Cervantes en la Biblioteca Nacional
La Biblioteca Nacional en Madrid, está acogiendo muchos eventos escénicos, hace unos días se cerraba el ciclo Transfusiones escénicas con la presencia fascinante del trabajo de Mónica Valenciano y Claudia Faci. Y esta semana se inaugura una excelente exposición dentro de los actos conmemorativos de Cervantes:
http://www.bne.es/es/Colecciones/Cervantes/
Vida laboral en Idem 2015 de La Casa Encendida
¡Esto no pretendía ser un espectáculo!…Aclaró Claudia Faci en el encuentro posterior a la muestra del taller que se ha desarrollado dentro de Idem con personas mayores de sesenta años. Durante una semana, ella y Raquel Sánchez han tratado de realizar actividades lúdicas alrededor de lo que pudo ser la vida laboral de los participantes pero, inevitablemente, la vida que han vivido se colaba sutilmente. Como uno de los participantes dijo…»Han sacado de nosotros, colores que no sabíamos que teníamos y con esa paleta, han pintado momentos en la escena». Es tan necesario, este tipo de propuestas, para los que lo hicieron como para los que lo hemos podido ver, más allá de si el momento en que nos asomarnos es de una fragilidad e improvisación total, poco importa, lo que nutre es la ocasión de ver como se escuchan, se miran o realizan secuencias de gran complicidad, sin pretensiones, sin carga de esnobismo ni ego. Ay! cuantas veces me gustaría ver esa naturalidad y generosidad en escena, en muchos trabajos que se mal llaman: profesionales.
Adolfo Simón
Programas dobles sin límites
Sigue el curso del viaje al lugar sin límites programado en el CDN…Esta semana se han presentado dos programas dobles donde han coincidido en propuestas escénicas los artistas La Ribot, Juan Dominguez y Juan Loriente en El triunfo de la libertad y María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca en Hacía un ruido. Ambas propuestas se vieron y oyeron en el Teatro Valle Inclán. La primera, radicalmente conceptual, consistía en un texto narrativo proyectado en cuatro pantallas donde se podía leer en inglés y castellano, un texto sobre la cotidianeidad de unos seres durante varias décadas de existencia. Tras el descanso, una sesión de poesía contemporánea rapeada con ruido de fondo. Dos espacios creativos tratando de empujar la frontera de la creación plasticoteatral.
En el programa llevado a cabo en Teatro Pradillo: Impromptus: Dos propuestas sobre el amor creadas a partir de los talleres realizados por Elena Córdoba y Claudia Faci fuímos huéspedes de espacios sensoriales y emocionales…en el de Elena…Bist du bei mir(Si tú estás conmigo)…Fantasía sobre el cuerpo enamorado la intensidad en el cuerpo expuesto y la tranquilidad de la escucha como motor para amar y en Los trabajos del amor de Claudia… el abismo de la piel en estado salvaje.
Adolfo Simón
CLAUDIA FACI: Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor.
¿Cómo fueron tus inicios en la danza?¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Pertenezco a una saga de bailarinas así que me inicié en la danza a la vez que en todo lo demás. Y luego, como en todo lo demás, fui desarrollando mi propio punto de vista. Después de haber pasado gran parte de mi vida subida a un escenario, de haber bailado de muy distintas maneras y de haber participado en todo tipo de producciones tanto de danza como de teatro debo confesarte que tengo serias dudas acerca de la posibilidad de que existe realmente un lenguaje personal. El lenguaje es una convención, es algo que repetimos y copiamos constantemente. En realidad, no hay nada nuevo en lo que yo hago. Es todo una cuestión de foco y de cómo cada cual administra lo que hay pero no creo que estemos inventando lenguajes. Y es precisamente esto lo que me sigue fascinando del teatro y de la danza, que siendo lo mismo, sigue siendo pertinente realizar la ceremonia de ofrecerse a la mirada y a la presencia de los otros. Lo que nos diferencia a unos de otros es lo que perseguimos con nuestro trabajo, lo que nos mueve y lo que queremos que haga, pero eso no es una cuestión de lenguaje.
¿Qué evolución has hecho a lo largo de este tiempo? ¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Durante este tiempo simplemente he vivido. La vida, o parafraseando a Jose Luis Pardo, esa inclinación a la muerte que hace que merezca la pena vivir, es un proceso continuo de transformación y pérdida. Supongo que lo que he hecho en estos años no ha sido tanto ganar como perder, no tanto conquistar como rendirme. No me refiero a tirar la toalla, ni a agachar la cerviz, ni a aceptar imposiciones de ninguna clase, eso jamás, hablo de aceptar asumir cierta responsabilidad. Eso es lo que más ha cambiado a lo largo del tiempo. Por lo demás, creo que no hecho otra cosa que insistir sobre lo mismo, de distintas maneras, desde distintos lugares, pero siempre en la misma búsqueda.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico? ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Lo importante es sacar adelante el proyecto que una tiene entre manos y trabajar lo más a gusto posible; si para ello conviene más repetir colaboración o encerrarse a trabajar sola o introducir agentes nuevos, es cosa de cada proyecto y de cada individuo.
Hace ya mucho tiempo que Roland Barthes se dio cuenta de que “el autor” había muerto. Esa figura inventada e impuesta por el patriarcado no me sirve para nada. Yo hago la mayor parte de mi trabajo sin nadie alrededor, es más, cuanto más lejos mejor, pero en realidad no puedo decir que trabaje sola porque estoy llena de tanta gente que si tuvieran que hacerse presente todos, entre vivos y muertos no cabrían en ninguna sala. No me creo lo de tener una voz propia, ni siquiera podría asegurar que mi cuerpo es mío. Tampoco tengo ninguna pretensión de propiedad sobre nada de lo que hago. Como todas, soy una acumulación de voces ajenas, de encarnaciones prestadas y de referencias robadas. El proceso de creación es en sí mismo una confluencia de subjetividades que me atraviesan, una superposición de cuerpos, una mezcla de espacios. Por tanto, para mí, un proceso de creación, aunque transcurra sin cruzarse con ser humano alguno, solo es posible como colaboración, como proceso de disolución en el que desaparezco por completo como sujeto individual y mis límites se vuelven difusos.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…? ¿Cuáles son los objetivos?
Para empezar procuro que los asistentes entiendan que aquello no va de una que dice cómo se hacen las cosas y los demás obedecen sino de trabajar juntos para descubrir algo que nunca sabemos de antemano qué será, solo sabemos que lo que nos une es el interés por todo lo que tiene que ver con la creación escénica. A partir de ahí, lo que pase dependerá de las necesidades concretas de las personas que formen el grupo. Yo no tengo nada que enseñar a nadie, lo que tengo es una experiencia que compartir y lo hago con sumo placer. En cada caso trato de encontrar la manera que más le aproveche al interlocutor pero siempre hay un espíritu común; algo que tiene que ver con desterritorializar, con abolir fronteras y sobre todo con ampliar el punto de vista sobre el hecho escénico.
¿Cómo ves el panorama de la danza en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
¿El panorama de la danza? ¿Existe tal cosa? Puedo decirte que si miro a los artistas se me llena el corazón de amor y entusiasmo, si miro a los agentes del Régimen (ministros, programadores, directores artísticos, directores generales, consejeros, concejales) se me encoge tanto que me invade la náusea.
Me interesan particularmente los colectivos de jóvenes que han recibido inputs bien diferentes a los míos. Gente que al crecer en un mundo que se tambaleaba y en el que a nadie le importaba un carajo lo que viniera detrás han tenido que buscarse la vida no solo para hallar respuestas sino – y sobre todo- para encontrar las preguntas. Personas que han llegado a interesarse por lo escénico no como oficio o profesión -o no sólo- sino como parte de un proceso de subjetivación.
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Persigo lo que desconozco, lo invisible, lo que en primera instancia parece imposible. Dependiendo de la ocasión, le pongo un nombre u otro pero a estas alturas la dirección está bastante clara.
Háblanos del proyecto que presentas en el Festival de Otoño a Primavera.
Por todo lo que he venido respondiendo hasta aquí creo que conviene aclarar es que lo que presento no es un espectáculo de danza. Yo no tengo ningún interés en establecer la diferencia entre disciplinas porque lo que hago no responde a ninguna pero en este caso, digamos que la pieza dialoga con el teatro. En concreto con el repertorio universal. Se trata de una propuesta basada en los Acreedores de Strindberg en cuyo título he introducido un guión (A-creedores) para no llamar a engaño haciendo creer a nadie que va a ver representado el texto del autor sueco tal cual, a la manera tradicional. Ese guión que desvía el sentido de la palabra también desvía el curso de la obra. Y cuando nos desviamos solemos acabar en un lugar distinto al previsto. A-creedores es un intento de plantarle cara al repertorio. El repertorio es esa instancia característica del patriarcado que designa las obras que deben formar parte del relato oficial de la historia. El repertorio pertenece al mundo de los hombres y de las pollas y August Strindberg es una de las figuras que más me interesan de ese mundo. El reto principal que me ha planteado este intento ha sido encontrar la manera de plantarme frente a la autoridad patriarcal y decirle: “tus preguntas no son las mías, no te atrevas a intentar secuestrarme en tu subjetividad, tus malentendidos son tu tumba y te has metido en ella solito así que tú verás cómo sales… Mientras haces tus cosas yo te espero en la fiesta. ”
No quiero des-velar nada más porque adoro los secretos y porque lo que propongo es una experiencia estética; algo que no se puede apresar ni aprehender ni comprender a través de las palabras. Solo diré que si estamos hablando de esto es porque Fernanda Orazi, Pablo Messiez y yo queríamos hacer algo juntos y la cosa acabó tomando estos derroteros.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a tu trabajo?…
Supongo que los que nunca hemos tenido nada más que nuestra imaginación para inventarnos y nunca contamos con papá estado para llevar a cabo nuestras tareas, lo acusamos de manera diferente que aquellos que dieron por sentado que su lugar en el mundo tenían que facilitárselo las autoridades competentes. Yo nunca he pedido permiso para hacer lo que hago y ni voy a dejar de hacerlo ni pienso participar en los debates estériles que el Régimen nos lanza cual cebos para que acabemos por abandonar la que en verdad es nuestra tarea. La cuestión de la cultura y el arte no tiene tanto que ver con el IVA y con todas esas patrañas con las que se entretienen tanto los medios oficiales.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Respondo con una cita: “… yo me pregunto en qué pensará la gente cuando dice que un trabajo es arriesgado. ¿A qué riesgo se refieren?, ¿al de que nunca más te programen en una sala?, ¿al de dormir debajo de un puente? ¿o al de que te de un infarto del subidón? ¿Cual les parecerá más grave?».
Yo no tengo miedo a hacer mi trabajo. Me siento responsable de decir y hacer ciertas cosas y no me pesa. Hago lo que hago, por amor. No me puedo hacer cargo de ansiedades ajenas y menos de aquellas producidas por la sumisión a la subjetividad heteronormativa, patriarcal, burguesa y decadente. Cada una elige de qué es esclava y yo lo soy de otras cosas pero no del miedo. Por otra parte, no concibo la creación sin riesgo. Sería como follar si cuerpo o algo así. Para mi no solo se puede sino que se debe.
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la cultura?…
Que desaparecieran discretamente cuanto antes.
¿Qué espectáculo de danza has visto últimamente que te haya interesado? ¿Por qué?…
Este tipo de preguntas me acojonan porque no me fio de mi memoria y porque odio un poco confundir las cosas con los nombres. Suelto lo primero que me viene a la mente: me ha interesado mucho FLACO-MEN de Israel Galván. Me parece un ejemplo extraordinario de rigor en la creación y de generosidad con las personas que van a verle. Finalmente, el hecho teatral más simple –y al que más atención presto yo- es el encuentro con las personas que llenan un teatro y ahí es donde se juega todo. Israel ha encontrado la manera de hacer de ese encuentro una especie de oportunidad para la revelación, para explorar ciertas experiencias físicas que solo pueden darse en el teatro.
Episodios (Temporada 25) de 10 & 10 DANZA / MONICA RUNDE dentro de Madrid en Danza
Mónica Runde convocó a cinco creadores para armar una obra conmemorativa…25 años en la brecha. Cada autor ha desarrollado una fantasía propia usando el cuerpo de la creadora, ella se sumergió en esos cinco universos para recopilar el tiempo y mirar al futuro. Cuatro creaciones…
Laféeverte de Pedro Berdäyes, La hora del Té de Carmen Werner, No quiero olvidar de Luis Luque y Oro de Daniel Abreu. Claudia Faci ha creado los eslabones que aglutinan este material al dirigir la obra. Mónica, de nuevo, arriesga y esta vez sola. Cuando otros creadores conmemoran haciendo balance y recuperando las piezas que mejor funcionaron, ella se propone un doble salto mortal…Trabajar sola y dejarse en manos de artistas de diferentes procedencias, para contaminarse, para nutrirse de otros imaginarios. Y sale airosa con esta decisión, consigue un trabajo complejo y austero, duro y libre…Una manera honesta de decir…Hasta aquí hemos llegado y todavía queda mucho camino por andar.
Adolfo Simón
MÓNICA RUNDE-10 & 10: Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.
¿Cómo llegas a la danza contemporánea?…
Bailando la Bella Durmiente… me dí cuenta que eso era lo que NO quería hacer. Asi que un poco por la necesidad de contar cosas con un lenguaje propio, o al menos que yo sintiera que era más mío que el ballet clásico.
¿Cómo fue surgiendo tu personal lenguaje en el escenario?…
Poco a poco, escuchando mi cuerpo y dejándome llevar por el y por lo que quería contar. En el fondo y la forma el lenguaje de un coreógrafo contemporáneo está muy unido a la particular escritura de su cuerpo y como este se mueve.
¿Cómo surge 10 & 10?…
Éramos un grupo de buenos bailarines trabajando juntos en una compañía en la que no nos era posible desarrollar nuestras inquietudes como creadores y donde estábamos cada uno de nosotros demasiado encasillados en determinados papeles como intérpretes. Necesitábamos crear e interpretar otras cosas. Eso unido a que Pedro Berdäyes decidiera presentarse al Certamen Coreografico de Madrid y ganáramos el primer premio nos dio el impulso para crear nuestra propia compañía. También que en Madrid en aquella época se respiraba creatividad en las artes escénicas en general y desde las instituciones se fomentaba e impulsaba en particular a la danza contemporánea. Apareció el Festival Madrid en Danza, la Sala Olimpia y su Danza en Diciembre, el Certamen Coreográfico por donde pasaron casi todos los coreógrafos del país… era el cultivo perfecto para que naciéramos.
¿Qué balance haces de los veinticinco años de 10 & 10?…¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de este tiempo?…
Es muy dificil hacer balance positivo desde una compañía de danza contemporánea española sin hacer comparativas con otros países europeos o americanos (¿y si hubiéramos fundado 10 & 10 en Alemania, o Francia, o Méjico, o Brasil…?) y no caer en la queja, pero siempre intento ser positiva.
Cronológicamente:
Tuvimos la suerte de triunfar con el primer programa, de formar parte de esa nueva danza de España a la que se apoyaba tanto desde las instituciones de España y en nuestro caso Madrid (*) como desde los festivales internacionales europeos. Apoyos casi desde el inicio a nivel institucional (INAEM y CAM), como particular (Lola de Ávila nos cedió parte de su estudio para ensayar a diario durante años hasta que cerró la escuela María de Ávila en Madrid). Los noventa fueron años de muchísima exhibición en Europa y de abrir camino en España. En el 2000 llegó el Premio Nacional que nos ayudó a seguir adelante gracias a la aportación económica que traía bajo el brazo. Entonces ya teníamos nuestro propio local de ensayo lo que nos dio una gran libertad para concebir escenografías más espectaculares (teníamos donde almacenarlas y al tiempo poder ensayar con ellas), tener un elenco estable y por lo tanto la posibilidad de ”rodar” con muchos programas a la vez.
Pero las ayudas cambiaron con la entrada en la CEE y el tipo de estructura que las compañías teníamos planteado pasó a ser dificil de mantener. La suerte de cruzarse en nuestro camino nuestra otra gran mecenas, Cristina Rota, que nos ofreció residencia en el Centro de Nuevos Creadores – Sala Mirador. La mudanza significó seguir teniendo un lugar donde ensayar a diario, un local donde estrenar y por fin hacer temporada – en lugar de los dos o tres días de cuando te programan en un festival-pero también trajo el deshacernos de una gran cantidad de escenografía (económicamente no nos podíamos permitir pagar un almacén y tampoco nos interesaba sino podíamos utilizarla en el diario). Rota apostó muy fuerte por la danza contemporánea, hicimos temporadas de un mes, creamos festivales y un lugar donde compartir espacio con el teatro, pero a mediados de los 2000 han vuelto a cambiar, bueno en este caso a menguar y algunas desaparecer, las ayudas a la danza y tanto 10 & 10 como la Mirador tenemos que buscar la manera de flotar dentro de este caos. Eso nos ha alejado a nuestro pesar, obviamente las Salas llenan más con temporadas teatrales que con la danza. El público de danza a bajado un 50%, es un hecho.
25 años de creación, de abrir caminos, de crear lazos con otros creadores aquí y allá, a un tiempo, sentir que estas empezando de nuevo cada año y que cuando entras en ciertas instituciones y círculos te siguen mirando con cierta condescendencia y me encantaría que me miraran como una creadora con 25 años de carrera o una intérprete con 35 y la mirada fuera más respetuosa, creo que me lo he ganado.
Anyway, la danza sigue sin tener su sitio en este país.
¿Es importante tener colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿En qué medida participan del proceso de creación?…
Para mi el proceso creativo es lo mejor de una producción, gestar lo que será y las reuniones con el equipo artístico.
El equipo creativo es fundamental y participan al 100% en el proceso de creación. Una idea genial de escenografía o vestuario o luz o música o…puede definir el camino a seguir, incluso el detonante de la coreografía. A mi me gusta trabajar con el equipo antes de encerrarme en la sala de ensayo con los bailarines porque se que me van a regalar un montón de ideas que luego desarrollaré en el estudio.
Me gustan mucho esas reuniones de trabajo de exponer ideas y ver como te las rebotan mejoradas, ampliadas, dadas la vuelta… y esas cenas de después – en las que sigues hablando de la creación – no tienen precio.
También es verdad que en el proceso con los bailarines se siguen gestando cambios, en los que tanto ellos como el equipo artístico participan.
Impartes cursos habitualmente…¿Cómo enfocas el trabajo en ellos…?¿Cuáles son los objetivos?…
Imparto cursos a colectivos muy distintos eso hace que el enfoque sea distinto en unos u otros. No es lo mismo impartir una clase o un taller a actores, a bailarines o a futuros pedagogos (el caso de los cursos que imparto en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila). Llevo más de 35 años impartiendo clases y con los años he aprendido la importancia de traspasar la experiencia, a veces es más importante eso que enseñar la técnica precisa de un movimiento o teoría de la composición.
Antes preparaba las clases al milímetro, ahora primero tanteo el grupo intuyo sus necesidades y desde ahí desarrollo el curso. Hace años que no preparo un curso y me dejo llevar por las necesidades del grupo.
¿Qué utilidad han tenido los premios en tu carrera?…
En este país los premios tienen poca utilidad, te dan una gran alegría cuando los recibes y suelen sacarte de atolladeros económicos, como fue el caso del Nacional de Danza que consiguió que no cerráramos la compañía y pudiéramos pagar las deudas que teníamos en ese momento. Al ser casi todos ellos anuales es como ser algo protagonista ese año, al siguiente ya pasó y la banda y la corona pasan a otra cabeza y otro hombro. Me gustaría que esos premios fueran un reconocimiento de verdad a qué has hecho y un respeto a tu obra.
En general creo que en este país te reconocen en un momento dado tu perseverancia, pero esos mismos que te entregan el premio es más que probable que no hayan visto más que uno o dos (con suerte) de tus trabajos. Por supuesto hay excepciones.
¿Cómo ves el panorama de la danza contemporánea en nuestro país?¿Qué colectivos te interesan?…
No es el mejor momento, pero tampoco es el peor como le gusta decir a algunos.
Ayer leí en el anuario de la SGAE que las funciones de danza han caído un 50 por ciento, junto con la recaudación y el número de espectadores. Eso si que es preocupante porque toda la labor de conseguir unos espacios de exhibición y un público que hemos hecho las compañías a lo largo de los años ha desaparecido en un plís plás.
Si está peor la implicación de las instituciones, tienen menos presupuesto, pero sobre todo menos interés. Somos en cierto modo el I+D+I de nuestro sector y ahora la prioridad en todos los campos es lo que es económicamente efectivo al instante.
Si no interesa la investigación en ciencia o medicina como va a interesar en artes escénicas.
Nunca hemos tenido los apoyos que otras compañías europeas tienen en sus países ni el mismo respeto como creadores y ahora…menos.
Como te he dicho, siempre han interesado los colectivos que por algo reciben ese adjetivo, colectivos…
¿Qué temas o propuestas te seducen a la hora de poner en pie un proyecto?…
Ahora mismo aquellas en las que vaya a disfrutar como creadora o como intérprete. Como creadora he necesitado hablar del ser humano, de la persona como indivíduo y ser social. Eso me llevó a hablar de temas como las drogas (su abuso, adicción y la repercusión en las personas del entorno); el amor homosexual y la no aceptación por la sociedad; el maltrato a la mujer dónde me centre en el maltrato psicológico que no deja huellas en el físico pero destroza la psique de un ser humano; la emigración y el exilio y ese desgarro que crea no pertenecer a ningún país y perderlo todo en el camino… he sido una coreógrafa con un compromiso con el ser humano ”humillado”, compromiso del que me siento muy orgullosa y continuaré creando en ese sentido, aunque no sea «moderno” y no guste al programador de turno. Es mi naturaleza y me puede. Antes de una manera más narrativa, ahora desde las imágenes y la abstracción, pero me doy cuenta que la temática sigue siendo la misma. ¡Que cosas!
He redescubierto el placer de ser dirigida y creo que ese es mi proyecto inmediato. Asi que si alguien necesita una intérprete en la cincuentena…estoy a su disposición.
¿Hay un proceso o plan de trabajo que sigues habitualmente cuando empiezas un nuevo trabajo?…Háblanos de ello…
Basicamente empiezo con mesas de trabajo con el equipo artístico, búsqueda de financiación para ver que se puede hacer de toda esa propuesta creativa, encierro en el estudio con los intérpretes y estreno. Por desgracia en este país vender danza contemporánea sin que esté estrenada y puedan ver un DVD del trabajo es prácticamente imposible, así que las compañías de danza contemporánea no tenemos la posibilidad del teatro de girar inmediatamente después del estreno. Esa parte del proceso me encantaría vivirla.
Háblanos del proyecto que estrenáis en Madrid en Danza…
EPISODIOS – (Temporada 25).
25 años de compañía y mis 35 años de intérprete encima de los escenarios.
Deseo celebrar estos 25 años de compañía y 35 años de intérprete disfrutando de la creación de otros.
Normalmente las compañías celebran reponiendo pedacitos de obras, o convocando a los intérpretes que han pasado por ella… ¿Y desmarcarse y convocar a creadores para que celebren contigo dos cosas a la vez?
Tengo el lujo de contar para estas celebraciones con creadores que admiro, respeto y si pudiera les pondría la alfombra roja cada día que vienen a trabajar conmigo en un estudio: Pedro Berdäyes mi marido artístico durante 16 años, pareja de baile durante 20 y co-creador de 10 & 10; Carmen Werner compañera en la historia dancistica contemporánea de Madrid y a la que admiro por su capacidad compositiva y su forma de narrar el cotidiano; Luis Luque, director con inquietudes dancísticas con el que he compartido obras a los mandos de otros directores y con el que quería compartir proceso creativo; Daniel Abreu del que admiro su imaginario estético, onírico y del que he aprendido una nueva manera de moverme a mis 52; Claudia Faci, amiga, compañera en Ballets, coreografías y giras y una de las mejores dramaturgas de esta ciudad y sobre todo que me conoce desde el inicio de los tiempos; Elisa Sanz colaboradora y amiga desde… alguien con ese imaginario, esos aportes, esa vitalidad, ese pequeño gran genio creativo; y Juan Gómez Cornejo, quizás el mejor iluminador de este país…
De todos ellos soy fan y que ahora estén aquí conmigo es un lujo de esos que ocurren -o propiciamos – una vez en la vida.
¿Cómo está afectando los recortes y el aumento del I.V.A. en vuestra compañía?…
Creo que te he contestado antes en la cronología del balance de los últimos 25 años. Pues mal, muy mal, el arte no es lo mismo que un ordenador y no podemos tener los mismos impuestos que Apple o IBM ya que no tenemos los mismos beneficios. Y te digo ordenadores porque estoy delante de uno…
¿Cómo surge la idea de apoyar a Compañías jóvenes?…
En este país antes que creador y para poder girar, pedir ayudas o simplemente alquilar un estudio para ensayar tienes que ser EMPRESA. Es decir, que para poder ser coreógrafo lo primero es gastar un montón de dinero, que no tienes… ¿que memos que prestar tu infraestructura para que otra persona se pueda beneficiar?.
¿Se pueden plantear propuestas arriesgadas hoy?…
Si no pretendes vivir de esto si.
Si quieres vivir de esto mejor monta un clásico español.
¿Qué le dirías a un joven que empiece hoy en la danza?…
Que emigre y aprenda igual que lo hicimos muchos hace 35 años cuando la situación en este país era la que era. Yo, con 30 años menos, ni me lo pensaría.
Entonces no había compañías ni programación, ¿ahora?…
¿Qué le pedirías a las Instituciones Culturales para la danza?…
Que piensen que están haciendo y si sirve para algo.
Que colaboren con el sector que lleva dando señales años.
Que no metan en el mismo saco la danza contemporánea, el flamenco, el ballet clásico… sino meten en el mismo saco la dramaturgia contemporánea y los clásicos porque la danza no tiene también ante sus ojos esa diversidad y diferencias.
Que la danza, como el teatro (Teatro Valle Inclán, María Guerrero, Fernán Gomez,etc….), la música (Auditorio Nacional,etc) y lírica (Teatro Real, de la Zarzuela, etc) también necesita un espacio de creación y exhibición propios, un teatro de la Danza que ayudaría a crear público y a los creadores a tener un espacio escénico en condiciones para presentar sus trabajos.
Que piensen lo que significa una ayuda a gira por el extranjero o ayuda a la producción a una compañía – montones de billetes de avión, salarios de ensayos, seguridad social… – y no nos paguen esas ayudas hasta que la gira y la producción se han terminado… Están dando una ayudas que a corto plazo en vez de ayudar están endeudando a un montón de creadores, estamos representando a la cultura y una supuesta marca España en el mundo en condiciones penosas porque no tenemos medios – a tiempo – y están fomentando que las compañías desaparezcan bajo las deudas.
Las instituciones en vez de ayudar a la danza contemporánea la están endeudando y lo peor es que parece que no les importa.
¿Qué referentes en la danza internacional tienes?…
Susanne Linke y Pina Bausch son los más fuertes. Debe ser la genética, me gusta el trabajo alemán mucho más que otros. Últimamente mis referentes son más videográficos y pictóricos que dancisticos.
> (*) Quisiera dar las gracias a las personas que desde las instituciones nos apoyaron e impulsaron en nuestros inicios. En el Ministerio de Cultura el entonces asesor de danza Roger Salas y Guillermo Heras director del C.N.N.T.E. – Sala Olimpia (Centro Nacional de Nuevas Tendencias Escénicas); del Ayuntamiento de Madrid: Eduardo López que entonces trabajaba en el Centro Cultural de la Villa (Teatro Fernando Fernán Gómez ahora, más o menos…) y de la Comunidad de Madrid la que era asesora de danza Laura Kumin. Gracias a todos ellos por impulsar la danza y darle los medios para desarrollarse y tomar presencia en el desierto que entonces era Madrid respecto a la danza contemporánea.
Paz Santa Cecilia: «Hay que apoyar a los artistas para que sigan inspirándonos y creando»
¿Balance de la anterior edición?…
La pasada edición dimos el paso de ciclo a festival consiguiendo una entidad nueva y estrenamos nombre, IDEM. Los contenidos se ampliaron al ámbito de la inclusión social así como las disciplinas artísticas que participan; todo ello contribuyó a consolidar el festival a nivel nacional e internacional, permitiendo al mismo tiempo mantener el público de las pasadas ediciones y ganar nuevos espectadores. La ocupación en 2013 fue del 76%.
Háblanos de la programación y las razones de la selección de propuestas de este año…
Este año el Festival IDEM ofrece de nuevo la posibilidad de asistir a la representación de espectáculos muy diversos que, al mismo tiempo, se complementan entre sí. Esta edición comienza con propuestas internacionales: Rayahzone, espectáculo de danza acompañado en directo por cantantes sufíes tunecinos, y la película holandesa Blind Fortuin.
La segunda semana se presentan tres trabajos que giran en torno a la mujer española entre 70 y 80 años. Empezaremos con el espectáculo-taller Las muchas, dirigido por la coreógrafa Mariantonia Oliver en el que participan 7 mujeres de esta edad y con las cuales se presentará el espectáculo después de una semana de taller. En torno a esta generación de mujeres orbita también la propuesta de Pablo Fidalgo, O estado salvaxe, España 1939 , en la que da voz a su abuela (única actriz en escena).
Para terminar, la última semana podremos disfrutar con creaciones de danza y teatro que nos hablan de integración social, como Inocente y Synergy o de género, como en Las niñas no deberían jugar al fútbol, de la dramaturga Marta Buchaca. Un concierto de música de Guinea Conakry.
¿Habéis hecho alguna estrategia para acercar público al IDEM de este año?…
En esta edición se ha reforzado mucho la comunicación a través de los medios y las redes sociales. A esto hay que añadir, como te decía, que el Festival tiene ya una trayectoria de diez años (cuando comenzó el Ciclo de Artes Escénicas y Discapacidad) y durante este tiempo ha ido forjando un público que acude fiel a cada una de las ediciones y que aumenta cada año.
¿Qué función crees que ha de tener un festival como IDEM en la cartelera de nuestra ciudad?…
El festival IDEM, como cualquier otro contexto artístico, debe facilitar la conexión artista-espectador, ofrecer experiencias que nos ayuden conectar con lo que somos, a conocer al otro…
¿Ha afectado mucho la subida del I.V.A. y los recortes al teatro para la edición del este año?…
Naturalmente que ha afectado. El presupuesto no ha subido desde 2011, por tanto, tenemos un 21% menos que en 2011 y los costes del festival suben cada año…En 2014, por suerte, hemos contado con una ayuda de Fundación ONCE que nos ha permitido invitar a más artistas.
Fuera del Festival…¿Qué obra de teatro, danza o performance has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Últimamente nada..La verdad es que, desde que ha empezado la temporada, no he podido aún asistir a otros espectáculos que los del IDEM.
¿Alguna idea para seguir creando en tiempos de crisis?…
Lo importante es que sigamos inventando, teniendo ideas y que la crisis no se refleje en este sentido. Apoyar a los artistas para que sigan inspirándonos y creando.
¿Proyectos?…
Mi próximo proyecto es el estreno el próximo 4 de octubre de A-creedores, basado en el texto de Strindberg y dirigida por Claudia Faci en el Festival Temporada Alta de Girona. En escena estarán Fernando Orazi, Pablo Messiez y Claudia Faci. Después comenzaremos la gira.
Lecturas europeas en Pradillo
Gianina Cărbunariu, Letizia Russo y Enrico Castellani / Valerie Raimondi
leídos por
Fernanda Orazi, Ziad Chakaroun, Claudia Faci y Miguel Ángel Altet
1 y 2 de marzo
En Teatro Pradillo
Entrada libre hasta completar aforo.
Reservas T 91 416 90 11
Pradillo, 12
CONOCE Y SIGUE EL PROYECTO
teatropradillo.com
fabulamundieurope.eu
Festival Nits d’Aielo i Art
Nits d’Aielo i Art
28 de febrero a 2 de marzo de 2013
ACTUM. Concierto Encontres (1980)
Dieciséis años de Nits d’Aielo i Art, festival muchas veces exiliado pero enquistado en lo más profundo de Valencia. Por primera vez, y en el marco de la celebración de la decimosexta edición, las Nits entrarán en directa correspondencia con una sede no valenciana: el Teatro Pradillo de Madrid.
El festival Nits d’Aielo surge para celebrar la experimentalidad en la música y en territorios adyacentes. Propuestas musicales de muy distintas estéticas se proponen de la mano para ser compartidas con el público, con el objetivo de generar un sentimiento de comunidad compartido entre todos, entre todos los que suenan y entre todos los que escuchan.
Para la correspondencia con Teatro Pradillo se ha hecho un esfuerzo por acercar a Madrid una nutrida representación de la escena musical experimental actual de Valencia, sin duda una de las más activas en el conjunto del Estado español. Además, en esta correspondencia recordaremos la herencia del colectivo ACTUM que hace justo ahora cuarenta años, adelantaron prácticas, intuiciones y actitudes que resuenan en varias generaciones posteriores. También durante estos apretados e intensos días tendrá lugar la celebración de la 6ª edición del Premio Cura Castillejo al propositor más desaforado, que este año recae en IBA col·lectiu d’improvisació. Un premio que busca traducir en acciones y postulaciones el axioma que Castillejo nos dejó escrito: “no tendremos músicas distintas hasta que nuestro oír ya eléctrico no cambie el orden de nuestro idear”.
PROGRAMA
jueves 28/02
18:15 h (alrededores del Teatro Pradillo)
Coro Delantal. Dir. Sonia Megías. Procesión armónica
A partir de las 19 h
Llorenç Barber. Yo Balcón: Un festival es un Festival, un exilio es un Exilio | José Vicente Gil-Noé. ACTUM en su contexto (I) | Fuencisla Francés. Columna cuadrada | Montserrat Palacios. Cantos al oído | Josep Lluis Galiana. Saxo solo_Ops / Concerto d’improvisació | Arturo Moya y Ruth Abellán. Tonel de las Danaides | Lucía Martínez. Sin título / Improvisación
viernes 1/03
A partir de las 19 h
José Vicente Gil-Noé. ACTUM en su contexto (II)
| Llorenç Barber. Música arrebato, para campanas y voz
| Martí Guillem Ciscar. Vibrasò
| Coro Delantal. Dir. Sonia Megías. Bueno por conocer. Obras de Llorenç Barber, Sonia Megías, Meredith Monk y Juan Mª Solare
| Víctor Trescolí Sanz. Toy Piano Project IV. Obras de Adrián Borredà, Karlheinz Essl, Carlos D. Perales y Víctor Trescolí
| Proyecto 23. La Miseria, de Isaac Diego
| Aleph Guitarrenquartet. Obras de Arturo Fuentes, Mathias Spahlinger y John Cage
sábado 2/03
mañana
De 10:30 a 14 h: Oscar Vidal. Encuentro sobre Sound Painting
(taller)
De 14 a 16 h: Alicia&Cia. Nanonitfagia d’Aielo de Madrit (aperitivo sonoro)
tarde. A partir de las 18 h
José Vicente Gl-Noé. ACTUM en su contexto (III)
| Alejandro Rojas-Marcos y Arturo Moya. Miembro Fantasma
| Bulos.net. El cantaor Niño de Elche
| Ferrer-Molina. ACTUM: Música a distancia
| De Irregularis Daniel Charles Orchestra. Homenaje a ACTUM, el antecesor
| Truna. KING KONG TRUNA
| Ceremonia de entrega del Premio Cura Castillejo a IBA col·lectiu d’improvisació
| Ruth Barberán
| La Roca roja de la llosa marina. Globalitat de propostes, espais, densitats, desbordaments i furors res clars
MÁS INFORMACIÓN
General
Contenido del programa y trayectorias de los participantes
Sobre el colectivo ACTUM
Off Nits
Colectivo maDam
In memoriam JC
3 de marzo, a partir de las 19 h
El Colectivo maDam, residente en Pradillo en 2013, dedica una sesión de improvisación electroacústica a la memoria de John Cage (1912-1992). Además de explorar métodos e invenciones del propio Cage, los miembros del colectivo intentarán abolir esos elementos restrictivos, el gusto y la memoria, expandiendo la escala temporal del concierto hasta un total de 5 horas. Durante ese período, la memoria de los improvisadores sobre el desarrollo de la música se hace mínima, perdiendo los músicos el control sobre la forma de la pieza. De esta manera, la indeterminación y la coexistencia pasarán a ser las características fundamentales de esta larga tarde.
Junto a Colectivo maDam participan:
Anuska Alonso, Elena Alonso, Ana Buitrago, Elena Córdoba, Claudia Faci, Camille Hanson, Mar López, María José Pire y Paz Rojo (danza) y Antonio Fernández Lera, Carlos Marquerie, Alberto Núñez, Fernando Renjifo y Getsemaní de San Marcos (sobre textos propios y de John Cage traducidos por Antonio Fernández Lera)
Que Revienten los Artistas 
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