Lebensraum (Espacio Vital) de Jakop Ahlbom en el Festival de Otoño a Primavera
La última creación de Jakop Ahlbom es una pieza arrebatadora que saca a escena a dos hombres que viven en un espacio reducido y deciden incorporar a su mundo a una criada mecánica. Pero el robot resultará tener opiniones propias y la tensión y el ritmo irán creciendo sobre las tablas mientras el espacio se va haciendo cada vez más y más pequeño. Y, todo ello, aderezado con la fabulosa música en directo sobre las tablas de la banda holandesa Alamo Race Track. La sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía se ha convertido durante unos días en un gran teatro de autómatas. El decorado de este montaje es la reproducción de una habitación en la que el tiempo se quedó detenido décadas atrás. Y ese transcurrir de años ha ido construyendo hilos ocultos que darán vida a los personajes que en ella habitan, seres que ya han dejado su parte humana para que aparezca la mutación hacia lo que ahora entendernos como robots. No hay lenguaje como comunicación, los gestos y peripecias físicas son el vínculo que les une. Es como si nos mostrasen la involución de la especie hacia comportamientos parecidos a los de las máquinas. Hay dos planos muy interesantes en la pieza, la parte musical perfectamente integrada en la propuesta y la interpretación gestual, rayando la genialidad, de los tres intérpretes.
Adolfo Simón
Katia Kabanova en el Festival de Otoño a Primavera
El célebre director francés de ópera y teatro André Engel se suma por primera vez en su carrera a la programación del Festival de Otoño a Primavera. Y lo hace con una singular apuesta, dándole una vuelta de tuerca a la popular ópera de compositor checo Leoŝ Janáĉek…Katia Kabanova, bajo la dirección musical de Irène Kudela. Para poner en pie la pieza, Engel y Kudela han contado con un acompañante de lujo como productor, el Théâtre des Bouffes du Nord.
El origen de Katia Kabanova puede buscarse en un taller que el director galo impartió con jóvenes cantantes de ópera en la singular Abadía de Royaumont. La motivación, la entrega y la valía de aquellos artistas incipientes (que gracias a Katia Kabanova han asumido por primera vez un papel protagonista ante una audiencia) le inspiraron para crear esta ópera de cámara rebosante de espontaneidad y frescura que ahora llega a Madrid. La dirección musical de la pieza corre a cargo de Irène Kudela, que ha adaptado la banda sonora con un piano como único acompañamiento. La trama saca a escena a una mujer desesperada, Katia Kabanova, ávida de libertad pero, al mismo tiempo, incapaz de romper las convenciones sociales que le impiden escapar. Obligada a contraer un matrimonio de arreglo con un hombre pusilánime, el suicido se presenta como la única solución para atajar la amargura de la guapa joven, que termina por sucumbir ante los encantos de un aguerrido pretendiente. Sin embargo, prefiere morir antes que sufrir la vergüenza de tener que huir de su hogar como una adúltera. Lo más sobresaliente de este montaje es la sencillez en todo, lo musical, lo escénico, lo interpretativo…A menudo se dice de la ópera es un arte total pero excesivo y sobreactuado, aquí, la sensación es que la vida transcurre en el escenario solo que en vez de hablar, los personajes cantan. Otra manera de abordar lo lírico, muy interesante.
Adolfo Simón
Le voci di dentro(Voces desde el interior) de Eduardo de Filippo en el Festival de Otoño a Primavera
En el bloque primaveral del Festival de Otoño a Primavera ha llegado a los Teatros del Canal, una exquisita pieza teatral de Eduardo de Filippo: Le voci di dentro(Voces desde el interior), un texto atemporal porque, aunque está escrito en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, adquiriendo así, la posible denuncia de un crimen, un carácter delator terrible pues muestra las miserias de quién cuenta su sospecha pero también de lo que genera entre los denunciados; un mundo de miedo al otro y a las consecuencias que puede haber si se confirma que el crimen ha sido verdad. Todo transcurre entre la realidad y lo imaginado, en un espacio doble que nos muestra la cotidianeidad de estos personajes sencillos y al tiempo, un plano de fondo donde se esconden los monstruos que crea la imaginación.
Y todo con esa factura perfecta del Piccolo Teatro Di Milano bajo la dirección y protagonismo de ese excelente actor y director que es: Toni Servillo, al que acompaña un elenco genial. Todavía quedan unas funciones, si no se han agotado, no se pierdan este fantástico espectáculo.
Adolfo Simón
Kiss & Cry dentro del Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Cuando era niño, había un programa en televisión que se llamaba las manos mágicas, era un micro espacio en medio de la programación de noche que mostraba unas manos enfundadas en unos guantes blancos que hacían magia en primer plano, magia sencilla y efectista que abría el telón de la madrugada. Ayer volví a ver ese programa pero en escena, en una pantalla gigante se iba componiendo el viaje sensorial y emocional de unas manos que van narrando un cuento con pequeñas e impactantes coreografías. Las manos son cuerpos que se aman, bailan o muestran fantasmas de la memoria. Un complejo trabajo entre la danza y las artes visuales. Una experiencia inquietante ya que disfrutamos de los pequeños momentos en espacios mínimos al tiempo que observamos el truco que los manipuladores realizan para crear estas ensoñaciones…Y como resultado, la proyección de ese montaje en directo de las grabaciones que se realizan paso a paso. Un espectáculo que va de lo mínimo a lo gigantesco pero no de manera ostentosa, no hay una necesidad de impactar por impactar si no de mostrar los pequeños recovecos de las manos protagonistas.
Adolfo Simón
Onegin, comentaries de Alvis Hermanis en el Festival de Otoño a Primavera
En estos tiempos en los que no encontramos el momento de tranquilidad para leer un buen libro si no que tenemos que aprovechar viajes largos en el metro para poder sumergirnos en la ficción escrita, resulta sorprendente que un espectáculo sea casi, literalmente, la lectura de un libro frente al público pero no como lectura dramatizada que es la fórmula a la que estamos acostumbrados a ver en escena la literatura dramática antes de ser montada definitivamente, no. Alvis Hermanis, al frente de la Compañía The New Riga Theatre ha presentado en Madrid, dentro del Festival de Otoño a Primavera, el resultado de meses de investigación alrededor de Onegin, novela de Alexander Pushkin. Y lo que pudimos contemplar fue una experiencia arriesgada para el público. No estamos habituados a ver en escena unos actores que pueden quedarse suspendidos, energéticamente hablando, mientras no tienen que comunicar parte del relato y tampoco estamos acostumbrados a ver a intérpretes que transitan por las vivencias del personajes, los comentarios que ellos hacen de sí mismos o de los otros seres que habitan la escena o describir anécdotas y noticias político sociales de la época en la que transcurre la vida de Onegin. Un extraño experimento escénico que, en el momento en que nos atrapó, nos hizo volar en el tiempo y el espacio.
Adolfo Simón
Fair play(Juego limpio) en el Festival de Otoño a Primavera
Tricicle ya ironizó sobre el deporte y las Olimpiadas, es un tema que se presta muy bien para generar situaciones absurdas y disparatadas. Patrice Thibaud con la complicidad de Philippe Leygnac se mueven en la escena como pez en el agua, hacen de cada entrada y salida un derroche delirante sobre el culto al cuerpo. Ambos se complementan perfectamente, lo que no tiene uno corporalmente, lo resuelve el otro, el disparate con piernas que es Patrice se equilibra con la contención de Leygnac. Fair play sigue la tradición del mimo gestual que hace las delicias del público.
Adolfo Simón
Las palabras de Pablo Messiez en Cuarta Pared dentro del Festival de Otoño a Primavera
Algún día dejaremos de comunicarnos a través de las palabras y aparecerá el animal que llevamos agazapado debajo. Algún día las palabras dejarán de tener sentido y solo nos expresaremos como primates, como lo que somos. Algún día las palanbamjfanal,m amlfpk,,ñ+m dejarl,lñkpjpkp«jly no podremosljj,ñk,jhoijpkñp,…
En Las palabras hay algo sutil entre líneas, entre lo que ocurre que, si se escapa a nuestra percepción, se convierte en una obra de situación. Hay que dejarse llevar por el absurdo aparente para entrar en otra dimensión de la historia, de los personajes…Hay que respirar aunque esté nevando sobre nuestras cabezas mientras hacemos punto. Pablo Messiez va construyendo poco a poco su poética entre dos orillas, es lo bueno de estar en tierra de nadie que se puede mirar el mundo con otros ojos. En Las palabras hay un puzzle interrumpido, como la vida…y no hay que empeñarse en completarlo…A veces, hay que dejar que las piezas no encajen para entender mejor por qué uno siempre buscará el camino hacia Moscú.
Adolfo Simón
Broche de oro para cerrar el Festival de Otoño a Primavera
Tras visitar hace apenas dos años España con La comedia de los errores y Ricardo III, metiéndose en el bolsillo a espectadores y críticos, la formación británica Propeller, especializada como nadie en la interpretación de las obras de Shakespeare, regresa de nuevo a los escenarios madrileños con dos nuevas producciones: Twelfth Night (Noche de reyes) y The Taming of the Shrew (La fierecilla domada). Una de las mejores comedias de amor y enredo de Shakespeare, Twelfth Night (Noche de reyes), narra una enrevesada historia de confusión de identidad, transformación y decepción. Con un hombre interpretando a una mujer disfrazada de niño, ilusión y realidad son casi indistinguibles en la isla de Ilyria ideada por Propeller. Oscura y encantadora, la obra se pregunta sobre lo que ocurre cuando te enamoras de la persona equivocada, y la respuesta es al mismo tiempo hermosa y agridulce.
El estreno absoluto de Twelfth Night (Noche de reyes) tuvo lugar en el Belgrade Theatre de Coventry el 8 de noviembre de 2012. Habitualmente, esta obra se representa con aire de vodevil, de líos entre unos que van y otros que vienen, entre los intereses de los que mandan y la aceptación del juego por parte de los que obedecen, sin embargo, en esta propuesta de Propeller aparece un inquietante atmósfera en la que el juego de travestismos y máscaras, agudiza la sensación de confusión sobre lo que se desea realmente.
En The Taming of the Shrew (La fierecilla domada), dos clamorosos pretendientes disfrazados compiten por la mano de la hermosa Bianca, mientras Petruchio, en busca de la fortuna de su progenitor, accede a contraer matrimonio con su malhumorada hermana Catalina. Una historia insolente, brutal y oscuramente cómica, en la cual la diferencia entre casarse por amor y casarse por dinero parece cada vez más difícil de juzgar. Shakespeare escribió probablemente The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) entre 1590 y 1591, casi al principio de su carrera, y Twelfth Night (Noche de reyes) en 1601, en su época de mayor apogeo, más o menos al mismo tiempo que Hamlet. Sin embargo, ambas comedias abordan temas comunes como el amor, el matrimonio, la transformación y las decepciones que la verdad revela. Ambas obras exploran de forma hermosa cómo el estar enamorado de la persona equivocada hace que afloren los verdaderos sentimientos, al tiempo que nos incitan a examinar qué es lo que realmente nos hace alcanzar la felicidad. El estreno absoluto de The Taming of the Shrew (La fierecilla domada) tuvo lugar en el Teatro Real de Norwich el 24 de enero de 2013. En cada adaptación que se ha hecho de esta obra, aparece el pulso divertido entre la fierecilla y el domador, aquí, en cambio, dan un giro a ritmo de musical de jazz para mostrarnos la dureza que los hombres ponen en juego cuando su deseo se cuestiona.
Ha sido un broche perfecto para cerrar este Festival que ha ido apareciendo y desapareciendo de la cartelera, dándonos pequeños placeres puntuales.
Adolfo Simón
Afectos de Rocío Molina en el Festival de Otoño a Primavera
Merecedora con tan solo 26 años del Premio Nacional de Danza en 2010, la aplaudida coreógrafa y bailaora Rocío Molina define su última aventura, Afectos, como una «reflexión emocional y un desafío artístico, basado en la lucha del ser y en la capacidad de hallar la sencillez, la naturalidad y la confianza a través de la existencia y del flamenco». Y vaya si lo consigue, gracias también a la complicidad de La Tremendita y del músico Pablo Martín que crean los sonidos y atmósferas para que Rocío transite por la piel-traje que se superpone sobre el cuerpo para instalarse en esos momentos del pasado o de lo nunca ocurrido en los que los afectos fueron la razón de ser. Su cuerpo se vuelve trágico y juguetón dependiendo del paisaje al que regresa. Una propuesta de flamenco que se cuela en otros lenguajes de danza, sin fisuras.
Adolfo Simón
The old lady ante the Beast de Theater Meschugge-Ilka Schönbein en el Festival de Otoño a Primavera
Hasta el 26 de mayo se puede disfrutar de una pieza exquisita e inquietante en la Sala Cuarta Pared: The old lady ante the Beast. Al programa primaveral del Festival acude una artista de fascinante personalidad: Ilka Schönbeing que tiene una larga trayectoria en la escena y en este espectáculo se recoge todo ese periplo que se nutre de otras corrientes artísticas de la segunda mitad del siglo XX. Su propuesta podría ser el cocktail resultante de unos gramos de Arrabal, Kantor, Jodorowski y Pina Bausch. Dicho así parece un producto indigesto y sin embargo, es placer para dioses ateos. Hay una mezcla entre popular y virtuosismo en este espectáculo que lo hace único. Durante casi una hora y media nos atrapa un ser que vaga entre la locura del delirio y la monstruosidad del cuerpo, un espacio desde el que gritar: Viva la muerte!.
Adolfo Simón
Kaïros, sísifos y zombis en el Teatro Pradillo – Festival de Otoño a Primavera
Con su particular modo de producir proyectos, que entiende los espectáculos como una materia viva cambiante, directamente relacionada con el ojo del observador, Oscar Gómez Mata y su compañía L’Alakran regresan esta primavera a los escenarios madrileños para presentar una de sus últimas creaciones, Kaïros, sísifos y zombis, una combinación truculenta e hilarante de física y filosofía, que reflexiona sobre el tiempo como materia principal de la preocupación humana. Actitudes como el consumismo, la explotación del prójimo y la idoneidad de aprovechar las oportunidades que se le presentan a cada uno se ponen también sobre la mesa. A la presencia dramática de L´Alakran se incorporan además la estética y los procedimientos narrativos del videoclip y del cómic, sacando también a escena materiales verbales y gestuales extraídos de las vivencias y del comportamiento cotidiano de los propios actores. Hay espectáculos que son una suerte de incoherencias que no conducen a nada más que al exhibicionismo de quién lo creó y hay propuestas que aparentemente son un caos inútil pero que te van llevando a un callejón sin salida. De estos últimos es Kaïros, sísifos y zombis. Durante casi dos horas nos llevan de la mano y a empujones a la hilaridad y al horror. Por momentos estamos frente a niños que juegan con bombas de relojería cargadas de emoción muerta y de golpe, nos dejan frente al abismo de la soledad y el silencio. El arte contemporáneo es difícil de describir y configurar, hay demasiado intruso en estos discursos, Oscar Gómez Mata y su cómplice equipo no pierden la oportunidad para mostrarnos el pánico hacia el imposible futuro que se abre ante nuestros ojos.
Adolfo Simón
Musicales atípicos en el Festival de Otoño a Primavera…
Lo seres marginales, los málditos…los barrios lumpen…siempre son estupenda materia para el teatro, para el drama. Este fin de semana, en Madrid se han mostrado dos espectáculos hermanados en contenido y forma. Musicales atípicos para hablaros del ser humano y sus miserias…su luz.
Miss Knife chante Olivier Py
Travesti incandescente, mezcla de ternura, ironía y tristeza, Olivier Py crea caracterizaciones a partir increíbles combinaciones de sabores al caer cada noche. Miss Knife, el personaje que ha presentado en Madrid de la mano del Festival de Otoño a Primavera, nació una velada cualquiera casi como por casualidad y, poco a poco, comenzó a encandilar al público en multitud de lugares y actuaciones con una suave y seductora voz. Recostada entre un piano y un contrabajo, de la mano de cuatro músicos de gran talento, el calor de los espectadores fue el empujón definitivo para que esta obra, Miss Knife chante Olivier Py, se conformó finalmente como tal en 2012. Olivier Py se transforma sobre el escenario en diferentes figuras femeninas a golpe de lujosos cambios de vestuario, rodeada de plumas negras, con multitud de joyas sobre sus trajes o, incluso, con un sombrero de copa, siempre encaramada a unos tacones de aguja que parecen infinitos. En todas sus versiones, logra emocionar con recitales sobre las esperanzas frustradas de los amores insólitos, los sueños pisoteados y los placeres sombríos. El público, entre tanto, escucha también la melodía del corazón que surge de poemas que le reconcilian con el mundo. Sumisión, dominación, humor y burla salen a escena en un recital absolutamente fuera de lo común. Explosivo y brillante, Miss Knife chante Olivier Py es un espectáculo visceral, donde la abrumadora cara de la diva que se esconde tras unas flamantes pestañas revela también a una triste cantante de cabaret. Un espectáculo a medio camino entre el cabaret literario y el shown provocador de un performer contemporáneo.
The Animals and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las calles) de 1927
1927 se ha convertido en una de las compañías emergentes más imprescindibles de la escena contemporánea europea tras el rotundo éxito de su primera producción, Between the Devil and the Deep Blue Sea, estrenada en el mítico Festival Fringe de Edimburgo en el año 2007. La formación londinense regresa ahora con su segundo montaje, donde retoma las claves de su aclamado debut, fusionando diferentes formas artísticas y dejándose llevar por la estética del cine mudo, para mezclar el teatro y la música en una obra única, entretenida y fuera de lo convencional. Sincronizando a la perfección música en directo, interpretaciones y narraciones con impresionantes películas y animaciones, 1927 presenta en el Festival de Otoño a Primavera The Animals and Children Took to the Streets (Los animales y los niños tomaron las calles). La pieza narra la perversa y retorcida historia de Bayou, el barrio más temido y odiado de una infame ciudad, donde los mirones que ojean tras las cortinas viven pared con pared… y donde el lobo acecha siempre tras la puerta. Como una novela gráfica que cobra vida, 1927 invita al público a un viaje teatral de sorprendente originalidad, en el que el espectador no podrá fiarse ni de su propia sombra. Una propuesta que bebe de todos los lenguajes expresivos para hacerlos confluír en la escena como si ese fuese su espacio natural. Un cuento terrible y fascinante que nos atrapó en el patio de butacas durante el tiempo que duró la representación
Adolfo Simón
Grupo Corpo en el Festival de Otoño a Primavera…
Brasil como un todo, con toda su diversidad cultural, puede verse a sí mismo en el Grupo Corpo, la compañía de danza fundada en 1975 en Belo Horizonte. En un mundo donde la velocidad de la información está produciendo un paisaje cada vez más homogéneo, destaca por haber desarrollado una firma propia. Hay tres razones básicas para la singularidad de la compañía en la escena de la danza contemporánea. En primer lugar, está Rodrigo Pederneiras, el coreógrafo residente: uno de los pocos capaces de mezclar el ballet clásico y danzas folclóricas y luego añadir los cuerpos en movimiento que empujan los límites del rigor técnico. En segundo lugar, hay una rara estabilidad armónica entre los diseñadores de la puesta en escena para cada producción. Y, por último, hay un reparto equilibrado de los bailarines, estrellas en su propio derecho, ajustándose entre sí con una precisión exquisita. Cuando uno ve la danza del Grupo Corpo en el escenario es como si todas las cuestiones relativas al tránsito entre la naturaleza y la cultura se respondiesen en su totalidad. Todas las facetas de Brasil, pasado y futuro, lo erudito y lo popular, la influencia extranjera y el color local, y el urbano y suburbano se transforman en arte. De nuevo nos visita la fantástica compañía brasileña que siempre sorprende por la espectacularidad de sus propuestas de danza. En la primera pieza nos invitan a entrar en un mundo más conceptual y electrónico para después sumergirnos en la tradición tamizada de modernidad. Una propuesta lumínica es preside todo el primer acto para en el segundo, dejar atrapado a los bailarines bajo una medusa gigante de tela. Los bailarines son máquinas perfectas que destilan constantemente emoción y belleza. Un gran espectáculo de danza que no debe perderse ningún aficionado a este arte.
Adolfo Simón
Murmurs en el Festival de Otoño a Primavera en los Teatros del Canal
Tildada por la crítica internacional como una “absoluta hipnotizadora”, Aurélia Thierrée regresa a Madrid con Murmurs tras la calurosa acogida que recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, que ha colgado el cartel de aforo completo en teatros de todo el mundo durante la última década. La bella y poética pieza de Aurélia tiene, además, un eco argumental que nos sitúa en la actualidad rabiosa en la que vivimos…Podría decirse, que toda la pieza es la pesadilla que vive alguien tras ser desalojado de su casa, de su mundo personal…Desgraciadamente, algo que ocurre a diario con los desahucios en nuestro país. Aquí el personaje de esta joven no solo transita por su ensoñación si no que lo hace por los muros de su barrio y ese viaje le lleva a otros tiempos, otros paisajes, tratando de encontrar la clave de dónde se equivoco al elegir una puerta, un ventana, una mirada o una sonrisa. El espectáculo está trufado de todas las artes escénicas…Baile, teatro de objetos, circo, acrobacia, cabaret…funambulismo. El mismo vértigo que vivimos los espectadores desde el patio de butacas.
Adolfo Simón
Díptico del Festival de Otoño a Primavera
De nuevo a aflorado en la cartelera madrileña el Festival de Otoño a Primavera. En este caso han sido dos propuestas muy diferentes y al tiempo con cierta conexión en su discurso escénico.
Max Black de Heiner Goebbels / Théâtre Vidy-Lausanne
Heiner Goebbels crea un arte teatral tan refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje muy personal donde confluyen estilos musicales aparentemente incompatibles. El genial director y compositor empleó textos de Valéry, Lichtenberg, Wittgenstein y Max Black para componer esta obra, que se ya presentó en en el Festival de Otoño de 2002. La peculiaridad de esta propuesta radica en como, la cotidianeidad de un investigador sumergido en su mundo, va generando una textura musical de gran espectacularidad, en un espacio que por momentos recuerda a las instalaciones de arte contemporáneo que podemos disfrutar en muchos de nuestros museos. Un concierto de objetos cotidianos instrumentalizados por la locura del protagonista.
Alexis, una tragedia griega de MOTUS
Una mirada al pasado con el fin de reflexionar sobre el presente. Así define la compañía Motus el leiv motiv de su proyecto Antígona, dentro del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, la pieza que la formación transalpina ha presentado en el Festival de Otoño a Primavera. Alexis, una tragedia griega es una investigación documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea. Con ella, los artistas escuchan el latido de la actualidad, de lo que sucede en la calles cada día, y lo incorporan de forma constante e infatigable a su audaz trabajo sobre las tablas. Con Motus, el escenario se convierte en un ente dominado por una presencia coral, emotiva y conmovedora, donde fluye un texto de naturaleza fulminante e híbrida: sobre las tablas se dan la mano diálogos, entrevistas, reflexiones solitarias, intentos de traducción del griego al inglés y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. Un documento imprescindible para los artistas y espectadores de hoy, para que entiendan que los lenguajes contemporáneos no tienen porque estar reñidos con un discurso combativo. Una obra esencial.
Adolfo Simón
Ping pang qiu de Angélica Liddell en el Festival de Otoño a Primavera
Occidente es un perro juguetón que atiende a la lectura de un fragmento de filosofía si se le da una golosina a cambio, un amante caprichoso y torpe. Este es uno de los primeros momentos de la última propuesta escénica de Angélica Liddell, con él se podría resumir la impotencia que siente la creadora ante este mundo que se devora a si mismo en un bucle vertiginoso y salvaje. Y para huir de este horror vacui se plantea imposibles que le permiten evadir su cabeza y su corazón. Y se enamora de China porque es un imposible y esa piel inagotable la fascina pero como en todo gran amor, descubre que el amante tiene un cuchillo debajo de la cama para cortar la yugular de la pasión, para tronchar las alas de la emoción, para amordazar la libertad de pensar y soñar. Y esta idea la deja desolada, frágil… Nunca ví tan frágil a Angélica, ella que siempre es un toro desbocado en escena…Ping pang qiu es un poema íntimo a dos voces, la suya y la de el resto de elementos vivos o no, que la acompañan en escena.
Adolfo Simón
Hans was Heiri de Zimmermann & de Perrot en el Festival de Otoño a Primavera
El Festival de Otoño a Primavera se ha inaugurado con la nueva creación de la aclamada compañía suiza Zimmermann & de Perrot. Como magos conjurando algo de la nada, el dúo suizo extrae significado de objetos, cuerpos y sonidos. Tras Gaff Aff. Öper Öpis y Chouf Ouchouf, vuelven a intentar explicar lo inexplicable con su teatro sin palabras, lleno de humor absurdo y un profundo amor al detalle. Hans was Heiri, la nueva producción presentada en los Teatros del Canal se construye a partir de la reflexión de que los humanos somos sorprendentemente parecidos en lo que se refiere a necesidades básicas y deseos. ¿Será que la vida parece fracasar tan a menudo simplemente porque, como individuos, nos esforzamos tanto en ser únicos y diferentes?…Esta es la pregunta motor que les ha servido a estos dos artistas, medio clowns medio acróbatas, para llenar el escenario de seres extraños que se mueven en dimensiones imposibles, creando a los ojos del espectador la sensación de estar viendo un sueño.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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