Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Peter Brook

“La Tragedie de Carmen” de Peter Brook en Los veranos de la Villa

“Carmen” se puede reinterpretar de muchas maneras y hay Cármenes para todos los gustos. En este caso Brook ha ido limpiando y puliendo el argumento hasta quedarse con lo básico, con los personajes que intervienen directamente en el drama y  alejándose de las fabulaciones francesas que se tenían sobre el mito de Carmen. La ópera adaptada se desarrolla en un solo acto y con una orquesta reducida que intenta exprimir el máximo partido a la música de Bizet y la dramaturgia insiste y acentúa con metáforas visuales y poéticas la tragedia universalmente conocida. Por lo tanto nos encontramos con una producción de pequeño formato, sin coro, pero bien adaptada y con una escenografía adecuada y realzada por el fondo de los jardines del espacio Puente del Rey.  Los intérpretes son sobradamente conocidos en el mundillo de la interpretación y contamos con voces como la de María Rodríguez en el papel de Carmen o José Julián Frontal en el de Escamillo, las cuales estamos acostumbrados a ver interpretar con un buen nivel de calidad y que afrontan el papel sobradamente.

En definitiva, una Carmen de pequeña producción que cuenta lo más interesante de la composición, que juega con las relaciones humanas, con la idea de arrepentimiento y que tiene una calidad digna de los mejores jardines del Rey.

Luis Mª García

tragedie carmen


Susi Sánchez: El arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.

susi¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Tomé mi primer contacto con el teatro a los 16 años. Yo estaba estudiando estética. Nunca pensé que sería actriz, era lo más alejado de mi que podía imaginar. Era excesivamente tímida y la idea de tener que subirme a un escenario me daba terror. Pero mi hermano Ismael había entrado en un grupo de teatro universitario (era la época de la dictadura franquista) y fui a ver un ensayo. Luego me apunté a un cursillo de expresión corporal que organizaba el propio grupo, para adolescentes y ahí, algo me pasó en un ejercicio que me dejó llena de inquietud y con una curiosidad tremenda por ver más, conocer qué naturaleza se escondía detrás de un trabajo de movimiento con los ojos cerrados. Creo que ahí, descubrí lo que llaman la “magia del teatro”. Desde entonces no quise hacer otra cosa.

susi0

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
El teatro para mi es un camino de aprendizaje, de investigación. Me ayuda a entender la vida, al ser humano y a mi misma. Es una vía de comunicación con los demás. Una manera de compartir lo que sé y lo que aun no sé. Hago teatro porque me siento útil, siendo canal de los personajes, siendo parte de un equipo que trabaja para que el espectador pueda vivir una experiencia emocional y humana y salga del teatro haciéndose preguntas que quizá antes no se habría hecho.

susi1

¿Qué balance harías sobre tu larga trayectoria?…
Ha sido y sigue siendo una carrera de fondo. Desde que empecé me di cuenta que la actuación era como un trabajo de atleta. Había que entrenar y estar preparada para cuando llegara la oportunidad. Pero la preparacion del actor no solo es física, tambien hay que cuidar el equilibrio emocinal y psicológico. Hubo un momento en que entré en contacto con la psicoterapia y el trabajo sobre mí misma me ayudó mucho a conocerme más y desde ahi, saber y comprender más acerca de los movimientos internos de los personajes. Creo que la conciencia de la espiritualidad es esencial para estar en contacto con nuestro arte. También he tenido grandes maestros que me han impulsado y me han dado mucha confianza: Lupa, Veronese…

susi3

¿En qué ha cambiado el teatro de tus inicios a hoy?…
Cuando empecé casi no había escuelas que impartieran técnicas de trabajo coherentes. Se hablaba de Stanislavski, de Brecht, Piscator… pero eran solo teorías que nadie sabía exactamente como se llevaban a la práctica útil para el actor. Cada actor se buscaba la vida como podia y se dejaba mucho a la inspiracion del momento. Era muy dificil crear equipos con un sentido del trabajo homogeneo. Ahora y cada vez más, los actores se forman y aprenden un lenguaje común que ayuda a avanzar y profundizar mucho más en el trabajo.

susi4

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Schakespeare ya dijo, sabiamente, que era la de poner un espejo ante el mundo. Creo no puede haber mejor definición. Somos luz y oscuridad, seres complejos y con un enorme deseo de mejorar.

susi4b

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
El ultimo montaje de teatro en el que he participado, antes del actual: BUENA GENTE, ha sido CUANDO DEJE DE LLOVER, un texto extraordinario de teatro contemporaneo de Andrew Bovell, dirigido por Julián Fuentes Reta. Ha sido una experiencia de equipo intensa y muy honda. Hemos tenido cuatro nominaciones de los compañeros de la Unión de Actores por ese trabajo y siento que ese reconocimiento se da, en realidad, a TODO el equipo, ya que es un trabajo completamente coral. Pero en la Unión aun no se contempla un reconocimiento a la totalidad de un elenco, cosa que espero se llegue a considerar. En esta obra especialmente, el trabajo propio no tiene mucho sentido sin “tomar” el trabajo del compañero. Siento profundamente que el teatro es un trabajo de equipo y cada día lucho porque así sea.

susi5

¿Cómo surgió tu participación en Buena Gente…?…Háblanos de este trabajo…
Fuí a ver Lluvia constante y salí impactada por el espléndido trabajo de los actores. Allí conocí a David Serrano. Hablé con él de la función y lo que me había gustado la sutil mano de su direccion, me gustan las obras donde no se hace protagonista la presencia del director. El ya me conocía y a los tres días me llamó para invitarme a participar en BUENA GENTE. Cuando leí el texto, me sorprendió que me ofreciera un personaje de comedia y tan alejado de lo que yo había trabajado hasta ahora, pero me gusto el reto y le di toda mi confianza. Y aquí estoy, disfrutando de mi nuevo equipo y tratando de descubrir cada dia más a GLORIA, mi personaje, el único que en apariencia no tiene un conflicto propio en la función pero que está llena de fuerza y de lealtad. De ganas de vivir y con un alto sentido de la justicia.

sus5b

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Si, tengo una guía. Pero varía dependiendo de los personajes y de su contexto. En general, antes de ponerme a memorizar el texto, leo varias veces la función o el guión. Voy tomando algunas notas, intento leer sin juicio, solo dejándome libre en mis sensaciones. Luego, busco toda la documentacion que puedo sobre lo que trata la obra y sobre el personaje (si es histórico es más fácil), trabajo sobre su caracter, por qué hace lo que hace, cual es su motor, sus deseos, sus temores… etc. Luego voy estudiando el texto y viéndo qué lugar ocupa dentro de la historia, qué parte me toca contar para que tenga un sentido en la totalidad. Y luego…, prepararme para ponerme a “su” servicio, ser su canal. Ganar cada vez más libertad y disfrutarlo al máximo. Y por supuesto, tengo a mi coach: Consuelo Trujillo.

susi6

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Básicamente ha servido para que el gobierno gane más dinero con nosotros y nosotros menos dinero trabajando. (Sacrificando puestos de trabajo y destruyendo la industria)Parece como un castigo a la cultura. La verdad es que sigo sin entenderlo, pero está siendo muy doloroso. Pero no acabarán con nosotros, el arte representa la belleza, la verdad y la justicia y eso son valores eternos e indestructibles.

susi7

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?..
La verdad es que haciendo teatro puedes ver muy poco teatro pero me gusto mucho, como digo, el trabajo de Lluvia constante y me conmocionó el ultimo trabajo de Peter Brook: El Valle del Asombro. Brook siempre me emociona.

susi8

¿Proyectos?…
Ahora estamos en plena grabación de la serie para TVE: CARLOS REY EMPERADOR, en la que encarno a Luisa de Saboya, madre de Francisco I de Francia. Un regalo de personje. En preparación una nueva película con Ramón Salazar, con quien tuve el privilegio de trabajar en “10.000 Noches en Ninguna Parte”. Y otra película apasionante de la que creo que aun no puedo hablar, pero ya hemos arrancado con ensayos…

susi9

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
No dejarse vencer por el desánimo. Seguir ofreciendo toda la calidad posible en cada trabajo, aunque sea pequeño. Mantener viva la imaginación y los deseos de crear y reunirse con gente afín y trabajar en equipo.

susi10


MIGUEL HERMOSO ARNAO: Creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.

hermoso¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…¿Realizaste otras facetas además de la actuación?…
Entré en la RESAD cuando todavía se hallaba ubicada en el Teatro Real. Recuerdo aquellos años como un despertar constante… El teatro se me manifestó como una oportunidad de “arte total”, no era lo que yo imaginaba cuando leía textos en mi adolescencia, iba mucho más lejos. Era capaz de reunir música, acción, narración y estética en un lugar sagrado, frente a unos espectadores -que yo por aquel entonces siempre imaginaba hastiados o aletargados- deseosos de emociones.
Yo ya había estudiado música en el Real Musical (solfeo, piano y guitarra) y excitado por la posibilidad de participar en la creación de un espectáculo total, me inscribí en una escuela de jazz y rock para aprender armonía y composición contemporánea. Llegué a formar un ruidoso grupo de Funk-Metal. Leer a Antonin Artaud y a Nietzsche me inspiró grandes ideas y quiméricas expectativas que lógicamente no pude o no supe poner en práctica pero que anduve bordeando en cada iniciativa en la que participé como creador y no como intérprete (que en realidad era el sustento de mi experiencia) Es obvio que la realidad de tener que trabajar para subsistir me acortó las alas, pero aún sueño (tal vez deliro) con un espectáculo en el que pudiera poner todos los elementos que me apasionan juntos.

hermoso1

¿Qué es el teatro para ti?…¿Por qué haces teatro?…
Antes era más talibán: “esto sí es teatro, esto no…”. Me he vuelto mucho más tolerante y pienso que es maravilloso que exista desde una comedia ligera que no te convulsione el alma pero que te acaricie el diafragma con terapéuticas risas hasta experiencias arrasadoras como el Medea de Pandur. Todo es teatro. Y el teatro es cualquier historia contada en vivo por actores frente a un público. Ahora mismo yo diría que lo hago porque ya no sé hacer otra cosa… pero también por esos momentos -caros y difíciles de conseguir, sí- en los que consigues sincronizar tu pulso emocional y tu voz con los espectadores. Eso es comparable al Rock and Roll.

hermoso2

¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Que es desigual, zigzagueante y que carece de toda coherencia. Lo que me propongo es, en cada nuevo trabajo, poner toda la experiencia acumulada en anteriores -tanto la buena como la mala- para aprender o descubrir algo nuevo. He aprendido mucho, por ejemplo, de trabajos televisivos muy mercenarios y a veces no tanto de iniciativas mías en las que me convertía en productor-actor-dramaturgo y me acababa estrellando contra mi falta de flexibilidad y dominio de los elementos.

hermoso3b

¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Creo, como te decía antes, que cabe todo lo que no sea aburrido. Yo mismo como espectador aprecio muchísimo un rato de pura diversión, aunque creo en el espectáculo Brechtiano, creo que debemos aspirar a un espectáculo del que un espectador salga distinto a como entró, con más dudas y nuevas inquietudes en la cabeza.

hermoso3

¿En qué proyectos has participado durante el último año?…Háblanos de ellos…
Escribí la adaptación de “El hijoputa del sombrero” de Stephen Adly Guirgis y actué en la misma producción. Fue una experiencia total, pero solventada con muchísimas dificultades: me ví en la necesidad de, como co-productor, pedir a los actores que trabajaran en cooperativa. El resultado artístico fue bastante consistente, pero económicamente todo el mundo estaba descontento. Tras esta agotadora experiencia me apunté al placentero ejercicio de mi puro oficio de actor interpretando el glorioso personaje de Quevedo en la serie de TV “Alatriste”, que ahí anda batiéndose a capa y espada en el fango de la programación actual. Después me esperaba Blanca Portillo con su tenorio…

hermoso6

¿Cómo surgió tu participación en el DON JUAN que se está representando en la Compañía Nacional de Teatro Clásico…?…Háblanos de este trabajo…
Blanca Portillo me habló del proyecto hace un par de años, cuando sustituí a José Luis García Pérez en “La Avería”. Ella quería enfrentar a dos hombres de un acentuado perfil masculino comprometidos con la causa de derribar un mito machista. Me apasionó la idea, tanto estética como ideológica. Eso sí, me exigió un estado de forma digno de un atleta… Y así aproveché para ponerme al día con mi más que abandonada salud. Ahora gracias a Blanca y gracias a Tenorio, me siento casi tan joven como recién salido de la escuela. De hecho el trabajo que hemos hecho me recordaba a aquellos años de ambiciosa creatividad y sacrificio físico y emocional. Don Juan ha sido como una segunda RESAD para mí, en gran parte gracias al contacto con una nueva y potente generación de actores de escuela cuya excelente preparación nos ha puesto en jaque a todos los veteranos de la compañía. Un antes y un después para mí.

hermoso7

¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Tengo el método de “todos los métodos”. Trato en primer lugar de amoldarme al espíritu de la producción en la que estoy participando: según eso me aproximo al personaje desde un ángulo más físico o más intelectual. Profundizar intelectualmente en la psicología no me ha dado muy buenos resultados, la verdad. Escuchar al antagonista con verdadero interés y esperar a tener una reacción lógica y emocional a lo que recibo sí me ha proporcionado muchas soluciones.
La experiencia me enseña que las decisiones tomadas de antemano son inútiles, y que es en el tránsito de los ensayos cuando uno debe ser permeable a sus compañeros y flexible con las exigencias, tanto las propias como las del director/a. Tengo la sensación de que sabiduría creativa pasa por vaciarte de prejuicios en cada nuevo espectáculo y dejar que tu instinto te guíe: el juez no debes ser tú mismo, eso te impide lanzarte al ruedo con plena honestidad. La norma de oro sería: hagas lo que hagas, hazlo de verdad. Esa es la única manera de pergeñar ese sólido y convincente engaño que es un personaje.

hermoso8

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
No soy capaz de decirte algo nuevo sobre esto. Es una guerra abierta del Partido Popular al mundo del espectáculo. Un castigo duro y silencioso a un gremio que para una parte de los españoles es prescindible. Debemos convencer, no ya a los políticos de derechas, sino a los ciudadanos que los votaron, que se equivocan despreciando la cultura. Pero hay que empeñarse en seducir a este electorado más que en combatir a sus representantes. Hagámoslo produciendo obras que maravillen y que muestren cómo una sociedad no podrá prosperar ni progresar nunca sin esa deriva humana por su propia imaginación y su subconsciente: el arte.

hermoso9

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
“Camisas de fuerza”, un texto divertidísimo y ácido de Nacho del Valle dirigido por Manuel Gancedo. Dos personajes en una habitación de un psiquiátrico, con la puerta abierta, que no saben salir. Inspirador…

hermoso10

¿Proyectos?… Una gira maravillosa con el Tenorio por los teatros más bonitos de España: el Arriaga de Bilbao, el Principal de Alicante, el Jovellanos de Gijón… Delicioso.

¿Alguna sugerencia para seguir creando en tiempos de crisis?…
Leer mucho a Peter Brook. Y recordar que el teatro de verdad no requiere más que una inversión mínima de dinero y sí una máxima de talento dramatúrgico y honestidad actoral.
Y por supuesto nunca abandonar la autocrítica.


El valle del asombro de Peter Brook en el Festival de Otoño a Primavera

“Mientras exploramos las montañas y valles del cerebro, alcanzaremos el valle del asombro”. Así introduce el gran maestro del teatro contemporáneo del último siglo Peter Brook su última creación, The Valley of Astonishment (El valle del asombro), que inauguró hoy el XXXII Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid.
¿Es posible imaginar un mundo donde cada sonido tiene un color, donde cada color tiene un sabor, donde el número ocho es una señora gorda? Esta impactante nueva obra de teatro explora las experiencias fascinantes de personas reales que ven el mundo bajo una luz radicalmente distinta. The Valley of Astonishment (El valle del asombro) es un viaje caleidoscópico a los misterios y maravillas del cerebro humano, inspirado por años de investigación neurológica, historias reales y el épico poema místico: La conferencia de los pájaros de Farid Attar.
Cuando oímos constantemente la palabra investigación y esencialidad en el teatro, cuando hay que aguantar la pedantería constante y frívola sobre el rito del teatro, asistir a la última propuesta de Peter Brook en la que aborda un tema tan complejo como es una enfermedad que podría ser un placer enorme para nuestro cerebro pero que se convierte en un infierno cuando se descontrola, es la oportunidad de ver el teatro en esencia, es ver la utilidad de la escena a lo largo de todos los años desde su origen.
Además, Brook da una lección de sencillez al elegir unos actores sin afectaciones y con gran ductilidad, la mejor manera para conseguir que el espectador se identifique con lo que se les está contando desde el escenario.
Hacer de una monstruosidad un acto de belleza y reflexión sobre la condición humana y el misterioso funcionamiento del cerebro es todo un hallazgo inteligente en esta obra.
Adolfo Simón

valle


Agustín Iglesias-GUIRIGAI: El compromiso del profesional del teatro debe estar con su oficio, pero su oficio está al servicio de su sociedad

iglesias¿Cómo surgió Guirigai?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…
Guirigai surge en el año 1979. Un año eufórico, de significativas transformaciones. Entre ellas las primeras elecciones democráticas para ayuntamientos. Por primera vez aparecieron concejalías de cultura con presupuestos para programar, lo que permitía vender los espectáculos por un cachet mínimo, pero que cubría gastos. Antes del 79 en muchos ayuntamientos el presupuesto era simbólico, de una peseta. Esto permitió dar estabilidad profesional a las jóvenes compañías que surgimos.
Nuestra principal motivación era artística, hacer un teatro diferente, un teatro como el que se hacía en Europa o Latinoamérica. Éramos los hermanos pequeños del teatro independiente.
Siempre nuestros proyectos han surgido de una necesidad expresiva, un deseo por aprender, investigar en otros lenguajes. Fusionar tradición y vanguardia. En nuestra trayectoria están todo tipo de tradiciones teatrales, el verso y la máscara, el teatro ritual y el burlesco. Peter Brook, el Bread and Puppet, el Teatre du Soleil han sido siempre nuestros referentes éticos y estéticos.

iglesias1

¿Qué balance hacéis de estos años de existencia de la Compañía?…
Treinta y cinco años de actividad ininterrumpida dan para mucho. Hemos tenido la suerte de tener espectáculos de éxito, que nos han abierto las puertas de festivales en América y Europa, y que nos han protegido de espectáculos menos exitosos y de algun que otro fracaso. En general, hemos conseguido que nuestros trabajos función, tengan público y sean respetados y contratados por los programadores.
Mantenemos un espíritu inquieto y, cuando encontramos un material apasionante, nos lanzamos de cabeza a él. La ambición artística es fundamental.

iglesias2b

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
En estos años hemos producido unos cincuenta espectáculos. Unos de calle, otros de sala, unos clásicos y otros contemporáneos, de otros autores y textos míos. Cada trabajo ha exigido desarrollar lenguajes diferentes, crear estructuras de producción distintas. No es lo mismo el “Satiricón” que hicimos para el Festival de Mérida, con máscaras, con un equipo de quince actores y músicos, una producción muy planificada, que “Noche oscura, ¡ahora!”, una producción pequeña, intima, de dos actores, que maneja recursos diferentes.
La compañía tiene consolidada su estructura profesional, a pesar de los altibajos económicos. Pero, sobre todo, hemos aprendido a ser flexibles y permeables. Flexibles a diferentes formatos teatrales, permeables a los distintos lenguajes artísticos, a las aportaciones de los diferentes colaboradores.
En Guirigai el actor tiene un espacio creativo propio. Cada elemento del equipo tiene su espacio de creación, donde defiende y desarrolla su punto de vista. Un espectáculo es la suma de muchos puntos de vista diferentes que confluyen en la creación escénica.

iglesias3

¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Siempre hemos luchado por mantener un equipo estable. Las duras condiciones económicas no siempre lo han permitido, algunos compañeros no han podido permanecer todo el tiempo deseable. Otros han estado diez, quince años, en la compañía. La incorporación de gente mas joven, sabia nueva, aporta energía y nuevas ideas.
Es fundamental mantener un equipo de colaboradores que a lo largo de los años desarrollen ideas y experiencias comunes. Puedo citar a gente muy emblemática para la historia de la compañía, Paco Carrillo, Jesús Peñas, Raul Rodriguez, Luis Carreño, Fernando Ortiz, Jaime Gil, Damián Galán, Maite Álvarez…

iglesias8b

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja así con menos presión?…
Hace diez años dejamos Madrid y nos trasladamos a Extremadura. Queríamos mejorar las condiciones vitales y profesionales de trabajo, tener un espacio propio donde desarrollar mejor los proyectos europeos que entonces hacíamos.
Sala Guirigai es sala de exhibición y espacio de creación para varias comarcas: Zafra y Tierra de Barros. Nuestro público habitual, es nuestro primer juez. Con ellos hacemos ensayos, preestrenos, dialogamos… es el espectador para el cual trabajamos. Luego el espectáculo gira, se encuentra con públicos diferentes. Pero partimos de un primer encuentro creador con el espectador de nuestra comarca, que se ha acostumbrado a ver buen teatro, y no es nada complaciente.
Esto te hace siempre pisar tierra, te da serenidad, tiempo para el encuentro, y control sobre el proceso de creación.

iglesias5

¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…
Nuestros procesos de trabajo se prolongan durante varios meses, a veces han durado más de una año. Depende del trabajo que sea. Noche Oscura partió de una conversación, que exigió cuatro meses largos de escritura entre Martín Portales y yo, y un largo mes de análisis de mesa, hasta pasar a improvisaciones con los actores, que se prolongó durante tres meses mas, hasta llegar al montaje definitivo durante mes y medio. Este proceso era muy personal, por parte de todos los que participábamos, exigía tiempo para madurar, para asimilar las búsquedas y los hallazgos, para desarrollar el lenguaje que el espectáculo necesitaba.
Otros espectáculos son mas cortos, procesos mas festivos, donde hay suerte de comunión entre todos, que permite en el breve espacio de un mes hacer una fantástica creación, estoy pensando en “Céfalo y Pocris” de Calderón. El mismo equipo llevaba trabajando un par de años juntos, estaba entusiasmado, era la fiesta carnavalesca, encontramos el lenguaje de clown para expresar el verso barroco y bufonesco del Calderón más gamberro.
Siempre, sea el trabajo que sea, dejamos un espacio para la improvisación, para la búsqueda del actor, antes de acometer cualquier montaje. Un tiempo para que el equipo encuentre su propio código y desarrolle sus impulsos creativos.
Hay una línea ética y estética de la compañía. Como decía Bertolucci, mi ética es mi estética. Nuestros trabajos siempre están presididos por una inquietud social, el conflicto del individuo con su época, su historia.
El compromiso del profesional del teatro debe estar con su oficio, pero su oficio está al servicio de su sociedad, con sus contradicciones e injusticias. Hacemos teatro para entender el mundo y a nosotros mismos, descifrarlo con la poética escénica. El teatro es sociedad, uno de sus componentes más vivos y lúcidos. Nuestro trabajo es mostrar las dudas, miedos y contradicciones de la época que nos ha tocado vivir, remover conciencias.

iglesias6

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…
Siempre se pueden realizar propuestas combativas. Esta época es dura, porque todo se ha deteriorado. Tanto el PSOE como el PP, rechazaron tener un teatro público, más allá de las instituciones oficiales que habían heredado del franquismo. Se ha invertido mucho dinero en la construcción de edificios teatrales, pero muy poco en las compañías y en sus creadores.
Tenemos una red de distribución pública con producción privada. Esto ha creado deformaciones y perversidades. Sobre todo la ficción de un mercado, que realmente depende de la contratación de los ayuntamientos, y cuya programación se hace desde la supervisión de los concejales, de sus fobias y filias personales y políticas. El público tiene pocos espacios para opinar. Pocos teatros municipales tienen asociaciones de espectadores activas, que es la manera en que el espectador como ciudadano influya en la programación.
Esto se traduce en que las propuestas teatrales más arriesgadas y comprometidas se ven condenadas al ostracismo y al ninguneo. En el mejor de los casos son defendidas por las Salas Alternativas que, a pesar de su fragilidad económica, son la única red estable e independiente del país.

iglesias7

¿Tenéis espectáculos en repertorio?… ¿En gira?…
Siempre hemos tenido espectáculos en repertorio, algunos durante más de diez años. Siempre procuramos mantener en repertorio espectáculos diferentes, combinar la comedia con la tragedia, el teatro poético con el burlesco.
Actualmente tenemos tres: “Noche Oscura,¡ahora!”,”Camino del Paraíso”, una comedia burlesca, y “1,2,3,4..Rafael Alberti para niñ@s curiosos” público infantil.

iglesias8

¿Hay un planteamiento distinto si hacéis un montaje para adultos o para niños?…
La exigencia estética siempre es la misma para cualquier trabajo, sea infantil o adulto. Cambian los códigos, las estructuras narrativas, pero el compromiso estético es el mismo.
Desde nuestra Sala mantenemos un constante encuentro con niños y jóvenes. Son el futuro, no solo como espectadores, sino como ciudadanos e individuos sensibles, somos los responsables de sus primeras experiencias estáticas, es fundamental fascinarles y descubrirles la fuerza del teatro como elemento expresivo y comunicativo.

iglesias9

¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Estamos con varios. El mas inminente son dos giras por Chile con “Noche Oscura, ¡ahora!”. En Noviembre estaremos en Temuco y varias ciudades de la región de la Araucaria, en el Sur de Chile. La gira está organizada por la Universidad del Sur, donde haremos unos cursos y, si Iberescena lo apoya, una coproducción sobre un texto mio “La especie dominante”. En febrero volveremos al norte de Chile, al Festival Fitdanz de Iquique.
También preparamos una coproducción sobre el Ruzzante de Darío Fo, con su compañía en Gubbio y el Teatro del Algarve en Faro (Portugal).
Y estoy metido en la escritura de un nuevo texto sobre la figura de la popular militante comunista Matilde Landa, que se suicidó.

iglesias10

¿Cómo os están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a vuestros proyectos?…
Brutalmente, como a todo el mundo. En cuatro años el llamado mercado, que dependía de los ayuntamientos, se ha reducido en un 80%. No hay sector que lo soporte sin que se hunda. La profesión aguanta por vocación y autoexplotación.
Nosotros hemos tenido que reducir el número de miembros de la compañía, pensar en proyectos con un número reducido de actores y gastar nuestras energías en buscar proyectos fuera de España. Es lamentable que la consigna estética actual sea solo la de resistir.

iglesias11

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?¿Por qué?…
Recuerdo especialmente cuatro montajes de estos últimos meses, que además han pasado por nuestra sala: “Sigue la tormenta” de Enzo Cormann, Teatro de la Estación dirigido por Cristina Yañez; “Lovers”, Rayuela, dirigido por Nina Reglero; ”Tomar partido” de Ronald Harwood, La Fundición, dirigido por Pedro Alvarez-Osorio; “Muerte de un poeta” de Teatro del Norte, dirigido por Etelvino Vázquez.
Los cuatro son montajes intensos, de madurez creativa, interpretados por actores esplendidos y dirigidos por directores plenos de recursos. Cada uno hace un teatro comprometido, indagando en la realidad, la historia, los conflictos del siglo, desde lenguajes diferentes. Creo que ninguno ha pasado por Madrid, o al menos su proyección ha sido mínima. Sin embargo se mueven por nuestras salas, por otros centros, porque ya no hay uno, sino muchos.


Carmen en el Teatro de la Zarzuela

Hay historias que uno no debería volver a ver tras una experiencia importante vivida con ellas. A primeros de los ochenta vi la Carmen de Peter Brook en el Mercat de les Flors en Barcelona, tal vez no debí acudir más a ver una lectura escénica sobre este mito. Es verdad que todos los grandes textos y las grandes historias, sobreviven a los que construyen una nueva mirada sobre ellas, a veces aciertan y otras fracasan en el intento. Pero así ha de ser, sería una pena que no se volviese a representar Hamlet o La vida es sueño porque alguien se acercó al misterio que esconden sus palabras. Ana Zamora ha desarrollado una carrera exquisita como directora de escena en su compañía Nao D´Amores. Ha recuperado textos olvidados y ha ido construyendo una poética personal que le ha dado proyección nacional e internacional. Seguramente tenía que llegar el momento en que se enfrentase a un encargo alejado de su universo teatral. La propuesta, en principio, era sugerente, una versión de Carmen en la que se recupera el texto en verso castellano y con dos mujeres al frente de la dirección del espectáculo, Ana en lo escénico y Yi-Chen Lin en la dirección musical. Conforme iba avanzando el montaje, tuve la sensación de que un globo de iba desinflando. Todo lo que parecía iba a ser un puzle que se iría construyendo hasta crear una imagen final que diese sentido a todo, se convertía ante mis ojos en un sin sentido constante. Todo lanzaba rayos de luz que se desvanecían nada más ser apuntados. Salvo la intérprete principal, María José Montiel que defendía el personaje a muerte, el resto me pareció que estaban allí o podían estar en una zarzuela de gira por España. Creo que Ana Zamora tendrá que aprender de esta experiencia para el futuro.
Adolfo Simón

carmen


Imagen

Los lunes con voz: El señor de las moscas de Peter Brook

vozcdn


Puro grupo, nos habla de su trayectoria aprovechando su presencia en Teatralia 2014

puro¿Cómo surgió vuestra Compañía?…
Puro grupo nació de la necesidad de un grupo de actores de expresarse con un lenguaje determinado y con una consigna conjunta que no era mas que la búsqueda de su propia identidad, siempre dentro de los muy extensos límites del teatro.
Siempre entendimos que una persona representando algo frente a otra crea ya un hecho teatral. De aquí en más el teatro propone infinidad de caminos y el que elegimos con PURO GRUPO es el de no limitarnos y descubrir así un circuito no solamente verbal sino que abierto a otros recursos artísticos como la danza, el canto, la expresión del cuerpo, la acrobacia, etc.
Otro objetivo de PURO GRUPO es el de la investigación teatral como fuente de crecimiento corporativo y personal. El ser un grupo de autogestión nos permite tomarnos el tiempo necesario para investigar profundamente sobre cada uno de nuestros proyectos y decidir cuando están listos para ser representados.
En definitiva, a lo que apuntamos, es a actuar frente a espectadores que puedan elegir lo que quieran ver, para ello trabajamos, porque creemos que el rol espectador se construye: viendo, debatiendo, y discerniendo.

¿Cómo decidís las ideas para cada espectáculo que hacéis?…
Los proyectos en Puro Grupo los decidimos en función de las obras que queremos hacer. En general nos apasionan los Clásicos de la Literatura Universal, y en ellos encontramos nuestra fuente de inspiración para poder luego empezar a pensar en adaptarlos desde el humor (que es la característica del grupo) y ponerlos en escena.

puro-1

¿Qué balance hacéis sobre estos años de existencia de la Compañía?…
Que el trabajo en equipo es multiplicador en energía y en creatividad. Y que haber trascendido las fronteras de nuestro país, nos enriqueció y nos ayudó a comprender que el Teatro y el humor es un idioma universal.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?…
La compañía intenta superarse en cada nueva propuesta, sumando nuevas disciplinas y lenguajes expresivos diferentes. Esto nos mantiene vivos, despiertos y en un “aquí y ahora” constante.

puro-2

¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?…
Si, absolutamente. El conocimiento del otro nos permite optimizar en tiempo y volvernos mas efectivos a la hora de armar un nuevo proyecto y llevarlo adelante. Pero siempre estamos abiertos a la incorporación de nuevos integrantes que traen nuevos aires y enriquecen el grupo con nuevos saberes.

¿Cómo participan en los procesos de creación?…
Puro grupo es una compañía autogestiva de investigación teatral. Sobre la base de un libro, Pablo Di Felice trabaja en la adaptación de ese texto y luego ya en el proceso de creación, se investiga sobre todas las posibilidades creativas. En la puesta en escena, el Director canaliza las ideas desplegadas y las capitaliza en pos del espectáculo, siempre atento a la valiosa mirada del afuera.

puro-4

¿Cómo surgió el espectáculo que presentáis en Teatralia 2014?…¿Cómo fue el proceso de creación?…
“Romeo y Julieta, una obra en construcción” surge de la mas absoluta carencia de recursos económicos (fue una de las primeras obras de la compañía), pero también de las inconmensurables ganas de ponerla en escena. Solo contábamos con nuestro gran entusiasmo y el desafío de llevar a cabo este clásico. En primer lugar trabajamos en la adaptación del texto durante unos 6 meses y luego pusimos el cuerpo y empezamos a trabajar con tres ejes muy claros: la carencia de recursos, el desafío de realizar la obra con solo dos actores, y el humor. Luego de otros 6 meses se estrenó y desde entonces construímos este Romeo y Julieta en cada función.

puro-3

¿Qué proyectos tenéis entre manos?…
Estamos sumamente ansiosos por reestrenar una versión de Hamlet, muy nuestra, muy criolla titulada “Hamlet, milonguita entre fantasmas”. Esta versión del Clásico de W, Shakespeare transcurre en un conventillo de un barrio típicamente porteño llamado Barracas. Se podría definir como una versión bien Argentina del Clásico Shakespereano, respetando el conflicto principal y los personajes.

¿Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis?…
Para nosotros estar en crisis es bastante habitual, pero eso mismo nos ha fortalecido para seguir haciendo a pesar de todo. Uno siempre puede encontrar alguna excusa para “no hacer”, pero las épocas de crisis económicas suelen ser épocas muy ricas en inspiración, en ideas y hasta en críticas a determinados sistemas en juego. Por eso creemos que la CREATIVIDAD es el camino que te permite llevar a cabo tus sueños, dependiendo nada mas y nada menos que de tu deseo de “Hacer teatro”.

puro-5

¿Qué montaje que hayáis visto últimamente, os ha interesado?…
En Buenos tenemos un Festival Internacional de Teatro llamado FIBA donde cada dos años se presentan espectáculos de todo el mundo de muy buen nivel. Por allí han pasado desde Ariane Mnouchkine hasta Peter Brook. En la última edición un exquisito Hamlet realizado por una compañía Alemana dirigida Thomas Ostermeier nos ha interesado mucho. El año pasado tuvimos la oportunidad de compartir los escenarios del Festival de Teatro Clásico Barroco en Almagro con el grupo RON LALA. Su “Siglo de oro, siglo de ahora (folía)” logró divertirnos y emocionarnos, y desde siempre seguimos muy de cerca el trabajo de varios colegas Argentinos como Daniel Veronese, Claudio Tolcachir, Claudio Hochman, entre otros.

¿Qué os parece la programación de Teatralia 2014?…
Nos entusiasma muchísimo ver todas la propuestas que hay en Teatralia. Primero porque sabemos que la selección es exquisita y además porque ver buen teatro nos estimula, nos ayuda a crecer y a ser mejores espectadores y artistas. Que viva el Teatro!!!!!.

puro-6


Avance del Festival de Otoño a Primavera

Angélica Liddell inaugurará en octubre el XXXI Festival de Otoño a Primavera
· La última obra de la dramaturga ‘Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy)’ podrá verse en los Teatros del Canal.
· También en octubre, Pablo Messiez presentará ‘Las palabras (Una historia de amor)’ en Cuarta Pared
· El cómico Patrice Thibaud regresará a Madrid con el estreno en España de ‘Fair Play (Juego limpio’)
06.agosto.13.- La laureada dramaturga, directora y actriz española Angélica Liddell inaugurará el próximo mes de octubre la XXXI edición del Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid. Su obra Todo el cielo sobre la tierra (El síndrome de Wendy) cierra la trilogía sobre China que la creadora inició con Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y que continúo con Ping Pang Qiu, ambas estrenadas también en pasadas ediciones del festival. Tras su aclamado paso por el Wiener Feswochen de Viena y el Festival d’Avignon, la artista estrenará ahora en España un montaje que habla de la pérdida de la juventud y del miedo a ser abandonado. La pieza, que podrá verse en los Teatros del Canal, toma como punto de partida el trágico tiroteo sucedido en 2011 en la isla noruega de Utoya, en el que perdieron la vida 69 jóvenes.
En 1993, Angélica Liddell (Figueres, 1966) fundó Atra Bilis Teatro, compañía con la que ha montado creaciones como La falsa suicida (2000), El matrimonio Palavrakis (2001), Once Upon a Time in West Asphixia (2002), Hysterica Passio (2003), Y como no se pudrió Blancanieves (2005), El año de Ricardo (2005), Boxeo para células y planetas (2006), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) o Anfaegtelse (2008), entre otros títulos. El Festival de Otoño a Primavera acogió en 2011 el estreno absoluto de su montaje Maldito sea el hombre que confía en el hombre: un projet d’alphabétisation y, en 2012, el de Ping Pang Qiu. En 2009 había presentado también La casa de la fuerza, obra que causó un gran clamor dentro y fuera de España, confirmando a Liddell como una de las creadoras más interesantes del teatro contemporáneo internacional.
En palabras del teórico teatral Óscar Cornago, Liddell es acuñadora de un lenguaje de dialécticas imposibles y sus producciones oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza, la escatología y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. La artista ha sido merecedora de numerosos galardones, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Escena Contemporánea – Casa de América 2003 por Nubila Wahlheim; el Premio SGAE de Teatro 2004 por Mi relación con la comida; o el Premio Valle-Inclán 2008 por El año de Ricardo. En 2012 recibió el Premio Nacional de Literatura Dramática por La Casa de la fuerza y, en 2013, el León de Plata de la Biennale di Venezia de Teatro. La crítica ha dicho de su teatro que es vanguardista y político, lleno de sentido y absolutamente necesario.
Otros dos grandes estrenos del festival en el mes de octubre
Tras su paso por el Teatro Palacio Valdés de Avilés, el dramaturgo, director e intérprete argentino Pablo Messiez presentará en octubre en la Sala Cuarta Pared su última creación, Las palabras (Una historia de amor). La pieza, una parábola cercana y tragicómica, habla con humor, ternura y delicadeza sobre la corrupción del lenguaje y sus consecuencias. Fiel representante de la última y aclamada generación de autores y directores argentinos, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir, Messiez saca de nuevo a escena (tras las exitosas piezas Los ojos y Las criadas, entre otras) su sencillez escenográfica, su particular visión de los cotidiano, la hegemonía del texto en escena y un cuidado trabajo actoral, siempre a caballo entre la comedia y la tragedia.
También en el mes de octubre, el tándem formado por el cómico y mimo francés Patrice Thibaud (heredero del buen hacer de Tati o De Funès) y el virtuoso instrumentalista Philippe Leygnac regresará a los escenarios madrileños con el estreno en España de Fair Play (Juego limpio) en los Teatros del Canal. La obra, elegante y deliciosa, reinterpreta las competiciones deportivas a golpe de carcajadas, eso sí, sin mediar ni una sola palabra en escena.
Lo mejor de la escena internacional en la Comunidad de Madrid
El Festival de Otoño a Primavera lleva más tres décadas acercando lo mejor de la creación contemporánea internacional a la Comunidad de Madrid. En esta XXXI edición, que se prolongará entre los meses de octubre de 2013 y junio de 2014, traerá a los escenarios de región (Teatros del Canal, Sala Cuarta Pared y Teatro Pradillo, entre otros) lo mejor de la escena actual. Por el momento, dentro de su programación se ha confirmado ya la presencia de creadores y compañías de renombre mundial de la talla de Peter Brook, Philippe Decouflé y su Compagnie DCA, Israel Galván y Akram Khan, Piccolo Teatro di Milano y El Conde de Torrefiel.
Desde mediados del mes de septiembre, será posible consultar la programación del XXXI Festival de Otoño a Primavera de la Comunidad de Madrid, la información de los espectáculos, los horarios y la venta de entradas y descuentos en la web oficial http://www.madrid.org/fo

anglica- wendy  nurith wagner-strauss_2


Peter Brook: El funambulista octogenario en la Cineteca del Matadero

La película de Simon Brook muestra el fascinante mundo creativo de su padre, uno de los más prestigiosos y revolucionarios directores de teatro
Tras su paso por el Festival de Cine de Venecia, el documental se estrena en España en la Cineteca del Matadero
También se podrá acceder a su visionado, desde hoy, a través de CANAL+ Xtra (11, 13, 21 y 29 de julio)
“¿Cómo hace uno real el teatro? Es tan fácil caer en la tragedia o en la comedia… Lo verdaderamente importante es estar en el filo mismo de la navaja de la cuerda floja…”. Son palabras de Peter Brook, uno de los más prestigiosos y revolucionarios directores del teatro moderno. Un universo creativo reflejado en Tightrope (El funambulista), película realizada por su hijo Simon Brook, una fascinante inmersión en las clases de uno de los grandes maestros del teatro. Tras su paso por el Festival de Venecia, la película se estrena hoy en la Cineteca del Matadero (Madrid), que este mes no sólo será escenario de varias actividades del festival de artes escénicas Fringe Madrid, sino que su programación cinematográfica propia contará también con el teatro, la danza y el circo como protagonistas.

peter-brook-460


Paco Maciá nos habla de la trayectoria de Ferroviaria durante sus funciones en el Círculo de Bellas Artes

PacoMaciá¿Cómo surgió Ferroviaria?…¿Cuáles son las premisas para seleccionar los proyectos de la Compañía?…Ferroviaria surgió a partir del colectivo de Danza que formábamos Sol Pico, Lípi Hernández, Gurene Marín y yo mismo A finales de los 80 y principios 90. Tiempo después me desplace sólo por los raíles de Ferroviaria.

¿Qué balance haces de estos años de existencia de la Compañía?…Las premisas constantes que aparecen en la elección de los proyectos son de carácter siempre creativo. Textos e historias que permitan el juego y la transformación de los intérpretes, la escenografía, los objetos, el espacio escénico. También la elección de historias cercanas a mi pulso vital en cada momento.

¿Qué evolución ha hecho la Compañía a lo largo de las diferentes producciones realizadas?… El balance en términos generales es bueno. La CIA. es respetada y se esperan sus proyectos por el riesgo que se asume. Hemos pasado del Laboratorio barcelonés a la dimensión más pública sin perder las constantes de la investigación. Durante un tiempo escogimos textos conocidos y de referencia con un deseo de acercarnos a una audiencia mayor. Actualmente esperamos que el público nos siga por la singularidad de las propuestas.

¿Es importante tener unos colaboradores habituales en el equipo artístico y técnico?… ¿Participan del proceso de creación?…Es importante escoger muy bien a esas personas, a partir de ahí respeto muchísimo el aporte de cada especialidad para conseguir resultados con más volumen. Cada colaborador sabe de sus materias más que yo y me parecería absurdo no contar con sus aportaciones dentro de la obra. Es uno de los signos distintivos de Ferroviaria la colaboración estrecha con todos los colaboradores.

PacoMaciá-1

¿Os ayuda tener un espacio estable de trabajo para realizar los procesos de creación?…¿Se trabaja con menos presión y mayor apoyo en vuestra Comunidad?…Tener un espacio propio es lo que desde la profesión siempre hemos deseado, un lugar ajeno a horarios o compromisos sociales, un lugar sin restricciones mentales. Si es importante, convoca unas energías y te da libertad, aunque por supuesto no quiere decir que se pueda construir desde otros parámetros y limitaciones.
Nos sentimos respetados en nuestra Comunidad y también con menos presión o el histerismo de las grandes urbes. Las ayudas como todos sabemos son escasas y la CIA. tiende a la búsqueda de Co-producciones con teatros para financiar sus producciones como ha sido el caso de El Sueño de la Razón… ahora este camino es indispensable para la profesión sobre todo para la que podemos denominar de creación.

¿Cómo es el trabajo con el equipo artístico durante los procesos?…¿Hay una línea ética y estética en la Compañía?…¿En qué medida influye en los procesos y resultados que provengas de la danza?…La relación al inicio de los procesos es muy activa, sobre una primera idea los colaboradores proponen sus propios puntos de vista que son respetados si considero que superan mis planteamientos, y cuanto más tiempo nos conocemos hay más sinceridad en la propia controversia. La obra, una vez iniciada coge su propio camino, hay que dejar que pase esto, es muy importante.
La ética y la estética van juntas, en nuestro caso el escenógrafo es un artista plástico y por tanto sus intervenciones poseen su propio significado dramatúrgico, en el espacio sonoro ocurre lo mismo.
Nos damos cuenta que las temáticas que abordamos giran en torno a la justicia o a la falta de ella sobré todo en relación con el poder…. Al menos ha sido así en El Círculo de Tiza, Himmelweg y El Sueño de la Razón.
Mi formación en danza como intérprete y coreógrafo se refleja en la manera de utilizar el espacio, en la utilización de las luces de una forma no literal, en el trabajo del gesto del intérprete como una partitura de movimientos conscientes y orgánicos, aunque tengo que decir que a muchos actores les cuesta esta disciplina o simplemente la descartan. Por otro lado me gustaría introducir mucha más danza y movimiento en los montajes, hay que buscar en cuales, los textos no vale la pena violentar los gratuitamente.

Cuento de Navidad

¿Se pueden realizar propuestas combativas y alternativas en estos tiempos de crisis?…Estoy seguro que si, tienen su propio espacio precisamente porque necesitamos pensar de otra manera. Otra manera, la que nosotros adoptamos consiste en tratar de crear una expectación en torno a la propuesta sin complejos y con la decisión de que sea aceptada por todo el mundo.

¿Cómo surge el proyecto de EL SUEÑO DE LA RAZÓN?…Estuvimos un año buscando una obra que nos convenciese y al mismo tiempo fuese defendida por nuestro Co-productor el Teatro Circo de Murcia dirigido por César Oliva. Como te he dicho antes el texto de Buero tiene esos componentes estéticos y éticos con los que trabaja la CIA.

¿Qué proyectos tienes entre manos?…Varios, aunque en etapas muy primigenias. La dramatización de la novela Sara del escritor alcoyano Carles Cortés cuya temática gira en torno a la bajada a los infiernos de una mujer arrastrada a las drogas, la perversión sexual y la dependencia. Con nuestro escenógrafo queremos abordar un proceso sobre la Divina Comedia. Estoy muy interesado en alguno de los textos de Wadji Mouawad.

¿Crees que los recortes y el aumento del I.V.A. van a afectar a los proyectos de teatro?…La subida de IVA en este régimen de cachet a taquilla significa la desaparición del sector teatral tal como lo entendemos, las compañías, excepto en teatros de prestigio con su público, pierden dinero actuando. Esto nos lleva al siguiente modelo desde mi punto de vista: Teatro Comercial de Boulevard y la subsistencia de creadores de prestigio capaces de aglutinar algunos recursos en torno a ellos, el resto se va a convertir en economía sumergida con el beneplácito de las administraciones o van a desaparecer.
PacoMaciá-3

¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…Me gustó mucho: The suit, el último espectáculo de Peter Brook presentado en el Festival de Otoño en Primavera, en los Teatros del Canal, un texto de un escritor sudafricano, me gustó porque logró que fuera de una emocionante falsa sencillez, con un trabajo actoral muy emotivo. Me volvió a hacer pensar qué cosas son importantes y cuáles no.


FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA TEATRO DEL CANAL: “El traje”

Compañía: Théâtre des Bouffes du Nord
Autor: CAN THEMBLA
Dirección: PETER BROOK

Peter Brook ha llegado a tal madurez y genialidad que sabe dónde está el misterio del teatro…Más allá de su famoso Espacio vacío y de la regla máxima de Menos es más…Aquí, en la revisión que nos ha mostrado de El Traje, nos sumerge en la esencia de la escena…Juego y comunicación. Y para conseguir esto no fuerza nada, ni el espacio escenográfico, ni el vestuario, ni la luz, ni la interpretación…pone todo ello, en la medida que sea necesario, al servicio de contar la pequeña metáfora que contiene El traje… Y como si de un pintor impresionista se tratase, va dejando caer pinceladas de emoción con las que consigue llevarnos al lugar que solo el buen teatro consigue: la catarsis; que no tiene que ser un lugar convulso, puede ser el espacio que deja un traje sin cuerpo en la despedida.

Adolfo Simón


FESTIVAL DE OTOÑO EN PRIMAVERA

Empieza una nueva edición del Festival de Otoño en Primavera de la Comunidad de Madrid,
el programa de TEATRO y DANZA…
TEATRO:
• The Suit (El traje), de Can Themba, Mothobi Mutloatse y Barney Simon. Dirección: Peter Brook -Théâtre des Bouffes du Nord
• Playing Cards 1: SPADES (Juego de cartas 1: PICAS) – Ex Machina / Robert Lepage
• The Master and Margarita (El maestro y Margarita), de Mijaíl Bulgákov – Complicite
• La vida crónica – Odin Teatret. Dirección: Eugenio Barba
• Se uma janela se abrisse (Si una ventana se abriese) – Mundo Perfeito / Tiago Rodrigues
• Tala, de Thomas Bernhard – Juan Navarro y Gonzalo Cunill
• Insomnio – PLAYGROUND / Xavier Bobés
• Le Mariage (El casamiento), de Nikolaï Gogol – Comédie Française
• Entitled (Titulado/Autorizado) – Quarantine
• Die Siel van die Mier (El alma de las termitas),
• de David Van Reybrouck, Josse De Pauw, Jan Kuijken y George Van Dam – LOD | music theatre
• Las criadas, de Jean Genet – Pablo Messiez
• Alemania, de Ignacio Amestoy – Mariano de Paco Serrano
• Coma, de Pierre Guyotat – Patrice Chéreau
• Le Chemin solitaire (El camino solitario), de Arthur Schnitzler – tg STAN
DANZA:
• OJO – Compañía Antonio Ruz
• Stocos – Muriel Romero y Pablo Palacio
• Still Standing You (Todavía soportándote) – CAMPO / Pieter Ampe & Guilherme Garrido
• Can We Talk About This? (¿Podemos hablar sobre esto?) – DV8 Physical Theatre.