Revista digital de Artes escénicas -Año 9º-

Entradas etiquetadas como “Oscar Wilde

«Salomé» en el Teatro Fernán Gómez

Wilde siempre hablaba de belleza en la vida, se rebelaba contra el puritanismo y la mediocridad que se empeñaban en ocultar lo bello y atentaban contra la libertad. Wilde sabía muy bien lo que era la belleza y la falta de libertad y por eso exorcizó todos sus fantasmas a través de la reinterpretación de esta historia bíblica.

No es habitual ver sobre las tablas ya a Victoria Vera y tampoco ver dirigir teatro a Jaime Chávarri pero la ocasión merece la pena. Primero porque Chavarri ha rescatado y adaptado un texto muy sugerente y bello, lo ha montado a la clásica, nada de modernidades ni segundas lecturas políticas sobre el Poder, dándole su toque de dirección que es marca de la casa  y segundo porque Vera encarna perfectamente a la musa en que pensó el escritor  y recrea no solamente la belleza sino también la maldad,la ira y el despecho necesarios para creernos el personaje, y que demuestra que está en plena forma mental y física interpretando una danza de los velos que pone los dientes largos a más de un Herodes.La coreografía ideada por Ricardo Cué para la danza de los siete velos con música de Richard Strauss es»uno de los momentos clave» de ‘Salomé’.

De entre los demás actores destacan las actuaciones de Manuel de Blas, en el papel de Herodes y de Inés Morales, Herodías.

Pero el montaje adolece de algunos socavones en la escenografía y la iluminación, que no son sugerentes y adolecen de refinamiento necesario para interpretar un texto tan elocuente y que nos traslada a pasajes bíblicos tan exóticos, esto puede ser debido a que, como han afirmado, la obra no ha contado con el apoyo de ninguna subvención pública.

Luis Mª García Grande

 


Windermere Club en el Centro de Arte Fernán Gómez

Oscar Wilde, como todos los grandes autores, nos sobreviran, a nosotros y a nuestras travesuras. Es bueno, que se pierda el respeto a los dramaturgos sagrados, no pasa nada, el texto original seguirá ahí y las propuestas ligeras pasarán al olvido. Hemos visto verdaderos desastres a la hora de adaptar un texto clásico a nuestros días. En este caso es un divertimento a partir de la obra de Wilde, Juan Carlos Rubio va al eje de la obra y la traslada a Miami y usa el aroma del culebrón para exponer la critica que en su día se hizo a la sociedad con este texto. Los actores juegan a acentos y el espacio juega a mostrarnos los rincones donde bailan, pasan calor y mienten estos frívolos tópicos de la sociedad.
Adolfo Simónwilde


Sergio Blanco: El teatro es el espejo oscuro en el que los seres humanos necesitamos mirarnos

sergio0¿Qué es el teatro para ti?…
Creo que es el espejo oscuro en el que los seres humanos necesitamos mirarnos. Es ese mirador en donde venimos a mirar y a mirarnos. Jorge Luis Borges al intentar definir el oficio del actor decía que se trataba de alguien que juega a ser otro ante un concurso de personas que también juega a tomarlo por ese otro. El teatro es ese espacio maravilloso que autoriza estos mecanismos de denegación en donde lo real y lo ficticio se dan en un mismo soporte. Ese lugar que implica un aquí y un ahora pero para hablar de otro lugar y otro tiempo.

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¿Cómo surgió que escribieses teatro?…
Empecé a escribir durante mi clandestinidad cuando tenía veinticuatro años, es decir en el período en que estuve sin documentos en Francia. Por ese entonces tenía miedo de que la policía me sorprendiera en las calles de París y que me obligara a regresar a mi país de origen a donde no quería volver. Entonces decidí encerrarme y no salir a la calle. En esa situación lo único que podía hacer era leer. Y fue lo que hice hasta que un día decidí empezar a escribir. Sin esta experiencia de la clandestinidad y del encierro, creo que nunca habría empezado a escribir.

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¿Por qué escribes teatro?…
Porque es lo único que sé hacer. Porque es lo que permite combatir la soledad. Porque cuando escribo le pierdo el miedo a la muerte, a la enfermedad, a la desaparición, al sufrimiento. Porque es lo que me permite reencontrarme con mi lengua materna que es el español y con la que solo me encuentro en las sesiones de escritura.

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¿Cómo surge el texto de Kassandra?…
Surgió en una estadía que tuve en Atenas a donde fui invitado para el estreno de una pieza mía llamada Slaughter. Tuve que pasar varios días en la capital griega y estaba muy solo. Una mañana me desperté y me dije que lo único que podía tener en común con Esquilo, Sófocles y Eurípides era escribir una pieza de teatro en Atenas. Y entonces como solo me quedaban dos días, decidí salir bien temprano a caminar con un mapa de la ciudad en la mano e ir escribiendo en las calles del mapa todo lo que se me iría ocurriendo en las calles reales del itinerario. Poco a poco el mapa empezó a quedar oscuro de texto. A la noche cuando regresé al hotel, tenía casi toda la pieza escrita en el mapa. Y era un monólogo. Y escrito en inglés que es una lengua que desconozco en absoluto. En cierta manera es una pieza que me fue dictada por la propia ciudad. Muchas veces digo que no es una obra que escribí en Atenas sino que es una obra que Atenas escribió en mí.

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¿Hiciste algún tipo de búsqueda o documentación sobre el tema antes de empezar a escribirla?…
No. No hice ninguna búsqueda porque todo fue muy improvisado. Luego cuando ya la pasé a Word, es decir cuando la pasé del mapa a la pantalla, algunas cosas fueron cambiando, pero muy pocas. Yo quería que el monólogo – la voz de Kassandra –, tuviera el ritmo y la respiración de lo que había sido mi vagabundeo. Cuando uno lee la obra puede sentir que tiene un ritmo particular. Y para preservar ello, no toqué mucho el texto. El monólogo tiene que tener algo de vagabundeo, de deambulación, de recorrido. Pobre Kassandra, ella camina todo el tiempo por la ciudad buscando clientes, buscando la manera de sobrevivir, buscando personas a quienes contar su historia. Pobre, ¿verdad?.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la puesta en escena?
Claro. Cada puesta en escena me hace tener una visión distinta del texto. Eso es hermoso. Pero eso no me sucede solo con Kassandra. Eso también me sucede con todos mis textos. Cada puesta en escena que veo me dejo deslumbrar por la nueva visión que me va a presentar el director y su equipo de actores y técnicos. Una pieza de teatro nunca está terminada. Es siempre una pieza inconclusa. Desde un punto de vista escénico es algo completamente hueco. Es la invitación para algo que no sucederá nunca en el texto sino que sucederá en ese otro lugar que es la escena. De alguna manera cada nuevo director la va a concluir con su propia puesta en escena. Y esto es algo fascinante para mí. Eso es lo que hace que mis piezas siempre estén vivas y abiertas, siempre a la espera de que alguien venga a encarnarlas, a darles vida y a hacerlas decir muchas más cosas de las que yo he pretendido decir.

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¿Qué balance haces del desarrollo de tu escritura?…
¡Ay! Eso me cuesta respondértelo. Creo que prefiero que los balances lo hagan otros. No conozco lo suficiente el desarrollo de mi escritura para darte una respuesta seria. No sé. Es posible que no me anime a hacerlo.

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¿Opinas como algunos autores que no hay que publicar un texto hasta verlo estrenado?…
No. No opino eso para nada. He publicado algunas piezas mías que no se habían estrenado antes de la publicación. El texto de teatro es sin lugar a dudas la base de una representación escénica pero también es un objeto literario, y como tal es interesante que sea publicado. Leer una pieza es algo tan bello. Ir pasando las páginas. Ir hacia delante o hacia atrás. Poder detener la lectura cuando nosotros lo decidamos, por ejemplo en el momento preciso en que Romeo se va a apuñalar. Eso es algo hermoso. Uno puede detener la muerte. Eso solo se puede hacer leyendo teatro. Yo siempre defiendo la publicación ya sea antes, durante o después.

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¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
El que cada uno le quiera dar. El teatro es algo que puede tener muchos sentidos o que hasta puede no tener ningún sentido. Yo adhiero mucho con lo que dice Oscar Wilde en el prólogo de El retrato de Dorian Gray: “Todo arte es perfectamente inútil”. Para mí el sentido que tiene el teatro en tanto que experiencia artística es que nos brinda un instante estético absolutamente inútil, un momento en que todo se suspende y algo imposible acontece delante nuestro. Y creo que es esa inutilidad la que lo hace algo extraordinario. Es el mundo de las naderías en donde nada es lo que es. El mundo en donde 2 más 2 puede ser 6. El mundo en donde el ser y el no ser acontecen en un mismo tiempo y espacio. ¿Qué sentido tiene el teatro? No lo sé. ¿Qué sentido tiene una manzana? ¿O una mariposa? No sabría decírtelo. ¿Qué sentido tiene el silencio de una piedra?.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis,,,
Soy malísimo sugiriendo cosas. Cada vez que sugiero algo me equivoco. A ver… Yo creo que el artista siempre está en crisis. Que no existe creación sin crisis. Pienso que el tiempo de la creación es siempre un tiempo crítico. Yo creo porque estoy mal o angustiado o porque tengo miedo de morirme. Cuando estoy feliz no me interesa ponerme a crear. En los instantes de felicidad salgo a caminar, a ver amigos o juego con mi gato durante horas. Sin embargo cuando algo me duele en Dinamarca – cuando algo entra en crisis –, entonces allí empiezo a crear.

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¿Proyectos?…
Por suerte tengo muchos proyectos para los próximos dos años a venir. En este momento estoy ensayando un texto mío que se llama Ostia y que voy a estrenar yo mismo con mi hermana la actriz Roxana Blanco en Montevideo. Es un texto que está escrito para ser leído por nosotros dos. Yo no soy actor y esta es la primera vez que voy a subir a un escenario. Luego voy a poner en escena mi último texto La ira de Narciso que voy a estrenar también en Montevideo con la actuación del actor, dramaturgo y director teatral uruguayo Gabriel Calderón. A comienzos del año que viene voy a dirigir Las tres hermanas de Chejov. Y a todo eso se suma todas las giras que tenemos por América Latina y Europa con mi última puesta en escena de mi texto Tebas Land. Luego tengo también mucho trabajo de investigación, docencia y formación en las distintas universidades y escuelas en las que trabajo.

 


Denis Rafter: «El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad.»

deniso¿Cómo surge el proyecto que estrenaste en el Teatro Español?…Háblanos del texto y del montaje…
Desde hace 30 años estoy haciendo un monologo sobre Oscar Wilde que llevé por medio mundo incluyendo el Festival de Edinburgo. Pero ahora con mi propia experiencia de la vida, sus altas y bajas, me di cuenta que Wilde hablaba sobre cosas muy profundas sobre el comportamiento del ser humano. Me di cuenta que no obstante sus obras nos hacen reír por su frivolidad, la grandeza de él es en su gran humanidad. Y eso es lo que quería comunicar en Beloved Sinner. El texto tiene mucho de Wilde pero también hay mucho de mi tanto en el contenido que en mi interpretación de Oscar. Como cualquier papel me gusta que el público no sabe donde esta Oscar y donde esta Denis en el personaje.

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¿Cómo ha sido el proceso de creación?…
La obra estaba creciendo dentro de mí durante años. Y de repente no podía dejarlo más sin darle forma y finalmente una representación por delante de un público. He hecho mucha investigación sobre Wilde durante sus últimos años de vida, a través de lo que el mismo decía y escribía y lo que decía sus amigos e incluso sus detractores. Por encima de todo quería ser justo con él y no tapar tampoco sus errores y debilidades. Hacerlo diferente hubiera sido una traición de él y de mi mismo.

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¿Hay algún referente técnico o artístico del que has partido para crear esta puesta en escena?…
Antes de todo quería hacerlo minimalista para no distraer al publico de la esencia de Wilde y sobre todo, de la belleza y sabiduría de sus palabras. Las hojas de otoño son de mi jardín y era una decisión por accidente. Mientras estuve sentado en un banco al aire libre cayo una hoja roja, más que cayó fue flotando hacia mí y me inspiró. Otra decisión muy importante era sobre la caracterización de Wilde. No tengo pinta de Wilde para nada y poner maquillaje hubiera quedado en caricatura y en el ridículo. Entonces confiaba en el poder de mi interpretación, es decir, conseguir que el público se olvide de las apariencias para enfocar solo en los sentimientos y espíritu del personaje.

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¿Por qué haces teatro?…
Nací actor; no puedo evitarlo. Es un don que no puedo ignorar. Me siento vivo cuando doy cuenta que por algo estoy aquí en este mundo. No hay nada más vital que escuchar las risas, los sollozos, la respiración de un público sea en China, España, Irlanda o cualquier otro país.

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¿Qué balances haces de tus trabajos como director y actor de teatro?…
Creo que en los muchos años que llevo trabajando en España he aportado algo diferente a los escenarios españoles, no digo mejor o peor, pero si diferente. Normal… ¿no?. Soy un actor formado por tres culturas, el irlandés, el inglés y el español. Cada una me ha influido de una manera fuerte, única y original. Entonces cuando hago un Calderón o un Shakespeare lo hago con ojos de un irlandés; y cuando hago un autor irlandés estoy influido por mis experiencias en España. Como actor siempre he tenido que romper cualquiera barrera de idiomas; por eso me concentro en las emociones, porque son universales. Y como maestro de actores comparto mis ideas con la inocencia y alegría de un niño.

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¿Qué función crees que ha de tener hoy el teatro para la sociedad en la que vivimos?…
El teatro es, y debe ser, fundamental para cualquier sociedad. En la historia universal y desde tiempos antiguos siempre ha sido así. Es un instinto natural del ser humano. Durante los primeros años, los niños hacen teatro. El teatro es una de las puertas hacia la felicidad, la espiritualidad y lo sentimental del ser humano. Es un lenguaje que rompe barreras y que puede también romper perjuicios. Nos hace pensar, contemplar y comprender las cosas más profundas de la vida. Perderlo es un riesgo que no podremos permitir.

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¿Cómo crees que está afectando la subida del I.V.A. y los recortes al teatro en España?…
Después de decir lo que acabo de decir sobre la importancia del teatro puedes imaginar el disgusto que tengo por la locura de la I.V.A. actual en España sobre un arte y un instinto natural de cualquier ciudadano. Incredulidad ante unos políticos tan insensibles. Me preocupa que toda una generación de actores, autores y directores estén sufriendo tanto por su arte y por la ignorancia de unos pocos.

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¿Qué obra de teatro has visto últimamente?¿Qué te pareció?…
Vicky Peña en Long Day’s Journey into Night de O’Neill. Genial, es una gran actriz.
¿Proyectos?…
Nada más volver después de Navidad he escrito y dirigido una obra sobre Teresa de Ávila que se estrena hoy sábado en la Iglesia de Santa Teresa en Ávila. Y he de hacer una gira con Beloved Sinner. Pero un proyecto que tengo en mente desde hace tiempo es escribir un libro sobre el teatro.

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¿Se pueden hacer propuestas combativas de teatro hoy?…¿Qué les dirías a las nuevas generaciones del teatro?…
El teatro es un camino duro y difícil. Pero hay que seguir con ilusión. Si uno siente, en lo más profundo de su alma, la necesidad de compartir sentimientos, es un valor sin precio. Y otro consejo… Intenta no dejarte engañar por gurús falsos o profetas que engañan. La única verdad es lo que uno siente dentro de sí mismo. El mejor lugar para que un actor combata, es sobre el escenario con un buen teatro que transcienda sobre ideas parroquiales y menores.

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Richard Collins-Moore: Cuando te sientas en una butaca es para que te levantes de ella alterado y/o dispuesto a reflexionar.

collins¿Cómo fueron tus inicios en el teatro?…
Empecé por el año 1993. En el ’92, haciendo un trabajo de animación en un barco crucero atracado en el puerto de Barcelona, conocí a dos actores (uno catalán y otro italiano, parece un chiste…) y decidimos formar una compañía de teatro. Nos llamábamos Los Los y creamos a lo largo de unos 8 meses y a partir de la improvosación – fuimos muuuuy lentos – un espectáculo que empezó a ganar premios y buenas críticas. Fue un comienzo muy afortunado, la verdad, aunque…

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¿Realizaste otras facetas además de la actuación?
…dentro la compañía yo hacía «los números», es decir la parte de la contabilidad, y me encargaba del tema de la distribución. Vi ya desde mis inicios que eso de tener una compañía propia de teatro es una locura que requiere mucho esfuerzo, a pesar de «disfrutar» del IVA al 16%. Al cabo de cuatro años me quedé agotado y pasé a trabajar con la compañía Dagoll Dagom. Cuenta ajena, salario fijo mensual. Un sueño…

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¿Qué es el teatro para ti?…
Vivir intensamente durante el tiempo que estás encima de un escenario.

¿Por qué haces teatro?…
¡Buf! Dios sabrá… Es algo así como una atracción fatal. No sabes bien por qué lo haces pero lo necesitas.

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¿Qué balance harías sobre tu trayectoria?…
Siempre he dicho que soy el actor guiri más afortunado de España – siempre con los altibajos que sufrimos todos – pero aún así me han dado papeles de cierta envergadura dado mi perfil y estoy muy contento y agradecido. He hecho de todo, hasta un par de zarzuelas…

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¿Qué función crees que ha de tener el teatro para la sociedad de hoy?…
Esta pregunta parece invitar una respuesta sobre la capacidad revulsiva que tiene el teatro. La oferta teatral es amplia y responde a criterios que van desde la denuncia al puro entretenimiento. Cualquiera vale en cualquier momento y no soy nadie como para decir el teatro tiene que ser así o asá. Creo que lo esencial, al menos por lo que a mí se refiere, es que cuando te sientas en una butaca es para que te levantes de ella alterado y/o dispuesto a reflexionar.

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¿En qué proyectos has participado durante el último año?… Háblanos de ellos…
El último año ha sido el año de La Llamada que ha estado de gira después de su inesperado éxito en el Teatro Lara (al que hemos vuelto esta temporada para estar un buen rato más). Aparte de La Llamada hemos empezado un proyecto con la dramaturga María Velasco y el director Diego Domínguez, Infamia, una especie pseudomusical tragicómico sobre Oscar Wilde que parte de las actas judiciales del proceso al fue sometido el escritor.

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¿Cómo surgió tu participación en la obra La llamada?…Háblanos de este trabajo…
Me llamó un día Javier Ambrossi (co-autor y co-director) al que conocí en la producción del Teatro Español de Beaumarchais a las órdenes de Flotats. Cuando me explicó lo que se me pedía (hacer de Dios que canta por Whitney Houston) me quedé como cualquiera se quedaría: extrañadísimo. Me presenté a la primera lectura con cuatro maravillosas actrices y con cierto sentimiento de incredulidad y salí de ella con una sonrisa de oreja a oreja pensando «¡A por ello, oiga!» Todos nos lanzamos a lo kamikaze y fíjate si teníamos razón… Siempre me dicen, «No sabía que cantabas». Y qué bien que ahora se sepa, porque es una pasión mía.

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¿Cómo creas tus personajes?…¿Tienes un método?…
Poco misterio, la verdad. Se trata de créerselo. Si no me lo creo yo, ¿cómo voy a querer que me crean?

¿Cómo crees que están afectando los recortes y el aumento del I.V.A. a los proyectos de teatro?…
Mal, mal, mal. Sin más. De todas maneras el gran problema sigue siendo que los ayuntamientos tienen mucha jeta a la hora de pagar.

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¿Qué montaje que hayas visto últimamente, te ha interesado?¿Por qué?…
Confieso que voy poco al teatro. Me vienen a la cabeza dos montajes: Sexpearemente de Sexpeare por su locura, su alegría, su personalidad propia e inconfundible, su amor incondicional por el teatro y su voluntad hacer de cada montaje suyo un acontecimiento insólito que te saca de tus casillas. Y El Tesorero, montaje de José Ignacio Tofé que vi en la Pensión de las Pulgas y ahora está a punto de estrenarse en El Teatro Lara. Una comedia con dos actores sobre el omnipresente caciquismo que nos invade la sobremesa a diario.

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¿Proyectos?…
Hay Llamada para rato y a mover lo de Infamia, que puede que aparezca a prinicipios del 2015. Ya os diré…Se podrá ver en este mes de enero en Nave 73.

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Beloved Sinner, una creación de Denis Rafter en el Teatro Español

Beloved Sinner es un monólogo sobre los últimos años de Oscar Wilde que aborda la figura del escritor como héroe tragicómico, un héroe en el sentido de la tragedia griega: un hombre que se autodestruye dejándose vencer por la debilidad de su condición humana. La sala pequeña del Teatro Español nos está deparando gratas sorpresas en esta temporada. En esta ocasión, hay la ocasión de asistir a una clase magistral escénica. Denis Rafter es actor, director y escritor pero sobre todo es un hombre de teatro con una larga y rica trayectoria. Tomar un café con Denis o asistir a un ensayo suyo o verle es escena es la oportunidad de descubrir y conocer el complejo mundo del teatro. Aquí, con la excusa de Oscar Wilde, nos acompaña durante hora y media para mostrarnos la belleza y el horror de la creación. Una oportunidad única de asistir y disfrutar de lo que hay más allá del escenario. Y además, el espectáculo es en inglés con subtítulos en español.
Adolfo Simón

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María Velasco: Detesto el entretenimiento.

maria¿Cómo surgen los proyectos dramatúrgicos y de dirección que han presentado este año?…
Cada uno tiene un punto de partida. “Günter” (dentro del ciclo ETC, de Cuarta Pared) es un viejo proyecto, de 2009, rescatado; “El Banquete” cumple ahora un año, habiendo sido estrenado en el Fringe 2013, y lo concebí con la directora Sonia Sebastián, mano a mano; “Intimidad” (Surge Madrid) fue un trabajo menos “comprometido” de adaptación y colaboración con Simbiontes Teatro; “Manlet”, ahora en cartel en la Nave 73, es una grata sorpresa: la directora, Inés Piñole, rescató el texto y lo montó por su cuenta, dando a luz una hermosa propuesta.

¿Cómo fue el proceso de ETC con los actores?…
Generalmente trabajo con actores de mi confianza, con los que comparto una trayectoria mínima. A veces el “casting” no es el ideal, sin embargo esto garantiza que la comunicación sea fluida y que no “escatimemos” riesgos en el proceso. Me gustan los actores-creadores, con iniciativa y creatividad. Mi carrera está unida a la de Aarón Lobato juntos creamos la firma “Pecado de Hybris”.

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¿Cómo fue el trabajo de documentación sobre el tema antes de empezar a escribir?…
Descubrí la obra de Günter Brus, en la cual se inspira el texto, en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Sentí un deslumbramiento. Una conexión. Desde entonces prestaba atención a todo lo que tenía que ver con el Movimiento Accionista que se desarrolló en Viena en los años 60 (de Goya y el expresionismo al arte de acción, pasando por la crueldad artaudiana). A partir del “metarelato” de las vanguardias de los años sesenta era posible pensarnos como artistas.

¿Cómo ha sido el proceso del texto a la puesta en escena?…
Ha consistido, en parte, en olvidar la puesta en escena que tenía en mente cuando lo concebí. Buscar imágenes que, sin emular la plástica del Accionismo, partían del mismo subsuelo conceptual. Me he acompañado de un codirector, Diego Domínguez, que aportaba cierta objetividad y frescura a un proyecto “masticado” a lo largo de años. Como tenemos miedo de la “violencia” en escena, preferimos generar imágenes poéticas y efectistas.

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¿Ha cambiado tu visión del texto a partir de la lectura hecha en la puesta en escena?…
Siempre rehago mis textos en función de las puestas en escena, aunque las dirija yo misma. Los textos se publican y, de esa manera, se osifican, y no me disgusta, es romántico. Pero el teatro permite dar rienda suelta a la obsesión relacionada con la revisión que compartimos los escritores de todos los géneros. Cada montaje es la excusa para un replanteamiento.

¿Cómo ha sido el proceso de varios autores en El Banquete?…
Creamos un molde, o una estructura englobante. Nunca pretendimos que se tratara de una obra homogénea, sino que dimos prioridad a las texturas. Cinco discursos sobre el amor y cinco plumas. Parte de la gracia de la obra está en la heterogeneidad. Para que esa heterogeneidad fuera “organizada” y “conciliada” hicieron falta muchas reuniones y diálogos. Cuando la escritura colectiva (respetando todas y cada una de las individualidades) funciona, se produce algo mágico. Uno empieza a creer en lo “asambleario”.

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¿Participas siempre del proceso de puesta en escena de tus textos?…
Lo intento. No lo puedo evitar, es como una enfermedad. Sin embargo, no creo que sea la única vía. A veces se sobrevalora. Inés Piñole, por ejemplo, ha hecho una lectura muy fidedigna de mi texto “Manlet” sin haber mantenido una sola conversación conmigo. A veces dedicamos demasiado tiempo a “teorizar” y a las “relaciones públicas”. No hay que olvidar la dimensión solitaria del trabajo del escritor, por mucho que el teatro sea un trabajo en grupo.

¿Crees que ha habido crecimiento técnico en lo actoral y la puesta en escena para abordar textos contemporáneos?…
Desde luego. Considero que la literatura dramática –cuando es estimulante- sirve, como decía Heiner Müller, para sugerir desafíos, forzar los ingenios y recursos de la interpretación y la puesta en escena. No es algo exclusivo de la contemporaneidad. Tiene más que ver con un “modo” que desafía el academicismo y el realismo para abordar lo “impresentable” (Lyotard).

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¿Se potencia el aprendizaje contemporáneo en las escuelas?…
No demasiado. En la RESAD, por ejemplo, se echa de menos una “apertura” hacia la investigación artística contemporánea. A menudo, se justifica su cerrazón porque la escuela, como su propio nombre indica, es de arte dramático… pero lo posdramático y lo performativo hunden sus raíces en el mismo sustrato. No podemos ignorar una tendencia viva.

¿Cómo ves las nuevas generaciones de creadores?…
En general, creo que hace falta más compromiso y radicalidad. Y me incluyo. Somos demasiado tibios. Hacemos cultura, pero raras veces arte. En el teatro, concretamente, seguimos yendo a la zaga de la música y de las artes plásticas. Seguimos sin sacudirnos al pariente pobre del drama.

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¿Están surgiendo nuevos valores en la dramaturgia?…
Disfruto mucho leyendo a algunos de mis contemporáneos (José Manuel Mora, Alberto Conejero, Antonio de Paco…). Infinitamente más que con muchos clásicos. Falta perspectiva (histórica). Sin embargo creo que es un buen momento para la escritura de los países hispanoparlantes. Hace poco con ocasión de un ciclo de textos noruegos organizado por Draftinn y el Teatro Español unos nórdicos nos comentaban sus facilidades económicas para el desarrollo de nuevas dramaturgias, pero hablaban casi con celo de la “crisis”, o el dolor como acicate creativo.

¿Qué opinas sobre el Festival Surge Madrid?…
Creo que hay más cantidad que calidad. Que se ha hecho con poco “mimo” y un gran desconocimiento de los déficits y demandas de la profesión teatral. Se trata de una primera edición… confío en que pueda mejorar.

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¿Qué opinas de los espacios no convencionales que están apareciendo en Madrid?…
Por una parte, una cierta ebullición es inherente a la multiplicación de estos espacios. Por otra, empezamos a estar sobrados de salas que ofrecen poco más que unos metros cuadrados, con escasa dotación técnica e infraestructura, y sin un organigrama para la producción o la distribución, etcétera.

¿Qué sentido ha de tener el teatro hoy?…
Rabia. Detesto el entretenimiento. En los tiempos que corren me parece un insulto a la inteligencia.

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Alguna sugerencia para crear en tiempos de crisis…
Considerar que la crisis es un momento para el riesgo.

¿Qué obra de teatro has visto últimamente que te haya interesado? ¿Qué te pareció?…
Me gustó mucho “La cena del rey Baltasar”, dirigida por Carlos Tuñón, en la Sala Kubik. Exprimía toda la vigencia del auto sacramental de Calderón. Un gran guiñol de las pasiones humanas. Ardo en deseos de ver qué puede hacer este director con un texto contemporáneo; tampoco puedo dejar de mencionar la propuesta escénica de Inés Piñole sobre “Manlet”, no por el texto, sino por la rigurosísima dirección de actores, la economía de las imágenes, y su elegancia.

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¿Proyectos?…
El 1 de julio, en el marco del Orgullo Gay, se estrena “Infamia”, una dramaturgia sobre textos de Oscar Wilde que se centra en los procesos judiciales por los cuales fue condenado por sodomía a dos años de prisión y trabajos forzados. Es un seudomusical de pequeño formato, dirigido por Diego Domínguez y protagonizado con Richard Collins Moore, con el que hice migas en mi experiencia de Escritos en Escena en el CDN. Por lo demás, el proyecto más personal que tengo entre manos tiene que ver con un texto autobiográfico, “Líbrate de las cosas hermosas que te deseo”, que se presenta la próxima temporada en Cuarta Pared dirigido por Jorge Sánchez.


Dorian de Carlos Be en La Pensión de las pulgas

Los niños juegan al dolor en las habitaciones azules…
Los niños se visten a escondidas con las ropas de sus hermanas…
Los niños descubren que el placer seduce y duele…
Los niños pintan cuadros con carmín y esperma…
Los niños se esconden tras máscaras y se anudan los tobillos…
Los niños rompen el tiempo en los relojes…
Los niños saben que la piel es efímera…y las caricias más.

Carlos Be ha escrito un hermoso texto que trasciende la historia de Oscar Wilde para hacer de este cuento de monstruos y efebos un viaje atemporal, que ocurrió o no en Turquía en el siglo IV y que podría haber existido en Nueva York o Paris en el siglo pasado. Nunca ha muerto Dorian porque él se esconde entre los pliegues de la piel cuando esta envejece. Este vampiro de sueños y deseos trasciende al tiempo y las guerras porque su misterio se camufla tras una sonrisa mortal. El autor casi ha escrito un tratado filosófico sobre la belleza, el dolor y el tiempo. Y lo sitúa certeramente en un mundo donde el arte vale lo que pagues con el cuerpo y la mente. Porque todos queremos atrapar la belleza pero más nos seduce si podemos dominar el deseo y los sueños de los otros. Un texto sólido, lleno de espacios literarios para la cabeza y para el corazón de quien lo escuche. Y además, se ha enfrentado a dar vida a lo dibujado en el papel y acompañado de un equipo de «niños deliciosos y traviesos» ha construido un mundo de fantasmagorías donde vemos pedazos del puzle vital de los personajes y por momentos, nos dejan entrever los rincones oscuros donde juegan a la ruleta rusa del amor. Si quieren ir a ver un trabajo ligero y divertido, no vayan a ver Dorian, solo han de acudir aquellos espectadores que deseen sentarse sobre butacas forradas de cuchillas de afeitar. Ahora bien, si quieren vivir una experiencia inquietante, vayan a ver esta obra a La Pensión de las pulgas y dejen que Dorian deslice por su nuca los labios y…no abran los ojos después.
Adolfo Simón

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«La importancia de llamarse Ernesto» en el Teatro Fernán Gómez

Muchas veces es importante un pequeño detalle para que todo esté correcto y ya sabemos eso de que un «garbanzo negro estropea el cocido». Por esto es muy importante llamarse Ernesto y no Pepe, Paco o Juan…

Wilde nos traslada a una historia irreal en la que el amor depende de que te llames Ernesto, en la que el malentendido es la clave del éxito dramatúrgico, en la que la apariencia es el becerro de oro y te hace elegir a tus amistades.

Sanzol nos sitúa en un escenario irreal, al estilo romántico y con unos personajes extravagantes y estrafalarios que nos hacen sumergirnos en ese sueño disparatado propuesto por el autor pero que a la vez está criticando las normas de cortesía, la moral y el urbanismo propios, no sólo de la época de Wilde, sino también de la nuestra.

Una obra bien hilada, bien expuesta y con unos actores que saben sacar el jugo a las palabras de Wilde.

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Exposición: Drácula… un monstruo sin reflejo

Esta exposición rinde homenaje a Stoker un siglo después de su muerte, recogiendo parte de la tradición vampírica en la que se inspiró, pero sobre todo repasando su biografía: su amistad con Walt Whitman o Mark Twain y su relación con otros contemporáneos victorianos como Oscar Wilde, Arthur Conan Doyle, H. G. Wells, Rudyard Kipling… Se aportan documentos que arrojan luz sobre el proceso creativo de Drácula hasta la publicación en 1897 de la primera edición de la novela. Y se ofrece una antología gráfica de los cineastas e ilustradores que se han acercado al conde vampiro desde que en 1922 Murnau pusiera cara al monstruo en su película Nosferatu hasta nuestros días, con las últimas aproximaciones al mito de ilustradores como, Ana Juan, Fernando Vicente, Miguel Ángel Martín o Toño Benavides.

Más info en: http://casalector.fundaciongsr.com

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