DANIEL DOÑA: En mi universo personal, como creador, hay propuestas más tradicionales y otras basadas en la investigación
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Mi contacto más primitivo con el movimiento fue por necesidad, una especie de obsesión enfermiza por buscar otras formas de expresión mucho más allá de la propia palabra. A estas alturas lo que tengo claro es que podría haber sido en cualquier género de la Danza, pero, culturalmente, Granada, allá por los años 80, estaba mucho más cercana a la Danza Española que a la Contemporánea; creo que esta circunstancia definió mi formación. Pero a lo largo de mi carrera artística he tenido la necesidad de acercarme a otras disciplinas que me han ayudado a desarrollar un registro más amplio, permitiéndome caminar por diferentes lenguajes coreográficos.
¿Qué evolución has hecho a lo largo de este tiempo?…¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Desde que llegué en 1998 a Madrid he estado compaginando la carrera de intérprete con la de creador. Esta dualidad ha significado todo en mi trayectoria artística y debo reconocer que me siento afortunado de poder expresarme en la actualidad de una forma u otra. Como intérprete he formado parte de numerosas compañías del pais y como coreógrafo tuve la suerte de crear una línea de colaboración artística con coreógrafos de Danza Española y Flamenco con los que, además, codirigí compañía. Estos trabajos han sido un laboratorio de creación que me han ayudado a crecer como creador, pero también a comprender el tejido empresarial que necesita una compañía privada profesional. Una vez seguro del terreno que piso es cuando me decido a afrontar la dirección de mi propia compañía con las herramientas necesarias para compaginar los roles de creador y de empresario.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Suelo mantener colaboradores habituales en mis producciones: artistas que conocen, apoyan y respetan mi forma de entender la danza. Siempre lo he tenido muy claro, soy lo que soy gracias al equipo que me rodea. Los escucho, me aportan y suman al concepto de lo que tengo en mi cabeza. También me gusta acercar a mi trabajo a nuevos artístas; creo que esta dualidad es muy positiva, pues nos ayuda a mover nuestras estructuras vitales.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
Me preocupan mucho las nuevas generaciones de bailarines que actualmente están formándose para llegar a ser futuros profesionales, así como las nuevas generaciones que ya forman parte del mercado laboral, a pesar de las pocas oportunidades de que disfrutan para bailar en compañías profesionales. Esto es lo más triste. Verlos salir de los convervatorios perdidos, sin ninguna certeza de poder desarrollarse como profesionales. Son una generación que está sufriendo una desprofesionalización brutal, que se ha acostumbrado a cobrar una miseria, trabajando en unas condiciones que profesionales de cualquier otro sector no aceptarían. Los bailarines que hoy en día terminan el grado superior son profesionales que han hecho, en muchos casos, 14 años de formación. Creo que pocas carreras se prolongan tanto en el tiempo; están tremendamente preparados y con inmensas ganas de bailar (de esta situación también se aprovechan muchos directores).
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Siempre me gusta crear y desarrollar trabajos que me sirvan de aprendizaje, descubrir nuevos caminos que me faciliten herramientas con las que, en un futuro, expresar y transformar mi universo particular a través de distintas expresiones artísticas.
Háblanos del proyecto que presentas en el Flamenco Madrid…
En Flamenco Madrid presento NO PAUSA, un espectáculo inspirado en el «Móvil perpetuo», una hipotética máquina capaz de continuar funcionando eternamente después de un impulso inicial sin necesidad de energía adicional externa. Sin quererlo, NO PAUSA se ha desarrollado como un espectáculo de caracter pedagógico donde se muestra la pluralidad de nuestro patrimonio cultural dancístico, impulsándolo a la actualidad, extrayendo su esencia más vanguardista y así provocar la reconciliación de la tradición con las últimas tendencias de la Danza Española. Para mí hay cierta sensación en lo nuevo y lo desconocido que me resulta fascinante. Me declaro un buscador y es esta curiosidad el motor que me mantiene siempre en movimiento.
¿Cómo están afectando los recortes y el aumento del IVA a tu trabajo?…
Es un auténtico genocidio lo que se está haciendo es este país con la Cultura. El sector de la danza española está cada vez más ahogado, sin visibilidad, con bastante dejadez por parte de algunas instituciones hacia un arte que desde la prehistoria es un lenguaje de comunicación del ser humano. Las compañías privadas hacemos encajes de bolillos para sacar adelante una producción, sin garantías de amortizar el dinero invertido debido a los escasos circuitos de exhibición de los que disponemos. En la Danza Española seguimos dependiendo de que directores de teatros, festivales y programadores tengan la deferencia de incluirnos en sus programaciones. No tenemos ni un festival, ni una bienal, ni circuitos especializados, a pesar de que España es la primera potencia mundial en este arte. Triste, ¿no? Con respecto a la subida del IVA, ya se comprobó en otros paises que no sirvió más que para dejar los teatros vacíos de público; sin embargo, aquí nos empeñamos en seguir con este modelo que ahoga, que nos aleja de la Cultura. Esto dice mucho del respeto que tiene por la Cultura nuestro actual gobierno…SPAIN IS DIFERENT.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
En la actualidad, el riesgo en sí mismo es poner en pie un espectáculo de Danza en España. Por eso respeto a todos los creadores que se expresan y arriesgan sin plantearse hasta dónde «les permiten llegar», que luchan sin prejuicios hasta donde quieren. En mi universo personal, como creador, hay propuestas más tradicionales y otras basadas en la investigación en diferentes conceptos que, de una forma u otra, me interesa confrontar con el público. Gran parte de este público no pide que el espectáculo lo divierta, sino que lo haga pensar y disfrutar del misterio oculto en cada trabajo coreográfico.
¿Qué referentes tienes en la danza internacional?…
Pues la verdad es que prefiero hablar del producto nacional, un ejemplo muy claro es Israel Galván. ¡¡¡UN GENIO!!! No es que no tenga referentes internacionales, pero es que es muy español buscar fuera de nuestro país la excelencia y nos olvidamos de que para muchos bailarines internacionales sus referentes están en España.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado?…¿Por qué?…
DESH de Akram Khan. Me fascina la trayectoria creativa de este coreógrafo que, procediendo de la danza bengalí, ha encontrando su propia voz coreográfica en la mezcla de esta con la Contemporánea y ha llegado a trabajar con coreógrafos e intérpretes tan dispares como Sylvie Guillem en el dúo Sacred Monster o Israel Galván en Torobaka. ¡¡¡Tres fuera de serie!!!
¿Proyectos?…
Actualmente ya estoy haciendo trabajo de mesa para el proyecto que estrenaré en 2016: VÉRTIGO. Un espectáculo multidisciplinar basado en la relación entre personas desconocidas. Todavía no puedo adelantar mucho, pero después de dos años madurando la idea ha llegado el momento de dar un paso más como creador y, por supuesto, como compañía.
Más allá del flamenco en Panorama Andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla
El miércoles 12 de noviembre a las 20.30h en el Teatro Lope de Vega, dentro de la sección Panorama Andaluz del Festival de Cine Europeo de Sevilla, se estrena el largometraje Más allá del Flamenco (Beyond Flamenco), un documental dirigido por Javier Vila y producido por Producciones Cibeles, Flamenco Festival y Javier Vila Film Produktion con la coproducción de Canal Sur TV.
“Más allá del Flamenco (Beyond Flamenco)” es un viaje a través de los límites geográficos y artísticos del flamenco para descubrir lo contemporáneo que es este arte. Dentro de los muros del Sadlers Wells de Londres, templo europeo de la danza contemporánea, las barreras entre tradición y vanguardia se diluyen y las fronteras entre disciplinas se superan. Farruquito, Estrella Morente, Tomatito, Yerbabuena, Israel Galván, Rocío Molina junto a la pianista Sylvie Courvoisier (Suiza); los bailarines y B-boys Sébastien Ramirez (Francia) y Honji Wang (Berlín), el coreógrafo Akram Khan (Londres) y el violinista Vladimir Dimitrenko (Moldavia) son algunos de los protagonistas de esta historia coral en torno al flamenco hoy día.
Más info en: http://www.danza.es/actualidad/estreno-del-documental-201cmas-alla-del-flamenco-beyond-flamenco/
ENCUENTRO con ISRAEL GALVÁN y AKRAM KHAN
JUEVES 26 DE JUNIO, 11 horas
TEATROS DEL CANAL, SALA NEGRA (Cea Bermúdez, 1)
Con motivo del estreno en España de TOROBAKA, que tendrá lugar en los Teatros del Canal del viernes 27 al domingo 29 de junio.
El Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid presentará el próximo jueves, 26 de junio, a las 11:00, en la Sala negra de los Teatros del Canal (Cea Bermúdez, 1), un encuentro para prensa y público (con entrada libre hasta completar aforo) con los artistas Israel Galván (reciente ganador de tres Premios Max de las Artes Escénicas al Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Coreografía y Mejor Intérprete Masculino de Danza por su obra Lo Real) y Akram Khan (uno de los máximos y más inquietos exponentes de la danza contemporánea británica). La conversación estará moderada por el periodista y crítico de danza Omar Khan.
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¿Cómo surge el proyecto que presentas en la edición de este año de Madrid en Danza?¿De qué va la obra?…
Brutal Love Poems es mi última creación, una pieza para cuatro bailarines. Se ofrece en un mismo programa con Watch Me, que es un duo también creado por mi, y junto a SIN de Joan Clevillé, un joven coreógrafo catalán que lleva muchos años trabajando fuera. Las tres coreografías comparten como hilo conductor el amor y las relaciones personales, aunque cada una desde una perspectiva. Brutal Love Poems es una investigación abstracta que evoca un estado emocional mientras que en Watch Me el acento lo pongo en la mirada y la percepción que tiene el espectador (el estreno es en Madrid). Me interesa representar las relaciones de pareja y examinar las cosas más paradójicas que se pueden dar dentro de ellas, sensaciones, sentimientos, frustraciones, odios, conflictos,…
¿Cómo fue el proceso de creación de la misma?…
Ha sido bastante metódico y ágil y, como siempre, también muy fisico, ha habido unos cuantos golpes y lesiones por el camino. Hemos hecho un album en el facebook con fotos de todo ello, hasta el punto de que he recibido un email de mi madre preguntandome qué estaba haciendo con los bailarines…
¿Qué opinas de la programación de este año de Madrid en Danza?…
Es muy interesante, aunque nosotros coincidimos con Akram Khan y no voy a poder ir a verlo, una lástima.
¿Qué función crees que ha de tener hoy la creación contemporánea para la sociedad en la que vivimos?…
Creo que es esencial para nuestro bienestar que exista la creacion, que vayamos a ver lo que otros presentan. Nuestra capacidad de reflexionar sobre quienes somos, y por qué hacemos las cosas que hacemos es imprescindible, porque si no dejamos de pensar y solo funcionamos, consumimos, destruimos.
¿Qué te motiva o inspira para poner en marcha tus proyectos?…
No lo se, es una necesidad. Es como una ligera obsesión de presentar cosas a traves de la danza a la gente. Creo en la capacidad comunicativa de la danza a través de la fisicalidad y lo quiero compartir.
¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
No ha sido últimamente, pero aun retengo un espectáculo de Israel Galván de hace un par de años. También me encanta la facilidad de crear movimiento de Hofesh Sechter, la capacidad creativa y constructiva de Lloyd Newson y más recientemente Lali Aiguadé me ha impresionado por su fisicalidad y capacidad como bailarina en un solo hecho para ella por Marcos Morau.
¿Cómo ves las nuevas generaciones de bailarines y creadores en nuestro país?…
Hay mucha calidad.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
No lo hagas si no lo crees, no es momento para vacilar!.
¿Proyectos?…
Mil, y espero poder llevar a cabo un par. Estamos con una Medea ya en marcha, y con una Alice bastante surrealista para todo la familia, un entorno relativamente nuevo para nosotros. Cuando entramos por primera vez en este campo nos daba un poco de miedo, pero nos gusta el público joven porque es honesto, y de verdad que el contenido dancistico de los espectáculos familiares es el mismo que en los de adultos en nuestro caso; a veces los niños captan cosas mas abstractas que los adultos…
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¿Cómo llegas a la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje entre flamenco y contemporáneo?…
Estudié ballet clásico desde los cuatro hasta los catorce años en Tanger, mi ciudad natal. Ya en Madrid, con 27 años y dos hijas, comencé a tomar clases de danza contemporánea, simplemente por hacer alguna actividad, sin soñar siquiera que mi vida, a partir de entonces, iba a estar ligada a la danza. Mi maestra Teresa Trujillo me animó, me tuteló y casi me obligó a seguir formándome y desarrollándome como bailarina y como coreógrafa.
Mi lenguaje se ha ido definiendo de manera puramente intuitiva, acercándome a creadores del ámbito del flamenco, observando, escuchando, y dejándome empapar de la energía, los ritmos y los quiebros de la danza española.
¿Qué balance haces del recorrido de En Compañía?…
El balance ha sido muy positivo, tanto a nivel artístico como empresarial… hasta estos momentos, en que seguir creando y generando empleo se ha convertido en un lujo al alcance de muy pocos, casi una extravagancia.
¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
A nivel artístico, la compañía ha ido abordando proyectos cada vez más “ambiciosos” en cuanto a diseño de producción, proceso que culminó en 2010, con la presentación de TACITA A TACITA, un espectáculo de gran formato con 16 intérpretes en escena. A partir de ese año, y debido a la coyuntura económica por la que estamos pasando, me he visto obligada a volver a plantear trabajos más reducidos en cuanto a número de intérpretes y requerimientos técnicos, como PETÍ COMITÉ, el último espectáculo de la compañía.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?… .
“En Compañía” es una declaración de principios. Trabajar en equipo es fundamental para mí y para mi manera de entender un proceso creativo. Tener unos colaboradores habituales supone ir conformando una imagen, un estilo, una línea de trabajo con personalidad propia. Mi equipo está presente en cada proyecto desde el minuto cero, porque creo que lo más importante en cualquier proceso artístico es que las energías y la creatividad vayan enfocadas en un mismo sentido y que se desarrollen en un paisaje común.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos y talleres siempre que se me requiere para ello. En ellos intento transmitir a los alumnos el placer de bailar contagiándoles mi manera de entender la danza, haciendo hincapié en la expresividad, pero siempre desde la importancia de la técnica, elemento imprescindible en cualquier expresión artística.
¿Qué ha significado la concesión de los cuatro Max a Tacita a tacita?…
El reconocimiento al trabajo bien hecho, la íntima satisfacción de comprobar cuánta gente se ha alegrado conmigo por estos premios y un poco de visibilidad para la compañía, tan necesaria en estos momentos en que el sector está prácticamente ausente de todos los circuitos de exhibición.
¿Crees que te va a ayudar estos premios para poder seguir trabajando y produciendo?…
He tenido la suerte de que mi trabajo ha sido premiado en diversas ocasiones. Este hecho nunca ha tenido una relación causa – efecto directa. Después de 22 años de compañía, con cada proyecto he tenido la sensación de tener que empezar de nuevo, volver a demostrar, convencer, luchar con las instituciones, los exhibidores, los gestores… Pero no cabe duda de que los premios dan prestigio a la carrera de un artista, aunque no influyan directamente en una mayor contratación o en un aumento de los recursos a la hora de producir.
¿Cómo ves el panorama de la danza flamenco-contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
En mi opinión, la verdadera danza contemporánea de este país radica en el trabajo de algunos creadores que, partiendo del código de la danza flamenca están desarrollando un lenguaje escénico absolutamente contemporáneo (e incluso en algunos casos casi futurista, como Israel Galván). Rocío Molina, Manuel Liñán, Olga Pericet, Belén Maya, son sólo un ejemplo de esta generación de “jóvenes flamencos” punteros en cuanto a la creación de nuevos conceptos y lenguajes escénicos.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
De alguna manera todas mis propuestas parten de mi propia experiencia personal, de mis propios conflictos, fantasmas, emociones… Me interesa indagar en las relaciones personales, la memoria, el paso del tiempo, la complicidad, la soledad… en definitiva, temas que conectan con el imaginario colectivo.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Siempre parto de un germen muy pequeño, muy sencillo. Un personaje, una situación, un concepto, una música… A partir de ahí diseño el paisaje en el cual va a desarrollarse la acción. Muchos meses de trabajo de mesa, en solitario por un lado y con el equipo por otro, definiendo los contenidos, el guión, las músicas, los ambientes… en definitiva, el “contenedor” del proyecto. Luego suelo trabajar tres meses en el estudio con los bailarines, creando la coreografía, es decir, el “contenido” del espectáculo.
¿Tienes proyectos entre preparación?…Háblanos de ello…
En este momento estoy en la fase de trabajo de mesa de una nueva propuesta titulada VIS A VIS. Es un proyecto con una pintora malagueña, María Bueno. El mayor hándicap con el que me encuentro es la falta de financiación para el proyecto, ya que las únicas ayudas a la creación a las que podemos optar las compañías madrileñas son las de la Comunidad de Madrid. La convocatoria de este año aún no ha sido publicada y por la información que ha trascendido, me temo que, aún en el caso de que las convoquen, los requisitos van a ser tan draconianos, que más que una ayuda pueden convertirse en el desencadenante de una debacle económica para las compañías.
¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro y danza?…
El aumento del IVA, como ya demuestran las cifras de taquilla del año pasado, ha supuesto un varapalo para la afluencia de público a los teatros, para la contratación, y para los presupuestos internos de las empresas artísticas. Los recortes afectan al producto artístico en todas sus fases. Desde el recorte de las ayudas públicas que hacen que contemos con menos recursos para producir y girar, hasta la desaparición de circuitos y festivales, el cierre de teatros, el aumento de contratos a taquilla, etc. Pero lo más grave me parece el hecho de que, amparándose en la coyuntura económica, se haya abandonado a las pequeñas compañías a su suerte, con un desprecio flagrante hacia cualquier producto que no sea comercial.
Cante y baile
Eva la Yerbabuena, Jesús Carmona e Israel Galván actuarán este verano en el Festival del Cante de las Minas
El legendario tablao flamenco de El Corral de la Morería, sede del Cante de las Minas en la capital de España, ha sido el escenario perfecto escogido por la organización del Festival Internacional para presentar la programación que va a ofrecer este próximo verano, del 1 al 11 de agosto, y que cuenta con un cartel de auténtico lujo. El día 1 será la jornada inaugural, en la que tras el pregón del periodista y poeta Antonio Lucas, se producirá la presentación en España del grupo Flamenco Roots (Raíces Flamencas), surgido del reciente viaje a la India y compuesto por músicos flamencos y rajastanies. Para finalizar la velada, tendrán lugar las actuaciones de los ganadores del Festival de 2012, con el bailaor Jesús Carmona (El Desplante) entre ellos. El día 2 de agosto comenzarán las galas flamencas, correspondiendo la primera de ellas a Eva la Yerbabuena, a la que seguirán por este orden Vicente Amigo (día 3), Diego el Cigala (día 4) y Argentina e Israel Galván (ambos el día 5). Pondrá el broche de oro a las galas la actuación el día 6 de agosto de Miguel Poveda, figura homenajeada en la presente edición del Festival al cumplirse los veinte años de su gran triunfo en La Unión, pues fue en 1993 cuando se alzó con la Lámpara Minera en el Antiguo Mercado Público. A partir del día 7 la Catedral del Cante acogerá durante tres jornadas consecutivas las semifinales de los concursos de cante, guitarra, baile e instrumentista flamenco, de los que saldrán los finalistas que el sábado 10 de agosto lucharán en la gran final por conseguir los codiciados trofeos del certamen de Las Minas.
Festival Internacional de Granada, cita ineludible con la danza y la música a comienzos del verano…
Les Ballets de Monte-Carlo, el Ballet Nacional de Marsella, la CND, Tamara Rojo e Israel Galván, entre las propuestas de la 62 edición del Festival.
Lo Real/Le Réel/The Real de Israel Galván en el Teatro Real
Israel Galván ya ha cruzado la frontera del flamenco…ha dado un salto al vacío en su trayectoria para descubrir un lenguaje personal, único e intrasferible. En Lo Real prolonga su sombra artística muy lejos, hace cohabitar música, danza, performance, instalación plástica y a pesar de ser piezas de distintos puzles, encajan perfectamente porque la genialidad de Israel Galván las pone en sintonía. Lo Real es un espectáculo complejo, conceptual y de una emoción profunda…Durante la representación se marcharon algunos espectadores del teatro, estoy seguro que se debió a la imposibilidad de digerir la multiplicidad de signos poéticos y dramáticos que se desarrollan en escena. Aparentemente siempre está trabajando sobre un lenguaje semenjante pero no es así, en cada propuesta, este transgresor del flamenco, reinventa una cultura milenaria que tenía que encontrar la comunicación con los espectadores de estos tiempos compulsos que vivimos.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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