Mi madre no llevaba bolso, por El Curro DT en el VII Ciclo Puente Aéreo. DT Espacio Escénico.
El vínculo materno, algo tan primario y original que justifica nuestra naturaleza individual. En «Mi madre no llevaba bolso» por El Curro DT, recorremos como si de un juego se tratase la memoria de un hombre y su historia familiar. El intérprete nos conduce por distintas etapas del personaje sin ocultar nada, comparte con nosotros la intimidad de su hogar al tiempo que recompone cada detalle de su infancia, desde la nochevieja de 1990 en casa de sus tías a las lecciones aprendidas en las rebajas de El corte inglés o las notas que los profesores mandaban a su madre. Carlos A. Alonso con su cuerpo, su voz, y su carisma, atrapa al público, dinamiza el recorrido y nos toca con esta historia.
Marian Patilla
La guerra de los gigantes / El imposible mayor en amor, le vence Amor en el Teatro de la Zarzuela
Sebastián Durón, compositor español, autor de obras religiosas y operísticas fue, junto a Antonio de Literes, el mejor autor de música escénica de su época. Entre su obra lírica se encuentran estos dos títulos. En La Guerra de los Gigantes aparece por primera vez la palabra «ópera» en una partitura española, y es uno de los pocos ejemplos de este género musical en el barroco español. Se compuso con motivo del matrimonio del Conde de Salvatierra con Doña María Leonor Dávila López de Zúñiga. El imposible mayor en amor, le vence amor es fruto de la competencia con los músicos italianos y representa una nueva etapa de la zarzuela española, que debe competir con los italianos en su mismo terreno: en el del virtuosismo vocal. Con este material tan dispar, Gustavo Tambascio crea un díptico escénico curioso, en la primera pieza genera un mundo enloquecido y futurista como contraste al que elabora en la segunda, donde expone una reproducción casi exacta a como se debían montar las piezas en el tiempo de su estreno. Como siempre, el director se rodea de un equipo excelente para conseguir su objetivo, con la complicidad del director musical y la orquesta en directo.
Adolfo Simón
«No hay mejor defensa que un buen tinte» en el teatro Lara
La laca ha hecho muchos estragos… y no me refiero a los cardados excesivos de Pitita Ridruejo, a los flequillos dilatados o a los tupés a lo Travolta. Me refiero a las locuras que genera esnifarla. No hay mejor chute que un buen chorro de laca de la mala para cometer locuras, así que imagínense lo que sufren esas peluqueras todo el día haciendo de somelier de tintes amoniacados y fijadores en spray. Y para muestra un botón: la secuela de «Lavar, cortar y enterrar» deja secuelas. Una segunda parte que nada tiene que desmerecer con la primera en carcajadas y sorpresas desorbitadas con un toque sanguinolento.
Mario Alberto Díez, Fran Arráez y Carmen Navarro encarnan a unos Ángeles de Charly a lo chipén, castizos y con desparpajo, chulos y con decisión para conseguir sus metas.
Juanma Pina escribe y dirige, supongo que debajo de un buen secador de la peluquería de su madre, esta segunda parte de locura capilar.Para ello vale todo: las pelucas, las vírgenes, las planchas cerámicas, los moldeadores, los secadores-casco, las trenzas de raíz al estilo infanta, el moño alto a lo Caballé, el postizo a lo Amy, el rodete a lo Leia, los gatos chinos que agitan su brazo, las velas a Santa Bárbara, el pelucón de color inverosímil y el travestismo a la mexicana.
Un ritmo delirante, unas ocurrencias desternillantes, unas torturas bien merecidas y unos pequeños asesinatos de nada, hacen de esta comedia un must los petardos domingos por la mañana antes de un buen vermú de grifo pa bajar el resacón, así que pasen ustedes por el Lara a cardarse la alegría y a decolorarse las penas, que nunca viene mal salir con unas mechas californianas aplicadas a la castiza.
Luis Mª García Grande.
«Salomé» en el Teatro Fernán Gómez
Wilde siempre hablaba de belleza en la vida, se rebelaba contra el puritanismo y la mediocridad que se empeñaban en ocultar lo bello y atentaban contra la libertad. Wilde sabía muy bien lo que era la belleza y la falta de libertad y por eso exorcizó todos sus fantasmas a través de la reinterpretación de esta historia bíblica.
No es habitual ver sobre las tablas ya a Victoria Vera y tampoco ver dirigir teatro a Jaime Chávarri pero la ocasión merece la pena. Primero porque Chavarri ha rescatado y adaptado un texto muy sugerente y bello, lo ha montado a la clásica, nada de modernidades ni segundas lecturas políticas sobre el Poder, dándole su toque de dirección que es marca de la casa y segundo porque Vera encarna perfectamente a la musa en que pensó el escritor y recrea no solamente la belleza sino también la maldad,la ira y el despecho necesarios para creernos el personaje, y que demuestra que está en plena forma mental y física interpretando una danza de los velos que pone los dientes largos a más de un Herodes.La coreografía ideada por Ricardo Cué para la danza de los siete velos con música de Richard Strauss es»uno de los momentos clave» de ‘Salomé’.
De entre los demás actores destacan las actuaciones de Manuel de Blas, en el papel de Herodes y de Inés Morales, Herodías.
Pero el montaje adolece de algunos socavones en la escenografía y la iluminación, que no son sugerentes y adolecen de refinamiento necesario para interpretar un texto tan elocuente y que nos traslada a pasajes bíblicos tan exóticos, esto puede ser debido a que, como han afirmado, la obra no ha contado con el apoyo de ninguna subvención pública.
Luis Mª García Grande
«Sister Act» llega a Madrid
El Nuevo Teatro Alcalá acoge ya a todo un convento. Un convento muy especial y atípico que durante tres meses va a dar la nota en Madrid. «Sister Act» la famosa comedia protagonizada por Whoopi Goldberg en la pantalla y producida más tarde en el musical de Broadway que ahora llega a la capital, avalada por Stage entertaiment, productores de Mamma Mía entre otros, después de haberse estrenado en 2014 en Barcelona y que ha girado por doce ciudades de España.
La caracterización y estética de todo el musical es de los años 70 así que nos encontramos con reminiscencias musicales del soul, gospel, blues, los Bee Gees o Barry White entre otros, la música, compuesta por Alan Menken es capaz de animar al cura más soso o al policía más tímido y hacerle predicador de masas o todo un Travolta de la pista.
Tenemos la oportunidad de ver a casi todo el reparto original, destacando a su protagonista Deloris Van Cartier, Mireia Mambo, y a la madre superiora, interpretada por una genial Àngels Gonyalons.
Hay 35 cambios de escenografía y, como no, una espectacular virgen que pesa 350 kilos y mide 5 metros de altura, digna del convento más musical y discotequero del mundo.
Con todos estos medios, el musical es digno de recomendación, tanto por la calidad de su partitura y las aptitudes musicales de los actores como por el despliegue de la producción que se refleja en una escenografía y sastrería impecables aunque no tan brillante como su antecesor, Priscilla.
Ojalá muchos conventos aprendiesen a explotar un poco todos los recursos de los que disponen y crear un ambiente tan atrayente y tan buen rollo. Seguramente muchos volverían a misa, se freirían el pelo a lo afro y se confesarían creyentes en el más allá, aunque sea un más allá musical.
Luis Mª García
By Heart de Tiago Rodrigues en el Teatro del Barrio dentro del Festival de Otoño a Primavera
En By Heart, el dramaturgo y actor Tiago Rodrigues -actual director artístico del prestigioso Teatro Nacional de D. Maria II y uno de los artistas más aclamados de Portugal- enseña a diez personas un poema que desconocen. Estas diez personas nunca han visto el espectáculo y no tienen ni idea de qué texto tendrán que aprender de memoria frente a la audiencia. Mientras trabaja con ellos, Rodrigues despliega una serie de vivencias de su abuela casi ciega mezcladas con otras historias de escritores y personajes de libros que están, de alguna manera, vinculadas con la anciana mujer y también consigo mismo. Los libros están también ahí, sobre el escenario, dentro de cajas de fruta de madera. Y, mientras cada par de versos es enseñado al grupo de diez espectadores, conexiones improbables emergen entre el Premio Nobel Boris Pasternak, un cocinero del norte de Portugal y un programa televisión holandés llamado Belleza y Consolación, y el misterio detrás de la elección de este poema se va resolviendo lentamente. Esta experiencia escénica porque es más exacto llamarlo así, transita entre el teatro biográfico y el documental, un hibrido curioso que Tiago maneja con fragilidad y humor. Sin estridencias, el director-dramaturgo-intérprete nos conduce por su imaginario personal e intereses culturales, de ese modo, como un director de orquesta modula la memoria de los espectadores convocados al escenario y del resto del patio de butacas. Una sesión sobre la memoria recuperada y la perdida.
Adolfo Simón
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El Carnero de Los Anacolutos…Proyectos Poplíteos en DT
El Carnero de proyectos Poplíteos echa raíces profundas bajo sus huesos. Entre la maraña de signos hay líneas continuas que se cierran al final en la mente del espectador, dubitativas pero intensas. Durante la muestra se dejan muchas puertas abiertas, algunas invitan a entrar, otras son aparentemente incoherentes en el conjunto.
Sucede cuando Isaac Torres habla que aparece una cierta arrogancia difícil de asumir en un recorrido personal por la herencia y el pasado. Hay más verdades en la sucesión de recuerdos, cuerpos, sonidos e imágenes que en las palabras de reproche visceral hacia el mundo. Todos nos hemos dejado arrastrar alguna vez por ese rechazo ardiente y catártico, pero para mi gusto convive con dificultad en el mosaico de imágenes.
La palabra despeñadero se usa demasiado poco en nuestra vida cotidiana. Es suficiente con el carnero despeñado para salir retorcido de la sala. Además, en el animal que escapa con nuestros pecados vive la impotencia de ver crecer aquello que nos va a sobrevivir, que va a petrificar la memoria de nuestra abyección. Como la madre de Isaac yo no querría volver atrás para confirmar que el cemento, la madera y la piedra saben tan poco de uno que pintan la memoria como un fraude, una mentira construida día a día entre todos que de vez en cuando vomita carneros hambrientos sobre un mar indiferente.
Javier Tirado
Dios K en el Matadero
Dios K con dramaturgia de Antonio Rojano basada en la novela Karnaval de Juan Francisco Ferré dirigida por Víctor Velasco e interpretada por Alberto Jiménez y Mona Martínez es un ave raris en la cartelera madrileña. Es ese tipo de propuestas escénicas llena de elementos interesantes para el público que va al teatro en busca de esa otra forma poética que no se centre en la superficialidad. Es una ocasión estupenda para entrenar al espectador inquieto con la posibilidad de afinar el gusto por una teatralidad donde pueda aportar su reflexión a partir de lo que se le propone en el texto y la escena. Es un montaje al que cuesta entrar porque empieza cuesta arriba y si lo que queremos es que nos entretengan adoptando una postura pasiva en la butaca, lo fácil es que desconectemos, pero si uno ejerce el derecho y la ocasión para formar parte del viaje creativo, entrará en una montaña rusa de la que no se bajará hasta el final. Los ídolos de barro que aspiraron a ser mármol son personajes muy sugerentes, tienen los elementos idóneos para crear buena ficción a partir de la realidad. Hay momentos en que uno ha de respirar hondo y otros en los que la respiración se acelera…Eso es teatro; un espacio para la reflexión y la emoción. Y, además, hay dos médiums excelentes llevando a cabo este ritual contemporáneo, ahí, a un metro de nuestro cerebro. Lo que no entiendo es porque se produce y programa un material así para estar en el último rincón del matadero, donde las bestias ya no respiran.
Adolfo Simón
Carne viva en La Pensión de las Pulgas
Carne Viva una historia 3×1 escrita y dirigida por Denise Despeyroux y llevada a cabo por nueve actores que se dejan la piel en cada pase. Una innovadora joya dramaturgia, un juego estructural donde las piezas encajan gracias a la habilidad en la dirección, así como en la interpretación. Un reto que se desenvuelve en los tres espacios acondicionados de la Pensión de las Pulgas, dónde el público tiene que entrar y salir de los espacios para seguir conociendo el enredo, así como los actores interactúan entre ellos en las diferentes salas. Es fresca a la vez que acida, con un ritmo continuo donde el espectador disfruta cómodamente de tramas policiales o conflictos de amor en clave de humor. Una mezcla entre comedia, drama y sobretodo sátira de la crisis actual, donde la realidad llega hasta la lujosa comisaría de huertas 48, habitada por unos peculiares policías que deberán hacer malabares para llegar a fin de mes con los gastos. En éste caso el comisario Torres se ve en la obligación de alquilar dos despachos de su comisaría para conseguir medios y no tener que cerrar. Despachos que se convertirán en una sala de danza contemporánea y en una consulta de hipología. Tres espacios en una misma comisaría. En cada pase los actores tienen el reto de estar siempre en alerta, pues la historia se desarrolla en tres lugares al mismo tiempo, dónde el espectador ira conociendo la evolución de la historia según la sala en la que le hagan entrar.
Pablo Cano
«Muñeca de Porcelana» en las Naves del Español
Un millonario le acaba de comprar un avión a su joven prometida como regalo de bodas. Su intención es jubilarse y dedicarse enteramente a ella. Durante el último día en la oficina, antes de reunirse con ella, instruye a su joven ayudante para poder atender sus negocios desde la distancia. Justo antes de salir recibe una llamada de última hora que deseará no haber aceptado nunca.
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«Muñeca de Porcelana» es la primera producción que se hace en el mundo después de su estreno absoluto en diciembre en Broadway de la mano de Al Pacino. Allí no ha recibido muy buenas críticas, no por el texto, sino por la interpretación. Aquí no podremos decir lo mismo porque José Sacristán ha sabido afrontar con toda su maestría un texto complicado, en el que no existen muchas réplicas y en el que la memoria juega un papel muy importante a la hora de ponerlo en escena. Pero este señor actor tiene su técnica bien estructurada y desarrollada y acaba dejando a Al Pacino a la altura del betún. Soberbio, con la fuerza y tensión actoral que requiere el personaje, Sacristán destripa el texto de Mamet, se mete en su laberíntica estructura y trepidante ritmo y lo hace suyo aparentando una facilidad supina para sumergirse en la piel de un millonario con la mente podrida. No hay otra palabra más adecuada para definir su interpretación que Maestría.
Javier Godino le ayuda en esta tarea, con una correcta interpretación y dejándose guiar por manos expertas.
Mamet es especialista es destripar la condición humana más corrupta, en crear personajes con poder pero que en el fondo son pusilánimes y pobres de espíritu que se dedican a joder a todo el que se atreve a acercarse a ellos. Esta construcción del personaje se va desarrollando a través de una dramaturgia enrevesada, con múltiples aristas que se van soldando sutilmente y van encajando hasta crear un poliedro perfecto y brillante. Pero para encajar todas las piezas es necesario un gran trabajo de dirección y actoral y una conexión entre ambos o se corre el riesgo de que la soldadura se despegue y la crítica se eche encima. No es éste el caso español, en el que el director Juan Carlos Rubio ha sabido templar el soplete y rematar muy bien esas aristas.
Teatro con mayúsculas. Imprescindible. Obligatorio verla.
Luis Mª García Grande.
«Sofocos Plus» en el Teatro La Latina
Cuatro mujeres, cuatro actrices, cuatro menopáusicas reunidas para hacernos reír a carcajadas en La Latina, teatro de la comedia por excelencia. Sofocos Plus es la secuela perfecta para seguir riéndose de nuestra naturaleza, de nuestras desgracias y nuestro hacerse mayor. La vida y los cambios hormonales hay que tomárselos con filosofía y mucho humor y así lo han recreado Juan Luis Iborra, Sonia Gómez y Antonio Albert a través de cuatro personajes interpretados por Ana Obregón, Fabiola Toledo, Elisa Matilla y Teté Delgado. Un espectáculo que no va a dejar indiferente a nadie, sea menopáusica, pitopáusico o páusico en general…con música chochi-petarda hecha a medida para estas actrices, que nos traslada de repente de una vida desesperada al champán y la lentejuela de la Nochevieja, haciendo bailar hasta a los óvulos más vagos.
Y además escenografiado por la colorista Ágata Ruíz de la Prada que hace que las penas sean menos duras a base de diseños optimistas, frescos y regeneradores de la moral femenina, poniendo guapas a todas las mujeres, cualquiera que sea su fisonomía.
¿Por qué he acabado viendo Sofocos Plus, se preguntarán esos lectores tan cultos que me siguen? Pues porque a veces hay que darse un lingotazo de frivolidad y ponerse el mundo por montera antes de que el organismo sólo te pida sofá y caldo.
Acérquense al teatro y exorcicen sus miedos a base de unos sketches llenos de risoterapia, desparpajo y originalidad dirigidos a todo bicho viviente que hacen que salgas del teatro temiendo menos a esa señora que se llama Menopausia.
Luis Mª García Grande.
Pa amb tomàquet & tango en Madrid con Toni Cano
Todos estamos llenos de prejuicios. Nos hablan de monólogos y solo nos viene a la cabeza un señor o señora sentado en una banqueta explicando anécdotas divertidas. Cada vez que nos hablan de un lugar que tiene una línea concreta de programación, lo primero que decimos es que ese sitio no nos interesa. Y de este modo, nos perdemos la oportunidad de descubrir cosas diferentes. La chocita del Loro está especializada en monologuistas, tiene una variedad muy grande, desde rostros conocidos a artista que todavía no son populares… Esta cuestión ha hecho que no fuese un lugar prioritario para mí a la hora de cubrir la cartelera madrileña. Este fin de semana he acudido y me he encontrado un cabaret curioso, con un punto camp de los que ya quedan pocos en Madrid. Y he comprobado que hay un público que disfruta con este tipo de propuestas que les despierta la parte más delirante de su imaginario. Y, sobre todo, he tenido la ocasión de ver en acción a un actor que pronto dará que hablar. Toni Cano es un todoterreno que puede estar en un escenario durante dos horas haciendo disfrutar y reír a carcajada batiente al respetable. Hay varias cosas interesantes en el trabajo de Toni en ese delirante Pa amb tomàquet & tango. Por un lado, el vértigo constante al trabajar con el público que asiste, creando un guion sobre la marcha, elaborado a la medida de los allí presentes y de las noticias que están candentes en la actualidad. Pero esta es una línea en su guion, en paralelo o en zig-zag, vuelve sobre la estructura de sus historias y anécdotas de brutal humor en ocasiones. No hace humor amable, realiza humor kamikaze…El espectáculo tiene dos partes diferenciadas y no, pero no les voy a desvelar lo que ocurre tras el descanso, han de ir para descubrirlo. Intenten cambiar sus costumbres y vayan a otros teatros, incluso a esos que no les apetece de entrada, nunca se sabe…igual descubren algo inesperado.
Adolfo Simón
Agugutata en La cueva del Clan de Bichos
¿De dónde vienen los niños?, todos lo sabemos…de Paris!¿De dónde vienen los títeres?…Es un misterio que en esta obra se desvela. Nunca se ha hecho una función de títeres donde se muestre el origen de ellos. No he visto en ninguna función a una títera embarazada ni un bebe títere… ¿Por qué? Y tampoco es habitual que una obra de muñecos hable a los pequeños como adultos en proceso… Mostrándoles la realidad de una sociedad en la que han de vivir. Lo interesante de Agugutata es que, con una sonrisa y una canción nos hacen pensar y darle al mundo del títere la entidad que merece. Acudan a este pequeño e irreal teatro, lo pasarán bien.
Adolfo Simón
Historias mentales en la escena
Cenizas en la sala II del Centro de Arte Fernán Gómez
Tres protagonistas, tres almas perdidas, viven de manera distinta una historia muy personal. A veces, un acontecimiento inesperado hará que se desencadenen los deseos oscultos. Una historia de íntimidad y pensamiento.
La secta de las vampiras en LazonaKubik
La secta de las vampiras es el campo de batalla entre una máquina esquizoide productora de lenguaje y una máquina coreográfica de atracción y repulsión. Dos líneas dramatúrgicas paralelas que generan desconcierto dramático
Adolfo Simón
Sacre (Consagración) de Sasha Waltz en el Teatro Real de Madrid
«L’après-midi d’un faune» es una producción de Sasha Waltz & Guests coproducida por la Staatsoper im Schiller Theater. «Scène d’amour es un extracto de «Roméo et Juliette», una producción del Teatro alla Scala de Milán y «Sacre» es una producción de Sasha Waltz & Guests coproducida por el Teatro Mariinksy de San Petersburgo y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. Este tríptico presentado en el Teatro Real de Madrid es una ocasión única para conocer tres aristas de la rica producción artística de Sasha Waltz. En la primera pieza hay un lenguaje mucho más contemporáneo que en las otras que ralla la peformance plástica. La segunda es un ejercicio emotivo de belleza extrema para cerrarse con una obra de gran intensidad estética y energética; un cierre que demuestra de manera contundente lo que no duda nadie hoy en día y es que Sasha está en el momento más álgido de su carrera creativa y cuenta con un elenco de bailarines de un nivel técnico fantástico. Por suerte para nosotros, el Teatro Real ha programado estas tres piezas para seguir disfrutando y conociendo a fondo su trayectoria. Poder disfrutar de sus coreografías con música en directo es un lujo exquisito.
Adolfo Simón
Periodismo y biopic a escena
Ayer asistí a dos curiosas experiencias, por un lado, a la nueva edición de Havana Club que en este caso congregó en el Teatro Principe Pio a escritores de gran prestigio para que hablasen sobre sus formas de afrontrar la entrevista y por otro lado, acudí al estreno de Una corbata para Marilyn en el Teatro Arlequín en la que, a modo de musical teatralizado, se recorría biográficamente la vida de la famosa actriz. Cruce de lenguajes narrativos para dar variedad a la cartelera.
Adolfo Simón
Sufrida Calo en el OFF del Lara
Elena Lombao tiene una vis cómica excepcional, hace que cada gesto o comentario tenga un temblor dramático que desemboca en una carcajada del público. Hay una pirueta dramática sobre el personaje de la fascinante pintora que no voy a desvelar, pero les aseguro que, si van a ver esta propuesta, les sorprenderá…y al tiempo, les hará pensar que tal vez la retranca de Frida pudo tener que ver con esa visión esperpéntica y disparatada de un universo en el que convive la muerte y la vida…lo sentimental con lo paródico. Un ejercicio unipersonal diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en los monólogos que pueblan nuestra cartelera teatral.
Adolfo Simón
Shakespeare, la mujer silenciada en Lagrada
La historia siempre la ha contado los hombres y los vencedores que, casi siempre, suelen ser ellos lo que se alzan con las victorias. Siempre hubo mujeres interesantes y avanzadas a su tiempo y, sin embargo, tuvieron que silenciar su nombre porque un padre, un marido o un hermano las sumió en la oscuridad del tiempo. Shakespeare,la mujer silenciada propone una revisión sobre el más célebre autor de todos los tiempos, mostrando realmente como se comportó en aquella época, de dónde salió su productiva obra y cuál fue su verdadera identidad. Un monólogo en el que la actriz transita por la amargura de una existencia gris a la sombra del gran bardo.
Adolfo Simón
Cervantes en chandall y auriculares
Que gusto da descubrir, en medio de los grandes fastos de la celebración sobre Cervantes, piezas escénicas que se enfrentan al monstruo de la literatura con bisturí y cincel. Desde la dramaturgia de Alberto Conejero con Rinconete y cortadillo que los Sexpeare defienden de manera personal y moderna bajo la dirección de Salva Bolta que se ha presentado en la sala Negra de los Teatros del Canal a la adaptación ingeniosa de María Velasco con la que quita polvo y paja a La gitanilla y que, Sonia Sebastián ha sabido dirigir jugando con los rincones y espacios singulares de la Sociedad Cervantina. No digo que no se tenga que conmemorar de manera respetuosa una figura como Cervantes, pero, el público inquieto de hoy, seguro que agradece el aire fresco que estos equipos atrevidos hacen con la literatura clásica. No podemos quedarnos atascados en el lenguaje de otra época, hay que evolucionar y mezclar estéticas para que surjan nuevos referentes en el arte.
Adolfo Simón
Hermanas en la Sala TU
El terror es muy complicado de conseguir en el teatro, pero, a veces, se consiguen pequeñas piezas que tienen una propuesta sencilla pero armada, en la Sala TU se ha estrenado Hermanas, una psico escena donde dos jóvenes actrices consiguen crear una atmósfera opresora que carga el patio de butacas de fantasmas ausentes. Seguro que con de devenir de las funciones terminará de ajustarse la pieza.
Adolfo Simón
Familia, paraíso perdido en La pensión de las pulgas
Hay dos propuestas que se han estrenado recientemente en La pensión de las pulgas que, siendo una la adaptación de un clásico y la otra, un texto contemporáneo, ambas tienen un denominador común, la radiografía sobre ese ente nuclear llamado familia donde se gesta la belleza y el horror del ser humano. No sabemos qué sería del ser evolucionado si no se hubiese gestado bajo el paraguas de la familia…¿No habría existido la evolución o tal vez habríamos dejado de ser animales con piel de cordero?. En Crónica de una Casa Real, inteligente y sintética adaptación de La Venganza de Tamar de Tirso de Molina y Los cabellos de Absalón de Calderón de la Barca. En esta casa real, encontramos a los personajes sumergidos en la intimidad y precipicio de sus deseos más ocultos y secretos. Por más que la educación el respeto nos sujeten, los caballos de la locura se desbocan y aparece la tragedia. En Veneno para ratones, situada en la actualidad, encontramos una historia con trasfondo de alta traición económica y personal que, además, contiene un final de gran giro dramático donde los personajes descubrirán que no son lo que parecen ni lo que soñaron, que, en su mundo sin reglas, el destino es el que marca las líneas de acción. En ambos equipos seguimos descubriendo interesantes dramaturgos y directores…y actores que no temen al público a un palmo de su respiración.
Adolfo Simón
Phantasmagoria en DT
No es necesario afirmar que la materialización de una idea conlleva muchas dificultades. Una de las preguntas que surgen y que permitiría un extenso debate es hasta donde la idea original, inmaterial, ha de imponerse a las condiciones físicas de su materialización, o dicho de otro modo, hasta donde debe una idea transformarse para adaptarse a la realidad y convertirse no en una “copia” en 3d de los pensamientos del autor sino en un ente independiente con vida propia. En el caso de Phantasmagoria parece tratarse de una obra adaptada solo parcialmente al lenguaje escénico, al contacto con el público. Cuando una performance es un objeto de exposición en un museo el espectador es libre de acercase a ella a su antojo. Sin embargo en el teatro ha de tenerse en cuenta el ritual del espectáculo y la ansiedad que genera que aquello que se va a ver será mostrado solo una vez. Cada distracción penaliza y la monotonía adquiere otro valor. Pienso que unos de los materiales más preciados en cada espectáculo son los pensamientos del público que no están directamente relacionados con lo que ve (las distracciones, las dudas, los viajes fuera del hilo narrativo) pero son específicos de ese ritual compartido. Creo que el fantasma de Arianna Marcoli podría haber arañado más nuestro cerebro porque sus uñas estaban afiladas de sutileza y cariño. Pero hubo distancia entre la convención que creó y mi butaca, aunque la verdad no se si la marcó ella o la marqué yo.
Javier Tirado
«La prohibición de amar» de Richard Wagner en el Teatro Real
Dentro de la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Shakespeare se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid «La prohibición de amar», opera en dos actos con libreto de Richard Wagner, basado en la comedia Medida por medida de William Shakespeare. Estrenada en el Stadttheater de Magdeburgo, el 29 de marzo de 1836 se presenta ahora una nueva producción en el Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House Covent Garden de Londres y el Teatro Colón de Buenos Aires. Auténtica rareza dentro del catálogo de óperas de Richard Wagner porque los escándalos que envolvieron su estreno bajo el título La novicia de Palermo para sortear la censura la convirtieron en una ópera maldita de la que se tuvo que distanciar incluso su autor. La segunda ópera de Wagner se estrena en España (tras una versión de cámara presentada en el Festival de Peralada en 2013) en una nueva producción del director danés Kasper Holten. Para esta ocasión ha creado un laberinto emocional como puesta en escena por el que transcurren los personajes haciendo sus trampas amorosas de las que saldrán escarmentados. Todo el equipo artístico al completo juega desde el escenario hasta el foso para dar juego y ligereza a esta obra de culto.
Adolfo Simón
40 años de paz en el Teatro del Barrio
El pasado y el futuro no existen, solo cuenta el presente y aunque el mundo podría desmoronarse en cualquier momento, si no lo ha hecho ya. A estos personajes nada les pueden hace cambiar pues nada les importa, todo lo que les ocurra es inevitable.
40 años de paz es una historia consecuencia de la propia historia. La crisis de los 40, una familia unida aún con sus diferencias, 4 maneras de contar como cada uno de sus miembros afronta su crisis de la mejor manera que puede.
Esta obra es un rápido parpadeo por las entrañas de la historia de España, la transición política reflejada en el espejo de una familia. Donde se narra la vida de tres hermanos insólitos y una madre en el retiro en una casa decadente. Como punto de partida la muerte del padre. Un militar de alto rango vinculado directamente con el régimen de Franco, que la noche del golpe de estado de Tejero muere de una manera muy peculiar. Fruto de su euforia y su mala suerte.
Una manera distinta de contar el pasado desde el presente. Con actores que se desdoblan y con una limpieza absoluta y un ritmo brutal donde modifican el escenario, su vestuario y son natradores, objetos polisemicos y una escenografía que traslada a la decadencia absoluta a la que puede llegar el ser humano, cuando todo se desmorona.
Los textos son dichos con una verosimilitud y vivencia que deslumbra, durante gran parte de la obra, se recurre a una voz narradora , la voz de la conciencia, que se aprovecha de un micro de mano para contestualizar y ayudar al espectador en su comprensión y asi enfatiza la historia .
El buen ritmo de la obra facilita la comprensión de la historia y ayuda a que el espectador desconecte muy poco. Los momentos sonoros, canciones que en si misma son acciones, que al público le cuenta mucho sobre el personaje.
Un texto humano, cotidiano, verdadero. Con unos actores exigentes y entregados.
Pablo Cano
Que Revienten los Artistas 
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