Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

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Sergio Blanco: El teatro es el espejo oscuro en el que los seres humanos necesitamos mirarnos

sergio0¿Qué es el teatro para ti?…
Creo que es el espejo oscuro en el que los seres humanos necesitamos mirarnos. Es ese mirador en donde venimos a mirar y a mirarnos. Jorge Luis Borges al intentar definir el oficio del actor decía que se trataba de alguien que juega a ser otro ante un concurso de personas que también juega a tomarlo por ese otro. El teatro es ese espacio maravilloso que autoriza estos mecanismos de denegación en donde lo real y lo ficticio se dan en un mismo soporte. Ese lugar que implica un aquí y un ahora pero para hablar de otro lugar y otro tiempo.

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¿Cómo surgió que escribieses teatro?…
Empecé a escribir durante mi clandestinidad cuando tenía veinticuatro años, es decir en el período en que estuve sin documentos en Francia. Por ese entonces tenía miedo de que la policía me sorprendiera en las calles de París y que me obligara a regresar a mi país de origen a donde no quería volver. Entonces decidí encerrarme y no salir a la calle. En esa situación lo único que podía hacer era leer. Y fue lo que hice hasta que un día decidí empezar a escribir. Sin esta experiencia de la clandestinidad y del encierro, creo que nunca habría empezado a escribir.

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¿Por qué escribes teatro?…
Porque es lo único que sé hacer. Porque es lo que permite combatir la soledad. Porque cuando escribo le pierdo el miedo a la muerte, a la enfermedad, a la desaparición, al sufrimiento. Porque es lo que me permite reencontrarme con mi lengua materna que es el español y con la que solo me encuentro en las sesiones de escritura.

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¿Cómo surge el texto de Kassandra?…
Surgió en una estadía que tuve en Atenas a donde fui invitado para el estreno de una pieza mía llamada Slaughter. Tuve que pasar varios días en la capital griega y estaba muy solo. Una mañana me desperté y me dije que lo único que podía tener en común con Esquilo, Sófocles y Eurípides era escribir una pieza de teatro en Atenas. Y entonces como solo me quedaban dos días, decidí salir bien temprano a caminar con un mapa de la ciudad en la mano e ir escribiendo en las calles del mapa todo lo que se me iría ocurriendo en las calles reales del itinerario. Poco a poco el mapa empezó a quedar oscuro de texto. A la noche cuando regresé al hotel, tenía casi toda la pieza escrita en el mapa. Y era un monólogo. Y escrito en inglés que es una lengua que desconozco en absoluto. En cierta manera es una pieza que me fue dictada por la propia ciudad. Muchas veces digo que no es una obra que escribí en Atenas sino que es una obra que Atenas escribió en mí.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No. No hice ninguna búsqueda porque todo fue muy improvisado. Luego cuando ya la pasé a Word, es decir cuando la pasé del mapa a la pantalla, algunas cosas fueron cambiando, pero muy pocas. Yo quería que el monólogo – la voz de Kassandra –, tuviera el ritmo y la respiración de lo que había sido mi vagabundeo. Cuando uno lee la obra puede sentir que tiene un ritmo particular. Y para preservar ello, no toqué mucho el texto. El monólogo tiene que tener algo de vagabundeo, de deambulación, de recorrido. Pobre Kassandra, ella camina todo el tiempo por la ciudad buscando clientes, buscando la manera de sobrevivir, buscando personas a quienes contar su historia. Pobre, ¿verdad?.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la puesta en escena?
Claro. Cada puesta en escena me hace tener una visión distinta del texto. Eso es hermoso. Pero eso no me sucede solo con Kassandra. Eso también me sucede con todos mis textos. Cada puesta en escena que veo me dejo deslumbrar por la nueva visión que me va a presentar el director y su equipo de actores y técnicos. Una pieza de teatro nunca está terminada. Es siempre una pieza inconclusa. Desde un punto de vista escénico es algo completamente hueco. Es la invitación para algo que no sucederá nunca en el texto sino que sucederá en ese otro lugar que es la escena. De alguna manera cada nuevo director la va a concluir con su propia puesta en escena. Y esto es algo fascinante para mí. Eso es lo que hace que mis piezas siempre estén vivas y abiertas, siempre a la espera de que alguien venga a encarnarlas, a darles vida y a hacerlas decir muchas más cosas de las que yo he pretendido decir.

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¿Qué balance haces del desarrollo de tu escritura?…
¡Ay! Eso me cuesta respondértelo. Creo que prefiero que los balances lo hagan otros. No conozco lo suficiente el desarrollo de mi escritura para darte una respuesta seria. No sé. Es posible que no me anime a hacerlo.

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¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No. No opino eso para nada. He publicado algunas piezas mías que no se habían estrenado antes de la publicación. El texto de teatro es sin lugar a dudas la base de una representación escénica pero también es un objeto literario, y como tal es interesante que sea publicado. Leer una pieza es algo tan bello. Ir pasando las páginas. Ir hacia delante o hacia atrás. Poder detener la lectura cuando nosotros lo decidamos, por ejemplo en el momento preciso en que Romeo se va a apuñalar. Eso es algo hermoso. Uno puede detener la muerte. Eso solo se puede hacer leyendo teatro. Yo siempre defiendo la publicación ya sea antes, durante o después.

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¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
El que cada uno le quiera dar. El teatro es algo que puede tener muchos sentidos o que hasta puede no tener ningún sentido. Yo adhiero mucho con lo que dice Oscar Wilde en el prólogo de El retrato de Dorian Gray: “Todo arte es perfectamente inútil”. Para mí el sentido que tiene el teatro en tanto que experiencia artística es que nos brinda un instante estético absolutamente inútil, un momento en que todo se suspende y algo imposible acontece delante nuestro. Y creo que es esa inutilidad la que lo hace algo extraordinario. Es el mundo de las naderías en donde nada es lo que es. El mundo en donde 2 más 2 puede ser 6. El mundo en donde el ser y el no ser acontecen en un mismo tiempo y espacio. ¿Qué sentido tiene el teatro? No lo sé. ¿Qué sentido tiene una manzana? ¿O una mariposa? No sabría decírtelo. ¿Qué sentido tiene el silencio de una piedra?.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis,,,
Soy malísimo sugiriendo cosas. Cada vez que sugiero algo me equivoco. A ver… Yo creo que el artista siempre está en crisis. Que no existe creación sin crisis. Pienso que el tiempo de la creación es siempre un tiempo crítico. Yo creo porque estoy mal o angustiado o porque tengo miedo de morirme. Cuando estoy feliz no me interesa ponerme a crear. En los instantes de felicidad salgo a caminar, a ver amigos o juego con mi gato durante horas. Sin embargo cuando algo me duele en Dinamarca – cuando algo entra en crisis –, entonces allí empiezo a crear.

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¿Proyectos?…
Por suerte tengo muchos proyectos para los próximos dos años a venir. En este momento estoy ensayando un texto mío que se llama Ostia y que voy a estrenar yo mismo con mi hermana la actriz Roxana Blanco en Montevideo. Es un texto que está escrito para ser leído por nosotros dos. Yo no soy actor y esta es la primera vez que voy a subir a un escenario. Luego voy a poner en escena mi último texto La ira de Narciso que voy a estrenar también en Montevideo con la actuación del actor, dramaturgo y director teatral uruguayo Gabriel Calderón. A comienzos del año que viene voy a dirigir Las tres hermanas de Chejov. Y a todo eso se suma todas las giras que tenemos por América Latina y Europa con mi última puesta en escena de mi texto Tebas Land. Luego tengo también mucho trabajo de investigación, docencia y formación en las distintas universidades y escuelas en las que trabajo.

 


La Phármaco estrena “Éxodo: Primer día” en el Galileo

Adaptar una tragedia de la entidad de “Edipo en Colono” al lenguaje de la danza es una tarea árdua y que muchas veces conlleva un gran trabajo de experimentación e investigación.  Investigar lo que no cuenta Sófocles, lo que podría ser un cuerpo de baile en una tragedia de la antigua Grecia, sarcarle jugo al Corifeo de una manera minimalista pero eficaz y exprimir al máximo la expresividad que hemos logrado recuperar a través de vasijas, dibujos y descripciones sobre las costumbres y figuraciones griegas es un camino difícil de establecer y de andar.

Sin embargo Luz Arcas, entrevistada hace poco para nuestra web,  ha sabido encauzar muy bien una propuesta arriesgada e innovadora que marca una línea en la danza contemporánea española y que rompe la barrera entre texto, gesto, danza y teatro, posicionando a la compañía con un repertorio de culto.

Una tragedia íntima y  coreografiada de una manera sobria y con un minimalismo expresionista que se refuerza con la presencia de Regina Navarro y  la música creada por Laura Fernández, Mariano Peyrou y Xosé Saqués y la aportación de un lied de Schubert que refuerza su sentido dramático de una manera casi perfecta.

Si bien es cierto que no todo tipo de público va a entender este espectáculo y que el nivel cultural que hay que tener para afrontar las escenas tiene que tener un mínimo aceptable, la verdad es que la expresividad que han logrado imprimirle a través de la dirección y dramaturgia de Abraham Gragera y la propia Arcas hace que esta obra se disfrute sin tener que haber leído a Sófocles ni haber visto una vasija con Hoplitas para sumergirse, a través de imágenes muy logradas, en toda una cultura comtemporánea.

EXODO 2Luis Mª García.


Luz Arcas nos habla de la trayectoria de La Phármaco aprovechando el estreno en Madrid de Éxodo: Primer día.

luz¿Cómo surge el proyecto Éxodo: primer día?…
Nace de la idea de bailar la tragedia antigua. Nace de imaginar la danza encarnando una tragedia de Sófocles. De imaginar cómo sería el cuerpo trágico, la danza trágica (su temporalidad, su forma, sus dinámicas). Cómo sería bailar a Edipo y Antígona (su gestualidad, su plástica).
También nace de un interés por retomar el antiguo sentido del espectáculo escénico, y llevarlo a la danza: por un lado, recuperamos el concepto de repertorio, es decir, tramas y argumentos que forman parten de la cultura occidental, y que se ponen en escena no para contar historias nuevas, si no para ahondar en la manera de contarlas, en el cómo; por otro, profundizar en la danza contemporánea como un arte más amplio de cómo suele concebirse, como parte del espectáculo total, que pese a seguir siendo el centro de la obra, está al servicio del libreto que hemos construido y dialoga con la música que se interpreta en directo. La danza pretende disolverse en el todo, que es Éxodo: primer día.
El libreto se construye a partir de los silencios entre las tres obras del ciclo tebano: baila lo que Sófocles no cuenta, los espacios en blanco provocados por las unidades de espacio, tiempo y decoro clásicos. El camino (el éxodo) de Edipo ciego y desterrado después de su tragedia, acompañado por su hija Antígona al bosque de Colono; la muerte de Edipo, con la esperanza de que su muerte redima a los suyos de la condena trágica; y el regreso (el primer día) de Antígona ya a solas a la ciudad de Tebas, cuando intuye que la muerte de su padre no la librará de su propia tragedia.
La música y la coreografía se inspiran en la época arcaica griega, para buscar un resultado contemporáneo, propio, que hable de nuestro tiempo.

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¿Hubo ocasión durante el proceso para que los bailarines aportasen ideas en la dramaturgia y en la puesta en escena?…
Coreográficamente, trabajo con la particularidad del cuerpo del intérprete (su cuerpo como encarnación de todo lo que es como persona, por supuesto). El personaje de Edipo está creado para y con Regina Navarro. Todos los movimientos nacen del diálogo entre su visión de la danza y la mía, y en la visión que uno tiene de la danza, está su visión del mundo. Así que como intérprete ha ido dirigiendo parte de la dramaturgia, pero desde dentro, como Edipo, o como el Edipo que ha construido Regina. Con otra intérprete habría resultado otra obra.

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¿Hay algún referente técnico del que habéis partido para este espectáculo?…
Creo que no. Sabíamos que trabajaríamos con espacio vacío y que la luz (Jorge Colomer) iba a ser un personaje más, mejor dicho, el tiempo de la obra. Sabíamos que queríamos trabajar con ciclorama porque queríamos que la acción sucediese en un exterior (el camino al bosque y el bosque). También sabíamos desde el principio que la música iba a ser en directo. Pero todo esto iba surgiendo a medida que concebíamos la obra, no antes de concebirla. Son elementos que la propuesta requiere.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación? ¿Qué os ha inspirado?…
El proceso de creación ha sido lento porque hemos tenido que ir descubriendo el camino. Teníamos que encontrar, primero, el lenguaje del cuerpo, la danza trágica. Nos inspiramos en las kores, los frisos, las vasijas, rescatando algunos detalles gestuales y compositivos, como la simetría, la sobriedad, el esquematismo, la simbología de los elementos, pero no era un trabajo de reconstrucción, si no de búsqueda de un lenguaje nuevo, contemporáneo, pero que conservara el sentimiento trágico.
Con la música ha sucedido lo mismo. Hemos partido de recreaciones de la música griega arcaica, pero también de Scelsi, y por supuesto, de la visión musical de cada uno de los compositores e intérpretes (Mariano Peyrou, Xosé Saqués y Laura Fernández). Abraham Gragera y yo queríamos que la música fuese el espacio de la obra, no solamente temas que acompañan e intensifican la danza.

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¿Qué balances hacéis de vuestros últimos trabajos?…
Estamos contentos porque vemos que el lenguaje de La Phármaco es cada vez más preciso. Tenemos cuatro obras en el repertorio, hemos hecho una obra por año prácticamente, y eso, además de porque el panorama actual exige estar más activo que antes ya que las obras tienen un período de difusión más corto (al menos para una compañía joven y sin mucha infraestructura como la nuestra), es porque hemos necesitado ir más lejos. Cada obra deja una gran satisfacción, que es la esperanza de la siguiente.

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¿Cómo veis la programación de danza en España?…
Creo que hay un problema esencial que impide que exista una afición a la danza contemporánea, y es que ninguna institución asume el riesgo de que la danza contemporánea española llegue a los grandes teatros, no en la programación excepcional de un festival especializado, sino para hacer temporada. La danza contemporánea atraviesa un momento creativo especialmente fructífero, sólo necesita apoyo institucional: apoyo institucional no es dar subvenciones, a mi juicio, es apostar porque las obras de danza contemporánea estén tiempo en la cartelera de los teatros públicos. Es la única manera de sacarla de las élites alternativas y de la endogamia a la que se ve condenada.

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¿Qué espectáculo de danza habéis visto? ¿Qué os pareció?…
He podido ver varias obras de Madrid en Danza. Una de las últimas fue La consagración de la primavera y La Anunciación de Preljocal. Iba con muchas ganas porque La consagración de la primavera es una pieza que me gusta mucho, y soy especialmente devota de la de Nijinsky.
La verdad es que la versión de Preljocaj no me pareció del todo lograda. Sentí que el coreógrafo no había entendido el mito. Había incongruencias en la dramaturgia. No contó el mito, pero tampoco consiguió la revisión irónica o posmoderna que parecía pretender.
La música de Stravinsky es demasiado poderosa, arrasa con todo. Me parece que solamente la de Nijinsky ha superado la prueba de crear una danza de las dimensiones de la partitura (incluso esto es puesto en duda por una parte de la crítica especializada).
El movimiento tampoco me pareció muy interesante. Me extrañó descubrir esto, porque hemos estudiado parte de la coreografía en el conservatorio, y la sensación al bailarlo es mucho más poderosa que al verla como espectadora.
Sin embargo La Anunciación me pareció muy interesante. La puesta escena, la propuesta de iluminación, el movimiento y la visión del autor sobre el tema, parecían el resultado de una investigación profunda, original, sorprendente y de una gran belleza.

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¿Cómo veis la danza contemporánea en estos momentos?…
En España existe una gran contradicción entre la producción de obras, el número de coreógrafos y de bailarines y la recepción, el número de espectadores: casi hay más gente que necesita bailar que la que necesita ver danza, como algo habitual en su vida. Es un arte que tiene poco público, por desagracia no es solamente un tópico.
Creo que la culpa es tanto de los creadores como de los que programan o conciben los planes para apoyar este arte. La danza contemporánea ha nacido en España como un arte elitista, consolidado en los márgenes de la oficialidad, no tanto por su pureza, como muchos quieren creer, sino, más bien por la desconexión de los creadores con las necesidades reales de la gente.
Quiero pensar que ha llegado el momento de que ambas partes, creadores y programadores, den un paso más, que en los primeros consiste en pensar más en el público, y en los segundos en favorecer que la danza sea algo oficial, asequible y necesario para la vida de las personas. Y esto sólo se consigue programando danza, única manera de que el público se familiarice con este lenguaje.
Por eso las representaciones en el Teatro Galileo pueden ser una oportunidad no sólo para nosotros, sino para la danza, ya que si funciona, probablemente programen danza de forma habitual.

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¿Proyectos?…
Pues estamos dedicados a la difusión del repertorio de la compañía y con algunos proyectos para que salga también fuera de España. Y preparando la siguiente obra, que nos gustaría estrenar, si va todo bien, a finales de 2014 o a principios del 15.

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¿Cómo está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en vuestros trabajos?…
Como hemos tenido la mala suerte de nacer como compañía en tiempos de crisis, todo ha sido muy difícil desde el principio. El público ha bajado mucho, y ya no hay subvenciones, y han desaparecido teatros especializados en danza, y festivales. Por desgracia nos hemos criado en este ambiente. Así que la sorpresa vendrá cuando todo sea más fácil. Lo malo es que volver a lo de antes no va a ser tan fácil, porque como dice Stanislaw Jerzy Lec “construimos para siglos, destruimos para siempre”.

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Antonio Muñoz de Mesa nos habla de su experiencia con el teatro

muñozmesa¿Qué es el teatro para ti?…
El Teatro es un juego de descubrimiento de uno mismo a través del otro. Es un “pilla pilla” donde el actor se la liga y el espectador trata de que no le capturen. Si el espectáculo es bueno, el espectador se la termina ligando.

¿Por qué haces teatro?…
Por lo mismo que hago pis. Está el riñón, el uréter, la vejiga, la uretra, las glándulas sudoríparas, los pulmones, el hígado y el Teatro.

¿Cómo surgió el proyecto de La Visita?…
Leo una noticia en la prensa: “La Iglesia equipara el abuso sexual de un cura en Holanda con un accidente laboral”. No me lo puedo creer. Escribo el texto entre otras cosas para “entender” esta noticia. Lo termino y se lo doy a Olga Margallo, a Iván Villanueva y a Rosa Mariscal. Les gusta y lo hacemos 🙂

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¿De qué va el texto?¿Cómo ha sido el proceso de escritura?…
El Texto va de cómo el beneficio económico se coloca por encima del bien común en una institución supuestamente altruista. “La Visita” es un thriller donde se pone de manifiesto cómo el ser humano corrompe las instituciones que supuestamente le protegen. El proceso de escritura fue muy interesante porque al principio lo escribí para dos actores y terminé cambiando el personaje del agente de seguros por el de una mujer para añadirle otro conflicto más: el de la lucha de sexos. Las instituciones religiosas, en su gran mayoría, siguen imponiendo el Patriarcado. El otro día mi hija me preguntó que por qué Dios es hombre y con barba y no mujer y con minifalda.

¿Qué lectura escénica se ha hecho en la puesta en escena sobre tu texto?…
Hemos jugado básicamente con el lenguaje del thriller y con un proceso simbiótico donde ambos personajes, al principio enfrentados, se transmutan el uno en el otro. Una especie de “milagro” en el que la agente de seguros termina dando el sermón de la montaña y el sacerdote hace apología de los mercados. Desde el punto de vista plástico se juega con la metáfora del fútbol como elemento que aglutina la Iglesia y el Mercado.

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¿Qué balance haces de tus últimos proyectos como autor?…
Estreno lo que escribo. No puedo pedir más. El balance es muy bueno desde este punto de vista porque me permite madurar como autor. Puedo ver físicamente lo que sólo estaba escrito en papel. Puedo observar la reacción del público a lo que escribo. Puedo sacar conclusiones de lo que funciona, de lo que emociona y también de lo que falla o es pretencioso.

¿Cuál ha sido tu evolución como autor?…¿Estás escribiendo algún texto ahora?…
Estoy escribiendo un nuevo texto que espero estrenar la temporada que viene y esta temporada estreno “La Mala Memoria”, dirigida por Julián Fuentes-Reta con Ruth Gabriel, Liberto Rabal, Asunción Balaguer y Carlos Álvarez Novoa. Como autor soy cada vez menos exhibicionista y más técnico. Me interesa mucho más la carpintería teatral como medio para contar una historia y provocar emociones que encontrar un “estilo propio”. Hace años mi obsesión era imponer “mi estilo” a una historia. Hoy no. Es una liberación.

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¿Cómo ves el panorama teatral en nuestro país?…¿En nuestra ciudad?…
El Teatro tiene que profesionalizar aún más sus herramientas de captación de público. Desde el punto de vista artístico no tenemos tanto problema. Hay profesionales muy buenos en todas las áreas. Me preocupa más la comunión con el público. Madrid está profundizando en su relación con el público a través de nuevos espacios y propuestas, como “La Casa de la Portera” pero necesitamos renovar también los espacios “tradicionales” para que no se relacione el Teatro con la Arqueología. Mi hija me cuenta que a veces ella tiene la sensación de que la llevan al Teatro como la llevarían a ver vasijas de la Grecia Clásica. Propuestas como “Mi Primer Clásico” que ha puesto en marcha el equipo de Helena Pimenta son revolucionarias porque incluyen al espectador en la estrategia de programación. En una estrategia de programación el espectador debería tener el mismo peso que los autores, los directores y los repartos que se proponen. El público es la estrella del evento teatral. Con esto no estoy diciendo que hay que darle al público lo que quiere ver. Entre otras cosas porque el público (y me incluyo) lo que quiere es “DESCUBRIR”, y este verbo se carga el argumento anterior.

Otro Gran Teatro del Mundo

¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes en las ayudas al teatro?…
El verbo “afectar” se queda muy corto. La subida del IVA es Terrorismo de Estado. La identidad y el valor de las personas madura con la Educación, la Cultura y la Sanidad. Las consecuencias de estas “políticas de ajuste” se pueden resumir en el “sálvese quien pueda”. En este país estamos secuestrados por un bipartidismo artificial que se empeña en rentabilizar las dos Españas para perpetuar unas organizaciones que ya no nos representan de manera adecuada. Se supone que “la masa” es ahora más inteligente y tiene más voz y criterio que cuando se crearon las democracias del siglo XIX. La militancia y las ideologías deben dejar paso a “las inteligencias” y a las ideas. El Teatro también vive secuestrado por su “Síndrome de la Izquierda”. Los espejismos ideológicos nos impiden avanzar hacia una sociedad donde la tecnología, la educación, la economía y la cultura se pongan al servicio del bien común. Estoy hablando de una sociedad en red que a su vez sirva de red (para caídas como las que acabamos de sufrir). Lo mismo que la industria discográfica, cinematográfica y editorial están haciendo una transición de lo analógico a lo digital donde el público influye en los productos que demanda, la Democracia está obligada a abrirse y descentralizar sus centros de decisión. La clase política le tiene miedo al ciudadano en lugar de aprovecharse de su potencial. Desde este punto de vista el Teatro debe ser incluyente y no excluyente. Es una de las misiones del arte. Lo más radical que podríamos hacer ahora desde los escenarios es “desradicalizar” al espectador. Liberarle de la herencia “Izquierda vs Derecha”. No hablo de ser apolítico. Hablo de actualizar unos modelos políticos que provocan mucho sufrimiento en el mundo. Desde el Teatro podemos contribuir a esta evolución contando historias que empoderen al espectador. Se ha hecho siempre. Mira “Antígona” de Sófocles.

¿Qué obra has visto últimamente que te interesase?¿Por qué?…
“Los Iluminados”, “Cosas Nuestras de Nosotros Mismos” y “Feel Good”. Tres espectáculos muy distintos que demuestran un altísimo nivel artístico y una comunión brutal con el público. Espectáculos muy emocionantes y comprometidos sin ser militantes. Me gusta el Teatro que tiene muchos niveles de lectura pero que nunca sacrifica el elemento popular de “enganchar” al espectador. En este sentido me encanta el Teatro Aficionado. Cuando me peleo con mi profesión voy a ver a grupos aficionados 🙂

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¿Alguna idea para seguir creando en estos tiempos de crisis?…
Lo peor que podemos hacer en estos tiempos es rebajar la calidad de lo que producimos. La salvación está en seguir buscando la excelencia. Seguir teniendo como norte la calidad de los espectáculos.