Torobaka de Isarel Galván y Akram Khan en el Festival de Otoño a Primavera
El círculo es un espacio mágico, representa el mundo y el infinito, ahí puede empezar todo y terminar la vida. Y si es un lugar que va cobrando luz poco a poco, nos encontramos con el origen del tiempo, de la existencia. Torobaka de Israel Galván y Akram Khan es mucho más que un espectáculo de danza, música y voces. Es un viaje ancestral a lo más antiguo y poderoso del hombre, es una lucha generosa entre dos fuerzas de la naturaleza para contaminarse y sumarse. Hay veces que uno va al teatro y siente el peligro antes de empezar, la emoción de no saber exactamente qué va a pasar y como nos transformará; porque el teatro tiene ese poder, el de modificar a los que acudimos a participar del rito. Y hay veces que uno se siente privilegiado por poder experimentar según qué momentos irrepetibles, en vivo y que ocurren solo en contadas ocasiones. Israel Galván está llevando el flamenco y la mezcla de este arte con otros lenguajes escénicos a cotas elevadísimas y en esta propuesta, Akram Khan es un cómplice perfecto que ofrece generosamente su periplo vital al artista español. Un lujo de montaje para los que puedan contar que lo vieron, una experiencia única.
Adolfo Simón
In vitro de Ángel Lafuente en El Escondite Teatro
El escondite teatro está en la trastienda de una casa de juegos, ya saben esos sitios donde constantemente se oye a un señor que dice…Hagan juego!!!…Vamos, como en el teatro…¿no?. Y ahí, en sus dos estancias, de un tiempo a esta parte, se realizan mediometrajes escénicos. Ha evolucionado el tema del microteatro, ahora son piezas de casi media hora y con varios pases solo un día a la semana; está claro que los teatreros de Madrid no dejan de inventar opciones para superar estos tiempos de crisis. El sábado asistí a la obra: In vitro de Ángel Lafuente. Un disparate delicioso de una pareja imposible que hace mil peripecias para poder conseguir procrear. Ya nada es como fue, las relaciones han evolucionado mucho y nos podemos encontrar que son papas cualquier opción que podamos imaginar; coincidir con el Día Mundial del Orgullo Gay fue una ocasión feliz además para mi visita a «la casa» de estos seres. Y además, en estas salitas, se tiene la ocasión de poder disfrutar de cerca de grandes actores como los de esta ocasión: Chusa Barbero y Jesús Calvo.
Adolfo Simón
Una mirada esencial al mundo en el CDN
El Centro Dramático Nacional ha de dar un paso valiente hacia adelante. Es verdad que ya lleva dos años programando el ciclo Una mirada diferente-creando para la inclusión, una muestra donde se exhiben propuestas profesionales que tienen en cuenta a las personas con minusvalías, pero colocarlo al final de la temporada no ayuda al objetivo que pretenden: Que un día no hagan falta este tipo de ciclos si no que ya estén integrados de manera natural en la programación de un teatro. Pues para eso, han de empezar a darle un lugar de mayor eco entre la ciudadanía… ¿Qué tal si este ciclo abriese la temporada en vez del Festival de grandes creaciones internacionales?, estas últimas ya tienen su efecto entre los medios y el público porque vienen avaladas por grandes nombres pero lo que se ha visto en las dos semanas de Una mirada diferente…aunque no tenga grandes espectáculos entre lo expuesto, si han tenido una calidad y riesgo excelente, como ha sido el caso de las dos últimas obras que he tenido el placer de disfrutar: L´assenza (La ausencia) de Teatro Buffo de Italia, un espectáculo lleno de poesía y belleza, con imágenes impactantes cargadas de discurso donde se olvidaba si los intérpretes tenían discapacidad o no, conseguían que la magia del teatro existiese y que la emoción invadiese el patio de butacas. Y una obra para público familiar «Uga» de Seña y verbo, compañía de México liderada por la dramaturgia y dirección de Haydeé Boetto. Aquí, los cinco integrantes consiguen tejer el lenguaje de signos con la palabra de manera tan sencilla y accesible que seguimos la historia y la creación visual de los actores de manera deliciosa, descubriendo que la comunicación no tiene barreras si lo deseamos. Y además, he aprendido como se dice amigo en lenguaje de signos…Gracias!.
Adolfo Simón
Close up de Angélica Briseño Ortega en La Usina
Mientras haya poesía y belleza en la escena, el teatro no morirá. La tecnología avanzará, nos volveremos máquinas pero tendremos que volver a encontrarnos en la oscuridad de una sala para preguntarnos sobre los sueños y las pesadillas, para brindar por una sonrisa o para gritar al vacio. Close up es un poema surrealista lleno de imágenes impactantes que se quedarán grabadas en el imaginario de todo el que acuda a sus representaciones. Es un ritual privado de madrugadas sin fin y es un lienzo en blanco sobre el que pintar nuestros deseos. La hora que dura se pasa volando porque ante nosotros hay dos intérpretes, la propia autora y Antonio Carrera Anaya que nos acompañan susurrando historias que todos hemos sentido en ese viaje complicado para dejar de ser niños. Gabriel Molina González les ha dirigido con sensibilidad extrema. Estén atentos a esta pieza exquisita y si la ven programada, acudan y desconecten sus relojes.
Adolfo Simón
Latente de José Maya en el Teatro Español dentro de Suma Flamenca
‘Latente’ es un trayecto original que nos lleva a lo más profundo del alma del bailaor. En este espectáculo José Maya persigue la fuente de su instinto. En esta búsqueda constante surge progresivamente un espíritu ancestral que guiará al artista a descubrir sus raíces íntimas. José Maya nos invitó a compartir su viaje interior para alcanzar un destino final, un estado de libertad. A través de la pantalla traslúcida, descubrimos al bailaor fundiéndose con las imágenes grabadas, con sombras, lluvia y haces de luz…Es una forma de surgir de la oscuridad hacia la luz de la expresividad a la fuerza del gesto y la magia del movimiento. Después llega la guitarra y las voces…y el rito se repite una vez más.
Adolfo Simón
Patricia Ruz y su personal cabaret en el Teatro del Barrio
Patricia Ruz tiene una larga e interesante trayectoria en el mundo de la danza y el teatro. Sus trabajos donde indaga sobre la inclusión en la escena de las personas con discapacidad han dado frutos excelentes. Ahora se embarca con un nuevo proyecto en el que ella sola, acompañada al piano por un excelente músico, nos traslada a su personal mundo donde las cajas de cerillas pueden ser una ciudad y las alfombras persas lugares para soñar. Canta delicadamente y se mueve en múltiples lenguajes de danza porque todos los domina. Estoy seguro que las funciones de este espectáculo le darán el ajuste y la peculiaridad de su lenguaje, haciendo de la propuesta una exquisitez en la cartelera.
Adolfo Simón
Un cielo de Sigfrid Monleón en la Sala Tú
Los recuerdos del penal infantil donde Jean Genet pasó su adolescencia, revividos desde la cárcel donde cumple condena. Un cielo de Sigfrid Monleón indaga en la Sala Tú, de la mano y el imaginario de Francisco Carril sobre estas vivencias del poeta en el tiempo que se descubre al amor y a la delincuencia. Todos tenemos una imagen de Genet de alguien curtido que huía de la parafernalia del mundo del teatro, aquí, podemos descubrir el germen que se instaló en él durante la etapa de juventud, algo que debió marcarlo para siempre en sus afectos y comunicación en el día a día. La puesta en escena es austera y esencial, un actor sobre un camastro, en la penumbra, reconstruyendo las secuencias de un tiempo perdido.
Adolfo Simón
El Mistela presenda «Bailando la vida» en el Teatro Español dentro de Suma Flamenca
Para algunos la vida es danza y la danza es vida. Este es el leitmotiv que ha inspirado a «El Mistela», entrevistado hace unos días para esta revista, para crear este espectáculo que, dentro de lo que se puede ver en flamenco, es original, con proyecciones entre baile y baile que encuadran el espectáculo y lo hacen más atractivo. Una sonrisa optimista sobre la vida y sobre la danza donde Juan y sus compañeros de espectáculo ponen toda la carne en el asador y demuestra su flamenco más jondo y puro, sin concesiones a modernidades ni fusiones. Podemos ver una elegante Farruca, unas sevillanas dramatizadas o una soleá por bulerías, entre otras piezas y un zapateado muy especial sobre el agua que crea un efecto visual y poético. Álvaro Beginez se ha encargado del guión y dirección del espectáculo como ya se encargó de Bailografías, hace años, que era muy similar y parece una revisión de este. Se podría pedir un poco más de dinamismo a la hora de cambiar de escenas y evitar los espacios en negro y un ajuste en los textos y actuación de Chiqui Maya.
Luis Mª García Grande.
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Coreografías y baile: El Mistela
Guión y dirección: Álvaro Beginez
Baile protagonista: El Mistela
Guitarras: Camarón de Pitita, Antonio de Lucía
Cante: Miguel ‘El Rubio’, Enrique ‘El Piculabe’, María Mezcle, Rocío Díaz
Percusión: Lucky Losada
Baile: Pablo Fraile, Irene ‘La Sentío’
Actor: Chiqui Maya
Un Minuto de Silencio de Inés Narváez dentro del Programa SOS Emergencia Coreográfica en la Sala DT
Dentro del programa SOS Emergencia Coreográfica de la Sala Dt se presentó ayer y se verá hoy la pieza: Un Minuto de Silencio de Inés Narváez. Un tríptico intenso y poético que, a pesar de su breve duración, nos dejó un buen sabor de boca. Esta intérprete tendrá una larga trayectoria porque sabe poner en juego el lenguaje corporal junto al de ricas atmósferas escénicas.
Adolfo Simón
Arcángel presenta en Suma Flamenca «Estruna»
Arcángel ha sabido buscarse un hueco dentro del flamenco y ha sabido que es importante evolucionar y mezclar nuevas culturas con su música. De la estela que han dejado artistas como Morente o Camarón ha cogido un trozo y lo ha moldeado a su medida para seguir innovando y buscando el arte a través de la música. No pretende copiar canciones como «La leyenda del tiempo» o «La aurora de Nueva York» sino que las retoma y las hace suyas a su manera de una forma magistral. Su sensibilidad y buena interpretación nos lleva a viajar e imaginar tierras cercanas y lejanas, nos traslada a un universo particular y lleno de sosiego y magia. El Teatro Español lleno para un artista que se lo merece.
Luis Mª García Grande
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El proyecto ‘Estruna’ nació del deseo de los artistas provenientes de diferentes culturas y estilos musicales de hablar el mismo idioma.
La intención de ‘Estruna’ es ofrecer una nueva interpretación de la tradición de la canción española y búlgara y darle una sensibilidad moderna. El proyecto se basa en el flamenco con la voz emblemática de Arcángel y la canción tradicional búlgara interpretada por las Nuevas Voces Búlgaras Laletata y el jazz idioma de Antonio Forcione (guitarra acústica), Yelsi Heredia (bajo) y Agustin Diasera (percusión) lo lleva más allá del estilo musical en el jardín desconocido. Todos los músicos en este proyecto comparten un interés común en la tradición búlgara y flamenco y están dispuestos a aceptar el desafío en la ruta, en la búsqueda constante de la belleza.
Las composiciones con arreglos nuevos están realizadas por Arcángel y por el director musical del proyecto Antonio Forcione y las partes vocales de las Nuevas Voces Búlgaras – Laletata por el director del coro Georgi Petkov.
Las bellas melodías de las canciones volarán con alas vocales, se vestirán poco a poco de los sonidos de otros instrumentos, dialogarán entre ellos y tendrán su nueva vida decorada de hermosas flores búlgaras – “Laleta”(bul.tulipanes). Los músicos van a pintar un cuadro común creando una bella imagen como Forcione mismo dice: «Creo que esto es como un lienzo en el que cualquier persona con su cultura va a dibujar algo. Cada uno de nosotros está conectado a sus raíces, su cultura, pero cuando tienes que hacer algo en un espacio limitado, debes tener cuidado de guardar el lugar de la otra persona. Estoy seguro que elaboremos una bella imagen que sea equilibrado, donde hay armonía.»
El repertorio incluye algunas canciones clásicas del flamenco, ‘La leyenda del tiempo’ y ‘La Aurora de Nueva York’ de Federico García Lorca, composiciones originales por Arcángel (‘Agua Turbia’), Antonio Forcione y Renaud Garcia-Fons (‘Alhambra’, ‘Nostalgia’ y ‘Enamorado’) y canciones del folclor búlgaro (‘Lale li si’, ‘Rofinka’, ‘Kuzum Elenke’). Y sorpresas en forma de canciones escritas especialmente para este proyecto.
Cante: Arcángel
Voces: Nuevas Voces Búlgaras Laletata,
Dirección coro Voces Búlgaras: Georgi Petkov
Guitarra flamenca: Dani de Morón
Guitarra acústica: Antonio Forcione
Contrabajo: Yelsi Heredia
Percusión: Agustin Diassera
Gisela João en el Festival FADO de los Teatros del Canal
«No es fadista quien quiere, pero si quien nació fadista»
Gisela tiene una imagen actual, moderna. Sale al escenario ataviada con un vestido de portuguesa moderna, corto, enseñando pierna y taconazo, pero humilde y sencilla a la vez, demostrando que la juventud puede pisar fuerte por los caminos antiguos del fado. Una escenografía sencilla, simulando una habitación donde poder cantar de manera íntima y recogida.
Ha sido la revelación de 2013 en Portugal con su disco y su renovación del fado consiste en cantarlo con una instrumentación más actual pero sin prescindir del sentimiento característico de esta tierra y utilizando su potente chorro de voz que hace que nos enamoremos de ella desde el primer momento que empieza a cantar. Tiene futuro. Si tenemos que ponerle alguna pega es su juventud y su manera de afrontar el canto hacia el público, que todavía tiene que crecer y madurar, como el buen vino, pero aún así alcanza la calidad necesaria para pisar este festival y sorprendernos con aires nuevos de fado.
Gisela también nos habla de la vida moderna, su compromiso con la realidad social y apostando por reivindicación de la que todo joven debe tomar parte en esta vida.
Seguro que la oiremos más por España y seguro que disfrutaremos mucho más cuanto más crezca, como artista y como persona.
Luis Mª García.
Amar de Alejandro Catalán en el Festival de Otoño a Primavera
En el espacio escénico hay dos sillas, una rama de árbol, unos trípodes de micrófono y unas linternas. Entran seis actores, tres hombres y tres mujeres, vestidos como para salir de copas. A partir de esto, poco puede imaginarse de lo que allí sucederá. Pero bastará que la luz se apague y que alguno de los actores, iluminado por otro con una linterna, comience a actuar, para que el proceso de sus seres nos introduzca, capture y lleve por el derrotero de una noche intensa y descarriada. Amar, bajo la batuta de director argentino Alejandro Catalán, es una propuesta de actuación cruda y real, donde todos los procedimientos espaciales, lumínicos y sonoros son ejecutados de manera manual y visible a los ojos del espectador, sin que esto atente contra la ficción de la escena. Es más, la ficción saldrá incluso reforzada. El juego actoral se desarrolla de la mano de seis intérpretes que, durante una noche, deambulan por el bosque, una pista de baile, un bar y el mar. ¿Por la vida, quizás?. Amar es un malabarismo actoral y una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada. En este trabajo hay muchos elementos de interés, el trabajo actoral por supuesto pero también toda la poética donde se instalan los intérpretes. No es lo mismo tener un escenario donde sales a «actuar» a tener un espacio construido a la medida de las emociones que se van a desarrollar allí y para el que los actores han de manejar hilos invisibles con los que sensibilizarse entre ellos. Hay una propuesta sencilla en apariencia en lo que concierne a la luz, sonido y espacio escénico pero es de una complejidad exquisita. Y todo esto lo ha liderado un hombre de teatro que escribe y dirige desde la esencia para conseguir teatro en estado puro.
Adolfo Simón
Lobas de María Casal en el Fernán Gómez
Al final solo nos quedan dos opciones…Ir al casting y sufrir las pruebas de selección o ser el que elije con quién haremos las escenas de nuestra vida. En Lobas, María Casal, gracias a su amplia experiencia en el mundo artístico y en todo lo que gira alrededor del mundo del casting, ha escrito una comedia ácida y delirante sobre las relaciones personales, haciendo un paralelismo entre la vida y la ficción que, a veces, se parecen más de lo que nos gustaría. En la sala II del Fernán Gómez, el público que asistía el domingo se reía con cada vuelta de tuerca de la obra.
Adolfo Simón
Boomerang de Blanca Domenech en el ciclo Escritos en la escena
Escritos en la escena es un espacio de investigación dramatúrgica en el Laboratorio Rivas Cherif dirigido por Ernesto Caballero. Boomerang es un texto escrito por Blanca Domenech surgido de este territorio de búsqueda que se ha representado en la Sala de la Princesa del Centro Dramático Nacional. Los acontecimientos importantes ya no ocurren en los palacios, surgen en los espacios traseros, allí donde se acumula el material en desuso, este parece ser el planteamiento del director que ha optado por una propuesta sencilla a medio camino entre la lectura dramatizada y la escenificación sujeta a lo esencial, espacialmente hablando, centrándose más en el trabajo actoral que en otras cuestiones. Una trama que nos remite a los laberintos emocionales que se usan como moneda de cambio en un mundo donde triunfa solo aquel que está dispuesto a pagar cualquier precio por su ascenso.
Adolfo Simón
Mísia en el festival FADO de los Teatros del Canal
Mísia llegó a Madrid y arrasó en el festival FADO de los Teatros del Canal el primer día. Su presencia, humilde y pequeña según entra al escenario, como una geisha, se hace enorme en cuanto empieza a interpretar el primer fado con ese chorro de voz. De inmediato nos transporta a Portugal, da igual el rincón que ustedes conozcan, les vendrá una imagen nítida de los momentos vividos en aquel país. Porque, aunque ella innova y trae nuevos aires, no deja de recordarnos, desde la primera nota, que es una de las imágenes más representativas de Portugal. Sale descalza a la arena, sin artificios, con su traje negro, digno del mejor diseño portugués y su flequillo característico que le ha llevado por todo el mundo. Pero esta humildad se ve destacada y adornada por un maravilloso fondo de escenario diseñado para esta ocasión que nos recuerda los temas típicos del fado a través de unas proyecciones sobre lo que podría ser una típica joya-broche portuguesa que llevaría la mismísima Amalia: amor, muerte, saudade, destino, mujer, música, mar, …
Podríamos decir que Mísia es la segunda gran cantante de fados que nos ha dado Portugal, antes fue Amalia Rodrigues, como todo el mundo conoce. Conmemorando los quince años que hace que nos dejó, la cantante quiere hacer un pequeño recorrido por su legado. Según Mísia, este concierto es un work in progress, unas pruebas-ensayo, para crear y recrear en un nuevo disco en el que rendirle un gran homenaje.
Por lo que pudimos ver, el homenaje ha estado a la altura de la gran dama de la canción portuguesa, porque, aunque de Amalia ya se han dicho todos los adjetivos y calificativos existentes, ya se ha dicho todo de ella, no se ha cantado y rendido homenaje como el que puede hacerle Mísia, con su voz y con su saber hacer de tantos años…
Amalia abarcaba todos los palos de la música portuguesa, según nos indicó la cantante, que incluso se atrevió con lo más tradicional, ella, que es tan urbanita y refinada, con su moño, posible chica Almodovar, posible monologuista de éxito… y salió con sobresaliente, a su manera, pero sobresaliente. Estamos esperando ese disco homenaje.
Luis Mª García Grande.
Paseando por los tablaos (VII): David Palomar en Las Noches Brujas de «El Corral de la Morería»
Las noches brujas en el Corral de la Morería dan para mucho. Su programación está elegida concienzudamente por Blanca del Rey y durante este mes podemos seguir viendo grandes artistas del flamenco como Antonio Canales, Juan Andrés Maya, La Lupi, Ángel Rojas, Eduardo Guerrero, Adrián Sánchez, David Martín, Juan Ogalla, El Choro, La Piñona, Paco Hidalgo, Guadalupe Torres, Jesús Carmona, Macarena Ramírez, etc.
El pasado sábado pudimos disfrutar del concierto de David Palomar, un gran cantaor gaditano que lleva por delante los cantes típicos de su tierra como cantiñas y alegrías pero que también se atreve con siguiriyas o soleás. David transmite la gracia de su tierra y bebe de las fuentes de otros cantaores nacidos allí. Acompañado por la guitarra de Rafael Rodríguez, y las palmas de Anabel Rivera y Roberto Jaén nos hizo pasar una noche bastante alegre y con muy buen ambiente. Tanto como para acabar lanzándose a unas pataditas hasta con Blanca del Rey.
Luis Mª García Grande.
Paseando por los Tablaos (VI): Casa Patas en Suma Flamenca
En Casa Patas se puede disfrutar con garantía de una buena comida y de un buen baile gracias a su taberna y a su tablao, bien preparado y con un sentido del espacio muy estudiado para poder asistir a los mejores espectáculos. En esta semana pudimos comprobar el arte del baile de Inmaculada Aranda y Miguel Tellez. La primera nos sorprendió con unos buenos tangos gitanos en los que demostró su femenidad y arte con este ritmo y el segundo nos divirtió con unas alegrías a su estilo, muy libre y con mucha guasa, ya que para eso ha ganado el Concurso Nacional de Baile por Alegrías de «La Perla de Cadiz».
Como artista invitado y sorpresa pudimos ver en la segunda parte del espectáculo a un inmenso Alejandro Granados.
Inmaculada ha compartido escenario con artistas como El Cabrero, La Macanita, Capullo de Jerez, Chano Lobato y Arcángel, entre otros… ha realizado giras por varios países, solista en festivales y pertenecido a la compañía de Domingo Ortega en una gira por Japón.
Miguel Tellez, bailaor jerezano, perteneciente durante muchos años a la compañía del maestro Güito, ha trabajado con importantes artistas como Manolete, Carmen Linares, Moraito Chico, Eva Yerbabuena y Sara Baras, entre otros… ha realizado giras por todo el mundo y ha impartido clases en multitud de países.
Cante: El Bocadillo, El Falo y el Ciervo
Guitarra: Juan Jiménez, Jony Jiménez
Luis Mª García Grande.
Fuensanta «La Moneta» presenta «Paso a paso» en Suma Flamenca
Fuensanta, La Moneta, presentó su espectáculo en los Teatros del Canal con un lleno total. Y se lo merece. La moneta es flamenco puro, raza y fuerza. Una de las pocas bailaoras que se puede permitir estar hora y media sobre un escenario, casi sin descansar, y seguir bailando como si acabase de entrar. Sobre las tablas, su cuerpo robusto no le impide moverse de una manera especial, única y muy aflamencada, el movimiento de sus brazos es único también, aunque escrupulosamente estudiado para que transmitan lo que ella quiere, lo más jondo de su arte.
Fuensanta es un animal escénico que transmite desde el primer momento en el que aparece, un toro o un jabalí, algo con una fuerza inusual que hace que estés constantmente atento a cada paso que da. En «Paso a paso» se intenta relatar el espíritu que inunda a la bailaora en su día a día, en esa creencia de que el destino es el que tu eliges libremente y por el que hay que luchar día a día, paso a paso.
El cuadro flamenco que trae es justo para lo que ella quiere hacer y destaca la guitarra de Luis Mariano que le ayuda a hacer suyo el baile.
El programa se compone de tres partes: Sobre mis pasos, Hados y Vereda que incluyen Farrucas, Malagueñas, Seguiriyas, Tientos y un paso a dos muy especial en una soleá apolá con Javier Latorre, que sigue demostrando por que es un maestro en el baile y en el escenario. Una noche grande llena del duende flamenco proyectado por esta bailaora de verdad.
Luis Mª García Grande.
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Baile: Fuensanta ‘La Moneta’
Baile: Artista invitado Javier Latorre
Cante: Miguel Lavi,Morenito de Illora, El Mati
Guitarra: Luis Mariano
Percusión: Miguel Rodríguez ‘El Cheyenne’
Una mirada diferente para el teatro
Por segundo año consecutivo se lleva a cabo el ciclo Una mirada diferente, creando para la inclusión. Una posibilidad de conocer la escena desde la visión y perspectiva de colectivos que trabajan con personas con discapacidad. Desde el 19 al 29 de junio se podrán ver ocho espectáculos y disfrutar de la experiencia: Ficción sonora, una ocasión en la que recuperar la dramaturgia acústica de alguno de los trabajos presentados durante la temporada actual en el CDN.
En el primer fin de semana se han presentado dos propuestas escénicas y un concierto al aire libre de El Langui en la Plaza de Lavapiés.
A cantora careca(La cantante calva) de Eugène Ionesco por Crinabel Teatro de Portugal.
Este colectivo luso se ha enfrentado a uno de los textos más representados del teatro del absurdo y lo hacen con una mirada personal, huyendo de los tópicos de cómo hay que hacer una obra de estas características. El mundo propio de los actores entra en juego con la disparatada historia de La cantante calva y la convierten en un juguete delirante lleno de jocosas formas en su escenificación. Se cree que Ionesco escribió esta obra a partir de un manual para aprender inglés, seguro que si hubiera trabajando con este grupo, habría encontrado más material para hablar del absurdo que nos envuelve hoy en día.
The Freak & The Showgirl de Mat Fraser del Reino Unido.
¿Qué ocurre cuando un monstruo y una ex reina de belleza se juntan en un escenario?…El británico Mat Fraser, actor y escritor con discapacidad y la estadounidense Julie Atlas Muz, estrella del arte erótico y Miss Exotic World y Miss Coney Island, conspiran para hacer un cabaret para adultos como ningún otro. Se trata de un espectáculo políticamente incorrecto y escandalosamente divertido con striptease, canciones, participación del público, pop de los años 70, un ukelele, brazos protésicos, un montón de tangas… un abismo de sexo, canciones y sudor, prohibido en algunos lugares. The Freak & the Showgirl es un espectáculo estrictamente para mayores de 18 años. Hoy domingo todavía queda una función de este espectáculo y solo puedo decirles que no deberían perdérselo si es que todavía quedan entradas. Si el boca a boca funciona, todos los que abarrotamos ayer la sala Francisco Nieva, nos habremos encargado de decirle a algún amigo o enemigo que no se lo pierdan, a los primeros para que disfruten como niños de la perdida de pudor y prejuicios, volviendo a ser aquellos que jugamos llenándonos de barro hasta las cejas y a los enemigos, para que miren el mundo de otro modo, sin tanta fobia y miedo. Desde aquí le digo que no es un espectáculo que pueda herir la sensibilidad, más bien la pone a flor de piel.
Adolfo Simón
Las Carboneras, Paseando por los tablaos (V) en Suma Flamenca
El Tablao Las Carboneras se encuentra ubicado en la zona más castiza de Madrid, el Madrid de los Austrias, en los bajos del antiguo palacio del Conde de Miranda. Nacido de la idea de recuperar los cafés cantantes de antaño, este tablao flamenco restaurante combina una imagen y estilo vanguardista con lo mejor del flamenco actual. En esta línea de renovación, el tablao puso en marcha el Concurso de Baile Flamenco Las Carboneras, con la intención de promover a los nuevos valores dentro de la danza flamenca y dar cabida al trabajo innovador de los jóvenes creadores. En la función que asistimos, estuvo al cante: Ángel Gabarre y El Trini, al toque: Víctor Márquez ‘Tomate’ y Francisco Vinuesa , en el baile: Lucía ‘La Piñona’, Ana Romero, La Tacha y un artista invitado de excepción: Manuel Liñán. Fue una noche deliciosa en la que el aroma del tiempo se había quedado suspendido en el aire del local, por un lado había perfume de antaño que se cruzaba con olores contemporáneos. De nuevo la música abría la brecha para que el quejío del cante apareciese y permitiera que sobre sus acordes se instalase el gesto sublime de los bailaores, el cuerpo energético e impulsivo y los pies galopando sobre el tablao. Manuel Liñán hizo un cierre inquietante que provocó que el público se pusiese en pie al finalizar su actuación.
Adolfo Simón
III Certamen de Microdanza en la sala DT
Nosotros bailamos, tú decides el premio. La Asociación de Exalumnos del Conservatorio Superior de Danza-ECSA en colaboración con DT Espacio Escénico y el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, presentan el III Certamen de Microdanza en relación a la Mesa de Debate “Publicidad, programas de mano, críticas… ¿Qué información deseas recibir sobre un espectáculo de danza?”. El objetivo es indagar en el valor que el público otorga a la Danza en relación al precio que ha de pagar por las entradas. Y el público y el espacio son los protagonistas en esta ocasión, los primeros porque deciden, con su votación, qué micro pieza es elegida la mejor para que reciba apoyo para su futura producción y exhibición. Y el espacio de la DT porque de nuevo se reinventa en todas sus posibilidades para que las propuestas tengan su personal ocupación en el laberinto de esta sala. Cuatro piezas cada dos días, de diferentes lenguajes dancísticos, para exponer el panorama de creación que hay hoy en el baile que se realiza en nuestro país.
Adolfo Simón
Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach en el Teatro Real de Madrid
En la nueva versión de Les contes d’Hoffmann de Jacques Offenbach presentada al público del Teatro Real de Madrid, Nicklausse, la musa y el alter ego de Hoffmann, canta al final de la ópera: “On est grand par l’amour, mais plus grand par les pleurs” (El amor nos hace grandes, y más grande aún el llanto). Este es un motivo del considerado “el siempre divertido Offenbach” y, sin embargo, se trata de una concepción artística con la que se une al movimiento romántico desde Víctor Hugo hasta Thomas Mann pasando por Berlioz, para el que la obra de arte y la inspiración surgen del sufrimiento y la melancolía sobre el acontecer del mundo. Esto convierte a la única ópera de Offenbach en una singular creación en la que el arte triunfa sobre el dolor del amor. Un triunfo que acontece sobre el viaje vital del protagonista que trata de generar distancia a través de los cuentos con los que describe su periplo amoroso. Las historias narradas, a menudo permiten que descubramos algo que estaba oculto en nuestro consciente, siempre se abren puertas a paraísos desconocidos. Lo que se narra en la obra podría estar situado en un bar peculiar donde una pandilla de aventureros recorriesen el currículo amoroso del protagonista pero no ocurre así en la propuesta de Christoph Marthaler que, inspirada en el edificio del Círculo de Bellas Artes de Madrid, provoca un extraño espacio que aglutina diferentes estancias del singular monumento cultural, si no que hace que en él, habiten personajes que pudieron pasar por allí a lo largo del siglo XX, consiguiendo una atemporalidad para la obra que la hace muy interesante. Todo ocurre hoy y ha ocurrido siempre, como reza el reloj sin agujas. Pero todavía va más allá porque, gracias al espacio, la luz, el vestuario…Crea mundos dramatúrgicos en los que atraviesa la realidad de los horrores del subconsciente y así, asistimos a experimentos médicos que se simultanean con sesiones de dibujo creativo, al tiempo de situaciones festivas y fantasmagóricas donde el espectador asiste a la realidad de los cuentos pero también a lo que ellos esconden entre los pliegues de cada palabra. Un reparto de lujo entregado en cuerpo y alma a esta inquietante y excelente producción, apoyada por un coro que crea un personaje grupal asfixiante y una orquesta y dirección musical sublime a cargo de Sylvain Cambreling.
Adolfo Simón
Villa Rosa, Paseando por los tablaos (IV) en Suma Flamenca
Las noches flamencas en Villa Rosa están dirigidas a todo tipo de público, aunque abundan los «guiris» intentando descubrir qué es eso del flamenco. El Villa Rosa está en pleno centro de Madrid y esto hace que sea un punto estratégico para atraer a más turistas y gente que quiere pasar una noche flamenca. Su ambiente recrea un tablao con solera, con sus techos de artesonado pintados a juego con azulejos andaluces y sus paredes zinceladas al estilo mozárabe que nos trasladan a Córdoba o a La Alambra de Granada. Es todo un patrimonio histórico que han sabido conservar y potenciar con el paso del tiempo y por el que merece la pena disfrutar de sus azulejos de temática flamenca y taurina realizados por Antonio Ruiz de Luna y Julián Santacruz, conocido por poner con sus azulejos los nombres de las calles de Madrid.
Por sus tablas han pasado flamencos de renombre y famosos con nombre, pero lo importante es el ambiente flamenco que se siente desde que entras por la puerta y que se queda en la memoria y por eso merece la pena pasear una noche por el Villa Rosa.
La selección de artistas elaborada por Jonathan Miró es amplia y cada semana cambia para poder ofrecer un amplio abanico de actuaciones. Este sábado 14 de junio pudimos disfrutar del baile de Olga Llorente, Inmaculada Aranda y Pedro Córdoba. Un baile potente y con fuerza que hacía retumbar las tablas de la Plaza de Santa Ana y un cante que acompañaba eficazmente a la noche.
Luis Mª García Grande.
La venus de las pieles de David Ives en las Naves del Español-Matadero
La vida es un misterio, nunca sabemos si al despertar, estamos en el primer, el tercer acto o está a punto de caer el telón de nuestra existencia. El teatro también es un espacio misterioso, es lo más parecido a la vida en el arte, por eso, ante la duda de cuando se apagarán las luces de nuestro escenario, acudimos al teatro para seguir descubriendo a través de los actores, otras vidas, otras obras posibles, porque tal vez todavía estemos a tiempo de reescribir alguna escena, entender mejor nuestro personaje entre los borrones de nuestro libreto. La Venus de las pieles es un texto que juega al teatro dentro del teatro; es la mejor fórmula para conocernos, jugar a la vida en el teatro, solo que a veces, descubrimos cosas que tal vez ni intuíamos y que cambiará el desarrollo de la trama. No es habitual encontrar en la cartelera teatral una pieza tan bien construida, cargada de referencias cultas accesibles. Y sobre todo, no aparece fácilmente un juego escénico que permita que dos jóvenes actores desplieguen su técnica para vivir una experiencia profunda más allá de lo interpretativo. Clara Lago y Diego Martín están implicados con los cinco sentidos en el montaje, bien acompañados por David Serrano, el director. Esta obra tendrá larga vida, más allá de esta producción porque permite llegar muy lejos en el discurso ético sin grandes pretensiones escénicas.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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