El mundo de Gael en el Teatro Amaya
El teatro para bebés tiene ya muy buena acogida, por parte de los espacios escénicos y por parte del público diminuto. No me cansaré de decir que es un placer ver a los pequeños de la casa interactuando con lo que ocurre en el escenario, atentos a los sonidos, los objetos…En el hall del Teatro Amaya se ha dispuesto un acogedor espacio para que los chiquitines disfruten de un viaje a través de la presencia del pequeño Gael que pide, a los niños, que le vayan indicando en qué caja mágica se esconden las claves para poder disfrutar del mundo con los sentidos plenos. Una propuesta dramatúrgica de Mercedes González que ha dirigido Toni Canto y que creó en la escena Carla Hidalgo.
Adolfo Simón
A media luz los tres en el Teatro Alfil
“A media luz los tres”, de Miguel Mihura, cuenta las aventuras de Alfredo, un ligón cuyo único objetivo en la vida es saciar su sed de conquista. Tres mujeres, Mariví, Elena o Lulú, son objetivo para este “cazador de mujeres”, que solo podremos describir como “elegante-hortera”. Sin embargo, el comienzo de sucesivas catástrofes amorosas, en comparación con las de su buen amigo Sebastián, un pobre diablo sin maldad y de aspecto sumiso, provocan una pequeña crisis de fe en Alfredo, que empieza a cuestionar su más que apreciada seguridad y control sobre el terrible arte de la seducción. Una revisión contemporánea sobre la divertida comedia de Mihura.
Adolfo Simón
Hamlet Kamikace
Hamlet lo escribió Shakespeare y lo reescribe todo artista que encuentra una pista para dar una visión personal del personaje más difícil y complejo de la literatura dramática de todos los tiempos. En esta ocasión, Miguel del Arco se pone frente a la peripecia del personaje y toma decisiones a cada momento de la obra, justo lo que no hace Hamlet que se debate siempre en la duda. Este Hamlet Kamikace es el puzle endiablado que surge a partir de una premisa…Hamlet, en realidad, está muerto…y si los muertos, en vez de ver pasar su vida en el último aliento, se sumergiesen en un sueño del que despiertan para aparecer en otro sueño y así sucesivamente, ir trasladándose de un lugar a otro y de un momento a otro de su existencia reciente, en este caso a partir de la muerte del padre de Hamlet…Esto le situaría en un bucle semejante al que experimenta Segismundo y así, no terminará de saber si lo que le ocurre es la realidad o lo que sueña. Solo, al final, como Edipo, descubrirá que lo que va a cubrir el resto de su no vida, será el silencio. La propuesta escénica está llena de juegos teatrales que transitan por múltiples géneros escénicos, unos encajan mejor con el texto que otros, pero todos nos llevan por esa montaña rusa a la que se ha subido Hamlet hasta parar en seco, suspendido en el aire.
Adolfo Simón
Pía Tedesco y el cabaret
Durante los meses de enero y febrero hemos tenido la oportunidad de revivir el ambiente del más auténtico cabaret de la mano de Pía Tedesco en el Teatro Fernán Gómez a través de dos montajes en los que la actriz deja su huella más profunda.
En enero disfrutamos con Brecht + Weill, una de las parejas creativas más potentes del siglo pasado que revolucionó el mundo de la música y de la dramaturgia creando obras que se han convertido en clásicos del cabaret, conectando con el público y generando un repertorio de canciones de gran riqueza armónica y de texturas innovadoras.
En febrero Pía retoma sus historias del cabaret con otro montaje: «Bordeaux» en el que nos hace recorrer, a través de una dramaturgia sencilla pero muy interesante, las grandes melodías internacionales que resuenan en nuestras mentes cuando oímos la palabra cabaret.
Todo un repertorio acompañado de su inseparableukelele y con la colaboración de sus músicos, que en directo nos llevan a huir de la rutina y de esta triste actualidad y nos relajan el corazón y el alma…
Si tienen la oportunidad, persíganla y corran a ver a Pía allá donde llegue. No se arrepentirán.
Luis Mª García
Todo por amor en Microteatro por dinero
¿Qué es amor?¿El momento en que sentimos mariposas en el estómago cuando conocemos a alguien?…¿Ese momento en que nuestro cuerpo muere en un estallido de placer aunque este ocurra en un lugar sórdido?…¿Cuándo mostramos nuestro mejor rostro aunque estemos escondidos tras la máscara del carnaval?…El juego de cambiar de tema cada mes en Microteatro por dinero permite que los artistas indaguen en los lenguajes, temáticas y formas de expresarlas. Este mes toca «Todo por amor»…Y uno podría pensar…»Ya está todo dicho sobre el amor»…Y no, siempre hay una mirada diferente si nos ponemos frente al sentimiento de vergüenza al no expresar lo que realmente deseamos con nuestra pareja como ocurre en la pieza «Todas las noches» de Nacho Faerna o ese miedo que aflora cuando alguien te gusta y no sabes cómo decirle que te gustaría volver a verle otra vez…y te excusas una y otra vez en artificios justificados por el disfraz más disparatado de la noche como ocurre en la propuesta de «En un baño» de Tino Antelo. En esta visita a Microteatro he tenido una sensación nueva…Escuchando la música y las palabras de las salas que había al lado, por un momento, sentí que estaba en el tiempo de Blade Runer y que el teatro era un espacio en extinción que había que experimentar en espacios secretos…Una curiosa sensación!
Adolfo Simón
Mujeres en lucha
La historia está llena de mujeres que han luchado por la dignidad propia y la de su sociedad. Las mujeres siempre quedan en la sombra de los hombres cuando son ellas las que guían y ponen luz en los laberintos sociales donde el ser humano se ha perdido en todas las épocas. Hay muchos frentes donde ellas pelean por no decir que en todas las batallas están en primera línea. En el arte ocurre igual, las mujeres son las más comprometidas, las que tienen mayor curiosidad y presencia. Y no podía ser de otro modo en el teatro. En estos momentos, hay dos propuestas en la cartelera madrileña que nos muestra dos caras de la mujer…La mujer como ser que transita por fronteras en las que busca la dignidad por ella y sus seres queridos, tratando de conseguir respeto y solidaridad como ocurre en «De polvo y agua» en La Puerta Estrecha…O la mujer peleando con el fantasma del desamor como ocurre en la pieza «Amorodio» que se representa en La Cuarta Pared. Empieza el mes de marzo en el que hay celebraciones y actividades alrededor de la mujer, no hay mejor manera de acercarse al universo femenino que a través del teatro.
Adolfo Simón
Farsa escénica
A veces, la realidad, actual o de un tiempo reciente, solo se puede mirar a través del sarcasmo, del humor negro o ácido. Esta semana que está terminando he asistido a varias propuestas de este tipo. Una mirada musical y disparatada de lo que fue el 23-F en el Teatro del Barrio. En la obra se recorren los acontecimientos de aquella situación complicada para la futura democracia de este país y, en el montaje, se dejan preguntas en el aire sobre quién movió los hilos de aquel teatro de guiñol. En el Teatro Alfil, doble pirueta dominguera, la enloquecida The Gag Father donde la mafia y la policía son caricaturizados de manera jocosa consiguiendo un juego cómplice con el público que disfruta de las provocaciones y locuras que les brindan los actores desde el escenario. Tras esta función, Éxtasis, donde la ridiculización de las parejas y sus contradicciones son el eje del montaje.
Adolfo Simón
Vuela pluma en Titerescena del CDN
Vuela Pluma nos cuenta la historia de un pájaro que vivía “feliz” en su jaula, hasta que un día tuvo un sueño. La jaula se abrió y la ilusión por fin movió sus alas. Y no solo esto, también es un ejercicio poético lleno de plasticidad y de manejo técnico excelente de los títeres.
Adolfo Simón
“De relaciones va la cosa…” en la sala DT
Tengo ganas de agradecerle algo al contact. Porque hace a los cuerpos fluir y permite al ojo del espectador relajarse y seguir el movimiento en lugar de estar contando pasos y números y buscando formas reconocibles. “De relaciones va la cosa…” es sobre todo un espectáculo fluido y muy limpio. Impecable en lo formal, redondo, completo. Como un buen vino que combina cuerpo y elegancia. Me hizo pensar a la salida en la ingesta de antibióticos que para desembarazarse de un intruso dañan la micro biota necesaria para la vida. La sobriedad y la limpieza tienen el peligro de convertir cualquier montaje en una aséptica sala de hospital. Si hubiera una pega que poner tendría que ver con la atmósfera distante, me atrevería a decir publicitaria (como un anuncio de un producto de lujo donde hombres y mujeres bellos miran con indiferencia arrogante) que por otro lado abunda en ciertos espectáculos de danza contemporánea. No es lo más llamativo del montaje pero por momentos se intuye, aunque afortunadamente abundan los recursos que sorprenden y animan a romper con esa formalidad. Muchos momentos destacables en todas las combinaciones que tienen lugar. E insisto, por instantes apasionante la combinación entre la estética casi minimalista y la magnífica intensidad física de los bailarines. El último duo es una maravillosa guinda, un gran final a la altura de un trabajo muy bien construido y tremendamente bien ejecutado.
Javier Tirado
Los Perros en NAVE 73
Los perros con dirección de Selu Nieto en Nave 73. Penumbra y olor de incienso. Un muro enorme tapado con camisas y vestidos sucios en el fondo, música de capilla a volumen altísimo y un juguete de perro que nos está mirando fijamente. Así empieza la obra de Selu Nieto y su equipo. El ambiente es siniestro, la sala oscura de Nave 73 y la escenografía me atrapan como espectadora y la pieza comienza. Estamos en un hospicio. Un hospicio que quizás pocos habíamos visto o imaginado hasta ahora. La historia podría ocurrir aquí en España o en cualquier otro país. Hoy o hace cincuenta, cien o quinientos años atrás. El tema que tratan en esta obra, los problemas con la sanidad, los manicomios, la falta de la integración, el abandono, y las personas con discapacidades o problemas mentales siempre han formado parte de nuestra sociedad. Pero siempre había algunos que preferían que esta gente quede invisible, apartada y escondida. Estoy plenamente agradecida a estos creadores por la elección del tema y de la elaboración del montaje. Lamentablemente la desigualdad sigue siendo uno de los conflictos más presentes entre nosotros. Y no siempre la manera acostumbrada es la mejor forma para tratar estos ‘problemas’. María Díaz, Manuel Ollero y Selu Nieto con una caracterización muy elaborada y rica nos muestran el otro lado. El lado que menos conocemos, del que menos se habla. Durante una hora encarnan unos personajes a quiénes es imposible no querer, y también es imposible no ponerse furiosa por la injusticia que les toca. ¿Acaso la palabra ´Hospicio´ tendrá que ver algo con ´hospedaje´? –me pregunto. ¿Sabemos que tienen que aguantar todos los habitantes de un lugar semejante? ¿Nos cuidamos de verdad? Salgo sensible y pensativa del teatro. Gracias por la experiencia y por el trabajo. ¡Más Perros para Madrid!.
Luca Borsos
Don Carlo de Giuseppe Verdi en los Teatros del Canal
Albert Boadella presenta en los Teatros del Canal un nuevo montaje de Don Carlo de Verdi, que se estrenó en julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos. Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la Leyenda Negra contra la España del siglo XVI. El tenor Eduardo Aladrén da vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Simón Orfila). Junto a ellos, el barítono Damián del Castillo interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano María Rey-Joly es Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera, asume el papel de la princesa de Éboli; el bajo Rubén Amoretti en el papel del Gran Inquisidor o el también bajo Francisco Crespo, que interpreta al fraile, completan el elenco excepcional para una puesta en escena sobria y de gran expresividad. Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. El vestuario, diseñado por Pedro Moreno, es fiel a la época y de una belleza espectacular. Todo el conjunto de la puesta en escena y de la fantástica orquesta nos permitió disfrutar de una noche operística de altura internacional.
Adolfo Simón
El Sepelio de Heidi Steinhardt en el Teatro del Arte
La familia es uno de los pilares de la sociedad y como tal, tiene mucho poder a la hora de manipular a individuos y estamentos. La familia puede ser el paraíso o el infierno o las dos cosas al tiempo. Heidi Steinhardt plantea un visión de la familia esperpéntica y justo de esta manera, termina mostrando un retrato más real que el que aparece en esas películas cercanas al documental que tratan de mostrarnos lo que hay entre líneas en la relación de sus integrantes. Aquí todo está sobre la mesa y nunca mejor dicho, no hay dobleces ni insinuaciones, hay pellizco humorístico procaz en la línea de nuestros dramaturgos de la segunda mitad del siglo XX. Los actores juegan a este mundo disparatado con placer y eso se transmite al patio de butacas.
Adolfo Simón
Nosotros no nos mataremos con pistolas en el Teatro Lara
Una comedia agridulce con un pie en Paquito el chocolatero y con el otro en las procesiones de Semana Santa…y como la procesión va por dentro…No suele ser buena idea quedar con amigos que hace años no has visto, a veces es mejor dejar todo como fue que retomar relaciones tóxicas que al reverdecerlas adquieren un sabor todavía más agrio.
Adolfo Simón
KM 0 en Dt Espacio Escénico
Parece complicado hallar un término medio cuando se trata de narrar la propia experiencia en un escenario. Si se hace de forma cotidiana e improvisada se corre el riesgo de que las palabras no lleguen con suficiente claridad al público. Si se trata de fijar el recuerdo y convertirlo en un texto teatral el riesgo es que la memoria coja aroma a plástico.
KM 0 abre muchos caminos distintos, dibujando una enorme red de imágenes íntimas que se apoyan en la teoría de la deriva acuñada por Guy Debord, jugando con lugares y vidas que conviven simultáneamente. Cuando sus recuerdos las hacen bailar, saltar, florece algo intenso cuya seducción es difícil evitar. A pesar de ello quizá se exceden en la fragmentación, saltando de un mundo a otro como si cada uno hubiera sido construido aparte, aunque siempre con sutilezas que los entrelazan. La unificación de todos los territorios explorados es la compleja tarea con la que el espectador sale a la calle. Una calle intensificada por las palabras de Clara Pampyn, Gema Cañón y Esther Rodriguez-Barbero, y, curiosamente, situada a unos cientos de metros del origen, del cero de todos los caminos.
Javier Tirado
Clásicos al vapor
Hay que perderles el respeto a los clásicos y si es a través del humor, mejor que mejor. En la cartelera de Madrid han coincidido dos lecturas muy sui generis de dos grandes autores de la historia del teatro: Molière y Shakesperare. Ambas propuestas han sido dirigidas por Hernán Gené que sabe como afilar el lápiz para extraer de las texturas textuales aquellos fragmentos más interesantes, mostrando la esencia de la obra sin tener que aguantar largos parlamentos ni frases rebuscadas. En El Umbral de la Primavera se seguirá representando, gracias al éxito que ha tenido su presentación, la pieza George Dandin de Moliére, una lectura musical con toques de comicidad que permite, a un joven elenco, abordar la obra con un resultado muy sugerente que el público disfruta de principio a fin. En La ZonaKubik, el fin de semana pasado, bajo la batuta del propio Gené, se mostró de nuevo un delicioso disparate llamado Desmontando a Shakespeare. En esta ocasión, durante un poco más de una hora, nos comprimen Hamlet, Otelo y Romeo y Julieta…las tres piezas se pasan por la batidora del clown y el disparate, llegando a extremos delirantes realizados por un cuarteto de actores en estado de gracia. Una manera estupenda de acudir al teatro para cultivarse sin olvidar que todo es juego y diversión, si estos factores faltan, el teatro no tiene sentido.
Adolfo Simón
Juan José en el Teatro de la Zarzuela
Sorozábal denominó Juan José como un drama lírico popular, aclarando que lo de popular quiere decir proletario y no folklórico. La terminó en 1968 y tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido. El 21 de febrero de 2009 se estrena finalmente en San Sebastián, pero en versión de concierto. Es por tanto ahora, en el Teatro de la Zarzuela, donde se llevará a cabo, después de 48 años, el estreno absoluto de la versión escénica. La historia transcurre en los barrios bajos de Madrid. Juan José y Rosa viven desde hace tiempo juntos y ella es para él el único sentido de su vida. Pronto las cosas cambiarán y los hechos conducirán hacia un fatídico final. Una pieza musical interesante de recuperar ya que trata temas de candente actualidad, tal vez, debería haberse procurado una puesta en escena menos conceptual que nos acercase más a los temas que genera la narrativa de la pieza.
Adolfo Simón
Marilyn y Salvador, seres de cristal
Este fin de semana he tenido la oportunidad de ver dos propuestas con cierta conexión temática, en ambas se habla de esos seres que sueñan imposibles y que se topan con una sociedad cateta y torpe. En A solas con Marilyn de Alfonso Zurro en La Usina, el actor Alberto López traslada la idea de la voz de la mujer como denuncia de una vida sin espacio para realizar los deseos íntimos a un alojamiento de esta voz en la mente de un hombre con trastorno mental, la propuesta es sugerente y sencilla, creando en el espectador ese espacio para descubrir cuando se rompen los seres de cristal. Como le ocurre a Salvador en Lagrada, un espectáculo basado en hechos reales que la Compañía Diego de la Gloria aborda con meta teatralidad para contarnos las vicisitudes personales y profesionales de un personaje que solo quería hacer una pedagogía a través de la cual conseguir seres más libres e integras a las personas, pero ya se sabe, todo ser que quiere saltarse las reglas, termina siendo señalado y condenado a un a muerte espiritual. Dos denuncias necesarias para seguir luchando por un mundo más libre.
Adolfo Simón
Música y magia para toda la familia
Este fin de semana se han estrenado dos propuestas escénicas para toda la familia que seguirán en cartel durante tiempo ya que han tenido muy buena acogida. Por un lado, el espectáculo de magia y aventuras titulado…Magia pirata en el que Guillermo Martínez hace participes a los pequeños de una aventura pirata al tiempo que resuelve múltiples juegos de magia; en la sala Grande de los Teatros Luchana. Y en el Teatro del Barrio, la Compañía Pompacuentos hizo las delicias de los niños en una suerte de cuento musical en el que La ruiseñora Lola descubre que hay muchas maneras de enfrentarse a los viajes.
Adolfo Simón
«Teenage Dream» en Cuarta Pared
Tantarantana Teatre han llegado de Barcelona con su Projecte NISÚ para demostrarnos que se pueden narrar dramas teatrales a ritmo de teleserie, que las tramas débiles nos atraen por su frivolidad y porque nos gusta la sobreactuación pero que al final la vida es mucho más que una sucesión de actuaciones y costumbres cotidianas. Una comedia petarda en toda regla que investiga sobre la debilidad del ser en la adolescencia y las podridas ataduras que nos meten en vena nuestros allegados, sin querer, sutilmente y suavemente, como ese pastel de cumpleaños que nunca nos gustó.
Luis Mª García Grande.
The table en el Teatro de la Abadía
Blind Summit Theatre, referente mundial en el teatro de marionetas, regresa al Teatro de La Abadía con su aclamado espectáculo The Table, que ya nos visitó la temporada pasada en el marco del Festival de Otoño a Primavera. The Table es un homenaje al arte de la marioneta, inspirado en Beckett, la Biblia e IKEA, cuyo protagonista, Moisés, es un títere malhumorado de 60 centímetros de altura, manipulado por tres personas al estilo del teatro bunraku japonés, con una cabeza de cartón. Está harto de actuar en fiestas de cumpleaños infantiles. Él quiere demostrar que es un títere serio, y por eso cada noche, en una función única, la mesa será suya para interpretar una historia épica: las 12 horas finales de la vida del personaje del Antiguo Testamento, Moisés. Así, poco a poco, este divertido filósofo de sobremesa explica la naturaleza del arte de la marioneta, muestra sus habilidades en el baile, examina la Biblia y entra en conflicto con sus propios titiriteros. Es una suerte que La Abadía haya buscado una nueva ocasión para que podamos disfrutar de nuevo uno de los espectáculos más sorprendentes sobre el universo del títere que, en esta propuesta, trasciende esta técnica para convertirse en teatro con mayúsculas.
Adolfo Simón
VII FESTIVAL INTERNACIONAL DE MAGIA DE MADRID en el TEATRO CIRCO PRICE
Esta gran gala internacional reunirá sobre el escenario, cada día, a algunos de los mejores magos del mundo. Ilusionistas de distintas nacionalidades y disciplinas aunarán fuerzas para crear un show con un programa sin precedentes. La magia nos devuelve la infancia perdida y consigue que nuestra imaginación esté atenta a todos los movimientos para descubrir los enigmas por los que se hace realidad lo imposible. Este año hay un grupo de artistas excelentes, la presentación audiovisual y la interacción entre el público dan un ritmo fantástico a la propuesta…Y curiosamente, se descubre a magos con técnicas sofisticadas que dejan boquiabierto a todos los asistentes…El Festival de este año durará cuatro semanas, una verdadera fiesta mágica para la ciudad de Madrid. Todo el montaje que dura más de dos horas es de gran nivel pero hay dos números increíbles por su belleza y ejecución. Si les gusta la magia, no se pierdan este espectáculo.
Adolfo Simón
«De algún tiempo a esta parte» en el Teatro Español
El jarrón estaba roto y había que reconstruir sus pedazos, su identidad, aunque desconociese su anterior composición. Esto es lo que,hipotéticamente, se podría haber planteado Max Aub al intentar recrear esta pieza que nos habla del período de entreguerras y de la identidad de la persona y, por extensión, del pueblo.
Su protagonista, una mujer destrozada por la situación de pobreza y desarraigo que vive como causa de la Primera Guerra Mundial y de la Civil Española, despojada de su marido e hijo, transita por un escenario oscuro, iluminando los pequeños trozos de oscuridad de su vida a través de su discurso, de su llanto y de su agonía. Cada parte iluminada es un trozo roto, desgajado pero que en su conjunto mostrará y recompondrá una auténtica pieza compacta.
Carmen Conesa está entregada completamente al personaje,arrastrando su alma por un sótano húmedo en el que la tierra muerta le impide brotar de nuevo. La escenografía e iluminación constituyen una pieza importante en este monólogo para generar un dinamismo en su desarrollo y la pieza,que ya es un pequeño diamante en bruto, queda pulida y brillante por la mano de su director, Ignacio García.
Esta apuesta por Aub del Teatro Español,y de su director, constituye una verdadera oportunidad para disfrutar del mejor teatro contemporáneo.
Luis María García Grande.
Crónica para un desgaste/Extenuarse por FESTUCS/Quim Bigas en el VII Ciclo Puente Aéreo de DT Espacio Escénico.
Crónica para un desgaste es una pieza directa y por encima de todo sincera. Refleja la energía de la juventud actual de una manera brutal, cargada de violencia, belleza y humanidad. Nos presentan una danza que comprendemos porque es parte de nuestra historia. Con un ritmo trepidante y una limpieza técnica admirable. No hay distancia en absoluto, nos identificamos con ellos y viajamos por los estados que transitan. De esta manera nos movilizan, casi sin darnos cuenta sentimos cada golpe, cada gota de sudor, cada temblor…
Son la voz de una generación de jóvenes encorsetados en rutinas, dudas y responsabilidades para las que no están preparados. Su vitalidad juvenil es comprimida en un estado de precariedad y falta de expectativas que acaba desbordándose a bocanadas en una noche.
Marian Patilla
Latente de Paula Quintana en BB 2016
La Fundación SGAE, con la colaboración de la Federación Estatal de Empresas y Compañías de Danza (FECED), ha organizado la II edición del ciclo de danza Bailar en la Berlanga (BB) del 16 al 21 de febrero en la Sala Berlanga. Una muestra cuyo objetivo es promocionar la danza que se hace en la actualidad en nuestro país en sus variados géneros y estilos: el neoclásico, el flamenco o el contemporáneo, abordados, en algunos casos, desde una perspectiva experimental. Bailar en la Berlanga (BB 2016) propone un diálogo permanente entre el público y una selección de creadores de reconocido prestigio en el panorama nacional e internacional. La programación ha comenzado hoy martes con la puesta en escena de Latente, espectáculo de flamenco experimental de Paula Quintana. Una pieza sencilla con un arranque mágico y sensorial donde la actriz-bailarina se deja bañar por la luz que provoca una corporeidad llena de sensualidad. En la segunda parte de la pieza, Paula instala un pequeño paraíso de juego y disparate para reflexionar sobre el sentido de la espera escénica a través de la palabra y el cuerpo.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
Debe estar conectado para enviar un comentario.