semínka_semillas en Espacio Labruc
La historia se desarrolla en la República Checa, lugar de nacimiento de la dramaturga y directora de la obra. La atmósfera emocional de la familia refleja el clima gélido del país eslavo y su geografía cercada por otras naciones que le impiden la salida al mar. Y aunque tratan de sumergirnos en la peculiar manera de entender los vínculos familiares en ese país, al final, en toda tribu ocurre lo mismo. La familia es un espacio tóxico hoy y lo fue siempre, del cual surge, a veces la belleza y en otras ocasiones el horror, de todo esto se habla en Semínka.
Adolfo Simón
«El hijoputa del sombrero» en el Teatro Príncipe Gran Vía
Juan José Afonso nos trae a la cartelera la obra de Stephen Adly Guirguis, con 6 Nominaciones a los Premios TONY que sigue triunfando en Nueva York. Juan Díaz encabeza el reparto formado por Raquel Meroño, Miguel Hermoso, Bárbara Merlo y Alberto Jo Lee. La música de los entreactos la pone «El Langui», un conocido cantante de Hip Hop.
Afonso ha apostado por traer a la cartelera madrileña una propuesta muy interesante que puede ser una gran desconocida para el público español, que no está acostumbrado a estar al día de los últimos éxitos teatrales americanos, además añade su grano de arena introduciendo la música de «El Langui» en la obra, con la que convive perfectamente e incluso potencia la sensación de realidad, a veces dura realidad,con la que vamos a encontrarnos frente a frente.
Muchas veces la vida nos pone en situaciones difíciles y tenemos que buscar salidas para huir de ellas. Adly analiza las diversas situaciones de dependencia y caída en adicciones, tanto de sustancias como de personas, provocadas por esos palos que nos da la vida y la sociedad a través de cinco personajes. La puesta en escena es absolutamente contemporánea y resuelta con una escenografía versátil y dinámica que, junto con la música, nos traslada a una especie de serie televisiva en la que no hay cortes entre escena y escena y que no nos aburramos con huecos vacíos.
Los actores aportan también esa frescura que se necesita para abordar una obra con temas actuales, sin caer en engolamientos teatrales pero tampoco en excesiva naturalidad a la hora de interpretar, es decir, actores bien dirigidos y muy preparados que son la guinda para este texto. Cabe destacar la actuación de Juan Díaz en el papel de JACKIE, y de Raquel Meroño, que se afianza como actriz con esta obra. Pero la verdad es que todos los actores dan el DO de pecho y son base fundamental para tener al público interesado durante la hora y media que dura la obra, que, al estar bien construída, tanto en personajes como en escenarios, nos produce una completa inmersión dentro de los problemas y críticas que se plantean en la misma.
En definitiva, una buena propuesta para acercarse al teatro, disfrutar de una propuesta actual y apta para todos los públicos. Pero… ¿Quién es el hijoputa del sombrero?
Luis Mª García Grande.
Novecento en la sala pequeña del Teatro Español
Novecento es un gran cuento mágico que habla de la amistad, de los deseos profundos, del destino, de dar prioridad a las cosas importantes, a esas que obligan a renunciar a lo superficial para dedicar hasta el último aliento a aquello que le da sentido profundo a la existencia. Ya se han visto en nuestros escenarios varias versiones de esta historia. En esta, destaca la sencillez de la propuesta, no han querido adornar la narración con ningún efecto que distraiga sobre lo que se quiere expresar; para que el público se sumerja en las imágenes que desprende la historia de ese pianista que nunca pisó tierra. Raúl Fuertes ha ido al corazón de la narración y lo ha dejado, frágilmente en un espacio vacío, ahora bien, lo ha dejado en manos de un gran actor, de Miguel Rellán. Hay un momento en la carrera de los grandes actores, que asumen un reto, un personaje o función que les hace medirse con su experiencia, tras una larga trayectoria, de este pulso, Miguel Rellán sale victorioso.
Adolfo Simón
Carmen Linares & Trío Jorge Pardo, Carles Benavent, Tino Di Geraldo presentaron Cu4tro en Los Teatros del Canal
Suma Flamenca suele traer a Carmen Linares cada año y este, en el que afronta un nuevo proyecto musical, no iba a ser para menos. Carmen sabe rodearse de los mejores y crear a través del flamenco su propio mundo.
Ayer se nos brindó la oportunidad de verla encontrandose con los músicos más importantes del panorama contemporáneo del flamenco-jazz: Carles Benavent, Tino Di Geraldo y Jorge Pardo.
‘Cu4tro’ es un espectáculo transversal que integra la voz privilegiada de Camen Linares y la identidad sonora del Trío Benavent-Di Geraldo-Pardo. En el repertorio seleccionado para este concierto la cantaora comparte cantes a solas; una seguiriya al compás de la batería de Tino, la granaína con el bajo de Carles y la taranta con la flauta travesera de Jorge. Diálogos que encumbran al flamenco-jazz a su quinta esencia.
El swing del trío junto al cante desgarrador de Carmen Linares darán lugar a un concierto único que encumbra una vez más al arte flamenco a la altura de lenguaje universal.
Un aforo lleno y una noche para disfrutar del flamenco y jazz de la mano de una de sus mejores embajadoras y en compañía del baile de Pepe Torres.
Cante: Carmen Linares
Flauta, saxo: Jorge Pardo
Bajo eléctrico: Carles Benavent
Batería: Tino Di Geraldo
Guitarra flamenca: Salvador Gutiérrez
Baile y compás: Pepe Torres
Coros y palmas: Ana María González, Rosario Amador
http://www.carmenlinares.net
http://www.jorgepardo.com
http://www.carlesbenavent.info
«Vodka en Camerino 3» en Selectos Puraenvidia
La incomunicación forma parte de nuestras vidas. Cada cual busca su excusa para crear sus propias barreras y vivir en su burbuja cómodamente. Esto se experimenta mucho en los actores. Los actores interpretan otras vidas y, muchas veces, cierran las suyas con un muro que puede ser la propia creación de su personaje público o practicar raros ejercicios de relajación para salir de sí mismos y meterse en el personaje. Con estas premisas, Teatro El Puente nos propone dos actrices que son reunidas en el Camerino 3 de manera casual…. cada una con su mundo y sus circunstancias, cada una intentando encontrar su personaje para interpretar Tio Vania de Chéjov. Entre ellas existen varios muros generados por la incomunicación que se van a ir derribando de una manera muy peculiar, como lo resolvería el propio Chéjov, a base de unos tragos de vodka. Una obra corta, pero muy bien resuelta y contenida en un marco, Selectos Puraenvidia, que realza esas pequeñas tensiones que se producen en el mundo actoral.
La compañia ha ampliado sus representaciones y seguirán durante el mes de junio los miércoles a las 21 h. en Selectos Puraenvidia.
Luis Mª García Grande.
El Corral de la Morería, Paseando por los tablaos (III) en Suma Flamenca
El Corral de la Morería es un tablao imprescindible en Suma Flamenca porque reune una decoración, ambiente y flamenco de primera calidad. Por algo dicen que es el tablao flamenco más famoso del mundo. Por él pasan artistas que mantienen el listón de su fama bien alto. Durante estos días podemos disfrutar del cante de «La Tana», un cante muy jondo y que se acompaña de el sentir especial que tiene esta artista recordándonos a otras grandes como pueden ser Lola Flores o la Chunga. El cuerpo de baile está compuesto por Francisco Hidalgo, que derrocha fuerza y ganas bailando por alegrías, y por Juan Ogalla, todo un maestro del taconeo y con un arte que embruja hasta la última mesa. Ogalla ha sido pareja artística de la mismísima Cristina Hoyos, ahí es nada, pero se nota que se lo ha ganado a pulso. Para completar, la mujer: Magdalena Mannion. Magdalena sabe bailar y técnicamente demuestra una maestría que ya ha paseado por medio mundo pero nunca pierde su estilo femenino pese a la abundancia y fuerza de zapateados que inserta en su baile y por eso también se merece pisar el tablao de El Corral de la Morería. Todo un elenco a la altura de estas tablas
Al cante disfrutamos de Antonio «El Pola», Daviz Vázquez y Roberto Lorente. A la guitarra Antonio «El Muñeco» Felipe Maya, que nos agasajó con un solo de guitarra con extractos del Concierto de Aranjuez.
Luis Mª García Grande
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El Corral de la Morería, inaugurado por Manuel del Rey en 1956, es el tablao flamenco más famoso del mundo.
A lo largo de su trayectoria, el espectáculo flamenco del Corral de la Morería ha presentado a los mejores artistas de este arte, entre los que podríamos destacar a Pastora Imperio, La Chunga, María Albaicín, El Güito, Mario Maya, Manuela Vargas, Lucero Tena, Isabel Pantoja, Antonio Gades y Blanca del Rey, junto a cientos y cientos de artistas del cante, la guitarra y el baile.
Emplazado en un lugar privilegiado del corazón de Madrid – junto al Palacio Real, en pleno casco histórico de la ciudad – sus muebles , ménsulas árabes y farolas de los siglos XVIII y XIX nos hacen retrocer en el tiempo y sitúan al visitante en un decorado que recuerda los genuinos tablaos de los orígenes del flamenco.
Considerado como la Catedral del Arte Flamenco en España, es frecuentemente visitado por muchas de las altas personalidades que pasan por Madrid, asi es que no resultará difícil encontrarse en la mesa de al lado con Reyes, Presidentes de Gobierno o famosos artistas internacionales.
CORRAL DE LA MORERÍA
TABLAO FLAMENCO – MADRID
c/ Morería, 17 – 28005 Madrid
Tel.: (+34) 913658446 – 913651137 – Fax: (+34) 913641219
Manlet de María Velasco en Nave 73
A veces oyes hablar de teatro moderno, de propuestas contemporáneas, de escena diferente, de teatralidad que habla de nuestros días…A veces se oye tanto discurso hueco y vacio…Y no solo entre los profesionales que ya no saben cómo definir su trabajo o difundirlo, también desde el público llegan esos comentarios, muchas veces despectivos; como sintiéndose estafados por un discurso que les deja fuera de juego con respecto a lo que debe ocurrir entre el escenario y el patio de butacas: Un pacto de sangre y emoción. En otras ocasiones, se oye el típico…He actualizado un clásico o he modernizado personajes de época…Como si se les pasase por la I.T.V. o como si se les sumergiese en una sesión de revitalización hormonal o lo que es peor, como si se les vistiese con la ropa del más rabioso diseñador de moda del momento. Todo este preámbulo es para decir que…Manlet es justo lo contrario. Un texto contemporáneo que juega con personajes de obras clásicas pero dándoles un valor actual, re-escribiendo su lenguaje pero también su paisaje poético existencial…con belleza y humor, mucho humor negro…Creo que con esta obra habrá un antes y un después en la escritura de la autora. Pero, además, si, hay más…El texto está servido en bandeja de plata oxidada, en una propuesta de dirección y con unos actores que navegan en el filo de la navaja, jugando al peligro sin red protectora. Ay! a veces uno sale del teatro pensando que ese es el mejor lugar del mundo, porque de allí solo se puede tocar el cielo o abandonarse en el infierno. Todavía quedan funciones de Manlet…¿Se la van a perder?.
Adolfo Simón
Como gustéis de Marco Carniti en el CDN
«Una comedia sobre el amor y sobre la búsqueda de la identidad. Un texto ambiguo, mimético, evanescente, filosófico, musical y poético. Una comedia que no se puede o que quizá no se debe definir. Una tragedia que se transforma en una comedia y que ya en la ironía del título desvela su objetivo: Ser como a nosotros, público, nos plazca. Un itinerario de conocimiento filosófico, donde la reflexión humanística sobre el tema del tiempo lleva al descubrimiento de un Nuevo Mundo, un inmenso espacio poético todavía inexplorado. Un viaje a veces oscuro y doloroso para llegar al descubrimiento de otros lugares dentro y más allá de sí mismos». Con estas líneas se describe la propuesta en la web del CDN, la idea del montaje que ha llevado a cabo el director Marco Carniti; por eso el título de esta nota da la pertenencia del espectáculo al director y no al autor, aunque el bardo inglés sea el que aparezca como referencia. Y Shakespeare sobrevive a esta versión tan personal que por momentos hace perder de vista al original, sobre todo cuando entra en secuencias que parecen extraídas de La Guerra de las Galaxias o de un musical de Walt Disney. Los actores defienden tres horas el planteamiento que se les ha propuesto y una iluminación y vestuario estupendos salvan el homenaje al autor inglés en el 450 aniversario de su nacimiento.
Adolfo Simón
Sótano de Benet i Jornet en La Pensión de las Pulgas
Edipo intenta huir de su progenitora porque ha tenido una visión en la que se le augura que terminará engendrando el vientre de su madre, pero a veces, creemos estar huyendo de la fatalidad y sin embargo, estamos acelerando el encuentro con la misma. Benet i Jornet, aunque suene a tópico, si hubiese nacido en Inglaterra, sería un autor reconocido internacionalmente, como es de aquí, pues no se le valora lo que debería; ya es sabido por todos que España es un país que acostumbra a homenajear a sus creadores cuando han muerto o cuando tienen éxito más allá de nuestras fronteras, así de torpes somos. Pero volviendo a lo importante: el texto y la propuesta. En Sótano, de nuevo, el autor plantea una situación anecdótica a partir de la cual se van desencadenando una serie de acontecimientos que van desvelando el misterio y la complejidad de las relaciones humanas. Aquí, un hombre cree que ha encontrado el lugar donde conseguirá respuestas ante la desaparición de una persona y lo que realmente descubre es algo que ni siquiera él sabía sobre sí mismo. Eso, para los griegos era la anagnórisis, el momento en el que el personaje descubre lo que mueve su acción, a su pesar, hacia el hecho trágico. Un texto lleno de sutilezas engarzadas verbalmente, como encaje de bolillos. Un material exquisito para que los actores y el director hayan hecho un viaje hacia el misterio que se puede construir a partir de lo no escrito entre líneas. Juan Codina realiza un trabajo en el que parece que el texto fluye como si lo estuviese pensando en ese instante, Víctor Clavijo le da la réplica precisa y a los dos ha acompañado Israel Elejalde en la dirección, aportando su rica experiencia en la actuación.
Adolfo Simón
tg Stan con Traición de Harold Pinter en el Festival de Otoño a Primavera
Con casi veinticinco años de estrenos a sus espaldas, el sello STAN continúa sin entender de dogmas ni de jerarquías, pero sí de deseo. Un deseo de comunicar, de trasladar su pasión por los textos que ama y a partir de esta premisa, establecen un código de trabajo colectivo que en esta propuesta alcanza la expresión más ajustada de los trabajos presentados, hasta la fecha, en nuestra ciudad.
A menudo, cuando camino por la calle, descubro junto a los contenedores de cartón o envases, montones de ropa o restos de vajillas y siempre me pregunto…¿A qué corresponderán estos restos de algún naufragio?…¿Al final de una vida…de una relación…?. Siempre me veo tentado a recoger uno de esos montones y recomponer, como si fuese un detective, las huellas que allí se acumulan, los detalles que podrían completar el puzle de pasajes de otro tiempo.
Algo de esta idea sobrevuela la propuesta de tg Stan sobre Traición de Pinter. La obra va camino de convertirse en un clásico de la literatura dramática porque contiene, en su estructura y en las escenas que la atraviesan, el tiempo, el desconcierto y el vacio que alberga el deterioro en las relaciones humanas, con el agravante de que, en ocasiones, para sobrevivir a ese horror de la soledad, matamos sentimientos profundos como el de la amistad.
La propuesta que todavía se puede disfrutar en Cuarta Pared es un ejercicio despojado del trabajo de creación que el actor ha de realizar en el proceso hacia el descubrimiento de lo que su personaje siente o piensa entre líneas y además, lo hacen de manera impúdica ante los ojos del espectador. Un trabajo de una complejidad enorme aunque parezca de una sencillez brutal.
Adolfo Simón
Cardamomo, tablao flamenco(Paseando por los tablaos (II) en Suma Flamenca
Cardamomo está en el corazón de Madrid, a un paso de la Puerta del Sol y nada más entrar en la sala, un intenso olor a hierbabuena nos invade, nos acompañará toda la velada, desde el aire y desde el fondo del sabroso mojito que disfrutamos durante la función. La disposición del público es fantástica, nuestra mirada queda a la altura de los pies de los bailaores, disfrutando de los compases y ritmos que realizan con brío y fuerza.
El tablao flamenco Cardamomo une la danza que brota natural de la expresión del sentimiento, ofrece una experiencia de raza como soporte a la comunicación que propone el artista, ofreciendo al espectador la propia vivencia de su emoción interior mientras se cena o se toma una copa.
Durante esta semana, dentro del programa de Suma Flamenca, se puede disfrutar de un grupo de jóvenes artistas que darán mucho que hablar por su arte y duende…Al baile están Paloma Fantova, Kelian Jiménez, David Paniagua, al cante: Rafita de Madrid y Juañarito, a la guitarra: Amós Lora y Joni Jiménez y a la percusión: Antonio Losada.
Adolfo Simón
La ópera del Malandro de Chico Buarque dirigida por Vanessa Martínez
En los años cuarenta del siglo pasado, en Rio de Janeiro, Durán el magnate de los burdeles y el contrabandista Max son rivales. Su enemistad se agudiza cuando la hija del primero se casa en secreto con el segundo. A ritmo de samba, Bossa Nova y comedia conoceréis a la esposa de Durán con sus sueños de respetabilidad; a un transexual que juega a dos bandas; al cínico comisario de policía; a las amables “funcionarias” de los prostíbulos y a los elegantes compinches de Max. Esta sinopsis podría ser la descripción de algo que ocurrió en el siglo pasado en Brasil o podría estar ocurriendo en nuestros días en cualquier rincón del mundo, desgraciadamente, la pieza tiene una rabiosa actualidad porque habla de lo que mueve al hombre eternamente: Salir de la miseria aunque sea pisando el cuello del prójimo y una vez se ha llegado a «ningún lugar» seguir manteniendo el pulso al poder. Al final, todos somos víctimas de nuestros deseos y ambiciones. La ópera del Malandro es un espectáculo de gran formato que ha asumido con generosidad la Compañía Teatro de Fondo. Un grupo grande de actores-cantantes que se desdoblan en escena haciendo múltiples funciones con rigor y entrega y música en directo, que suena excelentemente. En estos tiempos de recortes y pobreza escénica, se agradece que un grupo de locos se meta en un empeño así, para divertir al público, haciendo que mire un poco más allá de la sonrisa.
Adolfo Simón
Las dos bandoleras de Lope de Vega en la Compañía Nacional de Teatro Clásico
Se ha hecho a menudo un retrato de las serranas como mujeres matahombres y salteadoras para desfigurarlas, pero en realidad el bandolerismo ha sido siempre un fenómeno sociológico universal, producto de factores relacionados con la miseria y la injusticia en algunos momentos determinados, que propiciaron una rebeldía como única respuesta a una sociedad que sólo defendía los intereses de unos cuantos y, en este caso, de los hombres. Creo que una de las funciones de un centro de producción teatral es mantener vivo el repertorio de la gran literatura dramática y al tiempo, descubrir textos y dramaturgias poco conocidas o representadas, la CNTC, en esta nueva etapa, lo ha entendido muy bien y está posibilitando un equilibro entre los autores y obra conocidos y los no tanto. Aunque Lope de Vega es uno de los grandes nombres del Siglo de Oro, Las dos bandoleras no es uno de sus textos más conocidos. Para placer de los aficionados al verso, se ha llevado a la escena con una dramaturgia de Marc Rosich y Carme Portacelli, dirigida también por esta última. Un montaje que combina elementos referenciales de la época en un espacio escénico contemporáneo.
Adolfo Simón
Rotas de Luis Lorente en el Teatro Marquina
De vez en cuando, las noticias nos asaltan con un caso más de violencia de género, es una pesadilla que no termina nunca. Por eso, es importante levantar la voz desde cualquier medio artístico contra este horror. Creo que Rotas tiene unos elementos esenciales que la convierten en un vehículo excelente para hablar de este tema. Por un lado, la propuesta es muy sencilla, despojada…Un apoyo audiovisual de fondo va marcando los momentos y sensaciones que se abordan a lo largo del espectáculo y unos breves textos en off enmarcan el devenir de los personajes. Y sobre todo, el trabajo físico de las dos bailarinas que, desde diferentes formas de flamenco, nos permite acompañar a las dos mujeres por un mundo de miedos y oscuridad; la lucha a veces es con el otro, con uno mismo o con el compañero de viaje…Y en muchas ocasiones se pierden cosas en el camino, pero, lo importante es tener claro que la decisión está en cada uno de nosotros, modificar el viaje e ir hacia un espacio de libertad y sin dolor, es lo esencial.
Adolfo Simón
El gato con botas, el miaaauuuu…sical en el Nuevo Teatro Apolo
Los cuentos ya no son lo que eran, ahora tienen una estética más colorista y sugerente en todo lo referente a vestuario, escenografía y luces…Y si son musicales, pues tienen sones actuales, en este caso, el gato y sus compinches se mueven a ritmo de música disco. La propuesta es divertida y de gran participación con el público que acude. Una oportunidad de llevar a la familia al teatro en puertas del verano.
Adolfo Simón
«Tuppersex» en el Teatro Nuevo Alcalá
Confieso que me lo creí porque la escenografía era tan real como la vida misma: empieza la función y parece que nos han engañado y asistimos a una presentación de los productos típicos que se venden en esas reuniones de tuppersex para formarnos como futuros «asesores» del sexo. Una Elena Fortuny, ejecutiva con tablet y presentación powerpoint, nos introduce en el fascinante mundo del márketing sexual de una manera completamente fría y empresarial. Su sonrisa forzada, su correcta emisión sonora, su serenidad y empatía me hicieron dudar…Imagínense el mosqueo que te entra al pagar una entrada y verte en semejante formación obligada…
Pero todo cambia cuando irrumpe Gretel Stuyck, una excéntrica y voluptuosa peluquera, en sustitución de la sexóloga que iba a seguir con los aspectos «técnicos» de la sesión… a partir de aquí la risa está asegurada en esta comedia de Edu Pericas, el creador de la ya conocida «Confesiones de Mujeres de 30». Pericas coge algo del típico humor español a lo Lina Morgan, a veces algo exagerado y soez, pero que hace que el público entre en el juego actoral y, también hace una crítica ácida mediante la ridiculización de las típicas charlas de técnicas de venta, marketing, coaching, etc. para que caigamos en la cuenta de las situaciones que vivimos a diario y de cómo nos quieren comer el tarro, incluso en el sexo.
Un buen rato rodeado de dos estupendas actrices, aparatos de toda clase, polvos de miel y donde ustedes tendrán que elegir si se hacen un moño o se sueltan el pelo, cosa que es muy importante como actitud vital…y sexual.
Luis Mª García Grande.
SUMA FLAMENCA: Paseando por los tablaos (I) Café de Chinitas.
El Café de Chinitas es un pequeño joyero decorado por dentro con mantones de Manila, sillas de enea pintadas de rojo y fotografías de grandes flamencos que nos recuerda la iconografía creada por Federico García Lorca a través de sus poemas y dibujos y nos transmite la sensación de estar dentro de una pieza de chinoserie. Un lugar agradable donde poder cenar, tomarse una copita y disfrutar de un buen flamenco. Sobre sus tablas han pisado grandes artistas, algunos incluso descalzos, como La Chunga, claro que ella, si no pisaba descalza, no lo pisaba. Un lugar para todos los públicos, nacionales y extranjeros. En Suma Flamenca mantienen su programación con el cuadro flamenco de la casa, que tiene solera y saber hacer. Saben hacer que el público se sienta agusto viéndoles y saben transmitir lo mejor del cante y baile jondo. La Antonia es el alma de este cuadro y lo gobierna con la maestría de sus años y su experiencia. Además cada noche tiene artistas invitados y entre ellos podemos ver a Marcos Jiménez, que se trae en las espaldas todas las «tablas» que tiene. Empieza tranquilo pero luego se crece y acaba pisando el tablao y demostrando que puede bailar tranquilo en este espacio que respira solera y buenos momentos vividos.
Luis Mª García Grande.
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CAFÉ DE CHINITAS
http://www.chinitas.com/espectaculo/
- Programación especial con Pilar León, Soledad Gómez, Antonia González, La Pescailla Chica, Domingo Jiménez, El Canto, Enrique Bermúdez, Jesús Soto Pantoja, Pedro Jiménez ‘Perrete’, Artistas invitados
Del 4 al 29 de junio, de lunes a sábados, a las 20:15 y 22:30.
Inside de el Niño de los Reyes en Off Latina, dentro de Suma Flamenca
En el recién inaugurado Off Latina que tan buenas expectativas propone en su futura programación, se ha presentado el Niño de los Reyes con Inside, acompañado con arte por Alain Pérez al bajo, David de Jacoba al cante y Juan José Suárez «Pakete» a la guitarra. Este viaje hacia adentro como propone el título no solo lo realizan los espectadores al adentrarse en la entradas de Madrid bajando a las cuevas del Off Latina, también lo realizan los intérpretes mostrando esa intimidad, donde los artistas, de la mano de un vaso de vino, dejan asomarse al duende, ese que se sabe que existe pero que nunca se puede prever cuando aparecerá. El Niño de los Reyes se rodea de arte para ser empujado en el vuelo que realiza con sus manos y pies. Un joven con gran talento que sabe conseguir el equilibrio entre lo flamenco y los elementos precisos para hacerlo accesible a un público de hoy. Duende de siempre en un lienzo contemporáneo. Un placer para los sentidos.
Adolfo Simón
El Jardín del Temblor de María Toledo en Suma Flamenca 2014
El escenario de la Iglesia del Teatro del Abadía se ha convertido durante unos días en un jardín zen. Un espacio simbólico y blanco, cargado de poesía y ritmos, allí, María Toledo deambula entre claveles blancos, ciervos y árboles recortados, abandonada a poemas que han trascendido al tiempo y que en su quejío adquieren contemporaneidad. Hay un aire nipón en la sencillez de la propuesta y la figura estilizada creada para la artista que toca, canta y hace volar sus manos acariciando los ventanales de este singular lugar. Mateo Feijóo dirige a la interprete de manera sutil, para que su duende inunde la escena.
Adolfo Simón
Lebensraum (Espacio Vital) de Jakop Ahlbom en el Festival de Otoño a Primavera
La última creación de Jakop Ahlbom es una pieza arrebatadora que saca a escena a dos hombres que viven en un espacio reducido y deciden incorporar a su mundo a una criada mecánica. Pero el robot resultará tener opiniones propias y la tensión y el ritmo irán creciendo sobre las tablas mientras el espacio se va haciendo cada vez más y más pequeño. Y, todo ello, aderezado con la fabulosa música en directo sobre las tablas de la banda holandesa Alamo Race Track. La sala José Luis Alonso del Teatro de la Abadía se ha convertido durante unos días en un gran teatro de autómatas. El decorado de este montaje es la reproducción de una habitación en la que el tiempo se quedó detenido décadas atrás. Y ese transcurrir de años ha ido construyendo hilos ocultos que darán vida a los personajes que en ella habitan, seres que ya han dejado su parte humana para que aparezca la mutación hacia lo que ahora entendernos como robots. No hay lenguaje como comunicación, los gestos y peripecias físicas son el vínculo que les une. Es como si nos mostrasen la involución de la especie hacia comportamientos parecidos a los de las máquinas. Hay dos planos muy interesantes en la pieza, la parte musical perfectamente integrada en la propuesta y la interpretación gestual, rayando la genialidad, de los tres intérpretes.
Adolfo Simón
Los Mácbez de Juan Cavestany y Andrés Lima en el CDN
Nacemos con las manos manchadas de sangre y por más que tratamos de limpiarlas, no lo conseguimos. Hay algo en el ser humano que le inhibe de la evolución y le vuelve a la animalidad, seguramente es lo mágico, el poder y el sexo. Y todo esto está expuesto en Mácbez, en esa ceremonia de laboratorio donde el sexo y la sangre se dan la mano en un coito sin fin. Por el espacio frio y opresor que ha imaginado Beatriz San Juan, inquietantemente iluminado por Valentín Álvarez, deambulan seres que parecen recortables y clones del tópico de lo que entendemos por un mediocre que ambiciona salir de sus miserias personales a costa del sufrimiento de los otros. Ese coro de seres degenerados que visten pulcros trajes es dirigido por los dos protagonistas de la obra, Mácbez y Señora; son los únicos que no cambian de máscara, todo el tiempo están cambiando de piel pero siguen siendo los mismos perros con distintos collares. La versión de la obra de Shakespeare es libre y así ha de ser si así se nombra en el programa de mano, por tanto, no hay engaños para el espectador. Se agradece que las situaciones y personajes de la obra original se crucen con seres de nuestra actualidad más rabiosa, creo que es un gran acierto. Pero el montaje está lleno de riesgo, en ningún caso gratuito, siempre expuesto con aplomo. Y hay un equipo de actores…Chema Adeva, Jesús Barranco, Laura Galán, Javier Gutiérre4z, Carmen Machi, Rebeca Montero y Rulo Pardo que se multiplican en todo lo que precisa cada momento, olvidando que la belleza es el motor del mundo, aquí, todo es horriblemente hermoso, como es la realidad, como somos en nuestro interior.
Adolfo Simón
«Muda» y «Las plantas» de Pablo Messiez
Una de las cosas más interesantes que se han programado en la nueva línea de la Sala Mirador ha sido el ciclo dedicado a Pablo Messiez, se ha podido disfrutar de nuevo de su trilogía más personal: Muda, Los ojos y Las plantas. Sin duda, Pablo ha mostrado en poco tiempo una serie de piezas que dejan constancia de su «Voz personal». Lo más difícil es conseguir que el teatro que uno hace, cuando el público lo ve, pueda identificarlo con el autor. Hay muchas obras que tiene un sello tan específico que podrían haberlas dirigido cualquiera de los popes del teatro nacional o internacional. Con Messiez, ocurre que cuando ves sus espectáculos tienes la sensación de que en cada uno busca estilos diferentes pero que quedan atrapados en un mismo misterio profundo, seguramente el de la comunicación de los seres humanos. En Las plantas, mostrada en una sala de trabajo de la Mirador, nos encontramos ante una mujer que habla con las plantas que la acompañan, las convierte en sus cómplices hasta que abre su mirada a los allí congregados, a partir de ese momento, ella rompe las cuarta pared de la escena y nos abre su corazón en canal. Ya antes, ha estado dejando caer entre las líneas de esta confesión impúdica, el vacio del silencio y el miedo a las caricias; es más fácil abandonarse a los cuerpos y al alcohol…pero…¿Qué ocurre cuando se baja de la montaña rusa del corazón y se aterriza en la lúcida cabeza?…Solo nos queda mirar los objetos que nos rodean y construirnos unas alas de papel para volar sobre la voz negra de Nina Simone. Y si no, ponernos un vestido verde clorofila y echarnos a la calle, temprano para que no se haga tarde. Las plantas han de volver en algún momento a nuestras carteleras y han de ir a ver la propuesta porque está en el filo de la mentira y la vida…algo imprescindible para sobrevivir y porque hay una actriz en estado de gracia que se llama Estefanía de los Santos.
Adolfo Simón
A veces existe algo importante que decir y no podemos expresarlo, bien por nuestra propia voluntad, que no tiene fuerzas para manifestarse, bien porque los demás no nos dejan. Hablamos, hablamos, hablamos… y no escuchamos. Aprovechamos el silencio del otro para desahogarnos, para satisfacer nuestro propio ego sin importar lo que el oyente piense o, incluso, quiera escuchar. El proceso de comunicación está distorsionado por nuestra propia mente: un emisor prepotente, un emisor incapaz de buscar un mensaje adecuado o quizás un emisor mudo pueden ser muchos de esos esperpentos que influyen en ese proceso comunicativo. Pablo Messiez analiza en esta obra el proceso de comunicación a través de tres personajes que representan distintas maneras de relacionarse debido a sus circunstancias personales, a su ciclo vital.
Seguro que han vivido estas dos situaciones: una vecina que llega a tu casa y no para de hablar y contarte su vida, un señor que parece algo tímido y al que le salen las palabras cuando bebe dos cervezas…
Imaginen una persona muda que alquila un apartamento. una persona a la que no conocen de nada… pero que tiene mucho que decir. El conserje y su alocada vecina serán las claves para ir construyendo el puzzle de su vida y, quizás ellos sean una de esas piezas a ensamblar.
Messiez dota a sus personajes de un carisma y poesía que les hace casi irreales pero que al final reflejan fielmente lo que cada uno lleva por dentro y hace que reconozcamos comportamientos que existen en nuestra vida. Son como un reflejo distorsionado de la personalidad pero, al fin y al cabo, acaban dando una imagen reconocible, identificable de cada uno.
La interpretación de los tres actores, dentro de una escenografía sencilla pero también influyente, es soberbia y perfecta para conseguir los fines que persigue el autor y eso es algo que se consigue muy pocas veces.
En definitiva, una obra que nos mantiene con la tensión necesaria para no dejar de prestar atención a cada movimiento y gesto de los personajes y para esperar un desenlace de una situación un tanto extraña, pero totalmente real.
Luis Mª García Grande 
Carne viva de Denise Despeyroux en La pensión de las pulgas.
Ay! esto ya no es lo que era, ni este mundo ni el teatro, siendo como es, una pieza clave de nuestra sociedad. Por suerte ya no es lo que era, antes, el público se sentaba en un patio de butacas y se lo daban todo masticado. Ante sus ojos se cambiaban los decorados e iban transcurriendo las escenas de la obra. Bueno, es verdad que algunos colectivos incluyeron la animación en sus espectáculos y los espectadores tenían que participar quisieran o no. Lo que está cambiando de un tiempo a esta parte es el juego dramatúrgico con el espacio en lugares no convencionales como La pensión de las pulgas pero no me refiero a ir de una habitación a otra, no, aquí, la autora y directora, Denise Despeyrous crea una estructura cuántica en la que nos involucra y somos nosotros, de manera casual, los que vamos contrayendo el periplo de la acción; el público se divide en tres grupos y ninguno vivirá la misma historia aunque se esté contando lo mismo a través de los tres espacios que se recorren. En toda la propuesta hay algo de disparatado y surrealista, como los tiempos que estamos viviendo, así, durante dos horas, entramos en un bucle que por más absurdo que parece ante nuestra mirada, al salir, uno piensa…es la mejor manera de contar la realidad.
Adolfo Simón
Mierda de artista, el musical en los Teatros del Canal
Piero Manzoni fue un artista que trató de conseguir un lugar en el universo del arte pero se dio cuenta que si no le daba espacio a la provocación, por sí mismo, aunque fuese genial, no iba a pasar a la posteridad, porque una cosa es ser un genio y otra saber vender la genialidad. Así, su vida fue un intento por conseguir que sus ideas fuesen respetadas, rodeado de una galería de personajes más surrealistas que sus propios disparates. Ferrán González y Joan Miquel Pérez han creado un pequeño musical en el que nos muestran de manera sencilla y jocosa lo que suponía ser artista y provocador en los sesenta-setenta y lo ha dirigido Alicia Serrat con ingenio y agilidad. En estos días, Mierda de artista es una buena razón para acercarse a los http://www.teatroscanal.com y ver que los creadores siguen demandando un espacio propio y personal en el mundo.
Adolfo Simón
Que Revienten los Artistas 
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