, seguramente, muchos espectadores no estaban preparados todavía para disfrutar de un viaje creativo diferente, en el que se busca el derribo de los muros inamovibles del arte flamenco.
Adolfo Simón

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«Titanium» de Rojas y Rodríguez en el Teatro Rialto de Madrid

titanuum 2Rojas y Rodríguez han conseguido que el flamenco se fusione con el hip-hop y break-dance, estilos de danza que nacieron en las calles, no importa dónde, y que tienen muchas cosas en común, entre ellas el virtuosismo, el sentimiento y la importancia de lo que se consigue grupalmente. El espectáculo supone un giro de tuerca más en lo que se conoce como nuevo ballet español, acercándose más de lleno al flamenco pero dejando de lado los faralaes y zaragüelles para adaptarse a los nuevos tiempos. Tiempos en los que se puede ser flamenco y hip-hopero a la vez, en los que se puede taconear por la calle vestido con vaqueros, licras y cazadoras de cuero sin dejar de ser flamenco y sin perder un ápice de sentío.

Pero este espectáculo es más especial de lo que nos venden en esas magníficas fotografías que adornan la entrada del Rialto. El espectáculo, aunque comercial, no cae en los tópicos en que caen otros espectáculos, de mucho ruido y pocas nueces, mucha imagen y poca dramaturgia escénica, mucha iluminación espectacular y poca luz interna, y no pretende epatarnos con la fuerza de un flamenco para modernos. Es un espectáculo pensado y medido en el que reside una poética urbana y en el que los elementos que lo estructuran están pensados al detalle. La influencia de Chevi Muraday en la dirección escénica es clara y aporta ese aire de contemporaneidad bien medida y marcada paso a paso.

La producción ha permitido que puedan subirse al escenario también músicos en directo que nos demuestran su versatilidad en estos tres estilos y consiguen acercarnos a ese mundo de la calle en el que se puede mezclar un hip-hop con una bulería.

Cabe destacar la figura del bailaor y coreógrafo flamenco Manuel Liñán, el coreógrafo y bailarín de danza urbana Juan Montero, y los bailarines de hip hop Fran Eliú, Alberto Montero, Elihu Vázquez y Omar Fraile que comparten escenario con ellos.

Por eso Rojas y Rodríguez han vuelto a acertar al conjugar diversos tipos de danza que buscan una nueva expresión artística y una evolución en lo ya existente, su filosofía de trabajo desde sus inicios, demostrando que no solo hay que venerar a los clásicos para estar en la cresta de la ola y que su versatilidad es tan potente que pueden tener varios espectáculos a la vez en cartelera de muy diverso tono, como «Cambio de Tercio» o «Sangre».

Luis Mª García Grande


Las Carboneras, Paseando por los tablaos (V) en Suma Flamenca

El Tablao Las Carboneras se encuentra ubicado en la zona más castiza de Madrid, el Madrid de los Austrias, en los bajos del antiguo palacio del Conde de Miranda. Nacido de la idea de recuperar los cafés cantantes de antaño, este tablao flamenco restaurante combina una imagen y estilo vanguardista con lo mejor del flamenco actual. En esta línea de renovación, el tablao puso en marcha el Concurso de Baile Flamenco Las Carboneras, con la intención de promover a los nuevos valores dentro de la danza flamenca y dar cabida al trabajo innovador de los jóvenes creadores. En la función que asistimos, estuvo al cante: Ángel Gabarre y El Trini, al toque: Víctor Márquez ‘Tomate’ y Francisco Vinuesa , en el baile: Lucía ‘La Piñona’, Ana Romero, La Tacha y un artista invitado de excepción: Manuel Liñán. Fue una noche deliciosa en la que el aroma del tiempo se había quedado suspendido en el aire del local, por un lado había perfume de antaño que se cruzaba con olores contemporáneos. De nuevo la música abría la brecha para que el quejío del cante apareciese y permitiera que sobre sus acordes se instalase el gesto sublime de los bailaores, el cuerpo energético e impulsivo y los pies galopando sobre el tablao. Manuel Liñán hizo un cierre inquietante que provocó que el público se pusiese en pie al finalizar su actuación.
Adolfo Simón

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Teresa Nieto nos habla de su larga trayectoria en la danza

teresanieto¿Cómo llegas a la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje entre flamenco y contemporáneo?…
Estudié ballet clásico desde los cuatro hasta los catorce años en Tanger, mi ciudad natal. Ya en Madrid, con 27 años y dos hijas, comencé a tomar clases de danza contemporánea, simplemente por hacer alguna actividad, sin soñar siquiera que mi vida, a partir de entonces, iba a estar ligada a la danza. Mi maestra Teresa Trujillo me animó, me tuteló y casi me obligó a seguir formándome y desarrollándome como bailarina y como coreógrafa.
Mi lenguaje se ha ido definiendo de manera puramente intuitiva, acercándome a creadores del ámbito del flamenco, observando, escuchando, y dejándome empapar de la energía, los ritmos y los quiebros de la danza española.

¿Qué balance haces del recorrido de En Compañía?…
El balance ha sido muy positivo, tanto a nivel artístico como empresarial… hasta estos momentos, en que seguir creando y generando empleo se ha convertido en un lujo al alcance de muy pocos, casi una extravagancia.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
A nivel artístico, la compañía ha ido abordando proyectos cada vez más “ambiciosos” en cuanto a diseño de producción, proceso que culminó en 2010, con la presentación de TACITA A TACITA, un espectáculo de gran formato con 16 intérpretes en escena. A partir de ese año, y debido a la coyuntura económica por la que estamos pasando, me he visto obligada a volver a plantear trabajos más reducidos en cuanto a número de intérpretes y requerimientos técnicos, como PETÍ COMITÉ, el último espectáculo de la compañía.

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¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?… .
“En Compañía” es una declaración de principios. Trabajar en equipo es fundamental para mí y para mi manera de entender un proceso creativo. Tener unos colaboradores habituales supone ir conformando una imagen, un estilo, una línea de trabajo con personalidad propia. Mi equipo está presente en cada proyecto desde el minuto cero, porque creo que lo más importante en cualquier proceso artístico es que las energías y la creatividad vayan enfocadas en un mismo sentido y que se desarrollen en un paisaje común.

Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos y talleres siempre que se me requiere para ello. En ellos intento transmitir a los alumnos el placer de bailar contagiándoles mi manera de entender la danza, haciendo hincapié en la expresividad, pero siempre desde la importancia de la técnica, elemento imprescindible en cualquier expresión artística.

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¿Qué ha significado la concesión de los cuatro Max a Tacita a tacita?…
El reconocimiento al trabajo bien hecho, la íntima satisfacción de comprobar cuánta gente se ha alegrado conmigo por estos premios y un poco de visibilidad para la compañía, tan necesaria en estos momentos en que el sector está prácticamente ausente de todos los circuitos de exhibición.

¿Crees que te va a ayudar estos premios para poder seguir trabajando y produciendo?…
He tenido la suerte de que mi trabajo ha sido premiado en diversas ocasiones. Este hecho nunca ha tenido una relación causa – efecto directa. Después de 22 años de compañía, con cada proyecto he tenido la sensación de tener que empezar de nuevo, volver a demostrar, convencer, luchar con las instituciones, los exhibidores, los gestores… Pero no cabe duda de que los premios dan prestigio a la carrera de un artista, aunque no influyan directamente en una mayor contratación o en un aumento de los recursos a la hora de producir.

¿Cómo ves el panorama de la danza flamenco-contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
En mi opinión, la verdadera danza contemporánea de este país radica en el trabajo de algunos creadores que, partiendo del código de la danza flamenca están desarrollando un lenguaje escénico absolutamente contemporáneo (e incluso en algunos casos casi futurista, como Israel Galván). Rocío Molina, Manuel Liñán, Olga Pericet, Belén Maya, son sólo un ejemplo de esta generación de “jóvenes flamencos” punteros en cuanto a la creación de nuevos conceptos y lenguajes escénicos.

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¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
De alguna manera todas mis propuestas parten de mi propia experiencia personal, de mis propios conflictos, fantasmas, emociones… Me interesa indagar en las relaciones personales, la memoria, el paso del tiempo, la complicidad, la soledad… en definitiva, temas que conectan con el imaginario colectivo.

¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Siempre parto de un germen muy pequeño, muy sencillo. Un personaje, una situación, un concepto, una música… A partir de ahí diseño el paisaje en el cual va a desarrollarse la acción. Muchos meses de trabajo de mesa, en solitario por un lado y con el equipo por otro, definiendo los contenidos, el guión, las músicas, los ambientes… en definitiva, el “contenedor” del proyecto. Luego suelo trabajar tres meses en el estudio con los bailarines, creando la coreografía, es decir, el “contenido” del espectáculo.

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¿Tienes proyectos entre preparación?…Háblanos de ello…
En este momento estoy en la fase de trabajo de mesa de una nueva propuesta titulada VIS A VIS. Es un proyecto con una pintora malagueña, María Bueno. El mayor hándicap con el que me encuentro es la falta de financiación para el proyecto, ya que las únicas ayudas a la creación a las que podemos optar las compañías madrileñas son las de la Comunidad de Madrid. La convocatoria de este año aún no ha sido publicada y por la información que ha trascendido, me temo que, aún en el caso de que las convoquen, los requisitos van a ser tan draconianos, que más que una ayuda pueden convertirse en el desencadenante de una debacle económica para las compañías.

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro y danza?…
El aumento del IVA, como ya demuestran las cifras de taquilla del año pasado, ha supuesto un varapalo para la afluencia de público a los teatros, para la contratación, y para los presupuestos internos de las empresas artísticas. Los recortes afectan al producto artístico en todas sus fases. Desde el recorte de las ayudas públicas que hacen que contemos con menos recursos para producir y girar, hasta la desaparición de circuitos y festivales, el cierre de teatros, el aumento de contratos a taquilla, etc. Pero lo más grave me parece el hecho de que, amparándose en la coyuntura económica, se haya abandonado a las pequeñas compañías a su suerte, con un desprecio flagrante hacia cualquier producto que no sea comercial.

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Sorolla del Ballet Nacional de España

Cada década y no siempre, aparece un espectáculo que marca un antes y un después. Nuestro baile y folklore propio ha tenido a lo largo de la historia nombres geniales que han creado piezas que siguen siendo actuales hoy en día. Nombres, conjuntos, bailes emblemáticos los hubo muy buenos. Lo que no es habitual es que un espectáculo ralle la genialidad en su conjunto, consiguiendo hacer un recorrido que respeta las raíces y las presenta en un marco de modernidad exquisito. Antonio Najarro se ha propuesto el objetivo de renovar y dar internacionalidad a nuestro acervo popular y a este paso, va a conseguir mucho más, logrará que el público recupere el placer y las ganas de ver nuestros bailes, de escuchar nuestras músicas y de ver a nuestros bailarines mostrando virtuosismo en escena. Sorolla no solo es un merecido homenaje al pintor de la luz si no que es también, un aliento importante para el Ballet Nacional de España que no terminaba de encontrar la personalidad propia que esta compañía merece y precisaba. De manera inteligente, el director ha sabido rodearse de la compañía de unos profesionales de primer orden internacional… Ha conseguido que Franco Dragone se encargue de realizar una puesta en escena en la que fusiona de manera perfecta el recorrido de los bailes de nuestra geografía con una escenificación de una belleza y sensibilidad deslumbrante, a la altura del pintor que se homenajea. Las coreografías de Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y del propio Najarro tienen el aroma de antaño al tiempo que el ritmo y la belleza del presente. La música creada por Juan José Colomer es bella y potente y el vestuario de Nicolás Vaudelet es respetuoso con la tradición pero lleno de detalles que modernizan y embellecen las estampas del paisaje de nuestra historia dancística. El espacio escénico y la luz completan un universo pictórico insertado con unos audiovisuales que fluyen de los marcos en perspectiva donde van desgranándose baile a baile, con una fluidez que sorprende, como si cada danza diera, de manera lógica, el relevo a la siguiente. Una figura en blanco, el color que contiene todos, va acompañando cada estampa, observando el transcurrir del tiempo del baile, disfrutando del grupo de intérpretes que, más que nunca, se dejan literalmente la piel en escena. Durante mucho tiempo, se oirá hablar de este Sorolla del Ballet Nacional de España.
Adolfo Simón

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El Ballet Nacional de España presenta «Sorolla»

Antonio Najarro, el actual director del BNE, ha presentado, rodeado de un amplio equipo, su nueva propuesta artística «Sorolla», inspirada en la colección «Visión de España» del pintor Joaquín Sorolla. Esta colección en la que Sorolla plamó su visión personal de España, sus costumbres y sus bailes en catorce grandes cuadros, fue creada por encargo de la Hispanic Society de Nueva York en el año 1911 para decorar su biblioteca. El director ha contado con la colaboración de los descendientes del pintor y del Museo Sorolla, lugar donde se ha presentado esta mañana el espectáculo.

Antonio Najarro, Director del BNE

Antonio Najarro, Director del BNE

Najarro afronta un nuevo reto para celebrar el 150 aniversario del nacimiento de Sorolla y el 35 aniversario del BNE y pretende con este estreno mostrar un viaje por varias zonas geográficas de nuestra península a través de las danzas más significativas del folclore junto a otras creaciones de danza clásico española, escuela bolera y flamenco. Así, regiones, provincias y ciudades como Castilla, Aragón, Navarra,  Gipuzkoa, Sevilla, Galicia, Cataluña, Valencia, Extremadura, Elche y Ayamonte, quedarán representadas a través de las coreografías diseñadas por Arantxa Carmona, Miguel Fuente, Manuel Liñán y Najarro.Para la creación musical ha contado con el compositor Juan José Colomer que ha compuesto bandas sonoras para más de una treintena de películas que han obtenido premios internacionales y ha colaborado con artistas como Plácido Domingo, Christian Lindberg, Vjekoslav Sutej y José Carreras.

Najarro ha declarado que la riqueza del folclore español no es muy conocida aunque en las escuelas se enseña y hay un nivel muy alto y que merecía la pena profundizar y mostrar al público todo el abanico de danzas regionales españolas, que han estado denostadas y que se desconocen por el público en general.

La obra se inspira en la luz, la frescura y el movimiento de la pintura de Sorolla para lo cual ha contribuido el director de escena Franco Dragone, reconocido por ser director del Cirque du Soleil. Dragone ha declarado que no conocía la obra de Sorolla hasta que Najarro le hizo la propuesta y que aceptó embarcarse en el proyecto por la generosidad y los deseos manifestados por Antonio de abrir la tradición del flamenco a una perspectiva tan lejana como la suya. Entusiasmado por la idea que le proponían y porque comprobó que en el BNE hay una mezcla asombrosa y conmovedora entre la modernidad y el deseo de preservar la tradición decidió lanzarse a la aventura de dirigir a los bailarines, que ha definido como magníficos, abiertos, curiosos, dinámicos. En palabras de Dragone lo importante es que la mezcla de los talentos que ha juntado Najarro ha producido algo nuevo nunca antes visto y esta nueva creación es impactante y especial.

Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet

Franco Dragone, Antonio Najarro y el diseñador Nicolas Vaudelet

Al acto de presentación han asistido además los coreógrafos que han participado en la obra y que han manifestado la enorme complicación en la ejecución técnica de las diferentes danzas que componen la obra, el enorme peligro de lesión que supone para los bailarines afrontar tales coreografías y el enorme esfuerzo  físico que han realizado: «les dolían músculos que no sabían que existían.  Aún así, Miguel Fuente ha afirmado que los bailarines del BNE están más que preparados para afrontar las coreografías y que lo único que ha tenido que hacer es enseñarles ciertos movimientos y técnicas de danza tradicional y hacerles ver de dónde venían poniéndoles ejemplos: «cuando alguien baila sobre el barro en unas fiestas tradicionales tiene que hacer unos movimientos para mantenerse bailando que luego es muy difícil demostrarlos sobre un escenario, hay que explicar al bailarín de dónde viene el moviento para ponerse en situación».

Hay que destacar también el vestuario diseñado por Nicolas Vaudelet, famoso por haber trabajado para Jean Paul Gaultier, la firma sevillana «El Caballo» o Lacroix. Vaudelet se ha inspirado en la luz de los lienzos, «en esos blancos que no son blancos» y ha tenido como muestra todo el fondo de vestuario que guarda el BNE. No es la primera experiencia de Vaudelet en los escenarios puesto que ha colaborado con Joaquín Cortés, el cabaret «The Hole» y en el «Confessions Tour» de la mismísima Madonna. Pero sí que quiere destacar que es la primera vez que lo hace de forma tan amplia y con un vestuario tan difícil de matizar.

Parte de la compañia en la presentación.

Parte de la compañia en la presentación.

Como pueden ver toda una mezcla de genios se han reunido para crear un nuevo espectáculo que se estrenará el 12 de junio en las Naves del Español -Matadero Madrid- y que supone un paso adelante en la creación española y en la fidelización de la «Marca España».

Texto y Fotografía: Luis Mª García


IV Festival Flamenco Corral de la Morería

IV Festival Flamenco Corral de la Morería 27 artistas fundamentales del baile flamenco actual Pedro Cintas y Kiko Peña presentan en Madrid nuevos discos El baile de Carrete de Málaga clausurará el certamen
28.may.2013 Un año más, al llegar junio, Corral de la Morería organiza el festival flamenco con la programación más completa especializada en baile. 27 artistas diferentes, 27 estrellas de la danza sobre un escenario imprescindible para la historia de un arte universal, el tablao flamenco más famoso del mundo. En la biografía de estos artistas se encuentran noches de gran éxito en los principales teatros de Broadway, demás continente americano, y las más relevantes ciudades europeas y asiáticas. Los ganadores de los más prestigiosos premios de baile flamenco, e incluso de la danza en general, como en el caso de Manuel Liñán, elegido por toda la profesión como Mejor Intérprete de Danza en los Premios Max de las Artes Escénicas unos días antes de comenzar este festival. Estos 27 artistas escriben la historia del baile flamenco en las primeras décadas del siglo XXI. Ellos son los que están creando, en este momento, los caminos para el futuro del baile flamenco y danza española. Olga Pericet, Rafael Campallo, Manuel Liñán, El Junco, Juan Andrés Maya, Ángeles Gabaldón, Jesús Fernández, El Mistela, David Martín, Belén López, José Maldonado, Ana Morales, El Choro, Lucía Campillo, Jesús Carmona, Adrián Sánchez, Mercedes de Córdoba, Abel Harana, Patricia Ibáñez, Charo Pedraja, Anabel Moreno, Inmaculada Aranda, Susana Casas, Elena Collado, Macarena Ramírez, Manuel Ramírez y Lola Pérez son los 27 artistas que mostrarán su baile flamenco del 1 al 30 de junio a las 21:00 y 22:55 todos los días, de lunes a domingo. Aunque el baile flamenco es protagonista en este festival flamenco, a través de estos 27 artistas, también habrán noches de cante inolvidables. Vuelven las Noches Brujas, arte a partir de la medianoche de los sábados.
En este año 2013, en Noches Brujas se recordara como el tablao fue el primer escenario relevante en Madrid para algunos de los principales artistas de la historia del flamenco, no solamente en el baile, también en el cante y la guitarra. Así sucedió durante décadas con Antonio Gades, La Paquera de Jerez, los hermanos Mairena, y Fosforito, entre otros muchos.
De esta manera, se han programado los conciertos de presentación de los primeros discos de dos artistas muy diferentes entre sí, ambos serán referencia en el futuro. El público flamenco está convocado para asistir a estas noches mágicas, ocasiones únicas para ser testigos de la primera gran noche en Madrid de artistas que serán referencia segura. Por una parte, el sábado 15 de junio será el momento de Papeles Íntimos de Pedro Cintas, artista extremeño que hereda de Antonio Mairena una responsabilidad, proyectar en el tiempo el legado de sus cantes inéditos hasta el momento. En la noche del sábado 22, el joven Kiko Peña presenta Mis Primeros Cantes, apadrinado por Miguel Poveda con su sello discográfico Carta Blanca.
Clausura la programación tanto del ciclo Noches Brujas como del IV Festival Flamenco Corral de la Morería el sábado 29 con un mito del baile flamenco, Carrete de Málaga, artista indispensable para el que sobran las palabras, hay que ir a Corral de la Morería para entenderlo…

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Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España hace balance de su gestión hasta hoy y nos habla de sus próximos proyectos.

Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España hace balance de su gestión hasta hoy y nos habla de sus próximos proyectos.

¿Cuál es el balance, como director del Ballet Nacional de España, desde que fuiste elegido hasta hoy?
El balance es más que positivo para mí.
Estoy logrando mis principales objetivos, que son inyectar una dosis de energía de trabajo muy potente con los bailarines, trabajando codo a codo con todos a diario y dinamizando la creación de obras y coreografías así como abriendo el BNE a nuevos públicos.

¿Tienes alguna planificación para la primera etapa como responsable del Ballet?
Mi planificación es la de abordar obras de nueva creación así como recuperar el repertorio del BNE. Mostrar al público las nuevas tendencias de la danza española y, al mismo tiempo, crear programas donde el público vea y comprendan las bases de la danza española a través de la presentación de coreografías de grandes creadores de generaciones anteriores.

¿Va a ser una constante la colaboración con otros coreógrafos o directores de escena?
Por supuesto. El BNE tiene que tener un constante diálogo con creadores, artistas invitados, diseñadores, escenógrafos, etc externos.

¿Cómo están respondiendo los espectadores con el primer programa presentado?¿Tienes pensado algún tipo de actividad para crear nuevos públicos?
La respuesta a mi primera propuesta fue excelente, conseguimos llenar todos nuestros espectáculos en el Teatro de la Zarzuela y la respuesta del público fue más que satisfactoria. Estamos haciendo muchas actividades para captar nuevos públicos, actualmente hemos realizado un día de puertas abiertas en el BNE donde todo el público interesado ha podido visitar nuestra sede y conocer nuestras instalaciones y funcionamiento interno. También haremos conferencias sobre la obra “Medea” que en breve recuperaremos en el Teatro de la Zarzuela del 25 de octubre al 4 de noviembre. Estamos continuamente mostrando en las redes sociales a través de vídeos promocionales, como se desarrollan los ensayos de nuestras nuevas producciones.

¿Cómo ha recibido la critica tus nuevas propuestas?
La crítica ha sido diversa, es complicado mostrar en una primera propuesta el objetivo de mi trabajo, la dirección del BNE la comencé hace tan solo un año y ya casi tengo estructurado el BNE como pienso que debe ser, pero lo más importante para mí es el público. Hemos conseguido captar mucho público nuevo que ha salido entusiasmado del Teatro

¿Para ti es importante tener un grupo de bailarines fijos en la Compañía?
Por supuesto, estos bailarines han sido formados y siguen formándose en todos los estilos de la danza española. Tienen que ser bailarines muy completos que puedan defender desde el flamenco, hasta la escuela bolera, el folklore y la danza estilizada, y la única estructura donde se puede afrontar una preparación continua a través de clases diarias y cursillos, es el BNE.

¿Cómo ves las nuevas generaciones de bailarines?
Las nuevas generaciones vienen con una preparación estupenda, sobre todo a nivel técnico, y mi objetivo es que esta gran preparación técnica esté perfectamente equilibrada con una preparación artística. Conseguir que el bailarín transmita a través de su técnica.

¿Cuándo será la próxima presentación de la Compañía en Madrid?¿Con qué programa y dónde?
La próxima temporada del BNE será en el Teatro de la Zarzuela, del 25 de Octubre al 4 de Noviembre.
En esta ocasión he confeccionado un programa de recuperación del repertorio de grandes creadores de la danza española, el programa será:
– Paso a Cuatro, de Antonio Ruiz Soler
– Farruca, de Juan Quintero
– Viva Navarra, de Victorio Eugenia (Betty)
– Jota de La Dolores, de Pilar Azorín en homenaje a Pedro Azorín
– Medea, de José Granero

¿Hay prevista gira?
Después de esta temporada en Madrid, visitaremos Cádiz y Francia, y el año que viene tenemos previstas giras en España, Japón, Latinoamérica y una nueva temporada con nuevo espectáculo en Madrid en el mes de Junio

¿Crees que afectará en la asistencia de público la subida de precios por el aumento del I.V.A.?
Desgraciadamente creo que sí, pienso que el mundo del espectáculo no debería sufrir esta subida ya que, debido a la situación de crisis actual en la que nos encontramos, es muy probable que repercuta directamente en una menor afluencia de público.

¿Cuál es el siguiente proyecto que pondrá en marcha la Compañía?
El siguiente proyecto es la recreación de la obra “Visiones de España” del pintor Sorolla, con dirección y puesta en escena de Franco Dragone, música de Juan José Colomer, y coreografía de Miguel Fuente, Arancha Carmona, Manuel Liñan y yo mismo.

 

 

 

 

¿Has visto algún espectáculo de danza últimamente?¿Qué te pareció?
El último espectáculo de danza que he visto es “Carmen” de Antonio Gades. Me encantó. Define perfectamente el estilo y visión de danza – teatro del gran genio de la danza Antonio Gades y considero que fundamental que exista y se apoyen a compañías privadas que tienen como objetivo defender y mantener el legado de los grandes de la danza española y el flamenco, este legado no puede perderse.