Las Golondrina en el Teatro de la Zarzuela
Las Golondrina, drama lírico en tres actos con música de José María Usandizaga y libreto de Gregorio Martínez Sierra y María de Lejárraga fue estrenado en el Teatro Price de Madrid el 5 de febrero de 1914, este año, para abrir la nueva temporada del Teatro de la Zarzuela se presenta esta nueva producción . Este angustioso drama de celos se muestra en el ambiente de un circo ambulante con un payaso como protagonista. Una cotidianeidad en blanco y negro y gris emocionalmente nos traslada a una época o a un tipo de vida donde las ilusiones se han perdido y solo se aspira a huir para encontrar nuevos paisajes de color. Pero la huida nunca es hacia delante, los caminos, muchas veces nos devuelven al lugar de origen donde tendremos que enfrentarnos a nuestro destino, para cambiarlo o sucumbir a él. Una producción de estética sutil que tiene efecto espectacular en la teatralidad de la intimidad de ese circo donde han de seguir sus vidas los artistas cuando cae el telón. Con dirección musical de Óliver Díaz y de escena de Giancarlo del Mónaco se presenta un equipo artístico de gran profesionalidad que animará a acudir a disfrutar de nuestra cultura musical.
Adolfo Simón
Otello de Verdi en el Teatro Real de Madrid
El amor de Desdemona por Otello se considera arte de magia, sin embargo el amor de Otello por Desdemona se considera como lo más lógico del mundo: Desdemona es tan refinada, tan blanca y tan aristocrática que cualquiera comprende que Otello no pueda menos que amarla. Se aman, pero la diferencia direccional del amor de ambos es innegable. Y es sobre estas diferencias que un personaje resentido y diabólico, el alférez Iago, acabará logrando tejer su venganza contra el general Otello por no haberlo ascendido a capitán, como esperaba. La venganza necesita de un resorte mínimo, porque en esencia consiste en hacer creer a Otello lo que ya cree todo el mundo: que no es posible que una dama así se pueda haber enamorado de alguien como él. Así que pese a que Otello tiene un alma noble y Desdemona está realmente enamorada de él, pese a que Cassio es leal e intachable, la insinuación de Iago da sus frutos y Otello realmente cree que Desdemona le engaña. Shakespeare se adelantó para denunciar el horror sobre la violencia a las mujeres, en esta obra se comprueba como la inocencia puede transformarse en horror si se manipulan los sentimientos. Queda claro que todos podemos ser víctimas o verdugos, la frontera es muy fina entre una opción u otra. En esta espléndida producción presentada en el Teatro Real de Madrid se demuestra la teatralidad del autor inglés, aquí se disfrutó de teatro dramático de altura. Una experiencia profunda y sensible.
Adolfo Simón
Moisés y Aarón en el Teatro Real
Moisés y Aarón es una monumental ópera inacabada de Arnold Schönberg, nacida como un grito contra la persecución antisemita, que se ha estrenado en versión escenificada en Madrid, en una impresionante puesta en escena de Romeo Castellucci, uno de los más brillantes creadores de las artes dramáticas en la actualidad, que en esta producción firma la dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación. Una gran producción en la que participan cerca de 400 personas entre artistas y técnicos. Esta coproducción del Teatro Real con la Opéra National de París, llega precedida de un gran éxito y repercusión internacional.
¿Qué es arte contemporáneo?¿Puede el arte transformar al individuo hoy?…¿El arte y la belleza podrían salvar este mundo lleno de intolerancias?. Todas estas preguntas me hacía mientras contemplaba atónito la monumentalidad de la obra que ha creado Castellucci. Qué difícil es ir al teatro y encontrar cosas nuevas y diferentes. Que complicado es sorprendernos en esa caja mágica que es el escenario y, sin embargo, aquí, sumando artistas de la escena, músicos, director de orquesta, todos entregados sin concesiones a una puesta en escena crepuscular, inaudita…generan un poema épico brutal que surge del imaginario de ese creador de escena nunca visto, aunque ya todo esté inventado y que nos traslada a un universo doloroso y liberador al tiempo: El sentido del teatro. Castellucci crea un mapa poético ético nuevo con el que sacudir a este sociedad enferma y adormecida.
Adolfo Simón
¡Como está Madriz!…en el Teatro de la Zarzuela
Siempre me pregunto para qué ha de servir el teatro hoy…¿Para entretener?¿Para emocionar?¿Para hacer pensar?¿Para guardar la memoria y prevenirnos del futuro?…Podría seguir haciendo preguntas y todas girarían alrededor de dos ejes…Divertir y hacer que nuestra cabeza se revolucione. ¡Salir de un teatro con la sensación de ligereza, de haber jugado desde el patio de butacas al tiempo que hemos pensado sobre quiénes somos y qué hacemos aquí…Es estupendo! Todo esto provoca ¡Cómo está Madriz! gracias a la versión libre que ha hecho Miguel del Arco a partir de entrelazar canciones de La Gran Vía y El año pasado por agua con pequeñas escenas que atraviesan el tiempo y nos proyectan hacia el mañana con ganas de construir un mundo mejor, aunque sea una autovía. Este espectáculo es un homenaje a Madrid, al teatro, a la bohemia…a todos los que hemos llegado a esta ciudad y la hemos querido a pesar de sus peculiaridades o tal vez por ellas y, sobre todo, porque nunca nos ha pedido cuentas por estar aquí. ¡Cómo está Madrid! es zarzuela, teatro, cabaret, music-hall, revista… Y todo ello con un aire moderno sin perder la esencia original. Miguel del Arco capitanea un equipo de creación que ha debido disfrutar con su trabajo al reinventar el vestuario, el espacio, la luz y la fisonomía de esta ciudad que siempre nos sorprende si la miramos con ojos nuevos. Como este elenco ha hecho…y aunque Paco León está al frente del reparto, el resto de los actores, bailarines, coro…se han contagiado de este espíritu de locura por quitar el gris al maravilloso cielo de Madrid. Y la orquesta, gracias a la espléndida dirección musical de José María Moreno toca con brío y belleza extrema. Corran a comprar unas entradas porque se van a agotar y se arrepentirán de no poder disfrutar de la zarzuela del siglo XXI.
Adolfo Simón
El amor brujo de La Fura dels Baus en los Teatros del Canal
El amor brujo es la obra más universal, brillante y arrebatadora de Manuel de Falla. La Fura dels Baus se ha propuesto hacer un espectáculo en el que intervienen de manera física el Agua y el Fuego como esencia de la genial música. Durante una hora generan en escena un crisol cromático y sensorial a través de cuerpos, materias y elementos hidraúlicos. Una pieza más a añadir en la trayectoria musical de esta compañía desde una estética que recorre la tradición hacia la modernidad escénica.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/amor-brujo-fuego-palabra-fura-dels-baus/#sthash.vMOC3Wgr.dpuf
Adolfo Simón
Brundibár en el Teatro Real
Esta partitura es otra de las rescatadas tras el holocausto, ya que su autor, el compositor judío Hans Krása, oriundo de Praga, fue deportado al campo de internamiento de Terezín –creado por el III Reich y presentado por su propaganda como una «ciudad balneario» a la que se podían retirar ancianos y artistas judíos–, para recalar en la estación término de Auschwitz. La obra, compuesta en 1938, se representó clandestinamente cuatro años más tarde en un orfanato para niños judíos en Praga. Posteriormente, Krása, ya internado, tuvo que reconstruirla de memoria, y se interpretó 55 veces en Terezín con la ayuda de los niños que allí habitaban. Esta ópera infantil, redescubierta a finales de los años 70, y símbolo de la resistencia cultural frente a la más feroz represión, llega a nosotros de mano de Susana Gómez con una lectura capaz de extraer la más pura poesía del horror. Desde el programa pedagógico del Teatro Real se está llevando a cabo una labor importante al acercar a los pequeños de la casa el bel canto, pero también, recuperando piezas olvidadas o que no se representan todo lo que debieran, tratando temas importantes que no han de ignorarse porque el pasado siempre es una sombra que amenaza el presente.
En la Séptima planta del Teatro se puede visitar una exposición de dibujos y pinturas realizados en campo de concentración de Terezín
Adolfo Simón
‘Parsifal’ en el Teatro Real de Madrid
Festival escénico sacro en tres actos con libreto de Richard Wagner, basado en el poema épico medieval Parzival de Wolfram von Eschenbach. Estrenada en el Festspielhaus de Bayreuth, el 26 de julio de 1882 y en España, en el Teatro Real de Madrid, el 1 de enero de 1914. La producción que se presenta ahora en el coliseo madrileño es co-producción de la Ópera de Zúrich y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Con la vista puesta en La Montaña mágica de Thomas Mann y el conocimiento histórico de la vieja Europa como base de la producción, el director de escena Claus Guth desmadeja una de las partituras más emocionantes y aplaudidas del gran Richard Wagner.
Parsifal, el inocente educado en la compasión, encarna el espejismo de la redención. Este es el punto de partida de la puesta en escena de Claus Guth, uno de los grandes nombres de la dirección de escena contemporánea, que debuta en el Real con uno de sus más aclamados espectáculos. El decadente hospital para lisiados de guerra en el que transcurre la acción, inspirado en el sanatorio de La montaña mágica de Thomas Mann, encarna los traumas y el desánimo que siguió a la Primera Guerra Mundial, cuyas esperanzas puestas en un nuevo líder desembocarán en un nuevo desastre. Cuando uno asiste a monumentos artísticos de este calibre, se siente muy pequeño en el patio de butacas. Una obra excepcional en todo su conjunto, un delirio emocional y artístico.
Adolfo Simón
María Moliner en el Teatro de la Zarzuela
Anoche se estrenó María Moliner, un espectáculo que hace honor al gran trabajo que realizó en vida esta mujer para que el «español» tuviera el mejor uso comunicativo. Una obra excepcional que no tuvo el eco ni reconocimiento en su momento y que aquí, se dignifica a través del espléndido proyecto realizado. La obra se centra en la segunda mitad de la vida de la lexicógrafa María Moliner cuando, haciendo de la necesidad virtud, y utilizando el encierro cultural al que se vio abocada tras la victoria franquista en la Guerra Civil, decide realizar su idea asombrosa: la hazaña de hacer ella sola, en su casa, un diccionario cuya enjundia puso en evidencia al diccionario de los académicos…La creación de esta ópera parte de la idea de Paco Azorín por reivindicar la figura de la gran lexicógrafa. El libreto es de Lucía Vilanova y la excelente música de Antoni Parera Fons. La dirección de escena, del propio Azorín, está concebida como una ópera documental contemporánea «pensada, escrita y compuesta para el público de hoy». Una síntesis del drama musical que utiliza una fórmula moderna plagada de contrastes y emociones. En ella todo es escena, teatralidad y, por tanto, está llena de pulso. Un espectáculo sorprendente a cada paso, en cada página de ese libro imaginario que va desplegándose escena a escena, como si de un desplegable poético nos mostrase el día a día de esta creadora que tuvo que lidiar con su vida para encontrar el espacio donde las palabras habitasen en libertad. El personaje principal siempre está rodeado de figuras femeninas convertidas en palabras que deambulan o trepan por el escenario, enfrentadas al mundo oscuro y cerril de la intolerancia. Visualmente es muy hermoso y todo el conjunto genera una sensación profunda de la lucha de esta mujer vivió para conseguir un lugar «entre líneas» es un tiempo dominado por hombres.
Adolfo Simón
La guerra de los gigantes / El imposible mayor en amor, le vence Amor en el Teatro de la Zarzuela
Sebastián Durón, compositor español, autor de obras religiosas y operísticas fue, junto a Antonio de Literes, el mejor autor de música escénica de su época. Entre su obra lírica se encuentran estos dos títulos. En La Guerra de los Gigantes aparece por primera vez la palabra «ópera» en una partitura española, y es uno de los pocos ejemplos de este género musical en el barroco español. Se compuso con motivo del matrimonio del Conde de Salvatierra con Doña María Leonor Dávila López de Zúñiga. El imposible mayor en amor, le vence amor es fruto de la competencia con los músicos italianos y representa una nueva etapa de la zarzuela española, que debe competir con los italianos en su mismo terreno: en el del virtuosismo vocal. Con este material tan dispar, Gustavo Tambascio crea un díptico escénico curioso, en la primera pieza genera un mundo enloquecido y futurista como contraste al que elabora en la segunda, donde expone una reproducción casi exacta a como se debían montar las piezas en el tiempo de su estreno. Como siempre, el director se rodea de un equipo excelente para conseguir su objetivo, con la complicidad del director musical y la orquesta en directo.
Adolfo Simón
«La prohibición de amar» de Richard Wagner en el Teatro Real
Dentro de la conmemoración del IV Centenario de la muerte de Shakespeare se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid «La prohibición de amar», opera en dos actos con libreto de Richard Wagner, basado en la comedia Medida por medida de William Shakespeare. Estrenada en el Stadttheater de Magdeburgo, el 29 de marzo de 1836 se presenta ahora una nueva producción en el Teatro Real en coproducción con la Royal Opera House Covent Garden de Londres y el Teatro Colón de Buenos Aires. Auténtica rareza dentro del catálogo de óperas de Richard Wagner porque los escándalos que envolvieron su estreno bajo el título La novicia de Palermo para sortear la censura la convirtieron en una ópera maldita de la que se tuvo que distanciar incluso su autor. La segunda ópera de Wagner se estrena en España (tras una versión de cámara presentada en el Festival de Peralada en 2013) en una nueva producción del director danés Kasper Holten. Para esta ocasión ha creado un laberinto emocional como puesta en escena por el que transcurren los personajes haciendo sus trampas amorosas de las que saldrán escarmentados. Todo el equipo artístico al completo juega desde el escenario hasta el foso para dar juego y ligereza a esta obra de culto.
Adolfo Simón
Don Carlo de Giuseppe Verdi en los Teatros del Canal
Albert Boadella presenta en los Teatros del Canal un nuevo montaje de Don Carlo de Verdi, que se estrenó en julio de 2015 en el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial. En el monasterio de esta localidad vivieron los protagonistas de este drama y allí reposan sus restos. Don Carlo es una de las cúspides indiscutibles del talento creativo de Giuseppe Verdi. En esta propuesta, Albert Boadella cuestiona la propaganda de la Leyenda Negra contra la España del siglo XVI. El tenor Eduardo Aladrén da vida a Don Carlo, controvertido primogénito del rey Felipe II (encarnado por el bajo Simón Orfila). Junto a ellos, el barítono Damián del Castillo interpreta el papel de Rodrigo, amigo y confidente de Don Carlo; la soprano María Rey-Joly es Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II; la mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera, asume el papel de la princesa de Éboli; el bajo Rubén Amoretti en el papel del Gran Inquisidor o el también bajo Francisco Crespo, que interpreta al fraile, completan el elenco excepcional para una puesta en escena sobria y de gran expresividad. Albert Boadella, consciente de que el libreto de Don Carlo, pese a utilizar personajes auténticos, recoge un relato “absolutamente opuesto a la realidad histórica” -en referencia a la conocida leyenda negra promovida en el siglo XVI por los países enemigos de España como propaganda de descrédito-, ha ideado un montaje en el que propone dar a la obra “ciertas aproximaciones a la verdad histórica”. De esta manera, trata de aportar al drama matices desconocidos en los montajes realizados hasta la fecha, como la esclarecedora locura de Don Carlo o la mayor humanidad de Felipe II. El vestuario, diseñado por Pedro Moreno, es fiel a la época y de una belleza espectacular. Todo el conjunto de la puesta en escena y de la fantástica orquesta nos permitió disfrutar de una noche operística de altura internacional.
Adolfo Simón
Juan José en el Teatro de la Zarzuela
Sorozábal denominó Juan José como un drama lírico popular, aclarando que lo de popular quiere decir proletario y no folklórico. La terminó en 1968 y tuvo un conato de estreno en 1979 que resultó fallido. El 21 de febrero de 2009 se estrena finalmente en San Sebastián, pero en versión de concierto. Es por tanto ahora, en el Teatro de la Zarzuela, donde se llevará a cabo, después de 48 años, el estreno absoluto de la versión escénica. La historia transcurre en los barrios bajos de Madrid. Juan José y Rosa viven desde hace tiempo juntos y ella es para él el único sentido de su vida. Pronto las cosas cambiarán y los hechos conducirán hacia un fatídico final. Una pieza musical interesante de recuperar ya que trata temas de candente actualidad, tal vez, debería haberse procurado una puesta en escena menos conceptual que nos acercase más a los temas que genera la narrativa de la pieza.
Adolfo Simón
«La flauta mágica» de Mozart en el Teatro Real
“Los rayos de sol cazan a la noche, desbaratando los poderes de los impostores”, así termina la ópera más misteriosa de Mozart, estrenada el 30 de septiembre de 1791 en Viena, tan sólo unos meses antes de su muerte. El carácter dual de la obra, en la que Beethoven veía la cima que reunía todas las formas del canto, desde la fuga al lied –no en vano concilia la música culta con el singspiel, la comedia y el drama–, encierra un mensaje que resume todos los ideales de la Ilustración. Ópera sobre el amor común y el amor sublime, cuento maravilloso, comedia popular, fábula filosófica, confrontación entre el Bien y el Mal encarnados por la luz y las tinieblas…el mosaico que crea el músico de Salzburgo encaja piezas tan dispares con genial maestría. La insólita puesta en escena del director australiano Barrie Kosky supone un intento de volver a codificar la obra con el lenguaje de los inicios del cine, en un homenaje a Buster Keaton y su generación. Kosky devuelve a La flauta mágica su carácter de espectáculo popular, divertido y al mismo tiempo estimulante. Que Mozart era un genio es indiscutible y que pocas veces los que han de leer de manera contemporánea su obra, se atreven a proponer otras miradas sobre sus grandes piezas, siempre hay ese miedo a enfrentarse a una genialidad y se peca de respeto. Por suerte, hay creadores hoy en día que, sin saltarse las reglas básicas de la obra original, buscan su personal visión, acercándola al público de hoy con lenguajes que van desde el cine al comic o al grafismo. Esta Flauta mágica que se ha presentado en el Teatro Real es una de las versiones más sorprendentes y fascinantes que recuerdo de la obra. No hay escena que no deje atónito al público en el patio de butacas. Una locura para los sentidos!!!.
Adolfo Simón
“La pequeña Bella Durmiente” en el Teatro Bellas Artes
“La pequeña Bella Durmiente” es una adaptación libre y divertida de la versión del francés Charles Perrault del cuento de hadas “La Bella Durmiente”. En esta nueva producción de Ópera Divertimento se respetan los personajes del relato original posteriormente versionado por los Hermanos Grimm y se introduce la figura de un duende que narrará y servirá de puente entre la escena y el público.
En esta ocasión se ha contado con la colaboración de Laura Cobo, diseñadora gráfica que se ha encargado de la elaboración de las películas que acompañan el relato y trabajo escénico. De este modo se puede disfrutar de la simbiosis teatro y cine que a los pequeños de la casa les hace disfrutar en gran medida.
Adolfo Simón
Monsieur de Pourceaug de Molière y Lully en los Teatros del Canal
Estrenada en 1669, “para los divertimentos del Rey”, raramente representada en fechas modernas, Monsieur de Pourceaugnac resume algunos de los temas preferidos de Molière: matrimonio, dinero, enfermedad…Recién llegado de Limoges para contraer matrimonio, Pourceaugnac es manipulado por doctores, mujeres, autoridades, pícaros, etc., hasta que debe huir de París. Tomando la forma de una sencilla comedia, inspirada en la commedia dell’arte italiana, Monsieur de Pourceaugnac es una de las más sombrías y crueles obras de Molière. Desde que William Christie fundó Les Arts Florissants en 1979, su actividad ha sido incesante. Especializados en música barroca, el ensemble debe su nombre a la ópera homónima de Marc-Antoine Charpentier, que fue su primera representación integral. Una producción firmaba por el Théâtre des Bouffes du Nord es garatía de investigación, rigor y placer, además, para esta ocasión se han aliado con Arts Florissants y el Centre International de Créations Théâtrales consiguiendo una obra total como resultado final. Pocas veces se puede disfrutar de un espectáculo donde el texto nos muestra, de manera critica, la hipocresía de la sociedad a través de una exquisita música en directo y una propuesta escénica inteligente en la que los actores cantan, bailan y actúan con entrega energética y emoción.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/monsieur-de-pourceaugnac/
Adolfo Simón
Música de altura en los Teatros del Canal
Durante las Navidades se ha podido disfrutar en Madrid de un exquisito espectáculo: La viuda alegre, el musical. Esta espectacular producción del Teatro Arriaga, cuenta con una elegante escenografía de Daniel Bianco y un precioso trabajo de figurinismo a cargo de Renata Schussheim. También ha captado la atención del público, que puede disfrutarla hasta el próximo domingo, por la belleza de los números de baile, muy variados y llenos de dinamismo, gracias a la siempre creativa coreógrafa Nuria Castejón. Este espectáculo está basado en la opereta probablemente más famosa de todas, La viuda alegre, un verdadero paradigma del teatro musical, que se estrenó en Viena en 1905, con música de Franz Lehár y libreto de Víctor Léon y Leo Stein, basado a su vez en la comedia L’attaché d’ambassade de Henri Meilhac. Es una obra que desde el primer momento fue recibida con enorme entusiasmo y que ahora, gracias a la espléndida versión escénica que ha hecho Emilio Sagi, se convierte en un verdadero placer para los sentidos de los amantes del musical. Las voces de los principales actores dan carácter y emoción a la pieza.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/la-viuda-alegre-musical/
Farinelli, el castrato del rey con texto y dirección de Gustavo Tambascio es un preciosista montaje que solo estará unos días en la sala Verde y que pocos espectadores podrán disfrutar porque las entradas están agotadas desde hace tiempo; esperamos que pronto vuelva a la cartelera de Madrid porque es uno de los montajes más bellos vistos últimamente en nuestra ciudad. Tras haber conquistado la gloria en Europa, Farinelli se retiró́ de la escena a los 32 años, para colocarse al servicio del rey Felipe V, quien solo encontraba solaz para su severa melancolía en las arias que le cantaba noche a noche. Farinelli, el castrato del rey Felipe narra, en el lenguaje del teatro musical barroco, los hechos extraordinarios de la vida en España de Carlo Broschi, el cantante más célebre de su tiempo. El legendario castrado logró con su canto sacar de la melancolía al rey Felipe V y hacerle retomar sus deberes como monarca. Al mismo tiempo, la fascinación por su voz y su inteligencia, fuera de lo común, le granjearon la admiración de la familia real, convirtiéndose en el verdadero amo de la actividad musical española tras la muerte del Rey, bajo el reinado de Fernando VI y Bárbara de Braganza. Este montaje mezcla de manera excepcional lo teatral y lo lírico, una suerte para los que lo hemos podido ver.
http://www.teatroscanal.com/espectaculo/farinelli-castrato-rey-felipe/
Los Teatros del Canal se están convirtiendo en un lugar de referencia para los buenos espectáculos musicales.
Adolfo Simón
Música en la voz
Este fin de semana han coincidido casi al tiempo dos espectáculos donde la voz y la música eran los protagonistas. Para público familiar, en Cuarta Pared se ha representado «Luna Sefardita» de Ana Alcaide, un viaje sonoro por países e instrumentos de la mano y las palabras de la intérprete y sus músicos, un concierto teatralizado donde la didáctica empleada hacía más sencillo transitar por los paisajes musicales que nos proponían. Y en La pensión de las pulgas…»La voz humana» de Paulenc/Cocteau interpretada por Paula Mendoza y dirigida por Marta Eguilior que, sorprendentemente, convierten el exquisito espacio de la calle Huertas en una prolongación de cualquiera de los templos del bel canto. Viajar a través de la música y la voz de esta ópera de cámara es una experiencia muy poco habitual.
Adolfo Simón
Alcina de Händel en el Teatro Real de Madrid
El genio musical de Händel y la fantasía extraída de Orlando furioso, el poema épico de Ludovico Ariosto en el que se inspira la historia, convierten a Alcina en una de las más populares óperas del compositor sajón –junto a Ariodante y Orlando, también inspiradas en esta cumbre de la literatura universal– que se estrenó en el Covent Garden en 1735. La historia, de ecos homéricos, de la maga Alcina que atrae a los héroes a su isla para seducirles y convertirles después en parte del paisaje, y la lucha de Ruggiero y Bradamante para librarse de la maligna bruja, siguen cautivando por la sutil metáfora que encierra sobre los espejismos que crean el amor y la pasión. En la puesta en escena de David Alden, que debuta en el Teatro Real, el reino mágico de Alcina es el del teatro, construido con referencias al cine de Hollywood, a la revista y a la comedia musical. El final aparentemente feliz en el que Ruggiero se casa de manera totalmente convencional con Bradamante en un barrio periférico, inspira la nostalgia del mundo del teatro en el que reinaba la maga. Un espectáculo vistoso y moderno, lleno de guiños para los amantes del arte de la década de los sesenta…Esos dibujos del cuerpo humano que invade la escena, mezclados con figuras de animales en proceso de evolución consiguen que nos adentremos en un universo diferente, un teatro de la vida que nos muestra que la maldad no siempre se sale con la suya y que el amor puede sobrevivir a todo.
Adolfo Simón
Galanteos en Venecia en el Teatro de la Zarzuela de Madrid
Zarzuela en tres actos de Luis Olona con música de Francisco Asenjo Barbieri cuenta una historia en la Venecia del siglo XVI entre personajes disfrazados, conspiraciones y engaños. Se trata de una obra que mezcla escenas de intenso drama romántico con chispeantes situaciones de sainete y con el trasfondo político, siempre en un segundo plano, de las guerras rutinarias de la época entre venecianos y turcos. En definitiva, este desconocidísimo Barbieri tiene aquí una nueva oportunidad de la mano del director musical Cristóbal Soler y de Paco Mir que firma la puesta en escena y que ha convertido la pieza en un juego de cine dentro del teatro que consigue, en algunos momentos, hallazgos jocosos que muestran los entresijos del teatro. Una escenografía espectacular de Juan Sanz y Miguel Ángel Coso nos permite recorrer los múltiples espacios donde transcurre la acción.
Adolfo Simón
Roberto Devereux de Gaetano Donizetti en el Teatro Real de Madrid
En la última y espectacular aria de Roberto Devereux, una de las óperas del periodo Tudor (Anna Bolena, María Stuarda e Il Castello di Kenilworth) que Donizetti compuso en 1837, su protagonista, la reina Isabel I de Inglaterra, exclama: “No reino, no vivo”. Entre estos dos ejes, grandes temas siempre de la ópera, se mueven las pasiones de unos personajes que viven entre las intrigas palaciegas y sus afectos. Escrita en el periodo de madurez del máximo representante del romanticismo italiano, la ópera alcanza un gran virtuosismo vocal y proclama la afirmación donizettiana de la supremacía de la voz en el género. La puesta en escena de Alessandro Talevi, el director de origen sudafricano que se ha movido entre los grandes teatros líricos y los escenarios del teatro más experimental, aquí, sitúa la acción en un tiempo indeterminado, resaltando el juego de claroscuros. El amor y el poder rara vez van de la mano, siempre aparece el conflicto que genera que el amor sea una guerra y que el dolor vaya de la mano del deseo. La puesta en escena tiene un aroma a Blade Runner que provoca en el espectador la sensación de estar viviendo una historia que atraviesa el tiempo y se lanza al futuro; por desgracia, ese binomio terrible…amor-poder ha sido el eje de la historia y lo seguirá siendo. Un espectáculo excelente para inaugurar la temporada lírica del Real.
Adolfo Simón
Porgy and Bess en el Teatro Real de Madrid
La popular ópera de George Gershwin, DuBose y Dorothy Heyward e Ira Gershwin, Porgy and Bess, que se escuchó en la primera temporada del nuevo coliseo madrileño volvió al Teatro Real, después de 17 años. Esta ópera mestiza y racial, que incorpora en su partitura ritmos de jazz y de blues, melodías populares afroamericanas y góspel, llegó al Teatro Real de la mano de la Cape Town Opera Company. La producción viene precedida de un gran éxito en su gira por Reino Unido. Porgy and Bess -cuya célebre aria Summertime entonada por la protagonista, se ha convertido en una da las canciones de Gershwin más interpretadas y versionadas en todo el mundo-, narra la historia de Porgy, un inválido y marginal afroamericano, que lucha por rescatar a su amada Bess de las garras de los delincuentes que se aprovechan de su debilidad y belleza. Un montaje a medio camino entre el gran musical de Broadway y la ópera contemporánea en el que destaca la brillantez vocal e interpretativa del conjunto de actores cantantes. Una escenografía sencilla va transformándose ante los ojos del espectador en las distintas localizaciones para contar la trama. Un buen broche para cerrar una temporada en la que el Teatro Real ha intentado acercar el bell canto a todo tipo de público.
Adolfo Simón
Goyescas y Gianni Schicchi en el Teatro Real
Un curioso programa el que nos ofrece el Teatro Real estos días. La primera parte consiste en una dramatización sencilla de Goyescas, casi una puesta en escena de cámara. A continuación, Plácido Domingo, acompañado de ilustres colegas del bel canto, nos ofrecieron un breve recital de algunas arias deliciosas que entusiasmaron al público asistente. Tras un descanso, en la segunda parte, disfrutamos de una excelente e inteligente puesta en escena de Gianni Schicchi dirigida por Woody Allen. La tercera obra de Il trittico de Puccini, Gianni Schicchi, una ópera cómica inspirada en un episodio de La Divina Comedia de Dante –entretenida y pícara descripción de una astuta codicia– muy pronto se alzó como la predilecta del público, con un lenguaje musical que se revela como el más audaz y moderno de la trilogía. La que se considera última gran obra maestra de la ópera cómica italiana se ha presentado en el Real de la mano del humor ácido y mordaz de Woody Allen. Tres piezas para diferentes paladares que completan una programación sugerente en esta temporada del coliseo madrileño.
Adolfo Simón
«La Tragedie de Carmen» de Peter Brook en Los veranos de la Villa
«Carmen» se puede reinterpretar de muchas maneras y hay Cármenes para todos los gustos. En este caso Brook ha ido limpiando y puliendo el argumento hasta quedarse con lo básico, con los personajes que intervienen directamente en el drama y alejándose de las fabulaciones francesas que se tenían sobre el mito de Carmen. La ópera adaptada se desarrolla en un solo acto y con una orquesta reducida que intenta exprimir el máximo partido a la música de Bizet y la dramaturgia insiste y acentúa con metáforas visuales y poéticas la tragedia universalmente conocida. Por lo tanto nos encontramos con una producción de pequeño formato, sin coro, pero bien adaptada y con una escenografía adecuada y realzada por el fondo de los jardines del espacio Puente del Rey. Los intérpretes son sobradamente conocidos en el mundillo de la interpretación y contamos con voces como la de María Rodríguez en el papel de Carmen o José Julián Frontal en el de Escamillo, las cuales estamos acostumbrados a ver interpretar con un buen nivel de calidad y que afrontan el papel sobradamente.
En definitiva, una Carmen de pequeña producción que cuenta lo más interesante de la composición, que juega con las relaciones humanas, con la idea de arrepentimiento y que tiene una calidad digna de los mejores jardines del Rey.
Luis Mª García
A través de la luz, ópera flamenca en el Centro de Arte Fernán Gómez
En tres movimientos precedidos de una obertura, esta “ópera” cuenta una historia en la que los miedos a la muerte, el sonido del vacío, la existencia de una luz y la vuelta a la vida son los protagonistas. Todo ello con el concepto de la antigua “Ópera flamenca”, en la que se auna el flamenco y la música electrónica creando una paleta abstracta en un paisaje donde la luz es el cuerpo dramático en la escena.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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